Por si a alguien le cabe dudas, El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford tiene uno de sus atractivos mayores en la fotografía de Roger Deakins, “uno de los grandes”, nominado siete veces al premio de la Academia -dos en la última edición-, ha trabajado con Scorsese, los Coen, Night Shyamalan, entre otros directores de primer nivel. En The Guardian encontramos una selección realizada por él mismo de las cinco escenas que más placer y satisfacciones le han otorgado en su carrera como director de fotografía. Repasemos con Deakins su trabajo:

1. The Shawshank Redemption - dir. Frank Darabont, 1994

Es una toma muy fría y omniciente, a la distancia de lo que pasa. Fue realmente dificil ejecutarla. Nos pasamos mucho tiempo planificándola con storyboards y trabajando con el camarógrafo del helicóptero y el asistente de dirección para asegurarnos de que el bus esté en el punto preciso cuando el helicóptero estaba en posición.

2. The Hudsucker Proxy - dir. Joel Coen, 1994

Es uno de los filmes más interesantes que he hecho con los hermanos Coen a nivel técnico. (…) Construimos miniaturas de 14 pies del pueblo y las usamos en un número de tomas. Teníamos que hacerlas coincidir con la ventana a escala natural donde Tim [Robbins] se apoyaba y unirlas con CGI.

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Los amantes del cine tenemos que volver a entristecernos con la partida de una de las figuras más importantes de la era clásica. Richard Widmark dejó de existir este 24 de marzo a los 93 años de edad, en su hogar de Roxbury, Connecticut. Su muerte simboliza ese alejamiento cada vez más notorio entre lo reluciente y creativo de la historia de Hollywood y su era actual. Nunca ganó un Oscar, ni el honorífico, como sí lo hicieron tantos otros intérpretes menos talentosos.

El suyo fue un oficio y estilo forjado en plena era de la postguerra y su aumento de crudeza, etapa a la que se adecuó muy bien. Tal vez el papel por el que más se le recuerde es precisamente el que marcó su debut en el cine, con la clásica Kiss of Death, dirigida por Henry Hathaway. Widmark componía de manera electrizante a Tommy Udo, el asesino de antología, con todos los recursos propios de la próxima era de los rebeldes sin causa.

Su carrera se extendió a los westerns tanto como a los thrillers y dramas criminales. Ahí destacan papeles memorables como los de Pánico en las calles de Elia Kazan, The Cobweb de Vincente Minnelli y Warlock de Edward Dmytryk. Rotando con maestría entre los villanos, héroes o antihéroes.

Su vida privada fue tan reservada que no extraña que rápidamente, con el cambio de ritmos y eras en Hollywood, su presencia se hiciera cada vez más reducida. Su última aparición en el cine la realizó en 1991 en la comedia True Colors junto a John Cusack y James Spader. En estos últimos años prefirió mantenerse, más que nunca, al margen de la industria a pesar de los incontables homenajes que recibía. Aún así siempre estuvo dispuesto a compartir mucho de su experiencia en diversas entrevistas.

A pesar de todo, sería inadecuado decir que descanse en paz a todo ese nervio y garra personificados. Basta con ver este momento de antología de Kiss of Death:

Extra: Pueden leer un homenaje que le dedica Time a este gran actor. También hace un tiempo, Enrique Silva le rindió un homenaje a este olvidado actor, en Páginas del diario de Satán.

(Vía GreenCine Dialy)

Este 25 de marzo se cumplen los cien años del nacimiento de uno de los más célebres creadores cinematográficos: el británico David Lean. Es uno de los pocos que supieron adecuar las complejas dimensiones de sus proyectos dentro del más puro mainstream. Sus películas son muchas veces aparentes encargos en los que, en determinado momento, se define un punto de ruptura. Clásico y osado como pocos, el suyo fue un verdadero aprendizaje desde abajo, como esforzado aprendiz en diversas labores, hasta llegar a ser editor de algunas producciones menores.

En plena Segunda Guerra Mundial, específicamente en 1942, Lean haría su debut como director al lado del popular actor y escritor Noel Coward. Ambos realizaron In Which We Serve, un drama bélico que le sirvió de espaldarazo perfecto a su carrera, que sólo despegaría con el soberbio melodrama Breve encuentro, historia sentimental pero que iba delatando ese talento visual que habría de desarrollarse posteriormente de maneras insospechadas.

Eso habría de ocurrir a mediados de los años 50, cuando la industria de Hollywood lo convocó a realizar algunos proyectos en los que gozó del impresionante technicolor. La clásica aventura romántica de Katherine Hepburn en Summertime fue su entrada de lleno a los espacios amplios y el aprovechamiento de los paisajes como corolarios del más íntimo disfrute o apasionamiento. Fue el anuncio de su nueva etapa hacia el cine épico, del cual casi ya no saldría.

