El equipo completo durante la primera etapa del rodaje de "Ambición fatal".

Se trata en realidad de la segunda etapa de una difícil filmación que se inició en Juliaca hace exactamente un año y que se suspendió por motivos climáticos y económicos. Pacco Lima no es nuevo en la escena cinematográfica regional, tiene una trayectoria tan significativa como expectante que se inicia como actor de las películas puneñas más importantes de fines del siglo pasado.

Su opera prima Amor en las alturas (2008) se escapa de los moldes tradicionales del cine regional y toca con valentía, desde una combinación de géneros donde predomina el melodrama, varios temas de interés que afectan a la sociedad altiplánica. El autor de esta nota, Carlos Marín(*), estuvo en la primera etapa del rodaje de Ambición fatal y también está ahora, en la segunda, acompañando y apoyando la producción.

A continuación una interesante conversación que tuvo con el director Percy Pacco, realizada en un descanso del rodaje.

Percy, ¿cómo se inicia tu relación con el cine?
Hay dos etapas que marcan mi trayectoria en el cine. La primera es como actor y se inicia en 1998 con la película El abigeo de Flaviano Quispe donde tuve la oportunidad de realizar el papel principal. Fue una experiencia bonita y me sirvió para reafirmarme en mi vocación de actor que ya la venía ejerciendo desde los 14 años en distintas obras de teatro; pero “El abigeo” fue una experiencia distinta y marcó el inicio de mi amor por el cine. Luego vino El huerfanito, también de Flaviano, donde hice el papel antagónico y me sirvió para consolidarme como actor en Puno.

La segunda etapa de mi relación con el cine empieza el 2004, cuando creamos Tayta Producciones con la finalidad de hacer nuestras propias películas y obras de teatro; fue así que al año siguiente empezamos con el proyecto “Amor en las alturas”, mi opera prima, que nos tomó prácticamente dos años terminarla. Lo que pasa es que en el 2006, producto de las propias exigencias de la película, decidí irme a Lima a capacitarme en dirección, producción, iluminación, actuación. Con todo ese conocimiento adquirido, recién me atreví a retomar y culminar la película. Otra dificultad que alargó el rodaje, muy común en las producciones locales, fue el presupuesto. La edición y la posproducción recién empezaron el 2007 y me llevó otro año. Algo novedoso [para el cine local] que hicimos esa vez fue componer la música original de la película.

El director Percy Pacco en Capano, un pueblo en el distrito de Capachica, en Puno.

¿Cómo fue recibida tu ópera prima por el público?
“Amor en las alturas” se terminó a inicios del 2008 y de pronto me asaltó un gran temor, y es que yo era un actor reconocido en la región, y dar el salto a la dirección me pareció un tanto apurado y repentino. Sentía que no iba a tener éxito. Sin embargo, todo este miedo se disipó cuando en el rodaje de “La travesía de Chumpi” realizado en la comunidad nativa ashuar de Chicherta en Loreto, llevé un primer corte de la película al director Fernando Valdivia para que lo viera y le conté mis temores. Entonces me dijo “Si tu quieres saber que tan buen director de cine eres, entonces muestra tu película a esta gente, que no conoce tu idioma ni tus costumbres; si lo entienden entonces quiere decir que estás en buen camino”.

Y lo mostré a los ashuar de Chicherta que no hablan ni castellano ni quechua, y les gustó la película. Fernando me dijo que ahí estaba la prueba de que ya era un director. Lo más espectacular fue que en los días siguientes, de las otras comunidades empezaron a pedirla también, querían verla. La gente no la llamaba “Amor en las alturas” ya que en ese tiempo aún no le había puesto titulo, sino “Santiago”, que es el nombre del personaje principal, “Queremos ver a Santiago” decían. Me sentí muy emocionado, con las ganas y las fuerzas para mostrar la película en Puno y en todo el Perú. Así que al final del rodaje de Chumpi, volví a Juliaca y planificamos el estreno. La recepción de la película fue masiva y el reconocimiento que recibí de parte de la población fue como actor y director. Apreciaban mi capacidad para contar buenas historias, incluso hubo gente que dijo que era la mejor película del momento hecha en Puno.

¿Dónde más han visto tu primera película?
En el 2008 la estrenamos en Moquegua y en Arequipa, en el Primer Festival de Cine Andino; en el 2009 la pasamos en Lima, en el Festival de la PUCP [en la muestra Visiones y Memoria en los Cines Regionales Peruanos]. Fue una experiencia bonita. Además estuvo en diferentes centros culturales y estudiantiles como el CAFAE, en la Charles Chaplin, Centro Cultural de España, entre otras. La mostramos también en la mina Rinconada.

