El viernes pasado, 27 de junio, comenzamos con un nuevo proyecto de Cinencuentro, Charlas de cine, un grupo de conversaciones, realizadas al alimón y con la participación del crítico de cine Ricardo Bedoya. La idea, como ya comentamos antes, es crear un espacio para compartir y conversar sobre diversos temas que nos interesan del cine, en especial en nuestro medio. Así el primer tema fue La estética en el cine peruano: estilos y formas en el que se dijeron muchas cosas interesantes, en general se conversó “de todo y de nada”, como dijo uno de los asistentes. Ha sido una velada larga pero interesante, con muchos datos, alguna discusión de por medio, y varios temas aún por ampliar. Seguramente lo haremos en las próximas fechas. Ahora queremos compartir con ustedes la conversación que registramos en audio.

Primera parte:

Segunda parte:

Tercera parte:

Estos son los archivos en formato MP3 para que los descarguen: parte 1, parte 2, parte 3.

El cine (peruano) ha tenido muchas muertes. El cine peruano existe en la época muda hasta el 30; luego renace en el 37, y en el 40 muere; y después vuelve el año 73 con la ley de cine y prácticamente muere en el 92 porque se paraliza todo; y luego empieza una nueva generación…

Ricardo Bedoya explicando las muchas muertes del cine peruano,
y la perseverancia por realizar cine a pesar de los problemas.

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Un atípico ciclo de conferencias se está realizando en el Centro Cultural de El Británico, en ellas se analizan películas, discutiéndolas plano a plano. El responsable de la actividad es el crítico de cine Ricardo Bedoya. Conversamos con él sobre el enfoque de estas sesiones en las que, nos cuenta, trata de rescatar una costumbre casi perdida, el gusto de hablar de cine.

[Se trata] hablar de cine a partir del gusto por la película, reivindicar esa mirada fascinada del analista seducido por la película para acercarse a ella de diferentes formas, a través de la historia, a través del detalle de la producción misma, a través de lo que sugieren los recursos expresivos, el manejo del lenguaje del cine, a través de la mirada del autor, incluso de lo anecdótico que a veces aclara muchas cosas. Es abrirse a diferentes posibilidades de acceso a una película.

La conversación completa la puedes escuchar a continuación, o descargarla en sus dos partes parte1 y parte2:

Parte 1: Sobre las charlas de cine en el Británico (9 mins.)

Parte 2: Sobre los medios y el análisis de filmes (3 mins.)

O puedes leer la transcripción siguiendo el vínculo »

Las conferencias se realizan todos los martes de octubre en el Británico (Malecón Balta 740 - Miraflores) a las 7:30 p.m. Hay que ir temprano para encontrar asiento.

Entrevista y edición: Antolín Prieto

La otra mirada de Lorena Cancela

Durante el último Festival de Lima, Lorena Cancela, crítica y docente cinematográfica argentina, nos visitó para dictar un taller sobre “otros cines”, es decir cines que se desarrollan fuera de las convenciones más comerciales. A partir de las ideas de su taller, conversamos con ella, sobre este tema, sobre sus investigaciones publicadas en sus dos publicaciones “Mirada de mosca” y “Los adulterios de la escucha: entrevistas con el otro cine”, sobre la cinefilia y algunos temas más. Una conversación que resultó muy interesante.

Pueden escuchar la entrevista a continuación:

Parte 1: Sobre “otros cines”, sus libros y cinefilia (16 mins.)

Parte 2: Sobre el Festival de Lima y otros festivales (6 mins.)

Transcribimos algunos de los pasajes más interesantes. Sobre el término “otros cines”, ella nos dice:

Yo encontré la denominación “otros cines” para aquellas películas que rompen con los cánones más estandarizados, que generalmente están representados por las películas de Hollywood. Entonces, yo le puse el termino “el otro”, también con relación al título de mi segundo libro que era “Los adulterios de la escucha, entrevistas con el otro cine”, con la figura del otro como aquel que no está dentro del sistema.

Obviamente generalizar no es posible, pero podríamos hablar de ciertas características comunes, que me parece que son, la urgencia de los realizadores por filmar, muchas veces en condiciones de producción precarias, eso por un lado y por otro lado también las ganas de innovar estéticamente y experimentar con el lenguaje cinematográfico.

