Corría el mes de junio de 1990 cuando la hoy desaparecida Filmoteca de Lima trajo por primera vez al Perú las películas de Andy Warhol. En aquella ocasión, en la recordada sala del Museo de Arte los cinéfilos limeños pudimos acceder a algunas de las míticas cintas del pionero del Pop Art, todas en celuloide y cedidas por el MOMA de Nueva York. El recuerdo viene a cuento por la noticia del Centro Cultural de la Universidad Católica que acaba de abrir en sus instalaciones (hasta el 12 de agosto) una súper exposición de la obra pictórica y gráfica del artista estadounidense, donde además se pueden apreciar en video parte de sus filmes, hoy convertidos en referentes del llamado cine underground.

El cine de Warhol nace con afán provocador en la década de los 60 en el corazón de la legendaria The Factory, un almacén de la neoyorkina calle 47 que el pintor convierte en su espacio de creación. Con la complicidad de colegas y amigos, rueda un puñado de filmes radicales, totalmente ajenos al cine de masas, de escasa difusión, que le sirvieron para experimentar con la superficialidad del arte y la realidad. Bajo la aparente banalidad de sus imágenes, tomando los esquemas del cinéma verité, Warhol buscaba que sus películas no sean vistas sino experimentadas, apelando y cuestionando a la vez (irritando también) la pasividad del espectador, y renunciando a las convenciones del lenguaje cinematográfico.

Lee más el cine de Andy Warhol »

Algunos links sobre la obra audiovisual de Warhol:

• Andy Warhol: cine, vídeo y tv
• Andy Warhol y la Factory
• Warhol según Liniers

No hay fórmula para el éxito. Pero hay una fórmula infalible para el fracaso: tratar de dejar contentos a todos.

Nicholas Ray, director de Rebelde sin causa y Johnny Guitar

(Vía Las películas de mi vida)

Jean-Claude Brialy en La rodilla de Clara de Rohmer

Cuando mencionamos la Nouvelle Vague no solo vienen a la mente los nombres de los geniales cineastas que la conformaron, sino también de las estrellas que iluminaron las cintas de aquel periodo irrepetible en la historia del cine: Anna Karina, Jeanne Moreau, Jean-Paul Belmondo, Jean-Pierre Leaud. Una de ellas, el prolífico Jean-Claude Brialy, nos dejó el pasado 30 de mayo, a los 74 años, tras una larga batalla contra el cáncer. Para los cinéfilos su rostro se hizo reconocible en filmes de grandes como Claude Chabrol, Francois Truffaut, Jacques Rivette, Eric Rohmer y Jean-Luc Godard.

En 1958 apareció en la pantalla en el primer largo de Chabrol, El bello Sergio, que lo catapultó a la fama, y con él repitió en filmes como Los primos. Fue protagonista de Tous les garcons s’appellent Patrick, uno de los mejores cortos de Godard, de 1959, y trabajó con Jacques Rivette en París nos pertenece. Coprotagonizó con Anna Karina Una mujer es una mujer, de Godard, y con Jeanne Moreau La novia vestía de negro, de Truffaut. En 1969 ofreció una de sus grandes actuaciones como Jérôme, el seductor treintón, fetichista y obsesionado por acariciar La rodilla de Clara, una de las cintas más acabadas de Rohmer.

Fue amigo de varios de los cineastas de la Nueva Ola quienes lo invitaron a aparecer haciendo pequeños cameos en Los cuatrocientos golpes, de Truffaut; Cleo de 5 a 7, de Agnès Varda; Adieu Philipinne, de Jacques Rozier; Los amantes y Ascensor para el cadalso, ambas de Louis Malle. De él, Truffaut dice en “Las películas de mi vida”:

Era amigo nuestro. Era nuestra esperanza. No había rodado o interpretado nunca, pero por las tardes, a las nueve, al evocar el telón de los teatros que se levantaba a esa hora para otros actores, le daba un ataque de increíble delirio tragicómico que era la marca indudable de su talento.

Dueño de una extensa filmografía (actuó en casi 200 cintas) también lo podemos ver en películas como El fantasma de la libertad, de Luis Buñuel; El juez y el asesino, de Bertrand Tavernier; Los unos y los otros, de Claude Lelouch; La noche de Varennes, de Ettore Scola; Los inocentes, de André Techiné, y La reina Margot, de Patrice Chéreau, entre otras. También incursionó detrás de cámaras como realizador. Su primera película, Eglantine, obtuvo la Concha de Plata a la mejor dirección en 1971 en el Festival de San Sebastián.

Hace una semana, publicamos las primeras impresiones del programa Días de Cine sobre las cintas presentes en el Festival de Cannes. A continuación glosamos los comentarios del amplio reportaje emitido anoche sábado por Televisión Española, que reflexiona sobre lo visto por el equipo del programa desplazado en la Croisette y encabezado por Antonio Gasset, y a menos de 24 horas de que se anuncie al ganador de la Palma de Oro.