Ya que lo mencionas, la película tiene una secuencia importante en la Rinconada, asentamiento humano casi inexpugnable ubicado a 5,200 metros de altura, y en donde viven -bajo sus propias reglas- mineros informales que explotan la mina de oro del mismo nombre. ¿Cómo fue rodar ahí?
Ahí tuvimos una experiencia desagradable y riesgosa a la vez. Estábamos haciendo una escena nocturna de Santiago con Roberto, mareados en una de las calles del pueblo, y los mineros pensaron que estábamos haciendo un documental donde los hacíamos quedar mal, y entonces comenzaron a rodearnos gente mareada, mineros que venían de sus labores, nos rodearon como 200 personas dispuestas a todo, a quemarnos y lincharnos vivos. ¡Una experiencia terrible! Estaba en juego la seguridad y la integridad, no solo mía sino de todo mi equipo.

Entonces no sé si fue la voz de Dios o de quien que en ese momento difícil me dijo al oído: “Percy, no digas nada, sal de ahí”, y yo le hice caso. Aprovechando una distracción salí de ahí; nadie me vio, era como si me hubiera puesto una manta que me hizo invisible. Salí del tumulto, quería correr pero pensé que si lo hacía, ahí si me verían y me lincharían. Caminé y caminé, rápido y llegue al cuarto donde me esperaban los demás.
Ese suceso nos asusto muchísimo y decidimos volver a Juliaca aun faltando varias escenas por grabar. Nos las ingeniamos para recrear escenarios de interiores y de algunas partes de la mina Rinconada en Juliaca, y creo que nos salieron bien.

Una vez terminada y presentada la película en Puno, quería sacarme el clavo de lo sucedido volviendo y presentando la película en la mina Rinconada. Llegamos e hicimos la convocatoria. Estábamos realmente temerosos porque el personaje de Mario el minero era malo, ambicioso, borracho, no sabíamos como iba a reaccionar la gente de allá. Pasamos la película y para nuestra sorpresa, lejos de criticarla comenzaron a aplaudirla, querían conocer y felicitar a los actores, al director, así que salimos al frente, les conté la terrible experiencia del rodaje y todos los presentes se rieron y me dijeron que tenia carta libre para hacer lo que quisiera allá. Dijeron que efectivamente existían personajes como Mario que viven así, abandonan a su familia, se dedican a la vida fácil, son ambiciosos. La película les hacía pensar y reflexionar en cómo mejorar su propia existencia.

¿Qué significa “Ambición fatal” en tu carrera cinematográfica?
Es un proyecto un poco más complejo y ambicioso. Nos hemos planteado varios retos, el primero es en el aspecto técnico. Quiero trabajar de la mejor manera posible. Por eso he convocado a Fernando Valdivia y a ti para que me apoyen en el guión, el tratamiento visual y la cámara.
A Tania Medina en la producción, a Alex Giraldo en la fotografía y a Ángel Romero en el sonido, quienes me han asesorado y apoyado en la primera etapa del rodaje y han compartido su experiencia con los jóvenes talentos locales con los que cuento aquí. Todos ellos han aprendido de estos maestros y, con tu apoyo, lo están aplicando ahora en esta segunda etapa.

El segundo reto es que hemos querido contar una historia con muchas ramificaciones, que contenga otras historias que se van sumando y armando una compleja trama, historias que reflejan nuestras costumbres pero también los conflictos humanos presentes en todas las culturas. En “Ambición fatal” hay varios géneros, resaltan el drama, la comedia, la acción y el suspenso y hemos tratado de equilibrarlas en un guión sólido e interesante. Queremos que el espectador se involucre en la historia desde un comienzo, que vaya atando cabos a medida que avanza la historia, que la recree con las preguntas que vayan surgiendo en su mente. Eso es lo que buscamos con la película, no queremos espectadores pasivos, esta vez los vamos a retar para que adopten una actitud más activa.

Un tercer reto es contar con actores con experiencia, no todos la tienen pero estamos tratando de apoyarlos para que el nivel de las actuaciones sea bueno, natural y así también mejorar la calidad de la película. Y por último, además de cautivar al público altiplánico y peruano, nos hemos puesto el reto de llevar la película lo más lejos posible, a festivales latinoamericanos y europeos, subir un peldaño más de lo alcanzado por “Amor en las alturas”.

Fiorela Vega, una de las jóvenes actrices que veremos en "Ambición fatal".

¿Cómo estás financiando la película?
El presupuesto es el primer escollo que todos los realizadores tenemos. En la primer parte del rodaje que correspondió a la parte urbana, la más simple en términos de la historia aunque no en la realización porque significó mucha acción, disparos y persecuciones, contamos con los aportes de amigos, familiares y empresas locales que confían en nuestro trabajo.
Nos llevó todo enero del 2011 pero tuvimos que suspenderlo por motivos de clima, pues la parte rural de la historia quería grabarla con el verdor que adquiere el campo en el altiplano en los dos primeros meses del año pero lamentablemente el tiempo nos ganó y ya estábamos entrando a la época de sequía. Tuvimos que esperar todo un año para seguir con el rodaje y además, se acabó el dinero. Todo el 2011 intentamos conseguir auspicios, visitamos varias empresas locales, algunas nos han escuchado, nos han prometido, nos han dicho que no, y muy pocas nos han apoyado. Una de las más importantes y que quiero mencionar su nombre es una empresa individual llamada Claro Dorado, que finalmente si nos ha querido financiar esta segunda etapa.