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También puedes descargar los dos audios (parte 1 y parte 2) de esta entrevista.

Entrevista y edición: Antolín Prieto
Fotos: Sara García

Hace dos años, hicimos nuestra primera entrevista festivalera en Cinencuentro: corría el 2005 y estábamos en el 9º Festival Elcine, cuando nos acercamos a un poco conocido Carlos Reygadas y sin más le solicitamos una entrevista. El tiempo ha pasado, y ayer viernes, pudimos repetir el encuentro. Felizmente, ni los premios ganados, ni la reputación mundial, han cambiado al cineasta mexicano, que no ha perdido su carisma y modestia. Es una satisfacción para nuestro equipo llegar al post 100 de la cobertura del Festival de Lima y poderles entregar esta conversación con Carlos Reygadas, en la que hablamos de su cinta en competencia: Luz silenciosa, pero también de arte, piratería, influencias, Dios, y sobre todo de cine. Esperamos que la disfruten tanto, como nosotros disfrutamos realizándola.

Pueden descargar las dos partes (parte 1 y parte 2) o escucharlas aquí mismo.

Primera parte de la entrevista a Carlos Reygadas (18 min.)

Segunda parte de la entrevista a Carlos Reygadas (13 min.)

A continuación, transcribimos algunos fragmentos de la conversación:

Carlos, el inicio y cierre de tu película nos ha parecido de las mejores escenas que hemos visto en la historia del cine latinoamericano, y queríamos que nos cuentes cómo la hiciste, que nos cuentes el making of de esa escena que abre y cierra tu película.

Es como pedirle a un cocinero que te cuente los secretos de su cocina más importante… No, en verdad, es que tienes razón, de que al margen que te guste, es algo que es inédito realmente en el cine, el hecho de que haya, por una parte, la compresión de una hora real en tiempo, como se hace con los time lapse, pero sin que haya una alteración del espacio, por lo tanto no hay movimiento, el movimiento sigue siendo el tiempo real de tres minutos, pero la luz cambia. No te voy a dar demasiados detalles, pero la clave fue filmar primero las estrellas con el movimiento ese, con una exposición muy lenta, digamos como un fotograma por segundo en lugar de 24, para que pudieran exponer y después hicimos varias pasadas en travelling, a lo largo de la hora en la que va amaneciendo, cada tres minutos, y luego empalmamos esos pedazos poco a poco para poder controlar eso, o sea que no hay nada digital, las imágenes son puras.

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Entrevista: Antolín Prieto y Rodrigo Portales
Fotos: Rolando Jurado
Edición: Luis Ramos y Gabriel Quispe

Patrick Ghislain es sin duda uno de los mezcladores más importantes del cine europeo contemporáneo. La mezcla y la propuesta sonora de la película La vida secreta de las palabras, de Isabel Coixet, que integra la sección Presentaciones imprescindibles en el Festival de Lima, es una demostración de talento y maestría en la composición sonora.

Cada vez con más contundencia podemos ver que el sonido de la realidad, el sonido directo, queda concentrado fundamentalmente en el diálogo para dejar a la postproducción la construcción y manipulación absoluta sobre los elementos que componen la sonoridad de la película.

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Con satisfacción presentamos a Rosa María Oliart, una de las mejores sonidistas peruanas (La prueba, Una sombra al frente) y actual vicepresidenta –en realidad, presidenta interina, ante la desidia del Ministerio de Educación por nombrar al titular– del Consejo Nacional de Cinematografía (Conacine). Desde ahora la popular “Bucles” compartirá periódicamente con nuestros lectores su conocimiento técnico y habilidad interpretativa del sonido de las películas que tenga ocasión de ver. Empezamos con la cinta brasileña El año en que mis padres se fueron de vacaciones, de Cao Hamburger, que compite en la Sección Oficial de Ficción.

El año en que mis padres se fueron de vacaciones: la estética del foley

La película brasilera El año en que mis padres se fueron de vacaciones, de Cao Hamburger, demanda una reflexión especial a propósito de la estética y el uso del foley como recurso en la postproducción sonora cinematográfica. En este filme la banda sonora está prácticamente fundamentada en el foley como elemento protagónico de la sonoridad de la historia.

