El martes 7, en la mesa de presentación del número 8 de la revista Tren de Sombras, que incluye un especial sobre los cortometrajes que realizó en vida Pablo Guevara, Emilio Bustamante comentaba la fascinación que el poeta despertaba en los críticos de cine con sus opiniones irreverentes a prueba de balas y su espíritu joven que gustaba en cuestionar la tradición y las miradas establecidas. Descubrir aquella noche parte de su breve y valioso legado fílmico, gracias a la iniciativa de la revista, nos dejó esa feliz impresión.

Después de muchos años, se han vuelto a exhibir en público Historias de Ichic Olljo, Waqon (El señor de la noche) y Cuniraya (Los dioses de agua y fuego), cortos rodados por el poeta y cineasta en 1984 y producidos por el extinto CETUP, que constituyen parte de una notable y, a la vez, marginal obra dentro de la intermitente historia del cine peruano. Estos cortos recrean mitos y leyendas prehispánicas con imaginación y contundencia visual, empleando movimientos de cámara y una banda sonora única que transportan al espectador a tiempos remotos.

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Fotos: Rolando Jurado

Dir. Pablo Fendrik | 67 min. | Argentina

Festival de Lima: Sección Oficial Opera Prima

La película de Pablo Fendrik presenta algunas características de lo que se conoce en festivales y revistas de cine como “nuevo cine argentino”: título escueto, rigor y verismo en la mirada de la cámara, naturalismo y sobriedad en la dirección de actores, final abierto, todas ellas convenciones institucionalizadas, en cierto modo, en más de una década de producciones argentinas de repercusión internacional, que van desde El bonaerense y El custodio, hasta las recientes El otro y Una novia errante.

El director intenta apartar su ópera prima de aquellas etiquetas, optando por un breve thriller rodado a la manera de los hermanos Dardenne, es decir con una cámara pegada al hombro de su personaje y siguiéndolo en tiempo real. Vemos a un hombre ingresar a un colegio a matricular a su hijo, y en poco más de una hora lo acompañamos en todas sus acciones, en su angustioso deambular por la gran ciudad donde se le cruzan la sorpresa, el azar y la incertidumbre. Hay un intento por equilibrar el estilo personal, la mirada de “autor” con las fórmulas de género. Lo mejor de la cinta se encuentra en los climas de suspenso y tensión de algunas escenas, y en la presencia de un crispado y a la vez sereno Arturo Goetz quien, literalmente, lleva sobre sus hombros el peso de la historia, ofreciendo una lograda interpretación que hace creíble hasta un reencuentro imposible en algún momento de la película.

Aunque al cierre, se revelan algunos detalles del entorno vital y de las motivaciones del personaje, El asaltante, más que un largo, se asemeja a un boceto, a un eficaz cortometraje al que le han estirado los minutos de acción, que prefiere tensar las situaciones a interiorizar en su personaje o descubrirnos el mundo que lo rodea. Y, como en el caso de El otro, es de aquellos filmes hechos para el lucimiento de su actor principal. En el cine argentino de hoy la “política de autores” convive alegremente con la “política de actores”.

Con la partida de Antonioni nos deja el último de la triada -con Fellini y Visconti- de grandes maestros que hicieron universal al cine italiano, y quien fue además una de las figuras del llamado “cine de autor” europeo, que a partir de los años 50 innovó el séptimo arte aproximándolo a la modernidad y a nuevas formas de narración cinematográfica. De esos aportes (tiempos muertos, planos largos, ritmo moroso) se sirvió Antonioni en sus filmes para explorar en la soledad humana, la incomunicación y la inestabilidad de los sentimientos. Citamos sus reflexiones a manera de homenaje:

La búsqueda

Creo que si algo tienen en común unos directores de cine con otros es la costumbre de tener un ojo abierto hacia adentro de ellos y otro hacia afuera. En ciertos momentos las dos visiones se aproximan y se superponen como dos imágenes tratadas al fuego. Y este acuerdo entre ojo y cerebro, entre ojo e instinto, entre ojo y conciencia, es lo que hace nacer el impulso de hablar, de hacer ver.