En un primer momento no quisiste protagonizar la película. Cuéntanos, ¿por qué decidiste hacerlo finalmente?
Siempre pasa en mis películas. Cuando escribí “Amor en las alturas”, nunca pensé actuar. Hicimos un cásting, seleccioné al actor que haría de Santiago, hice un corto con él para prepararlo. Pero justo antes de empezar el rodaje el actor tuvo que irse por trabajo, y entonces me vi obligado a actuar en el papel principal.
Pero ya antes en “El huerfanito” me pasó algo parecido. Yo estaba encargado de la dirección de actores, el antagonista nunca llegó al rodaje y el director me pidió actuar y lo hice. Ahora en “Ambición fatal” sucedió prácticamente lo mismo. Es más, el personaje de Julián ya tenía un actor que lo interpretaba y grabamos varias escenas en Juliaca con él. Pero luego de la suspensión del rodaje, el actor se fue a Lima por motivos personales. Así que tuve que asumir nuevamente el personaje. Pero esta vez, esa no fue la única razón que me animó a actuar. Lo que pasa es que cuando voy a cualquier lugar de Puno la gente me reconoce, me saluda y me dice “Percy cuando es la otra película, queremos verte actuar”. Entonces también hay un compromiso por no fallarle a nuestro público que espera de mi no solo al director sino también al actor.

Han pasado casi cuatro años desde el estreno de “Amor en las alturas”. ¿Qué crees que piensan los seguidores de tus películas?
Cuando reviso mis correos electrónicos siempre me encuentro con gente que se pregunta porqué Percy Pacco se demora tanto en hacer sus películas. Yo les digo simplemente que tenemos una razón, nos gusta hacer bien las cosas, madurar el guión, preparar bien la producción y la parte técnica, cuidar mucho la actuación. Han pasado 4 años desde “Amor en las alturas” es cierto, pero ya estamos metidos de lleno en la segunda película y ya no van a tener que esperar más. Este 2012 van a disfrutar mi nueva película, hecho con mucho esfuerzo y cariño no solo mío sino de mucha gente metida en el proyecto. No me queda más que decirles que vayan a verla porque se van a encontrar con una historia bonita y distinta a la vez.

El equipo completo retomando el rodaje en Capano.

Entrevista: Carlos Marín (*)
Edición: Luis Ramos y Laslo Rojas

(*) Carlos Marín es asistente de dirección y camarógrafo en “Ambición fatal”. Ha sido también asistente de dirección en “Paraíso”, de Héctor Gálvez.

También actúan en la película Graciela Cristina “Grapa”, Stephanie Orúe, Anneliese Fiedler y Giovanni Ciccia.
Casadentro fue ganador del Concurso de Largometrajes Conacine 2010, y de la ayuda del Programa Ibermedia del 2009.

Sinopsis: A sus ochenta años, la señora Pilar comparte su tranquila vivienda, ubicada en una provincia del Perú, con “la” Consuelo, “la” Milagros y “la” Tuna. En esta casa, donde se confunden los días unos con otros, son pequeñas las cosas que mueven la rutina de la familia. Pero este día no es como cualquier otro. El timbre del teléfono rompe con la quietud. Patricia, una de las hijas de la señora Pilar, le comunica que dentro de unas pocas horas llegará a la casa con su hija, el marido de su hija y su nieta. La señora Pilar asiente nerviosa y preocupada. La rutina tiene que cambiar y los miembros de la casa tienen que adecuarse a la gente “extraña” que ha invadido su hogar. En esta película conviven cuatro generaciones de mujeres que se ven obligadas a interactuar, a mirarse y a no mirarse, a pasar una noche en la misma casa. Se trata de una película que confía en que los verdaderos conflictos surgen en la vida cotidiana, detrás del día a día, detrás del desayuno.

Vean el primer tráiler de Casadentro:

Casadentro, escrita y dirigida por Joanna Lombardi, es una producción de El árbol azul y Tondero Films.

Visiten su sitio web oficial, y su página en Facebook.

Don Armando estaría muy contento viendo sus películas en pantalla grande.
(Foto: El Peruano)

Con el objetivo de generar el espacio más importante de difusión del cine y el audiovisual peruano, la sala de cine del Ministerio de Cultura presenta su primer ciclo, rindiendo homenaje al autor cinematográfico cuyo trabajo ha sido aporte fundamental a la cinematografía peruana y que ha bautizado a la misma sala: Armando Robles Godoy.

Desde este martes 7 de febrero en que se celebra un aniversario de su nacimiento se presentarán, entre otras, la versión definitiva de Imposible amor (2003), último largometraje del cineasta, la premiada La muralla verde (1970), así como cortometrajes dirigidos por Robles Godoy.

Todas las funciones serán a las 7:00 p.m. y el ingreso es libre. La sala está ubicada en la sede del Ministerio de Cultura:
Av. Javier Prado Este 2465
Lima 41, San Borja
Lima • Peru
Telf: (511) 618 9393 anexo 3500 dicine@mcultura.gob.pe

Programación

Martes 7 de febrero
Inauguración
Corto “Lenguaje misterioso: La luz”
Largometraje Imposible amor (2003)

Viernes 10 de febrero
Corto “Lenguaje misterioso: La luz”
Largometraje En la selva no hay estrellas (1967)

Sábado 11 de febrero
Corto “Cementerio de los elefantes”
Largometraje La muralla verde (1970)

Domingo 12 de febrero
Corto “Cementerio de los elefantes”
Largometraje Espejismo (1972)

Imposible amor, de Armando Robles Godoy

Revisar la historia de Imposible amor, la película que inaugurará esta muestra nos causa sentimientos encontrados. Se trata, por un lado, de la primera película peruana realizada en formato digital, siendo por ese solo hecho ya un hito en la cinematografía peruana.

Y justamente esa decisión de rodar en digital le trajo muchos problemas a los productores: la película fue una de las ganadoras en el Concurso de Largometrajes de Conacine, en 1998, obteniendo un premio de S/.507,000 (US$ 147,280 fue la cifra que recibió finalmente). La empresa responsable Películas del Pacífico SRL incumplió en entregar, en el plazo convenido, hasta fines del 2002, una copia de la obra en 35 mm, luego de decidir unilateralmente cambiar el formato de realización a video digital. Por este incumplimiento la empresa fue obligada legalmente a devolver el monto de la ayuda estatal recibida (ver Resolución Ministerial N° 0447-2004-ED, del 1 de setiembre de 2004).

Imposible amor se completó el 2003, y fue presentada en agosto de ese año en el Festival de Lima. Nunca se estrenó comercialmente. Vean el tráiler, y una escena adicional:

Ficha técnica
Título: Imposible amor (Versión definitiva)
Año: 2003
Duración: 106 minutos
Reparto: Giovanni Ciccia, Javier Echevarria, Jaime Lertora, Gianella Neyra, Vanessa Robbiano, Orlando Sacha, Mónica Sánchez
Producción: Películas del Pacífico S.R.L.
Argumento: Esta película cuenta varias historias. Una historia se centra en una periodista que odia a un joven que sale en televisión y tiene que entrevistarlo. Un viejo que enseña piano a un niño y ve en todas partes a su amor de su pasado. El niño, que aprende piano, tiene un abuelo que lo quiere mucho y lo engríe bastante. Y la historia de una mujer de mundo que desea que San Antonio le conceda el milagro y que un monaguillo se fije en ella. (Filmaffinity).

Yapas: Lean este post de Ricardo Bedoya comentando 5 de los largometrajes realizados por Armando Robles Godoy. Vean también este documental estudiantil realizado por Mauricio Godoy en 1999, donde podemos ver a actores y compañeros de don Armando comentando sus películas.

Rosa María Oliart en un túnel en Sullana, al norte del Perú

La relación del sonido con el objeto que lo emite es fidedigna, verídica, no arbitraria como la que existe entre palabra (significado) e imagen (significante). Esa arbitrariedad deriva al subjetivismo, que provoca interpretaciones divergentes acerca de una pieza artística, así ésta haya sido creada en el contexto de una realidad consensuada. La realidad se vuelve plural cuando se basa en la arbitrariedad. En ese caso, ningún enunciado es mentira sino una verdad diferente. La polémica en el arte y en las Humanidades radica en ese ramillete de verdades (o realidades), que pugnan por legitimarse como la única.

Sin embargo, la objetividad entre el sonido y su emisor no debe denotar una rígida relación entre ambos, una sosa literalidad, como se plasma en Desde el sonido, película abocada a resaltar la sonoridad autóctona del Perú a través de una pretenciosa puesta en escena, que sobreimprime la imagen del sonido.

Según los clichés, la ópera prima de Rosa María Oliart es una película contemplativa porque reposa en sus encuadres, porque invita al embeleso. Mas contemplativa no es cualquier película que prepondera la observación, mucho menos la que privilegia la fascinación al juicio crítico, como agradecerían los estetas dados al artificio. Una película contemplativa interpela al espectador con el contexto que se le presenta, es una película “interactiva”, que demanda vínculo más que aprestamiento. La imagen puede ser majestuosa y el sonido envolvente, sin embargo, la experiencia debe demandar más que una aguda percepción visual-auditiva; si no, estamos ante una obra cosmética, que no aspira más que a la enajenación más corriente.

Tomo como referencia el cine de James Benning para contraponer estilos. El longevo director estadounidense juega con la plasticidad de los espacios que encuadra en planos fijos, los somete a la mirada deformadora de cualquier espectador exigido por la larga duración de las tomas. Cada quien las apropia y asimila según su óptica novel o entrenada. Por su parte, Oliart hace lo contrario, acomete a ataviar los espacios con estética pictórica, los recoge de su contexto y los devuelve solemnizados por la misión: relucir visualmente las fuentes de los sonidos peruanos. Pese a estar fundidos por un montaje oficioso, la disociación entre sonido e imagen está marcada por la autenticidad del primero y la fastuosidad de la segunda.