Quentin Tarantino, cuyo cine es más predecible que un discurso del Papa, una vez más ha salido airoso en Cannes con Death Proof. Grupo de bellezas descaradas, desmembradas unas y vengadoras otras, cantinas, carreteras de Texas, coches estrellados, mucho tequila y bourbon, máquinas de música, estética de los 70, el cine de Russ Meyer, la desfachatez del porno, y un Kurt Russell genial como antiguo especialista del cine reciclado en sádico del asfalto. Para qué queremos más, parece decirnos el director:

“Una película tiene que atrapar a la audiencia, tiene que ser toda una experiencia cinematográfica, cuando estás sentado en un DVD o en una sala de cine las imágenes deberían meterse dentro de ti y no olvidarlas en un par de días porque fue un entretenimiento brutal. Yo quiero que la gente tenga esa experiencia cuando vea mis películas”

En Go go tales, de Abel Ferrara, un Willem Dafne, al que se le notan los años, necesita un milagro para salvar al club de striptease que lleva años regentando y que está al borde de la quiebra. Lo que ocurre en la pantalla no parece importarle mucho a él, ni siquiera a su director.

Los hermanos Joel y Ethan Coen, en cuyo haber tienen una Palma de Oro por Barton Fink, en esta edición decepcionaron a unos y encantaron a muchos con No country for old men, titubeante trabajo de rumbo incierto, donde falla la comicidad lograda en Fargo. Truculenta y sádica historia fronteriza, western contemporáneo lleno de altibajos, como la geografía en que se desarrolla, y por la que vemos pasar narcos, perdedores, sheriffs jubilados, un malo malísimo interpretado espléndidamente por Javier Bardem, y por encima de todo, un actor memorable, Tommy Lee Jones. Se recomienda la lectura de la novela de Cormac McCarthy en la que se basa la película.

Lee el resto de críticas del programa Días de Cine en Cannes 2007 »

Comienzan a llegar las primeras críticas de los filmes que compiten en Cannes 2007 por la preciada Palma de Oro. El estupendo programa Días de Cine que emite Televisión Española, y que viene cubriendo las incidencias del recién inaugurado Festival, dedicó el último viernes un bloque especial para comentar tres cintas de la Sección Oficial.

Como, supongo, deben saber ya muchos cinéfilos iberoamericanos, Días de Cine es el espacio televisivo en castellano dedicado al cine de mayor continuidad que se conozca, y que dirige y conduce el periodista, actor y crítico Antonio Gasset Dubois, toda una personalidad de la pantalla chica ibérica, célebre por sus lapidarios comentarios.

Con entusiasmo, el programa se deshace en elogios para Zodiac (ver el tráiler), calificándolo como uno de los primeros grandes filmes de este siglo. Magistral en la reconstrucción de toda una época, la cinta evita fotocopiar la fórmula que tanto éxito deparó a su director en Seven, pecados capitales. Al contrario, ahora David Fincher prefirió estructurarla como si fuera una investigación periodística al estilo de Todos los hombres del presidente, de Alan Pakula, para contar la historia real de un fascinante y sinuoso asesino serial que aterrorizó a la ciudad de San Francisco a inicios de los años 70, que salpicaba las misivas en las que anunciaba sus crímenes con citas cinéfilas (llegó a comentar El exorcista y Badlands), y cuya búsqueda termina absorbiendo la existencia y exponiendo la condición humana de sus obsesivos perseguidores. Thriller épico de altura, Zodiac resulta mil veces más inquietante que muchos filmes de género juntos.

Sigue leyendo »

Costa Azul, Fellini, Sofia Loren, Elizabeth Taylor, Trufautt, paparazzis, Yul Brynner, Gina Lollobrigida, Palma de Oro, Coppola, Catherine Deneuve, Jeanne Moureau, George Lucas, Anna Karina, Sean Connery, Kirk Douglas, Kurosawa, Welles, Gregory Peck, Dianne Keaton, Kusturica, Brigitte Bardot, Godard, Björk, Sharon Stone, Tim Burton, paparazzis, Natalie Portman, Samuel L. Jackson, el beso de Bruce Willis y Demi Moore, Clint Eastwood, Chaplin, Cathy Zeta Jones, Michael Madsen, Almodóvar, John Torturro, Nicole Kidman, Wong Kar Wai, Tarantino, Uma y Hannah, Claudia Cardinale, Dennis Hopper, más paparazzis, Woody Allen y Son Yi, Ziyi Zhang, Brad Pitt, Robert Altman, Scarlett Johansson, Mastroianni, Bertolucci, Anthony Quinn, David Lynch, Isabella Rosellini, Nicholas Cage.

