Esta Semana Santa queremos hacer un breve repaso de la presencia del Salvador en el mundo del cine. Son bastante numerosas las películas que lo presentan como protagonista o apareciendo tangencialmente. Muchas han permanecido fieles a la ortodoxa imagen, mientras que otras representan opciones más libres. En todo caso, se quiera o no, existen tantas diferencias como la propia personalidad de sus creadores lo permita. Las que presentamos no son todas las que deberían, pero sí un puñado de las más significativas:

Ben-Hur: Aunque adaptada más de una vez con anterioridad, en la memoria del público pervive esta versión, realizada en 1959, sobre las andanzas del noble judío testigo de una era en la que la historia oficial y la leyenda parecen encontrar sus límites. Charlton Heston interpretó al protagonista y el gran William Wyler la dirigió. Pero a pesar de sus cacareadísimos 11 Oscars, ésta debe ser una de las menos logradas películas de ambos. Vale la pena sólo por algunos momentos como la antológica carrera de cuadrigas, o este breve pero bello momento en el que la mano misteriosa y acogedora de Cristo brinda auxilio al desesperado Judah Ben Hur.

El evangelio según San Mateo: El italiano Pier Paolo Pasolini tomó la primera de las versiones del nuevo testamento e hizo el acercamiento más literal y a la vez más insólito al recorrido de Cristo. Una película atravesada por los sentimientos encontrados y el caos que se vivía en el mundo de los años 60, mundo representado a la perfección por los fariseos y extremistas entre tantos otros, a los cuales se dirige el mensajero de la palabra totalmente despojado de truculencias. Un canto pleno de lirismo como el blues y los acordes de Bach y Mozart que escuchamos a lo largo del filme.

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Este 13 de marzo se han cumplido 20 años de la desaparición de John Holmes, acaso uno de los símbolos del cine “alternativo”. El recordado “hombre de los 35 centímetros” conoció la fama en el preciso momento de la eclosión de la pornografía durante los años 70 y se convirtió en su estrella capital. Para entonces, el buen John tenía un curriculum sorprendente en esta vertiente, que se desarrolla desde su casual “descubierto” en un urinario, hasta la peregrinación por cada etapa del caótico, y cada vez más desenfrenado, porno elaborado clandestinamente durante la era del hippismo y las drogas blandas. El viaje underground de Holmes resume mejor que ninguno la propia trayectoria del cine porno, y éste a su vez del propio cine norteamericano de las últimas décadas.

Sería poco después que irrumpirían la Lovelace y su garganta para dotar a la gente del incipiente gremio de una posibilidad de formalización, aunque primero tuvieran que sufrir los correteos de la ley y el orden que se encontraban todavía asimilando la entrada de esta solicitadísima tropa.

Ya para mediados de los 70 la franja de lo explícito había desarrollado una incipiente estética e industria y eso le permitió al dotado héroe saborear las mieles entre los vapores (y ardores) dignos del propio star system. En esto no se encuentra muy lejos de todos esos héroes del cine independiente o serie B que fueron desde entonces ascendidos a la máxima categoría: De Niro, Nicholson, Hoffman. Como ellos, Holmes tendría su personaje definitivo, ajeno a tantos alias insignificantes que tuvo que utilizar anteriormente pues el guión era lo de menos. Johnny Wadd era lo máximo a lo que un porn-star podía aspirar: un personaje hecho a la medida de la ficción más idealizada, una suerte de investigador urgido de resolver crímenes y necesidades sexuales a cada paso de una intriga que al menos hacía lo suyo por lucir coherente en medio de su “función esencial”, esa sombra mercenaria del negocio que acecha siempre a la creatividad, y que lo digan ahora Scorsese, Coppola, Cimino (entre varios de los chicos prodigio de la época).