No obstante, lo más lúcido del filme es el protagonismo de Oliart en algunas escenas que simulan el registro sonoro. Es cuando supera la timidez de protagonizar su propia película y se trasgrede la objetividad que limita la propuesta a un muestrario de lugares comunes acerca de la diversidad geográfica y cultural del Perú. Como ajena a los espacios que visita, no se mimetiza en ellos sino que los invade y les extrae el sonido que conservan. Así, adapta el ambiente a su registro, interpretando su propio papel de cazadora de sonidos, que en algunos pasajes de la película a uno se le olvida.

Dirección y guion: Rosa María Oliart | 50 min. | Perú
Fotografía: Miguel Piedra
Edición: Julio Wissar
Música: Rosa María Oliart

Ayacucho será la sede del Primer Taller de Capacitación Audiovisual a realizarse del 27 al 29 de enero, con el patrocinio de Dicine – Ministerio de Cultura y organizado por la Asociación de Cineastas Regionales e Independientes del Perú (ACRIP), el mismo que se replicará en los próximos meses en otras ciudades del país.

Dicine y la Acrip tienen como objetivo principal el desarrollo y fortalecimiento del Cine Peruano, por lo que dentro de sus objetivos está la formulación y desarrollo de talleres de capacitación en las distintas ciudades donde nuestra asociación está presente.

El taller promueve la descentralización cultural, buscando apoyar la formación profesional y técnica de los cineastas ayacuchanos, de forma práctica y teórica, con materias como Guión, Manejo de Cámara y Realización de Documentales a cargo de especialistas con trayectoria en el medio como Edgardo Guerra, Marco Antonio Alvarado y Efraín Agüero.

Asimismo, el realizador Walter Canchanya explicará sus propuestas para producir cine de bajo presupuesto, y la directora del Festival Internacional de Cortometrajes, FENACO; Inés Agresott desarrollará algunos tips para mejorar los trabajos audiovisuales y hacerlos más competitivos en Festivales y Concursos Internacionales.

El Taller de Capacitación Audiovisual en Ayacucho cuenta además del patrocino de la Dirección de Industrias Culturales del Ministerio de Cultura, con de la Dirección Regional de Cultura de Ayacucho, la Municipalidad Provincial de Huamanga y el Centro Cultural de la Universidad de Huamanga. Y el auspicio de Expreso Wari-Palomino, el Hostal Playa y la Asociación Cultural Delluc.

Las inscripciones al Taller de Capacitación Audiovisual están abiertas para todos los interesados en Ayacucho y el resto del país. Mayores informes:

Juan Camborda: jfcambordacruz@yahoo.es y cineastasregionalesperu@gmail.com
cel: 966716376 (claro), 966726248 (claro), 996961870 (movistar) RPM #0211870
Asoc. UNSCH MZ.C Lote 12 (Globovision – Canal 21) Ayacucho.

La sonidista Rosa María Oliart dirige su primer documental

Si ya de por sí es muy difícil encontrar un documental en cartelera, lo es aún más que sea un documental peruano. Y lo es más todavía, que se trate de una película creada a partir de lo sonoro, más que de lo visual.

Desde el sonido se presenta como un documental de contemplación y descubrimiento de la sonoridad de diferentes espacios naturales y culturales del Perú. La sonidista Oliart lleva al espectador por un viaje sonoro en las diferentes regiones del Perú, mostrando la riqueza sonora del país.

La película participó en la competencia documental del Festival de Lima 2011, y se podrá ver del 19 al 25 de enero, en funciones de las 4:00 pm y las 9:30 pm, en el CCPUCP. Vean el tráiler de Desde el sonido:

Conversamos con la directora a propósito de este estreno:

Rosa María, “Desde el sonido” es un proyecto singular, porque es una película que nace de un acervo sonoro, las imágenes llegaron después. ¿Cómo surge este proyecto?
A partir de los primeros viajes de cacería de sonidos para la colección “Los sonidos del Perú”, hicimos un viaje con cámara para hacer un teaser y conseguir más auspiciadores del proyecto.
Fue entonces que nos dimos cuenta, junto con el director de fotografía, Miguel Piedra, y el editor, Julio Wissar, del potencial que tenía el trabajo de grabaciones que estábamos haciendo, con lugares y situaciones irrepetibles. Así que decidimos registrar en imágenes todos los viajes que faltaban.

¿Cómo pasaste del acopio de sonidos a la creación de imágenes y el armado narrativo?
El registro de las imágenes comenzó a tener una vida propia en el rodaje, para volverse a enganchar con el universo sonoro en la edición.
La estructura del documental se armó en la mesa de montaje. Para el rodaje, teníamos premisas claras para abordar cada locación escogida, sobre todo en el aspecto del tratamiento. Por eso hay mucha cámara fija y planos largos, así como ausencia de extras en los encuadres para conseguir que el espectador disfrute apaciblemente de escuchar.

