11 son, como el 2011 que se va. Pudieron ser más -de hecho, hay muchas que pueden fácilmente estar en este listado, además de las que no vimos en cartelera-, pero nos hemos concentrado en los estrenos comerciales que más impacto me generaron en este tiempo. Ahí les va, como una forma de motivar la conversación, el debate o –de hecho– la polémica, sin ningún orden en particular:

El peleador (The Fighter). Mark Wahlberg y Christian Bale protagonizan una película entrañable, en el cual el boxeo es protagonista, pero lo son también las relaciones familiares y el retrato inmisericorde de la frustración humana y el poder de la superación. Frente a la resignación de Bale y la ambición de Wahlberg, se contraponen un par de actuaciones femeninas contenidas, las de Amy Adams y Melissa Leo. Emocionalmente, «El peleador» duele y conmueve, no solo por los golpes que se dan y reciben, sino también por los que se perciben y sienten en el alma de sus protagonistas. La vida se combate no solo en los rings.

Triste San Valentín (Blue Valentine). En cualquier otra circunstancia, esta película me caería espesa. Esas tribulaciones permanentes, cansinas, esas peleas depresivas y deprimentes; todo parece venirse abajo, pero siempre hay más dolor, más problemas, más porno sentimental. Si esta cinta clínicamente enferma se convierte en memorable es únicamente por dos aspectos: las actuaciones y la forma como el director Derek Cianfrance filma esas actuaciones. Ryan Gossling, capo, se hace una de las performances actorales de su vida. Se ve que necesita, por un lado, que le den una buena pateadura y, por otro, que lo abracen muy fuerte. Michelle Williams, la viuda de Heath Ledger, está loca, es inestable, es mala mujer, es víctima, es madre sufrida y es tan frágilmente bella que dan ganas de rescartarla y prometerle que todo estará bien. Ante tamaño dúo de actores, esos tonos azules, esa sequedad expresiva visual no pueden ser más #foreveralone y precisas.

Con temple de acero (True Grit). No había visto el clásico en el que se basa este remake hasta hace poco. Pero los hermanos Joel y Ethan Coen no pudieron elegir mejor cinta para dar rienda suelta a su talento. Un justiciero borracho, antihéroe crepuscular (Jeff Bridges, maestro), se une a la cruzada de una niña (sorprendente Hailee Steinfeld) que le promete un pago con fin de vengar la muerte de su padre. En el camino se les une el buen Matt Damon y se desata la coboyada. Pero hay algo mucho más allá: hay nostalgia a forro. Hay dureza y masculinidad, pero también honor y un sentido innato de la justicia, esa que se resume en la Ley del Talión. Hay una tristeza contenida que se puede atisbar en medio de tanto sudor, tanto desierto, tanta sangre y tanta sed.

X-Men: primera generación (X-Men: First Class). La franquicia de los mutantes se anota un golazo con esta adaptación, que sitúa el encuentro de sus más conspicuos representantes, Magneto y el Profesor Xavier, aún jóvenes, en medio de la crisis de los misiles de 1962. De más está decir que la adaptación no tiene pierde, no solo porque explora un poco la mitología del grupo, sino también se adentra profundamente en las historias personales de quienes más adelante son enemigos, pero en algún momento fueron buenos amigos, luchando en el mismo bando. Inmejorables James McAvoy y Michael Fassbender, tratando de evitar la guerra nuclear, además de la presencia del injustamente subvalorado Kevin Bacon, actor mayor de su generación.

El escritor oculto (The Ghost Writer). Roman Polanski construye una película histérica, neurótica, al estilo de los mejores thrillers, en los que se mezclan los elementos clásicos del género y la intriga política. Una biografía de un ex Primer Ministro une al narrador Ewan McGregor con el poderoso y calculador Pierce Brosnan, protagonistas que van mutando paulatinamente en perseguidos, en potenciales víctimas de una maquinaria que se basa no solo en la manipulación de la verdad, sino también en métodos muchos más siniestros. Sólida, alucinada y visualmente impecable, en la mejor tradición de Polanski.

El planeta de los simios: (R)evolución (Rise of the Planet of the Apes). Uno se imaginaba a la franquicia derrotada, luego del fracaso de la cinta de Tim Burton. Lo cierto es que la franquicia juega inteligentemente a rebobinar, a volver al pasado. Narrando la historia de cómo experimentos científicos destinados a curar a los humanos de la degeneración de células cerebrales van creando una especie de simios inteligentes muy por encima del promedio, liderados por uno particularmente notable, con emociones equiparables a las de las personas, pero enfocadas en su concepto de la supervivencia y la fiereza animal. Gran trabajo de producción (entre ellos de los efectos especiales), un guión inteligente que aprovecha con propiedad cada vuelta de tuerca de la leyenda, así como el rol inolvidable de Andy Serkis como César, el gran jefe mono, forman parte de uno de los aciertos de uno de los blockbusters más interesantes del 2011.