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(Vía El país)

Capital (todo el mundo va a Buenos Aires) es una película para los que nunca van a madurar del todo, para los que se obsesionan, para los que no olvidan, para los que no perdonan, para los que se alejan, para los que regresan, para los que no saben qué carajos está pasando, para los que entierran los recuerdos en una “protección ficticia”. Capital es para los que no están seguros de nada, para los paranoicos, para los que siempre estarán ahí, para los que ven pasar las calles de la capital con la cabeza apoyada en la ventana del bus, para los que toman café con harto azúcar. Esta es una película para los indecisos, ¿Flaming Lips o Manic Street Preachers? Una película para los que odian el tango y a los idiotas que bailan tango. Capital es para los que juegan a tener una banda, a hacer películas en el dormitorio, a hacer música con la computadora. Para los que no se enteraron que el Do It Yourself es un cuento. Para el que aun guarda el “Parachutes” edición original. Capital es para los que no pueden dejar de hablar de cine. Para los que tienen una nueva “película favorita de todos los tiempos” cada dos meses. Para los que sienten que “son accidentes esperando ocurrir”. There’s always a siren singing you to shipwreck. Es una película para los que citan sin rubor las letras de sus canciones favoritas. Capital es una película para los que lo que “no son lo suficientemente hombres como para escuchar Radiohead”. Capital es una película para los que van a Buenos Aires. Ahí nos vemos.

Capital (todo el mundo va a Buenos Aires) se vuelve a presentar hoy domingo 9 de marzo a las 7:30pm en el Centro Cultural CAFAE-SE (Av. Arequipa 2985, San Isidro).

Hugo Castro Fau es uno de los productores argentinos más activos y atentos al panorama de la región en todos sus aspectos. Uno de ellos es la legislación, que identifica como elemento que dinamiza o desalienta la actividad fílmica de cada país y también como un reflejo de la mentalidad que va conduciendo los destinos de una cinematografía. En ese sentido, Castro Fau ha enviado por correo electrónico a la lista Cinemaperú y a mucha gente, incluidos nosotros, un texto que cuestiona, en el marco de las coproducciones internacionales en el cine iberoamericano, que apuntala el programa Ibermedia, la cerrazón de la ley peruana al apoyo de proyectos donde la productora peruana sea un socio minoritario. El productor lo considera desigual e injusto, pues hay películas con mayor cuota peruana sí pueden recibir ayudas en el extranjero, y señala que esa situación debería cambiar.

A continuación, el texto de Hugo Castro Fau.

EL PORQUE DE LAS COPRODUCCIONES

El apoyo y fomento público a la produccion cinematográfica y audiovisual se base en el concepto de excepción cultural y diversidad cultural.

Se basa en el deber inalienable del estado de regular el mercado económico cuando este es claramente oligopolico.

Es este carácter oligopolico del mercado, controlado por formas verticales de produccion-distribución-exhibición a nivel mundial comandadas por la MPAA-USA lo que hace que los productores iberoamericanos no tengamos, ni igualdad de condiciones, ni de oportunidades, para acceder al mercado internacional o nacional de explotación y comercialización cinematográfica.

Por esta razón, los estados nacionales deben regular. Regular a efectos de proceder a democratizar ese acceso a mercados nacionales e internacionales en condiciones de igualdad de competencia y concurrencia.

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Foto: Luis Ramos

Este 2 de marzo se cumplieron 75 años del estreno de uno de los iconos más rocambolescos y formidables de la historia del cine. El rey Kong hizo su aparición gracias a la imaginación de los aventureros Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack. El resultado de tantas fantasías alimentadas por libros y viajes, quedó registrado en los andares imponentes de la gran bestia que provoca el caos entre sus asombrados espectadores. Queremos compartir con ustedes una pequeña remembranza del super simio y sus pasos a lo largo del tiempo:

King Kong (1933). La primera película estrenada en 1933 sentó el modelo: la ambición de unos exploradores (cineastas para el caso) que se encontraban cara a cara con lo insólito. Para calmar a la bestia nada mejor que su némesis, representado por la bella Fay Wray. Una historia de extraña atracción que, como consecuencia de tanto deseo desbocado, tiene la furia digna de un disidente, destruyéndolo todo a su paso con una apariencia de niño juguetón. Mírenlo chocando trenes, agarrando su muñeca y tratando de alcanzar avioncitos en el aire.

Son of Kong (1933). Tras el descomunal suceso de la primera película, los realizadores se animaron por sacar esta secuela casi de inmediato. En este caso la historia nos trae de vuelta a la isla perdida donde Carl Denham (el cineasta de la primera expedición) haya lo “inesperado”: el hijo de Kong mucho menos robusto pero igual de mortífero. Muchos no recuerdan la existencia de esta continuación y tal vez no valga la pena hacerlo tampoco, salvo por representar el típico caso de progresiva deformación del modelo, el cual todavía estaría por conocer mayores extravagancias.