¿Qué tipo de financiamiento tuvo esta película?
La película tuvo auspiciadores locales importantes como la Universidad de Lima, la PUCP, el Instituto Orson Welles, Lan Perú y Promperú.

¿Desde hace mucho tiempo pensaste convertirte en realizadora? ¿Iba este interés a la par con tu trabajo como sonidista?
No, este documental es mi opera prima y para mí es una obra más como sonidista, es un legado que sentía que debía dejar, mostrar al Perú desde su sonoridad.

¿Tienes algún nuevo proyecto en el que estés trabajando?
Estoy trabajando en la post producción de sonido de la película Cuchillos en el cielo de “Chicho” Durant, y en la dirección de sonido del documental Los sonidos profundos, de Javier Corcuera.

Desde el sonido (2011) – 50 min – Perú
Dirección y guión: Rosa María Oliart
Fotografía: Miguel Piedra
Edición: Julio Wissar
Música: Rosa María Oliart.

Extra: El documentalista Mauricio Godoy también comenta el estreno de “Desde el sonido” en el sitio web Hablando de Documental.

El vestido (2008), Evelyne Pégot-Ogier.
Una niña descubre algunos rincones de la ciudad, en su travesía de Pachacamác a Comas con su vestido nuevo, con un breve y reponedor descanso en el Centro Histórico.

Script (2011), de Rossana Díaz y Enrique Vivar.
En uno de los extremos de la ciudad, en La Punta, Callao, una niña juega a escribir la película de su vida. Siempre escuchamos decir que somos una ciudad que debe mirar al mar. Pues este corto lo hace, ayudándonos a descubrir, a los que aun no lo conocíamos, este apacible y muy cinematográfico balneario chalaco. Empieza la función:

Lima, 2011, de Franco García Becerra.
Un ferretero, amante del rock peruano de los años 60, y sus clientes, personajes solitarios en esta Lima que ya se transformó, enmarcados con el concreto imponente de las estaciones, y el tren que nunca parece llegar.

San Felipe (2011), de Antolín Prieto.
Un trujillano sigue con su cámara a un cusqueño interpretado por un puneño, con la voz en off de un cajamarquino. Todos juntos recorriendo la extensa Lima, de sur a norte. Desde San Isidro a Carabayllo. De la Javier Prado a la Túpac Amaru. En micros, combis, colectivos, en la “era pre Metropolitano”. Todo por una chica. La clásica.

Vine cargando mi arpa, de Carlos Sánchez y Sofía Velásquez (2011).
Documental que nos muestra a la Lima andina, hija de migrantes llegados décadas atrás, su música, y su vida y labores alrededor de este arte que se transmite de generación en generación.

Púrpura (2010), de Jorge Shinno.
La joven y típica clase media baja de Lima, en un viejo y típico barrio de Magdalena del Mar. El invierno es el escenario de este corto de ficción: un antihéroe con ínfulas de escritor y la linda limeñita que lo pone de vueltas.

¡Una carrerita, doctor!, (2011) de Julio O. Ramos.
El taxista limeño, toda una institución de la ciudad. El de esta historia es un médico, un doctor de hospital público que taxea por las calles y cerros de la ciudad para poder llegar al fin de mes, y salvar a su viejita.

Extra: Un corto que me hubiese gustado mucho incluir es Via satélite: en vivo y en directo de don Armando Robles Godoy. Lo pude ver por primera vez recién hace unas semanas y me pareció el homenaje perfecto para esta Lima que ya no es la que se muestra en las imágenes de aquellos años, pero aun así lo sigue siendo, en los rincones, en los detalles. Si miramos con cuidado, uno siempre reconoce su ciudad. Espero que los amigos del Ministerio de Cultura o la Filmoteca PUCP puedan publicar pronto este imprescindible cortometraje.

Yapa: Vean este documental gringo de 1944, Lima Family, dirigido por Julien Bryan. Puras postales turísticas de la época:

Entre los treinta proyectos de largometrajes se incluyen a dos peruanos: Islandia, de Ina Mayushin; y El agua inmóvil, de Fernando Vílchez. Viajarán a la ciudad mexicana los productores de cada proyecto: Eliana Illescas de La Churunga Films; y Francisco Bardales de Audiovisual Films, respectivamente.

Asimismo, el cortometraje peruano Detrás del espejo de Julio O. Ramos, ha sido seleccionado para la competición oficial en la categoría Mejor Cortometraje Iberoamericano. Participan 24 cortos en total.

Detrás del espejo – Sinopsis: Un empleado de telo (hotel) barato, que graba secretamente la intimidad de sus clientes, accidentalmente graba un evento que pondrá en riesgo su negocio ilícito.