Un director de cine no hace otra cosa que buscarse en sus películas, las cuales son documentos no de un pensamiento hecho, sino de un pensamiento que se hace.

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Extractos del prólogo a los guiones de La noche, El eclipse y El desierto rojo
Alianza Editorial, Madrid 1970

Además de sus imprescindibles filmes, el maestro sueco dejó para la posteridad su notable libro de memorias Linterna mágica, del que extraemos algunos fragmentos en los que el cineasta reflexiona con conmovedora sensibilidad sobre su dilatada vida y obra.

La linterna mágica

Cine como sueño, cine como música. No hay arte que, como el cine, se dirija a través de nuestra conciencia diurna directamente a nuestros sentimientos, hasta lo más profundo de la oscuridad del alma. Un pequeño defecto del nervio óptico, un efecto traumático: 24 fotogramas iluminados por segundo, entre ellos oscuridad, el nervio óptico no registra la oscuridad. Cuando yo, en la moviola, paso la película cuadro por cuadro siento todavía la vertiginosa sensación de magia de mi infancia: allí en la oscuridad del armario ropero daba yo vueltas lentamente a la manivela pasando las imágenes una por una y veía así los cambios apenas perceptibles. Aceleraba: un movimiento.

El rodaje

El ritmo de mis películas lo concibo en el guión, en el escritorio, y nace ante la cámara. La improvisación en cualquiera de sus formas me es ajena. Si alguna vez me veo obligado a tomar una decisión improvisada, el miedo me hace sudar y me paraliza. El hacer cine es para mí una ilusión planeada con todo detalle, el reflejo de una realidad que, cuanto mayor me voy haciendo, me parece cada vez más ilusoria.

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El fallecimiento del genial humorista y dibujante argentino Roberto Fontanarrosa, creador de personajes como Inodoro Pereyra, “Mendieta” y Boogie el aceitoso, ocurrido ayer tras una penosa enfermedad, ha dejado una inmensa tristeza en sus compatriotas y en los amantes de la historieta. A manera de homenaje, los dejo con el tráiler del largo animado “Fierro”, en el que El Negro (como le decían de cariño sus admiradores) diseñó con mano maestra los dibujos de esta adaptación de la obra de José Hernández “Martín Fierro” dirigida por Norman Ruiz y Liliana Romero, y que se estrena este mes en Buenos Aires. Para que aprendan los “creativos” de Alpamayo Entertainment.

No necesitábamos diálogos. Teníamos rostros. Pero ya no quedan rostros como esos. ¡Esos productores, esos imbéciles! ¿Acaso no tienen ojos? ¿Se han olvidado cómo es una estrella?

Alucinada Norma Desmond, en la piel de la inmensa Gloria Swanson,
en Sunset Boulevard (1950), obra cumbre de Billy Wilder
sobre “el crepúsculo de los dioses” del Hollywood silente.

(Vía El Glamour De Margo)

Hoy 14 de julio, Francia celebra su Día Nacional. Y recordamos aquella fecha con dos grandes momentos de la historia del cine que recogen al himno de los franceses “La Marsellesa”. El primero pertenece a la épica Napoleón de Abel Gance (1927), obra maestra del cine mudo, en que vemos el estreno del himno durante la Revolución Francesa ante un emocionado Napoleón Bonaparte. Y el segundo es la célebre secuencia de Casablanca (1942), cuando los comensales del bar de Rick se enfrentan a los nazis cantándola a voz en cuello. ¡Vive la France!

Entérate de las actividades de la Alianza Francesa para celebrar la fecha por aquí »

77 estrellas, 77 actrices que marcaron 100 años de cine, concentradas en un corto hecho con la magia del Morphing, la música de Bach, y firmado por Eggman913, quien cuenta además con un trabajo similar sobre las mujeres en la pintura, muy visitado en YouTube: