Escritor de vida tan turbulenta como sus mismas obras, Jean Genet se convirtió desde los años 40 en una de las figuras más prominentes y polémicas de la cultura francesa. Hijo de una prostituta, Genet pasó sus primeros años en hogares ajenos, y pronto tuvo problemas con la justicia por constantes robos y prostitución masculina. Pero ese paseo por los bajos fondos fue nutriendo también una idea, una estética que fue cultivando para plasmarla en el momento que decidió trasladarla al papel. Fue tras haber superado más de una decena de arrestos que terminó por dar en una celda de por vida. Tiempo fuera que sin duda le valió para darle coherencia a una obra literaria que de a pocos era publicada en Francia y era aplaudida por las más diversas personalidades como Cocteau, Sartre, y hasta Picasso. Tras la mediación de estos, el condenado Genet salió de la prisión para dedicarse a alimentar una fama de artista excéntrico, prolífico y genial.

Toda su obra, que incluye novelas, dramas, poesía y ensayo, gira en torno a las descripciones sórdidas del bajo mundo, especialmente las que derivan de su más que conocido mundo homosexual marginal, ambientes miserabilistas o de extraño exotismo en los que se desarrollaban intrigas a las que adornaba de un singular lirismo y que se convirtió en emblema para muchos en las décadas posteriores. Varias de sus obras más notables como Las criadas, Severa vigilancia y Los biombos; fueron adaptadas a la televisión en los años 60; Fassbinder hizo de su Querelle, una de las películas más polémicas de su carrera; y su fan David Bowie le dedicó The Jean Genie.

Una faceta que exploró brevemente fue la de cineasta. En 1950 dirigió Un chant d’amour, se trata de un no menos provocador cortometraje en el cual se vislumbran, con sorprendentes ideas cinematográficas, todos los fantasmas y obsesiones que lo caracterizaron. Apenas le basta el reducido espacio de un par de celdas de una prisión y algún exterior para crear una atmósfera cargada de un erotismo perturbador. Fantasías sexuales, miserabilismo y romance, reunidos en imágenes que van de lo sugerente a lo explícito. Una muestra más de ese talento maldito, al que el destino le permitió una vida bastante larga a decir verdad. A continuación, pueden ver este trabajo, pero ojo, que el contenido no es para todos los gustos y sensibilidades:

(Vía Moonfleet)

En 1974 Brian De Palma realizó una de sus mejores y más frescas películas. Hasta cierto punto, Phantom of the Paradise se convirtió en el punto culminante de una carrera de amplia proyección como lo estaban siendo, a la vista de Hollywood, otros talentos surgidos de los predios menores, cine de serie B e independiente en general.

A su manera, esta película reúne en un solo bocado (o concierto) toda la chirriante y barroca extravagancia del cineasta. Para este baile de máscaras y aniquilamientos no hay otro motivo y ambiente que el mundo del espectáculo. El paraíso del título es el palacio de moda, el que se abre de par en par y deleita a la generación del proto metal y el glam rock.

De Palma deja salir su característico y gusto por el choque y el efectismo pero en el mejor sentido. Phantom of the Paradise es un espectáculo notable y paseo por la feria o el carnaval lleno de trucos y juegos teatrales rodeados de humaredas. Un cóctel que presenta la furiosa escena underground y sus entretelones, salpicados del transformismo grotesco, bizarro y no poco sensual. Incluso busca referencias más atrás, para dar forma a su protagonista de antología (el poco notorio William Finley): Dorian Gray, Fausto y el enmascarado de Gaston Leroux. En suma, una ópera rock fastuosa y delirante en la era del desenfreno que siguió tras los cánticos bien intencionados de la era hippie.

Michel Houellebecq, el nombre más polémico de las letras francesas, hará su debut en el cine. El autor de la desoladora Las partículas elementales (uno de esos libros que no debes leer con el ánimo en baja), se ha propuesto en seguir siendo motivo de discusión en la cultura de su país y la internacional por extensión. El vehículo de esta ocasión será la versión a la pantalla grande de la que es, hasta ahora, su última novela.

La posibilidad de una isla es una narración que continúa el característico interés del autor por el mundo desamorado, industrializado, cínico e infinitamente consumista y mercenario que visualiza en la actualidad y el futuro cercano. Una sociedad pragmática y casi sin motivaciones, en medio de las sofisticaciones tecnológicas y las bonanzas económicas, que apela al sexo y diversas extravagancias inmediatas y de toda índole, para alcanzar esa dirección perdida en el mapa globalizado y pluricultural. Convertido en la vedette absoluta de las broncas intelectuales de su país, Houellebecq ha tenido que vérselas con reclamos que van desde su extraña y reaccionaria ideología, tal vez misógina y anti islámica. Este show de los medios quizá hasta dejó de lado muchas de las indagaciones sobre quien es considerado uno de los narradores más importantes de la literatura actual.

En clave de ciencia ficción, como lo era de manera no tan disimulada Las partículas elementales, La posibilidad de una isla presenta la historia de Daniel, una estrella de la comedia, autosatisfecho, cínico, e incorrecto, quien nos va narrando su vida amorosa, y sobre todo sexual, cuando entre en contacto con una secta llamada los Elohimitas (con obvia alusión a los Raelianos), quienes se encuentran realizando dieversos experimentos con la clonación en busca de la inmortalidad.

No es la primera vez que se adapta el oscuro universo del francés (con toques de Sade y Lovecraft). Hace dos años se estrenó una versión alemana de Las partículas elementales con Franka Potente, pero no repitió ni de lejos el suceso del libro. La novedad de esta producción es que el mismo Houellebecq se encarga de dirigirla (en realidad ha sido autor de muy esporádicos cortos desde antes de alcanzar la fama), mientras que el actor Benoît Magimel (La profesora de piano, La flor del mal) es el protagonista. El estreno en Francia está previsto para el 10 de setiembre, y sin duda la artillería de todos los sectores va siendo preparada. Vean el tráiler:

(Vía Twitch)

Con todas las que han tenido que lidiar en la última administración, los norteamericanos se encuentran celebrado su día nacional rompiendo el fin de semana. Desde acá nos plegamos a la remembranza con uno de los títulos que mejor representaron las diversas caras del patriotismo, que antaño se vendiera como un incuestionable concepto, exento de humanas dudas y reflexiones.

Oliver Stone le dedicó hace diecinueve años una de las películas más fuertes y cuestionadoras hechas en Hollywood (antes de que tendiese a la manipulación). Nacido el cuatro de julio es una mirada ejemplar al camino que siguen los ideales en la mente y conciencia del hombre durante las diversas etapas de su vida. El contexto de la guerra de Vietnam se convierte en el escenario de aquel traumático camino a la madurez. Posiblemente sea tan intercambiable como varias otras circunstancias a razón de las ideas, los sentimientos o motivos más profundos y universales que se ven representados en ellos. Pero ahí se encuentra precisamente el valor de una obra como la de Stone y en particular la de una historia tan entrañable como ésta, indagando con sensibilidad a través de la historia.

Tom Cruise luce en su primer momento como verdadero actor en el papel de Ron Kovic. Ni héroe ni villano, tratando de comprenderse a sí mismo en medio de ese enorme rompecabezas de millones de piezas. Una lección de cine conmovedora y brutal a la vez. Emocionante en suma.

El tráiler

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Otra nueva versión de un clásico se aproxima a las pantallas de cine. El día que se paralizó la tierra, es uno de los filmes de ciencia ficción más interesantes de los años 50. Aquella película dirigida por Robert Wise se acercó de una forma distinta a la tendencia paranoica y apocalíptica del cine de la postguerra. Donde otros exponentes presentaban gigantescos complots de extrañas civilizaciones o mutantes criaturas que exacerbaban los ánimos beligerantes y patrióticos del “buen ciudadano”; The day the Earth stood still hacía un llamado a la conciencia, la comprensión y la paz. Una mirada lúcida al mapa geo-socio-político de la época que no dejaba de ser una inquietante afirmación, tan poderosa como sus sensacionalistas coetáneas. Pero, por encima de ello, esta película se desenvolvía con una narración fascinante, a medio camino entre el fantástico (casi siempre sugerido, a excepción de las secuencias en la nave espacial) y el cine policial.

Ahora toda la Tierra (y en especial, la etnia cinéfila) se paralizará en diciembre ante el estreno de la nueva versión que protagoniza el popular Keanu “Neo” Reeves. Revestido otra vez de su aura mística y acompañado de los efectos especiales de ley, el actor de The Matrix se convierte en Klaatu, el visitante y mensajero que tendrá que hacer frente a más pesadillas, entre estúpidas y burocráticas, que las que la raza humana imagina con su presencia. Lo acompañan la siempre bienvenida Jennifer Connelly, la veterana Kathy Bates, el divertido John Cleese, y el pequeño Jaden Smith, el hijo de Will Smith. Pasen revista al tráiler:

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Continuando con la influencia hitleriana en la cultura popular, que a estas alturas los ha convertido en souvenirs, se viene preparando el lanzamiento en Internet de una nueva realización de Energia Productions. Se trata de una compañía finlandesa especializada en animación 3D que arrancó el 2005 con el lanzamiento de su disparatada Star Wreck. Sin dudar demasiado, estos creativos decidieron hacer suyas las lecciones de Linux y mandarse con la suya a la exhibición de sus trabajos por Internet y hacerse un nombre a partir de ello. Esta primera película fue todo un suceso del medio virtual, el cual piensan mejorar con su nueva aventura.

Iron Sky presenta la historia de un grupo de nazis que, ante la próxima derrota, han desarrollado la tecnología espacial y huyen hacia el lado oscuro de la luna para rearmarse y replantearse la conquista mundial. El 2018 es el año en el que estos colonos espaciales de la esvástica regresan para continuar con el plan abortado años atrás. El nivel técnico de la animación es irreprochable hasta donde se puede ver. Júzguenlo ustedes mismos:

(Vía The Movie Blog)

El maestro europeo del cine de horror se encuentra preparando una nueva película pero esta vez con una producción mayor a las que tuviera cualquiera de sus últimas cintas. Mucho de ello se debe a esa veneración que les han rendido nuevas generaciones, a él y a varios otros como George A. Romero. Giallo es el explícito título que alude a la especialidad de su autor, un cóctel que reunirá todas las características y referencias de su cine.

Así veremos a una sobrecargo norteamericana que correrá contra el tiempo para evitar el asesinato de su hermana (una modelo de pasarela) por parte de un serial killer solo conocido como “amarillo”, el cual se especializa precisamente en raptar, desfigurar y matar, después de algunos dias, a las mujeres más bellas que encuentra. En compañía de un detective, Linda (la protagonista), se convertirá en la clásica heroína del cine de su director.

En un principio esta nueva cinta iba a tener como protagonistas a Ray Liotta, Asia Argento y Vincent Gallo, pero diferencias de todo tipo terminaron alejándolos. Gallo (nos imaginamos cómo hubiese sido una película como ésta con el de protagonista) iba a interpretar al asesino pero declinó rapidamente, no por su compromiso con Coppola, sino porque no quería trabajar con Asia (vaya a saber uno los motivos). Mientras que la actriz mencionada y Liotta se retiraron por otros compromisos profesionales. Ahora son la francesa Emmanuelle Seigner, Adrien Brody y su novia Elsa Pataky, los que formarán el nuevo conjunto protagónico de este filme de recapitulación.

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Muchas bromas se juegan acerca de la manera un tanto estrambótica en la que los orientales reprocesan la cultura occidental. Y al parecer los japoneses son los que más parecen divertirse con el tema. Es así que la autoparodia se anuncia dentro de poco con Detroit Metal City, dirigida por el debutante Toshio Lee.

En la película conoceremos a un melómano total, que de cantante ambulante pasa a convertirse en el vocalista de una banda con bizarras referencias a KISS (el título alude a uno de los mejores temas de la banda). Rock al estilo nipón, como para verlo de todos modos. Ojo que también hace su aparición por ahí el propio Gene Simmons, tal vez hasta para pasarle la lengua a cuantos encuentre.

Vean el tráiler de esta parodia que se inspira en un manga de Wakasugi Kiminori:

(Vía Twitch)