En este terreno obtuvo sus mayores logros, tanto artísticos como de taquilla (pocos pueden hacerlo ahora). Películas como El puente sobre el río Kwai, Lawrence de Arabia o Doctor Zhivago, dan cuenta de ese talento tan influyente como casi irrepetible en el gran espectáculo de hoy. Un cine hecho con inconmensurables despliegues y virtudes de narrador, conjunción que por ahí sólo un Michael Cimino podría haberse ufanado haber igualado.

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Esta Semana Santa queremos hacer un breve repaso de la presencia del Salvador en el mundo del cine. Son bastante numerosas las películas que lo presentan como protagonista o apareciendo tangencialmente. Muchas han permanecido fieles a la ortodoxa imagen, mientras que otras representan opciones más libres. En todo caso, se quiera o no, existen tantas diferencias como la propia personalidad de sus creadores lo permita. Las que presentamos no son todas las que deberían, pero sí un puñado de las más significativas:

Ben-Hur: Aunque adaptada más de una vez con anterioridad, en la memoria del público pervive esta versión, realizada en 1959, sobre las andanzas del noble judío testigo de una era en la que la historia oficial y la leyenda parecen encontrar sus límites. Charlton Heston interpretó al protagonista y el gran William Wyler la dirigió. Pero a pesar de sus cacareadísimos 11 Oscars, ésta debe ser una de las menos logradas películas de ambos. Vale la pena sólo por algunos momentos como la antológica carrera de cuadrigas, o este breve pero bello momento en el que la mano misteriosa y acogedora de Cristo brinda auxilio al desesperado Judah Ben Hur.

El evangelio según San Mateo: El italiano Pier Paolo Pasolini tomó la primera de las versiones del nuevo testamento e hizo el acercamiento más literal y a la vez más insólito al recorrido de Cristo. Una película atravesada por los sentimientos encontrados y el caos que se vivía en el mundo de los años 60, mundo representado a la perfección por los fariseos y extremistas entre tantos otros, a los cuales se dirige el mensajero de la palabra totalmente despojado de truculencias. Un canto pleno de lirismo como el blues y los acordes de Bach y Mozart que escuchamos a lo largo del filme.

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Este 13 de marzo se han cumplido 20 años de la desaparición de John Holmes, acaso uno de los símbolos del cine “alternativo”. El recordado “hombre de los 35 centímetros” conoció la fama en el preciso momento de la eclosión de la pornografía durante los años 70 y se convirtió en su estrella capital. Para entonces, el buen John tenía un curriculum sorprendente en esta vertiente, que se desarrolla desde su casual “descubierto” en un urinario, hasta la peregrinación por cada etapa del caótico, y cada vez más desenfrenado, porno elaborado clandestinamente durante la era del hippismo y las drogas blandas. El viaje underground de Holmes resume mejor que ninguno la propia trayectoria del cine porno, y éste a su vez del propio cine norteamericano de las últimas décadas.

Sería poco después que irrumpirían la Lovelace y su garganta para dotar a la gente del incipiente gremio de una posibilidad de formalización, aunque primero tuvieran que sufrir los correteos de la ley y el orden que se encontraban todavía asimilando la entrada de esta solicitadísima tropa.

Ya para mediados de los 70 la franja de lo explícito había desarrollado una incipiente estética e industria y eso le permitió al dotado héroe saborear las mieles entre los vapores (y ardores) dignos del propio star system. En esto no se encuentra muy lejos de todos esos héroes del cine independiente o serie B que fueron desde entonces ascendidos a la máxima categoría: De Niro, Nicholson, Hoffman. Como ellos, Holmes tendría su personaje definitivo, ajeno a tantos alias insignificantes que tuvo que utilizar anteriormente pues el guión era lo de menos. Johnny Wadd era lo máximo a lo que un porn-star podía aspirar: un personaje hecho a la medida de la ficción más idealizada, una suerte de investigador urgido de resolver crímenes y necesidades sexuales a cada paso de una intriga que al menos hacía lo suyo por lucir coherente en medio de su “función esencial”, esa sombra mercenaria del negocio que acecha siempre a la creatividad, y que lo digan ahora Scorsese, Coppola, Cimino (entre varios de los chicos prodigio de la época).