El recuento cinéfilo de líneas arriba corresponde a las imágenes del corto que anuncia el lanzamiento de “Chroniques d’un festival”, sitio que el Festival de Cannes presenta con motivo de su sexagésima versión. En este imperdible sitio se pueden ver 1,500 videos de los más inmortales momentos del festival, y de las celebridades y filmes que marcaron su historia. Con versiones en francés e inglés, resulta toda una delicia visitarlo ahora que comienzan los fastos de Cannes 2007, y como dice Federico “que viva el cine”.

Mandamás de la poderosa Motion Picture Association of America (MPAA) durante 38 años e implacable cancerbero de los intereses de las ‘majors’, el tejano Jack Valenti murió este viernes a los 85 años, como consecuencia de las complicaciones de un derrame cerebral sufrido en su residencia de Washington el mes pasado.

Desde 1966, Valenti encabezó la MPAA implantando el “movie rating” sistema que permite clasificar las películas en cinco categorías (G, PG, PG-13, NC-17, R) y que sustituyó al represivo Código Hays, que desde 1922 prohibió en el cine americano la violencia explícita y el tratamiento franco del sexo.

De modales campechanos, personaje admirado por unos y odiado por más, Valenti aplicó la llamada “política del garrote” defendiendo a rajatabla la hegemonía planetaria de las cintas estadounidenses, e interviniendo para desarticular cualquier intento de promover y proteger una industria propia y ajena a los estudios hollywoodenses.

Defendió para el cine de su país un libre mercado donde, según él, se pelea en igualdad de condiciones. “El mercado es igual para todos. Son las mismas leyes para españoles, americanos, italianos o alemanes. Yo lo resumo así: si haces una película que mucha gente quiera ver, tendrás éxito; si haces una película que nadie quiere ver, no tendrás éxito”.

Sigue leyendo sobre Jack Valenti y la industria hollywoodense »

El noveno BAFICI va llegando a su fin. Mañana sábado 14, al mediodía, se anunciarán los nombres de las películas ganadoras de esta edición, en un breve acto que se realizará en el Abasto Shopping (lugar donde, prácticamente, hemos vivido durante dos semanas), y que contará con la presencia del Jefe de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Jorge Telerman, la ministra de Cultura, Silvia Fajre, y los encargados del evento, encabezados por su director artístico, Fernando Martín Peña.

Según Sin Aliento, el diario del Festival, y para darnos una idea aproximada de quiénes se llevarían algunos de los premios, las preferencias del público se perfilan así:

Competencia internacional:

1. El telón de azúcar, de Camila Guzmán Urzúa
2. Reprise, de Joachim Trier
3. AFR, de Morten Hartz Kaplers
4. Noise, de Matthew Saville
5. Familia Tortuga, de Rubén Imaz Castro
6. La marea, de Diego Martínez Vignatti
7. The Unpolished, de Pia Marais
8. Riza, de Tayfun Pirselimöglu
9. Old Joy, de Kelly Reichardt
10. Liv, de Heidi Maria Faisst
11. Body Rice, de Hugo Vieira da Silva
12. In Between Days, de So Yong-kim

Competencia nacional:

1. Estrellas, de Federico León y Marcos Martínez
2. UPA! Una película argentina, de Santiago Giralt, Camila Toker y
Tamae Garateguy
3. Un pogrom en Buenos Aires, de Herman Szwarcbart
4. Pulqui, un instante en la patria de la felicidad, de Alejandro Fernández Mouján
5. El desierto negro, de Gaspar Scheuer
6. El asaltante, de Pablo Fendrik
7. Fotografías, de Andrés Di Tella
8. El hombre robado, de Matías Piñeiro
9. La León, de Santiago Otheguy
10. Música nocturna, de Rafael Filippelli

Del mismo modo, algunos críticos inclinan sus preferencias por: 4:30, de Royston Tan; Schopenhauer, de Giovanni Maderna; Street Thief, de Malik Bader; Wild Tigers I Have Known, de Cam Archer, entre otras.

Los premios se entregarán esa misma noche, a las 8.30 p.m. en el Teatro Coliseo, donde hace unos días vimos Brand Upon The Brain!. En la ceremonia de clausura se proyectará la película argentina La Antena, de Esteban Sapir.

No obstante, el BAFICI continuará con sus funciones hasta el domingo 15, día en que casi todas las actividades en esta ciudad quedarán paralizadas debido al super clásico Boca-River (que seguiremos por TV en compañía de nuestros nuevos amigos). Además, esta semana hay mucha movida por el Quilmes Rock que atrae a miles de jóvenes con presentaciones de Keane, Velvet Revolver, Evanescense y Aerosmith en el estadio River Plate. Para variar, el cierre del Festival empalma con la apertura de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, como para darnos una idea de la irresistible oferta artística y cultural que nos ofrece esta ciudad emocionante, única y cinéfila que nos acogió en su Festival más emblemático por trece días.