Actúan Marcello Rivera, Mayella Lloclla, Carlos Cano y Susan León. Vean el tráiler a continuación:

Actualización [2 feb]: Las malas intenciones de Rosario García-Montero estará en la competición oficial en la categoría Mejor Largometraje Iberoamericano de Ficción, junto a otras 15 películas.

Además, la película Cuchillos en el cielo de Alberto “Chicho” Durant estará participando en la sección Guadalajara Construye 6, junto a otras cinco películas que se encuentran en estado de postproducción. Estas serán presentadas a los profesionales de la industria cinematográfica acreditados al FICG27, buscando lograr su terminación.

También cabe mencionar la participación del documental Nikkei, de Kaori Flores Yonekura, en la competición oficial de esa categoría. Las empresas productoras son AC No Film (Venezuela) y Mullu Producciones (Perú). La película cuenta la historia de los abuelos de la realizadora, su viaje desde Japón a Perú, y su búsqueda de una mejor vida en Venezuela. Vean el tráiler de Nikkei:

Por último, luego de la convocatoria realizada por el MinCul (ver debajo), los siguientes filmes estarán participando en el Mercado de Cine Iberoamericano en Guadalajara: Contracorriente, Lima Bruja: Retratos de la música criolla, Rehenes, Octubre, Coliseo Los Campeones, Lars y el misterio del portal y ¡Una carrerita, doctor!
–

La Dirección de Industrias Culturales del Ministerio de Cultura hace la siguiente convocatoria:

Por primera vez el Perú participará como Delegación Nacional en el 10º Mercado de Cine Iberoamericano en Guadalajara, que se realiza del 2 al 8 de marzo.

Tendremos a nuestra disposición un stand ubicado en Expo Guadalajara, sede principal del Festival, con el fin de tener una presencia integral del Cine Peruano y establecer contactos con distribuidores, productores, agentes de venta y profesionales de la Industria Cinematográfica presentes en el evento.

Los productores y realizadores interesados en presentar sus obras podrán entregar el material a la Oficina de DICINE hasta el día 16 de febrero. Asimismo, dicho material deberá contar con:

• Afiche (físico y digital).
• DVD / BLU RAY (con la obra / tráiler/ maqueta audiovisual)
• CD con logo de la Productora.
• Material informativo de contactos.
• Broshure o publicidad impresa o digital.

Mayor información sobre nuestra presencia en este mercado, comunicarse con DICINE a:

Dirección de Industrias Culturales
Telf: (511) 618 9393 anexo 3500
dicine@mcultura.gob.pe
www.conacine.pe

Av. Javier Prado Este 2465
Lima 41, San Borja
Lima • Perú

El director y sus actores: (de der. a izq.) Dorian Fernández con Leslie Shaw, Nikko Ponce y Jürgen Gomez

La película contará en su reparto con artistas conocidos, sobre todo por sus apariciones televisivas, tales como Marisol Aguirre, Nikko Ponce y Leslie Shaw, además de la novel Airam Galliani -hija del actor Sergio Galliani-, quien tendrá uno de los roles protagónicos.

Conversamos con el realizador Dorian Fernández, cabeza de la productora productora amazónica Audiovisual Films, para que nos dé más detalles de este nuevo filme:

Dorian, leíamos recientemente que “Cementerio general” será un filme de género, de terror, poco usual en el cine peruano. ¿De qué va la historia que cuentas en la película?
Así es, en este caso estamos apostando por el terror, que es un género que me ha interesado mucho, ya anteriormente hemos hecho algunos cortometrajes con ese espíritu. [En el 2007, Dorian Fernández estrenó el corto Chullachaqui, con gran éxito de taquilla en Iquitos].

La historia del filme es una compilación de historias urbanas, con inspiración en la realidad, que sucedieron en Iquitos, y que hemos tratado de condensar en el guión. Es la historia de un grupo de adolescentes de clase media que viven en la ciudad y que, de pronto, empiezan a experimentar una serie de hechos paranormales, que tienen que ver con un sucesos del pasado, algo que retorna como una suerte de maldición. Ellos intentarán escapar de ella, a como dé lugar.

¿Es un guión propio? ¿con quiénes lo trabajaste?
El guión lo coescribí junto con Javier Velásquez, uno de los nuevos valores de Audiovisual Films, quien en esta oportunidad además será el productor general del filme.

¿Cuáles serían tus referentes para esta película?
Buscamos tener un impacto comercial fuerte con un género, el terror, que siempre ha funcionado en los cines peruanos. En ese sentido, estamos trabajando con algunos recursos recientemente vistos en el género, como el caso de la cámara en mano o la idea del falso documental, tal como lo plantean películas como El proyecto de la Bruja de Blair, REC o Cloverfield.
Creemos que esta historia va a enganchar al espectador en todo momento, y además es muy identificable porque le puede suceder a cualquiera.