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(Vía El país)

Capital (todo el mundo va a Buenos Aires) es una película para los que nunca van a madurar del todo, para los que se obsesionan, para los que no olvidan, para los que no perdonan, para los que se alejan, para los que regresan, para los que no saben qué carajos está pasando, para los que entierran los recuerdos en una “protección ficticia”. Capital es para los que no están seguros de nada, para los paranoicos, para los que siempre estarán ahí, para los que ven pasar las calles de la capital con la cabeza apoyada en la ventana del bus, para los que toman café con harto azúcar. Esta es una película para los indecisos, ¿Flaming Lips o Manic Street Preachers? Una película para los que odian el tango y a los idiotas que bailan tango. Capital es para los que juegan a tener una banda, a hacer películas en el dormitorio, a hacer música con la computadora. Para los que no se enteraron que el Do It Yourself es un cuento. Para el que aun guarda el “Parachutes” edición original. Capital es para los que no pueden dejar de hablar de cine. Para los que tienen una nueva “película favorita de todos los tiempos” cada dos meses. Para los que sienten que “son accidentes esperando ocurrir”. There’s always a siren singing you to shipwreck. Es una película para los que citan sin rubor las letras de sus canciones favoritas. Capital es una película para los que lo que “no son lo suficientemente hombres como para escuchar Radiohead”. Capital es una película para los que van a Buenos Aires. Ahí nos vemos.

Capital (todo el mundo va a Buenos Aires) se vuelve a presentar hoy domingo 9 de marzo a las 7:30pm en el Centro Cultural CAFAE-SE (Av. Arequipa 2985, San Isidro).

Hugo Castro Fau es uno de los productores argentinos más activos y atentos al panorama de la región en todos sus aspectos. Uno de ellos es la legislación, que identifica como elemento que dinamiza o desalienta la actividad fílmica de cada país y también como un reflejo de la mentalidad que va conduciendo los destinos de una cinematografía. En ese sentido, Castro Fau ha enviado por correo electrónico a la lista Cinemaperú y a mucha gente, incluidos nosotros, un texto que cuestiona, en el marco de las coproducciones internacionales en el cine iberoamericano, que apuntala el programa Ibermedia, la cerrazón de la ley peruana al apoyo de proyectos donde la productora peruana sea un socio minoritario. El productor lo considera desigual e injusto, pues hay películas con mayor cuota peruana sí pueden recibir ayudas en el extranjero, y señala que esa situación debería cambiar.

A continuación, el texto de Hugo Castro Fau.

EL PORQUE DE LAS COPRODUCCIONES

El apoyo y fomento público a la produccion cinematográfica y audiovisual se base en el concepto de excepción cultural y diversidad cultural.

Se basa en el deber inalienable del estado de regular el mercado económico cuando este es claramente oligopolico.

Es este carácter oligopolico del mercado, controlado por formas verticales de produccion-distribución-exhibición a nivel mundial comandadas por la MPAA-USA lo que hace que los productores iberoamericanos no tengamos, ni igualdad de condiciones, ni de oportunidades, para acceder al mercado internacional o nacional de explotación y comercialización cinematográfica.

Por esta razón, los estados nacionales deben regular. Regular a efectos de proceder a democratizar ese acceso a mercados nacionales e internacionales en condiciones de igualdad de competencia y concurrencia.

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Foto: Luis Ramos

Este 2 de marzo se cumplieron 75 años del estreno de uno de los iconos más rocambolescos y formidables de la historia del cine. El rey Kong hizo su aparición gracias a la imaginación de los aventureros Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack. El resultado de tantas fantasías alimentadas por libros y viajes, quedó registrado en los andares imponentes de la gran bestia que provoca el caos entre sus asombrados espectadores. Queremos compartir con ustedes una pequeña remembranza del super simio y sus pasos a lo largo del tiempo:

King Kong (1933). La primera película estrenada en 1933 sentó el modelo: la ambición de unos exploradores (cineastas para el caso) que se encontraban cara a cara con lo insólito. Para calmar a la bestia nada mejor que su némesis, representado por la bella Fay Wray. Una historia de extraña atracción que, como consecuencia de tanto deseo desbocado, tiene la furia digna de un disidente, destruyéndolo todo a su paso con una apariencia de niño juguetón. Mírenlo chocando trenes, agarrando su muñeca y tratando de alcanzar avioncitos en el aire.

Son of Kong (1933). Tras el descomunal suceso de la primera película, los realizadores se animaron por sacar esta secuela casi de inmediato. En este caso la historia nos trae de vuelta a la isla perdida donde Carl Denham (el cineasta de la primera expedición) haya lo “inesperado”: el hijo de Kong mucho menos robusto pero igual de mortífero. Muchos no recuerdan la existencia de esta continuación y tal vez no valga la pena hacerlo tampoco, salvo por representar el típico caso de progresiva deformación del modelo, el cual todavía estaría por conocer mayores extravagancias.

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