Mi querido Cinematógrafo está de fiesta. Pensar que han trascurrido ya 18 años desde su primera proyección, es algo que no deja de bañarme de cierta nostalgia. Ese tipo de melancolía que uno logra tomarle a ciertos objetos y lugares que sin preguntas y mucha complicidad, lo acogieron a uno en silencio para llevarlo a otra realidad y así, escaparle por un momento a la vida. Una vida que dejamos tras de uno ni bien se ambula por ese estrecho corredor empapelado de anuncios de pasadas películas en ambos lados hasta el pequeño zaguán que entrega a la sala con sus alineadas butacas, enfrentándonos o invitándonos. El piso crujiente. La puerta posterior velada por una cortina. Su aroma a otra época. Los cinéfilos ansiosos que nos miramos y logramos a veces reconocernos aunque no sepamos ni nuestros nombres siquiera. Las luces menguan su esplendor y la oscuridad nos equipara en seres silentes de discretas reacciones, limitados al reino de nuestra butaca, hipnotizados durante la proyección que alimenta e ilumina nuestros rostros, nuestros ojos que no acaban de asimilar en que realidad quedarse y que famélicos van devorando imágenes y textos e incluso creen ser ellos los que también se embuten el sonido.

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Boccaccio ‘70 congregó a cuatro de los mejores directores italianos de entonces: Mario Monicelli, Federico Fellini, Luchino Visconti y Vittorio de Sica. No sé si estaban al tanto, pero la versión de Boccaccio ‘70 que circuló internacionalmente a comienzos de los sesenta, no incluía el aporte de Monicelli. Y esto no fue producto de ninguna censura sino que este film era considerado demasiado extenso –200 minutos– y se acordó recortar una parte. Así fue que, debido al enfoque comercial, se suprimió el mediometraje de Monicelli pues sus protagonistas no eran “productos consumibles”. La versión en DVD es la que reivindica el aporte de Mario Monicelli a este colectivo italiano, y quizás por eso es que abre la zaga. Si ahora nos fuera planteado un film tan extenso dudo que tuviera éxito, puesto que actualmente vivimos al vuelo.

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Prohibido inventar. El escritor Norman Sims señala acertadamente en su libro “Periodismo Literario”, que “las cosas que son vulgares y chillonas en la novela, funcionan maravillosamente en el periodismo, porque son ciertas. Por eso hay que tener cuidado de no compendiarlas, porque se trata del poder fundamental que uno tiene en sus manos. Hay que disponerlo y presentarlo. Hay en ello mucho de habilidad artística. Pero no se debe inventar”. De acuerdo. Sin embargo, justamente esa referida “habilidad artística”, ceñida a la realidad, a la veracidad, es la que podría elevar al plano artístico lo acontecido. O sea, se nos permita el disfrute de los sentidos y también, informarnos con la verdad.

Estética e información veraz. Este par de conceptos parece que deberían de mantenerse como siameses, tanto en la literatura de no-ficción (como la llamó Capote, allá por 1965, a raíz de “A sangre fría”; que más que una obra periodística, es una pieza de arte, llevada a la pantalla por segunda vez y próximamente en cartelera), o en el “Periodismo Literario” o “Nuevo Periodismo”, como prefería nombrarlo Tom Wolfe, heredero de la línea de Capote. Cabe acotar que este género había sido desarrollado antes que Capote, pero en Latinoamérica y por García Márquez (“Historia de un secuestro” y algunas crónicas de viaje) y otros periodistas coetáneos del Gabo.

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Las adaptaciones o préstamos argumentales entre uno y otro arte no es una novedad que haya inventado el cine. Un buen ejemplo de ello puede ser el Otello que Verdi recreó como ópera desde el texto de Shakespeare. Sin embargo, es el uso masivo de la adaptación cinematográfica lo que le ha dado al sétimo arte la fama de poco original y de depredador de argumentos, sobre todo provenientes de la literatura, sea como teatro, novela o cuento.

La industrialización de la producción cinematográfica y el crecimiento de la demanda de argumentos conocidos por el enorme público fílmico han sido, principalmente, las responsables de la cantidad de adaptaciones que se han realizado, no siempre sin desmedro de la obra original. Como consecuencia del film, las obras recreadas han tenido un relanzamiento que no le ha venido mal a los editores y autores, como la fiebre por El Señor de los Anillos, de hace pocos años. Al final, todos felice$.

La colaboración entre cómic, otro arte (e industria) joven, y cine no es nueva tampoco, pero ha venido a ser una importante fuente de historias en los últimos años, pues tiene un público cautivo considerable y es parte de la cultura pop contemporánea ¿Quién no conoce a Superman y sus amigos de mallas?

