Hubo una vez un pequeño país que demostró que las utopías eran posibles, que los sueños de revolución y cambio podían cumplirse. A esta isla en medio del caribe llegaban intelectuales del mundo entero para dar su apoyo y para contagiarse del ímpetu que se vivía.

Esta isla era, por supuesto, Cuba, que aceleradamente cambiaba y se modernizaba. Entre los visitantes se contaba gente relacionada al cine (Cesare Zavattini, Agnes Varda, Andrzej Wajda, Vanesa Redgrave) pero el que dejó más huella fue un ruso que poco antes habia ganado la Palma de Oro en Cannes: Mijail Kalatozov, que arribó a Cuba en 1961 dispuesto a producir una película que alabara las virtudes de la revolución naciente y mostrara al mundo el milagro cubano.

La película se hizo a un costo altísimo para la época y con un tiempo de rodaje descabellado, fueron casi dos años en los que un numeroso equipo plasmó la visión de Kalatozov sobre la revolución cubana.

Pero entonces sobrevino la catástrofe, una vez estrenada Soy Cuba, tanto en La Habana como en Moscú causó la misma reacción: estupor, incomprensión y rechazo, la estética y planteamiento del filme no concordaban con los aires de la época. A la semana el film fue retirado y archivado. Y así permaneció oculto por décadas.

Hasta que a partir de los noventas la película fue emergiendo lentamente del olvido, en 1994 Martin Scorsese tuvo ocasión de verla y quedó maravillado, por lo que junto a Francis Ford Coppola se propuso difundirla. Ahora tenemos la oportunidad de ver una copia totalmente remasterizada a partir de los negativos originales, con una excelente calidad de imagen y sonido.

¿Pero de qué trata este filme, protagonista de tan particular cuento de hadas?

Es en esencia una fábula dividida en cuatro historias, donde una y otra vez se presenta el abuso y dominio de la dictadura de Batista y sus socios norteamericanos. Así por ejemplo en una historia vemos a una hermosa cubana que se prostituye ante ricos turistas yanquis, luego un campesino y su familia pierden su cosecha de caña ante la prepotencia de las compañías extranjeras, en otra historia un grupo de estudiantes luchan en las calles contra la policía del régimen y en la parte final observamos la campaña de los barbudos en las montañas de Sierra Maestra.

Sin embargo la principal razón por la cual Soy Cuba ha trascendido es la manera como Kalatozov cuenta las historias. Aquí debemos señalar que se advierte una relación con el trabajo de Sergei Eisenstein, pero Kalatozov va más allá pues se vale de la cámara y de una monumental puesta en escena, con secuencias que convocan a miles de extras, para entregar una visión lírica, de una épica formidable que a la larga sirve tanto para hablar del caso cubano como de cualquier nación en lucha contra la opresión.

El trabajo del fotógrafo Sergei Uruzevski es excepcional, tanto por la composición de los planos como por lo intrincado de los movimientos de cámara, muchos de ellos insuperables aún hoy en día. Por ejemplo hay una secuencia donde la cámara empieza acompañando un cortejo fúnebre en primer plano, luego se eleva hasta lo alto de un edificio y atraviesa balcones para entrar en una fábrica de habanos, luego sale por la ventana y “vuela” por encima de la multitud que acompaña al féretro, un plano secuencia simplemente alucinante. Lo mismo puede decirse de la música, variada y marcando cada momento, con una voz en off femenina que recita los versos del poeta ruso Yevgeny Yevtushenko “Soy Cuba, soy el casino, los moteles, las barras y los burdeles, pero también las manos de este niño y de este viejo”

A pesar de su grandilocuencia y abierto espíritu de propaganda, este monumental film deja una huella imborrable en las retinas, solo cabe añadir que recomendamos la visión del documental de Vicente Ferraz, Soy Cuba, el mamut siberiano que arroja luces sobre su proceso de gestación y rescata la palabra de muchos de los involucrados en su construcción.

Cuba no es más la isla de las utopías y los sueños de muchos derivaron en pesadilla. Soy Cuba es una instantánea suspendida en el tiempo, que ha quedado como reflejo de los ideales de la gente que la concibió. Hay que ver esta cinta de culto, más de una vez si es posible.