Enterrado (Buried). Sorpresa que pudimos ver a inicios de este año. Dirigida por Rodrigo Cortés, esta producción española nos dio ejemplo de que el cine se puede armar a partir de cualquier cosa, con imaginación, con un buen guión y un lenguaje visual contundente. Ryan Reynolds al borde de la hiperventilación y la asfixia (demostrando lo muy buen actor que es), un ataúd, un Blackberry y una trama que se aprovecha de todos los temores y toda la claustrofobia posibles. Una sola locación (¡y qué locación!) bastan para alcanzar, con astucia, el supremo fin: mantener al espectador alerta e interesado por una película que quizás con otras manos y otro actor se hubiese desbarrancado clamorosamente.

La noche del demonio (Insidious). Ese título en castellano puede atarantarte. El hecho que su director sea James Wan, quien alguna vez inicio la saga «Saw» te puede hacer dudar (aunque sea el mismo creador de «Sentencia de muerte», ese clásico de culto protagonizado por Kevin Bacon). Pero, vamos, no seas prejuicioso, cinéfilo. «Insidious» es una de esas raras cosas que pasan en cartelera: una película de terror plagada de detalles, de estilo y de momentos memorables, que no sucumbe solamente a la edición ni a los efectos especiales, sino te hace recordar por qué el género puede reivindicarse sin alejarse de su tradición. Efectiva y efectista, nostálgica y usando impecablemente sus recursos para asustar, teatral y friki (una de las escenas más memorables del 2011 es la de la sesión médium del climax de la cinta), acá hay material para seguir insistiendo en meter susto con propiedad e inteligencia.

Rito diabólico (Thirst). Chan-wook Park es uno de los cineastas contemporáneos más alucinados del mundo (su filmografía lo delata). En esta oportunidad, el coreano filma un producto extraño, bizarro, gore y chocante en el más amplio sentido del término. Un cura católico desea hacer el bien a la humanidad y se somete a un extraño experimento que lo convierte en un ser que necesita beber sangre para sobrevivir. En ese camino, va rompiendo poco a poco su contención religiosa y se entrega al desenfreno, la pasión y el descubrimiento del sexo. El amor llega de la mano de una mosquita muerta que poco a poco se convierte en una arpía que troca parafilias a cambio de una libertad insuperable que la lleva al crimen y la locura. Park hace lo que quiere y nos muestra un cosmos donde prevalece, sin duda, una historia de amor bastante peculiar, coherente con una de las filmografías más alucinante de la actualidad.

Medianoche en París (Midnight in Paris). Woody Allen vuelve, pero no con cualquier película (en verdad ninguna película que haga Woody puede calificarse como tal, sino en comparación consigo mismo), este es un filme mayor dentro de su tan vasta y apreciable cinematografía. Una comedia romántica es el pretexto del director para adentrarnos, una vez más, dentro de su mente, de eternos resplandores. De pronto, la luna de miel de un escritor bohemio se convierte en una cita con los años veinte y con personajes tan disímiles como F. Scott Fitzgerald, Picasso, Cole Porter, Dali y Buñuel. Reparto de primera (como es usual), donde destacan Owen Wilson, Tom Hiddleston, Rachel Adams y Adrien Brody. «Medianoche en París» es una gran película alleniana, que se ve con humor, alegría y melancolía.

Cisne negro (Black Swan). Darren Aronofsky es un cineasta que no entra en vainas ni medias tintas. Se lanza con todo en cada proyecto, y lo hace con un sentido de la pasión que no admite discusión (aunque en el camino sus productos puedan, o no, ser perfectos). «Cisne negro» es una de sus mejores películas, en las que se mezclan Tchaikovsky, la devoción del creador por el universo de Satoshi Kon y el deseo por plasmar una radiografía del perfeccionismo más obseso y demente, afincado en el mundo de la danza. Lo real del filme de Aronofsky no reside en sus efectos o en su guión, sino en lo fácil que podemos, por momentos, identificarnos con cada una de esas partes que encarna la insuperable Natalie Portman/Nina Sayers (un papel que ha elevado a la gloria a su protagonista). Un reparto donde lucen además Mila Kunis (ángel perverso y objeto de deseo), Vincent Cassel y la siempre notoria Winona Ryder. «Cisne negro» es un cuento de hadas macabro, digno de la más pintada antología de la cultura popular cinematográfica de nuestros tiempos.