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Santiago Román (interpretado por Pietro Sibille) es un joven combatiente de la infantería de marina peruana que retorna de luchar contra el terrorismo y en la guerra entre Perú y Ecuador. Al llegar a Lima encuentra que no puede adaptarse normalmente a la vida social y familiar de la ciudad.

Pietro Sibille es un hombre encerrado en sí mismo. Mantiene unas escotillas abiertas a la ciudad, pero en general vive sumergido en un mundo propio, que sólo él conoce y que no consigue transmitir a quienes lo rodean. Incomunicación casi total. Y es que ha ido a la guerra. Ha combatido contra los “monos” y los “terrucos”. Se ha asomado al abismo y se ha sentido llamado y hasta arrastrado por ese torbellino cuyo único triunfo es sobrevivir. Después de ver el horror cara a cara, reacciona y retrocede… pero ¿hacia dónde?

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El arca rusa: El detrás de cámara más largo de la historia (pt. 1)

3. La vuelta al pasado

Para empezar, estos procedimientos nos devuelven el viejo lenguaje cinematográfico, tan distinto al lenguaje televisivo al que estamos acostumbrados, incluso en el cine. En efecto, El arca rusa sólo funciona en pantalla grande ya que las imágenes muestran grupos humanos, conjuntos mayores o menores, es decir, tomas abiertas, amplias, panorámicas; y cuando se trata de pocos personajes se les ve habitualmente de cuerpo entero. Sólo hay unas pocas imágenes de detalles (manos, el fragmento de un cuadro). En otras palabras, no tenemos muchos primeros planos (rostros), escasean las imágenes de personajes tomados de la cintura para arriba (tan comunes en la tele y el cine actuales) y, al no haber físicamente montaje, no hay tampoco el habitual plano y contraplano.

Se trata, pues, de una película que utilizando a gran escala dos recursos técnicos experimentales, nos devuelve el lenguaje de los grandes clásicos del cine. En consecuencia, este filme utiliza medios técnicos “revolucionarios” y “vanguardistas”, para restituirnos de manera creativa (y provocadora) un lenguaje tradicional hoy inhallable, salvo para los seguidores de Andrei Tarkovsky, el ilustre inspirador de Sokurov.

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Esta película es obligatoria para todo amante del cine. Tiene un encanto light y trasnochado que, a la vez, constituye un homenaje al lenguaje cinematográfico y una provocación al lenguaje televisivo al que estamos tan habituados. Ello aparte del puro goce estético y la sutil ironía que recorre este filme.

La gracia de la película es que transcurre en un único plano secuencia, es decir, que el director mantiene la cámara grabando sin hacer ningún corte a lo largo de 96 minutos, lo que en este caso constituye un verdadero tour de force, ya que la acción ocurre en una treintena de ambientes distintos y en el que llegan a participar más de mil extras (en la extensa escena del baile final, la cual por sí misma es un prodigio técnico).

El rodaje, que fue precedido de varios meses de ensayos, requirió de una doble planificación, tanto de los sucesivos cambios en el tamaño de los encuadres, como de los movimientos de cámara que van delineando el ritmo de la acción. Las escenas se suceden en episodios que ocurren en pasillos, corredores o escaleras que a su vez van comunicando a las distintas locaciones, que constituyen apenas una pequeña parcela del museo Hermitage, de San Petersburgo (sólo la colección de arte europeo, la más pequeña de todas las que alberga este complejo, ocupa 120 salones).

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LO VISUAL

1. El Decálogo

Para describir esta obra es mejor remitirse a las palabras del mismo Kieslowski. “La intención de El Decálogo es contar diez historias, inventadas o ficticias, de aquellas que pueden ocurrir en la vida de cualquiera, sobre diez o veinte personas, que en el diario trajín de su vida y al reunirse varias circunstancias muy particulares, se dan cuenta repentinamente de que giran en círculos sin salida y no están realizando lo que realmente anhelan. Nos hemos vuelto demasiado egoístas, demasiado enamorados de nosotros mismos y de nuestras necesidades. Los demás han pasado a un segundo plano. Creemos hacer muchas cosas para nuestros familiares, pero cuando llega la noche nos damos cuenta de que aunque aparentemente nos hemos desvivido por ellos, ya no tenemos fuerzas ni tiempo para abrazarlos, para decirles algo bueno, algo amable. Nos falta tiempo. Nos falta energía. Todo se esfumó sin saber dónde. Pienso que de ahí parte el verdadero problema: ya no tenemos tiempo para mostrar los sentimientos y las pasiones, estrictamente unidas a los sentimientos. La vida se nos va entre las manos.”

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