Luis Ramos

Como se esperaba Damián Alcázar (México 1953) fue elegido mejor actor en la novena edición de Elcine, lo cual no hace sino confirmar una bien llevada carrera de 20 años, tanto en el cine, el teatro y la televisión. Su predilección por los caracteres más bien complejos lo ha llevado a trabajar con directores como John Sayles (Hombres armados) y Arturo Ripstein (La mujer del puerto) así como en producciones fuera de su país. Este es el caso de Crónicas, producción mexicano-ecuatoriana dirigida por Sebastián Cordero, donde da vida a Vinicio Cepeda, un enigmático vendedor itinerante acusado de ser un violador de niños y asesino en serie que asola diversos poblados del Ecuador. Cinencuentro habló con Damián Alcázar el día antes de conocerse la votación final.

Cinencuentro: ¿Cómo fue la preparación para el intenso rol de Vinicio?
Damián Alcázar: Fue igualmente intenso, muy intenso. Me fui un mes antes al Ecuador, tenía mucho material de parte de Sebastián, algunos libros sobre ciertos personajes, me entrevisté con un psiquiatra y con una psicóloga que trataron a este tipo de gente, salía a las calles de Guayaquil a escuchar y ver a la gente, a entender que sí somos lo mismo, los ecuatorianos y los latinoamericanos pero tienen sus ligeras variantes, sobretodo en el entorno en que se habita. Y de ahí empezar con cada lectura de las escenas a tener objetividad sobre que tipo de persona es ésta que me están presentando ¿no? y que le voy a dar vida, encontrarle su propia manera de respirar, irlo ubicando y en ese mismo sentido imaginando.

Tu personaje tiene una compleja psicología, pues muestra dos caras opuestas, ¿Cómo lo construiste para que fuera creíble?
Yo creo que en esencia todo está en un buen guión y si tu lo percibes y empiezas a vivirlo, por ahí está mas o menos, sí me costó mucho trabajo porque requería mucho esfuerzo de mí, mucho tiempo, no parar, no contentarme y decir: “bueno ya creo que es suficiente, yo me la creo, tengo emociones verdaderas, por lo tanto lo voy a hacer bien” No, volvía a intentarlo y agotaba otra posibilidad y cada vez encontraba cosas nuevas y llegué a tener una idea muy clara de lo que le ocurría, me aislé muchísimo para preparar el personaje, no iba a reuniones, porque no me lo podía permitir.

Tuviste que hacer una adecuación física para el rol ¿No? Un trabajo de maquillaje, de preparación previa.
Pues mira, más que de maquillaje que no lo había realmente, el personaje va emergiendo de tal forma que es otro y creo que así intento trabajar todos mis personajes, porque es otra persona, no soy yo, por lo tanto tiene que caminar de otra manera, tiene que hablar de otra manera. En Crónicas era un caso extremo, es un colombiano que vive en Ecuador por lo tanto había que encontrarle una forma de expresión vocal ¿No? es decir el acento, el tono. Pero estaba ahí mismo, yo no se lo puedo inventar, creo que lo percibo. Por ejemplo me rasuré y le dije a Sebastián me voy a quitar las cejas, porque pensé que si la cara era mucho mas neutra, sin esta fuerza que tengo yo en las cejas oscuras y bien marcadas, si es mucho mas neutra es como más transparente, menos cálido, como más frío. Son ideas que a mí se me ocurren ¿No? porque también siento que no tiene pelo, como si fuera una rana, como si fuera una salamandra, una cosa así, un reptil. Y por otro lado su forma de caminar, pues se anda escondiendo, se oculta tras de sí mismo, por lo tanto no es frontal, no es abierto y no es relajado, es taimado. Pero todo esto lo vas encontrando en el personaje y dices, este tipo así es.

¿Qué tipo de personajes te gusta interpretar?
Me gustan los personajes complejos, porque no existen las personas simples, incluso si abordamos a una persona que consideramos simple, veremos que tiene muchísimas cosas que lo hacen complejo y eso es lo extraordinario de las buenas historias y eso creo que tienen los buenos personajes, pero por ejemplo, hablando de esto de manera mas amplia, los galanes, el galán en una historia de amor es un personaje simple, es buena persona, lo construyen tonto, confiado, pero cuando un personaje es más complejo es mucho más cercano a la realidad, a lo que nosotros percibimos como un ser humano, esos son los verdaderamente interesantes.