Llamamos foley a los efectos sonoros sincrónicos grabados en estudio sobre la imagen ya editada, a manera de doblaje. Los podríamos clasificar en tres categorías: pasos, presencias y ruidos. En la mezcla cinematográfica 5.1, son ubicados siempre en el canal central que alberga todos los elementos sonoros sincrónicos y el diálogo.

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El wayronco es un abejorro andino que en su vuelo emite un sonido parecido al llanto humano, con esa idea-fuerza, Jorge Meyer y Xavier Urios, se lanzan a conocer y mostrar el dolor y sufrimiento generado por los funestos años de violencia interna en el Perú, en el documental Lágrimas de Wayronco que veremos en competencia durante el 11 Festival de Lima en la respectiva sección.

El director y el productor español, nos concedieron una entrevista para conversar sobre esta investigación suya sobre el penoso proceso de violencia de los 80s, sus consecuencias y sus víctimas, reflejados en este largometraje de 96 minutos que percibe la problemática a la distancia de una perspectiva europea.

Dos momentos para ilustrar la conversación, sobre la coyuntura del conflicto armado:

Este es el único país del planeta que en dos décadas de democracia han tenido tal número de víctimas, nosotros podemos hablar de la dictadura de Pinochet, la dictadura de Videla, las guerras por tierras en Laos y Camboya, pero estamos hablando de situaciones sociales y políticas distintas, opresoras y oprimidas. Aquí, estaban en democracia, nunca ha ocurrido en ningún país del planeta.

Sobre las dramatizaciones, uno de los momentos más interesantes del documental, que el pueblo de Chungui realizó, nos cuentan:

Y nos encontramos una comunidad que nos dice “nosotros hemos preparado unas dramatizaciones, queremos expresar gráficamente, de una manera viva, lo que hemos pasado”, nosotros no intervinimos más que a la hora de colocar las cámaras; ellos tenían decidida la entrada de Sendero, la asamblea comunal, un ajusticiamiento. Y de hecho, como es muy difícil comunicarse con ellos, esto no fue un rodaje tradicional, “bueno ahora vamos a hacer…” no, no, ellos de repente empezaban a hacer cosas, venían disfrazados de militares, disfrazados de senderistas, y nos pillaban así corriendo, corriendo, motor, motor! Y como locos nosotros nos poníamos a rodar y ellos seguían dramatizando, haciendo su obra de teatro durante tres horas seguidas, y nosotros a captar imágenes.

Descarga la entrevista en mp3: Primera parte (16 min) - Segunda parte (11 min)

Funciones de Lágrimas de Wayronco:

• Viernes 3 de agosto, 5:15 p.m. en el Centro Cultural de la PUCP
• Sábado 4 de agosto, 5:45 p.m. en el Cineplanet Alcalzar (Óvalo Gutiérrez)

Entrevista: Rodrigo Portales y Antolín Prieto
Fotos: Antolín Prieto
Edición: Luis Ramos, Mary Panta y Antolín Prieto

Una de las varias tareas previas al estreno de un film es la construcción de la banda de sonido. Para ello los cineastas cuentan con el sonido directo, el foley, los sonidos de archivo entre otros recursos. De los sonidos de archivos, uno de los más usados es el Grito Wilhelm, un cliché cinematográfico para caídas aparatosas o algunas muertes violentas.

De las muchas producciones que lo han utilizado, Distant Drums (1951) resulta ser la primera. Cintas como Them!, Star Wars o Reservoir Dogs han dado el rango de mito a este grito adjudicado al actor Sheb Wooley. Tras ellas, muchos diseñadores de sonido la han usado en sus bandas de audio, como una broma interna dentro del gremio. A este sonido se le conoce como grito Wilhelm por uno de los personajes que lanzó dicho alarido, ‘el soldado Wilhelm’ en The Charge at Feather River (1953). Una lista completa de películas con este grito se ubica en la wikipedia, pero aquí pueden ver oír la evidencia primero:

(Vía Joblo)