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(Esta es la segunda y última parte de la ponencia de Jaime Rosales en Valladolid en 2003)

La preparación del rodaje
Considero mucho más importante la preparación del rodaje que el rodaje en sí. En el rodaje, lo importante es aprovechar la espontaneidad, adaptarse a lo que surge de forma inesperada y sorprendente. Pero, para que eso pueda ocurrir, en la preparación todos tienen que tener claras las condiciones que favorecen que lo inesperado, lo espontáneo, se presente. Ya he dicho antes lo importante que es la colaboración con el equipo técnico a la hora de marcar las decisiones estilísticas de la película. En la preparación fue donde se definieron las pautas que marcaron la forma cinematográfica de Las horas del día.

Orienté ese trabajo de preparación en dos direcciones. Primero, trabajo de preparación técnica; segundo, ensayo con los actores.

La preparación técnica consistió en una primera lectura del guion, con los jefes de equipo y sus primeros ayudantes, alrededor de una mesa. Con anterioridad ya les había explicado individualmente cuáles eran la intención y el tono de la película, para que todos tuvieran claro lo que yo quería hacer. En esas lecturas surgieron ideas para mejorar el guión y también para desglosarlo. Es una buena forma de discutir sobre la película y avanzar la planificación del rodaje. Los técnicos, además de ayudar a mejorar el guión y a definir pautas de rodaje, ya pueden aprovechar esa lectura para anticipar problemas que pueden surgir más adelante. La lectura con los técnicos duró una semana. Al cabo de este pequeño subproceso quedaron fijadas las reglas que iban a definir la estética de la película.

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Inteligente, impecable, virtuosa y protagónica… Hace mucho que en la cartelera limeña no podemos disfrutar de una banda sonora del nivel de Expiación (Atonement). Absolutamente integrada al relato y la estructura narrativa, tanto la música como los otros elementos de la banda sonora se constituyen en protagonistas de la historia.

El espectador no podrá dejar de estar consciente de la existencia del sonido en todo momento, sin que esto resulte perturbador sino todo lo contrario, potencializador de la historia.

La mezcla también es destacable. La representación del espacio, a través de la presencia del sonido, está lograda de una manera magistral, el punto de vista sonoro objetivo, desde la cámara, hace un contrapunto con la perspectiva subjetiva de los personajes también representados sonoramente.

Muy merecidamente, Dario Marianelli recibió el Oscar a la mejor música original por Expiación. Un extraordinario ejemplo de composición musical cinematográfica, potencializando el mundo interior de los personajes, el montaje, la cámara y los otros elementos del sonido.

¡No se la pierdan!

El héroe de los 80 está de regreso, la caricatura bélica absoluta, la representación de las fantasías reaccionarias gringas en su máxima expresión. Sylvester Stallone, en la cima de su éxito como el entrañable boxeador Rocky Balboa, se le ocurrió dejarse el cabello largo y hacer la versión paroxística de su apariencia cinematográfica de hombre hecho a sí mismo y contra todos los obstáculos. John Rambo pasó rápidamente a transformarse en el mejor vehículo de las más discutibles elucubraciones de su estrella-actor. Queremos repasar con ustedes su paso por la imaginaria y atemorizante jungla de los blockbusters, ad portas de su regreso a las pantallas peruanas:

First Blood | Rambo: A partir de una novela escrita por David Morrell, esta película fue un intento de Stallone por encontrar un personaje tan carismático como el boxeador que lo llevó a la fama. El resultado fue una aceptable cinta de acción de la que se puede rescatar pasajes de drama tenso y consecuente con el marcado personaje sobreviviente de una guerra sin sentido, que vuelve al combate tras intentar caminar entre los suyos nuevamente. Comenzaba a gestarse, sin mucha sospecha, el bicho del fascista que se revelaría en las secuelas.

Rambo II: Pasado el primer arrebato y desencanto, a John le tocó un buen rato tras las rejas, tiempo para meditar un poco sobre su futuro en el cine, y su rol como vocero ante su nación, envuelta en más de un conflicto alrededor del orbe. Una propuesta para regresar a la lejana Indochina de sus horrores lo hace cruzar la línea sin retorno hacia el trono de los matarifes cinematográficos más rocambolescos de la historia. Acá todo el patriotismo desparramado en pequeños y solemnes momentos se convierte en el pretexto de explosiones y asesinatos delirantes, que el ex boina verde ejecuta como en el mejor sueño de Ronald Reagan, quien ya lo hubiese querido en frente para una medalla. ¡Al diablo con Platoon!

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