¿Cómo fue tu relación con tus compañeros de reparto? John Leguizamo, Leonor Watling.
Fue una relación muy cercana, muy amable, siempre había una forma muy cálida de tratarse entre todo el grupo y también con los jóvenes ecuatorianos que trabajaron en la producción, era realmente un ambiente formidable para nuestro quehacer, tu te vas enfrentando con dificultades a lo largo del rodaje que puedes resolver gracias a que todo el mundo está con la intención de ofrecer su trabajo, su esfuerzo, eso hace que fluya un proceso.

¿Hacía donde se dirige ahora la carrera de Damián Alcázar?
Tengo ahora un par de invitaciones, una en Colombia y otra en Bolivia. En México estoy a la espera de que salga una serie formidable que nació en la Argentina que se llama Los simuladores y ahora lo van a hacer en México, me encantaría hacerla porque es una cosa muy interesante, muy divertida y muy inteligente, ojalá que me toque hacerla. Y tengo también una oferta de televisión con la gente que trabajo siempre que es Argos Cine, que también se caracteriza porque sus historias son inteligentes.

¿Qué te parece el Perú?
Es la segunda vez que estoy aquí en Lima, me encanta, la comida es extraordinaria, lo poco que he podido pasearme por Lima me gusta mucho, al término del festival me voy al Cusco y espero subir a todos los lugares posibles.

Es casi seguro que tu trabajo en Crónicas sea premiado como mejor actuación del presente festival ¿Que opinas?
Probablemente, igualmente si no lo ganara y hay otro actor cuyo trabajo esté formidable, también lo voy a aplaudir muchísimo y voy a ser capaz de percibirlo perfectamente.

Entrevista: Luis Ramos
Fotos: Luis Ramos y Jorge Esponda
Lima, 12 de Agosto del 2005

¿Porqué dices que te fue muy difícil realizar La sombra del caminante?
Porque al trabajar sin presupuesto dependes mucho de los favores, se vuelve más un trabajo de producción, de sacar adelante el proyecto. Pones a la gente a trabajar en condiciones muy duras, ha sido un trabajo muy duro, pero al final en la película se nota todo el rigor y el esfuerzo, sin embargo no es algo que yo quisiera seguir haciendo, es algo que hice una vez pero no lo volvería a hacer.

¿Tuviste que hacerla sin apoyo de ningún tipo?
Nosotros no obtuvimos apoyo estatal al principio para la película, pero sentía la necesidad de rodar la película, sentía que era importante, entonces rodamos con lo que había, yo fui a un programa de concurso de televisión y gané algún dinero, con esa plata iniciamos el rodaje (risas) tenía algunos ahorros, además la gente se vinculó con su trabajo, a cambio de lo que la película pudiera producir posteriormente. Y fue así, se hizo por amor, no se hizo por dinero.

¿Y es por esa razón que la realizas en video?
No, la película yo la hubiera hecho en video aunque hubiera tenido un millón de dólares, era un planteamiento estético a partir de la búsqueda de las posibilidades y cómo esta historia podía enriquecerse al ser contada de esa manera, o sea era una búsqueda visual también, una búsqueda de lo cotidiano, del registro de lo cotidiano, que era necesario porque era en video.

¿Y el planteamiento del blanco y negro?
También fue una opción estética, la película yo sólo la veía en blanco y negro y no había otra manera de concebirla.

¿Cómo fue escribir el guión?
Fue un proceso de año y medio, la rescribí 14 veces, fue un proceso muy duro, mas que todo de aprendizaje, de aprender cómo contar la historia, y de qué se trataba realmente la historia, de aprender a dejar atrás lo que yo quería decir y aprender a escuchar a la historia, escuchar a los personajes, de eso se trataba.

¿Cómo ves el panorama del cine colombiano en estos momentos?
Es una lucha, hay una generación de gente joven que es muy disciplinada, muy rigurosa, cinéfila, que tiene muchas posibilidades de sacar adelante y buscar el desarrollo del cine colombiano, están luchando por hacer sus largometrajes, espero que podamos verlos muy pronto pues implica un cambio en el panorama muy profundo.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?
Estoy empezando a trabajar en un segundo guión, pero no hay nada seguro, por ahora esta es la primera y la última.

Entrevista: Luis Ramos
Fotos: Jorge Esponda y Luis Ramos
Lima, 11 de Agosto del 2005.

Una camioneta serpentea por un polvoriento camino rumbo a su destino, el plano es panorámico, abierto, sus ocupantes conversan animadamente pero no vemos sus rostros, solo escuchamos sus voces. Un equipo de televisión va en pos de documentar un hecho, son tres personas, conocemos a una, a las otras dos nunca las vemos. Es una constante, la evidente sensación de que falta algo para completar el cuadro pero no es más que una de las claves del cine de Abbas Kiarostami (Teherán, 1940) al ocultar ciertos datos, nos enfrenta a la disyuntiva de armar la parte que falta, la que no vemos, e imaginarnos lo que sucede.

Estas y otras características hacen de El viento nos llevará, un rico muestrario de las obsesiones e ideas de Kiarostami, lo poco que podemos averiguar del argumento se centra en la llegada de un equipo de televisión a una apartada aldea del Kurdistán. ¿Qué es lo que buscan? Al parecer registrar los rituales funerarios de una mujer pronta a fallecer, el problema es que la anciana se resiste a morir y ello significa una larga espera que los llevará a establecerse en la aldea y convivir con sus habitantes.

El protagonista principal es un ingeniero, un hombre que procede de la civilización y que se ve de pronto enfrentado a los problemas de una villa estancada en un tiempo anterior. Una imagen elocuente: el ingeniero sufre la dificultad de no recibir señal clara en su celular, entonces debe subir repetidamente a la parte alta de la villa, allí conoce a un hombre que cava un hoyo, otra vez, nunca vemos su rostro, pero basta su voz para conocerlo y saber de que se ocupa. Luego vamos conociendo a otros habitantes del pueblo, mujeres, hombres y niños con problemas e inquietudes que hablan tanto de esa región, como podrían hacerlo de nuestras villas andinas o de cualquier rincón apartado del mundo.

Kiarostami debe el nombre de su película a un poema de Forough Farrokhzad (1935 - 1967) poetisa iraní fallecida tempranamente que fue una voz solitaria pero lúcida en su tiempo, a ella le debemos además un hermoso cortometraje (La casa es negra, 1963) que muestra con dureza pero al mismo tiempo con infinita humanidad la vida de un grupo de enfermos, habitantes terminales de un leprosario, este único trabajo ha instalado a Forough como precursora de un cine que practican ahora directores iraníes como Mohsen y Samira Makhmalbaf. Kiarostami le dedica una bellísima escena en su película donde el protagonista recita el poema que da título al filme a la tenue luz de una lámpara en las profundidades de una caverna mientras una joven mujer ordeña una vaca.

El viento nos llevará es un canto a la vida, a los usos y costumbres de las gentes, a su forma de relacionarse con el entorno y aferrarse a lo que tienen, es una película que exuda naturalidad y poesía por todas partes, sin embargo hay que decir que es una película (como otras de la cinematografía Kiarostami) que exige una mirada distinta, que impone su propio ritmo y que por largos tramos difumina la habitual línea entre documental y ficción. En este punto no puedo dejar de citar al maestro iraní cuando dice “En mi mente no hay una distinción entre documental y ficción, como si la hay entre una buena película y una mala” Para quienes caímos rendidos ante la fuerza emotiva de El sabor de la cereza, este es un feliz reencuentro.

Luis Ramos

Dir. Chan-wook Park | 120 min. | Corea del Sur

Intérpretes:
Min-sik Choi (Oh Dae-su)
Ji-tae Yu (Woo-jin Lee)
Hye-jeong Kang (Mi-do)
Dae-han Ji (No Joo-hwan)
Dal-su Oh (Park Cheol-woong)
Byeong-ok Kim (Mr. Han)

Estreno en Perú: 12 de octubre del 2006

La segunda película de la “Trilogía de la venganza” (precedida por Sympathy for Mr. Vengeance del 2002 y seguida de Sympathy for Lady Vengeance del 2005) planeada por Chan-wook Park (Corea del Sur, 1963) es al mismo tiempo una crónica negra, un cómic de aventuras y un viaje de introspección a través de la conducta humana cuando es llevada a su límite más extremo.

Basada en el manga de Minegishi Nobuaki y Tsuchiya Garon, cuenta la historia de Oh Dae-su, un padre de familia que el día del cumpleaños de su pequeña hija es raptado sin mediar explicación y encerrado en un cuarto de hotel. El tiempo transcurre mientras que Dae-su es tratado como un conejo de laboratorio. Su captor, con extrema precisión lo alimenta y cuida de sus necesidades manteniéndolo en cautiverio por… 15 años.

Entretanto se entera que su mujer ha sido asesinada, el principal sospechoso es él mismo, la mano que lo apresa al mismo tiempo decide por los suyos allá afuera.

Hasta que una mañana, tan inopinadamente como fue capturado, despierta en una terraza bajo el sol de un mundo que ya no conoce… ahora tiene un celular y una billetera y debe encontrar a su captor y tomar venganza, sólo tiene 5 días, por lo menos está libre… ¿pero realmente lo está?

Multipremiada en diversos festivales (Gran Premio del Jurado en Cannes 2004) Oldboy destaca por su propuesta tanto estética como dramática, donde la torturada mente de Dae-sues la que conduce el relato, las preguntas se multiplican y nosotros junto con él vamos descubriendo las piezas del rompecabezas en que ha derivado su vida. La cámara acondicionada a los diversos climas es por momentos estática y por otros explosiva y violenta. La música va marcando los tiempos y sirve de detonador de acciones imprevisibles, todos los elementos convergen en un clímax por lo menos sorprendente y espectacular.

Lo escrito hasta acá basta para dar una idea de lo que contiene esta cinta, lo que sigue a continuación contiene algunas claves reveladoras que quizás no convenga saber a priori, por lo que recomendamos leer sólo después de la visión de esta imprescindible película.

Min-Sik Choi (al que se pudo ver anteriormente en la cinta coreana Shiri) da vida a Dae-su entregando un enorme trabajo como el alma torturada que no se detiene ante nada para saber la verdad y tomar venganza, en ese sentido su trayectoria es como el de una caída a ciegas, este camino deja algunas escenas memorables como la del pulpo vivo que es deglutido vorazmente, también está la escena del corredor donde Daesu enfrenta a una pandilla de gangsters valiéndose solamente de un martillo, esta hermosa secuencia exenta de efectos especiales es por ello más poderosa que muchas que cuentan con coreografías y cables varios. Un poco antes vemos a Oh Dae-su adecuar el uso del mismo martillo con fines odontológicos. Y no se puede dejar de mencionar la acción auto punitiva que debe ejecutar Dae-su con su propia lengua (con clara referencia a Ichi the Killer del maestro Takashi Miike) pero la secuencia más maravillosa sucede hacia el final cuando la verdad se va abriendo paso a través de un largo flashback que incluye la persecución de Dae-su por… Dae-su.

Mención aparte merece el soundtrack, en su mayoría de tonos clásicos y orquestados, la labor es de Jun-Seok Bang y Yeong-Wook Jo que con espíritu reivincativo nombran los temas con referencias a filmes o novelas de filiación noir, ahí están The Big Sleep, Kiss me Deadly, Point Black, Out of Sight, Breathless, Cul-de-sac, Frantic o Dressed to Kill. Destaca una hermosa melodía: Farewell My Lovely, una danza como antesala a la muerte.

Dentro del panorama del cine coreano (donde destaca Kim Ki-duk) Chan-wook Park se está erigiendo como la más interesante figura de una cinematografía que entrega anualmente más de 50 películas al año, esperamos ver más de ese cine.

PD. Como es inevitable Hollywood ya prepara el remake de rigor que estará a manos del director taiwanés Justin Liu, se rumorea que el papel protagonista caería en manos de Nicholas Cage.

Luis Ramos

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