¿Cuál será el reparto de actores con el que contarás?
Contamos con un elenco que considero es de primer nivel. Estarán acompañándonos en la película, Marisol Aguirre, Nikko Ponce y Leslie Shaw. Además, tendremos el debut actoral de Airam Galliani, que ha mostrado un extraordinaria capacidad para aceptar la fuerte carga de tensión que demanda su papel. También nos acompañará el actor colombiano Jürgen Gömez, muy talentoso, que sé que va a dar que hablar.

Adicionalmente, estamos promoviendo nuevas figuras de la actuación amazónica, con quienes hemos venido trabajando desde hace unos meses en la escuela de actuación que hemos iniciado en Iquitos. Ellos serán una verdadera sorpresa, además, de algunos roles secundarios y más de un centenar de extras.

¿En qué locaciones se grabará la película?
Grabaremos en Iquitos, será básicamente una historia urbana, en diversas locaciones. Una de ellas, la principal, es el famoso y centenario Cementerio General de la ciudad, que es una locación perfecta para grabar.

¿Esta producción es autofinanciada o han conseguido el apoyo de alguna institución privada o del Estado?
La película empezó a gestarse a principios del 2011, ya podemos hablar de una producción de mediano presupuesto, además de un gran despliegue de producción, que ha contado felizmente con el auspicio y el apoyo de todas las instancias públicas y privadas que hemos convocado. Entre ellas, los principales son el Gobierno Regional de Loreto y la Municipalidad de Iquitos además del IPAE, Rústica, Coca-Cola, Hotel Samiria, entre otros.

¿Con qué equipos técnicos estarán realizando las grabaciones?
La parte técnica se está cuidando mucho, será una producción en Alta definición y el sonido será posproducido en 5.1 con Perfo Studio de Guillermo Palacios, entre otros detalles muy cuidados que asegurarán una buena factura técnica.

Extra: Este viernes 13 de enero, a las 11 a.m. se realizará el lanzamiento y conferencia de prensa de “Cementerio general” en el Casino Fiesta de Miraflores.

Actualización [14 enero]: Luego de realizada la conferencia de prensa, el diario La República publica esta nota. Vean además muchas fotos del evento en el facebook de Audiovisual Films.

Paraíso, de Héctor Gálvez

A finales del 2011, publicamos una lista de películas peruanas exhibidas en el circuito alternativo. Ahí figuran una treintena de películas que tuvieron pocos testigos, no solamente por desidia del espectador peruano, también porque no hay un circuito de salas que las albergue, que las luzca como si de una cartelera se tratase.

Muchas de las películas de esa lista se mostraron una sola vez antes de convertirse en estadística para los recuentos anuales. Injusto, tanto para los realizadores del filme, como para el público que no tuvo la chance de hacer su papel de espectador. Incluso para la crítica, para quien también estas producciones fueron escurridizas. Cine involuntariamente invisible.

Precisamente, esa situación es la que queremos corregir con esta nueva iniciativa: la coordinación de una cartelera alternativa -y exclusiva- para el cine peruano, en una red de salas alternas al usual circuito comercial.

Empezaremos esta labor en el Cineclub Pueblo Libre, la sala Ventana Indiscreta y la sala Luis Miró Quesada Garland (LMQG). La programación que arranca este mes de enero es la siguiente, todas las funciones inician 7.30 p.m, y recuerden que el ingreso es gratuito para todas las salas:

• Paraíso: lunes 16 (LMQG) y jueves 19 (C. Pueblo Libre)
• Octubre: lunes 23 (LMQG) y jueves 26 (C. Pueblo Libre)
• Las malas intenciones: lunes 30 (LMQG), jueves 2 feb. (C. Pueblo Libre) y viernes 3 feb. (Ventana Indiscreta)

Sala Ventana Indiscreta Cine Arte U. Lima:
Av. Javier Prado Este s/n, Monterrico, Lima 33.
Pabellón E-1 tercer piso

Sala Luis Miró Quesada Garland:
Av. Larco 400 – Palacio Municipal de Miraflores, Lima 18.
Twitter: @SalaLMQG

Cineclub Pueblo Libre
Av. Cipiriano Dulanto 949 (Ex La Mar), Pueblo Libre, Lima 21.
Twitter: @cineclubpb
–

Así, Paraíso, de Héctor Gálvez, se proyectará dos veces la semana próxima. Primero, en la sala LMQG en el marco de la exposición “El último lustro”, una muestra panorámica de la producción artística en los últimos cinco años de Cusco, Arequipa, Iquitos y Lima.

Sin dudas meritorio, sin embargo no es la única película que ha sido curada para esa abarcadora muestra de arte peruano contemporáneo. Además estarán las óperas primas de los hermanos Daniel y Diego Vega, y de Rosario García-Montero, Octubre y Las malas intenciones, respectivamente, que podrán verse de nuevo los lunes subsiguientes.

Dos noches después de la pasada en Miraflores, el querible Cineclub Pueblo Libre tomará la posta, concluyendo este primer, pequeño pero significativo ciclo, en la sala Ventana Indiscreta, de la Universidad de Lima.

Octubre, de los hermanos Vega

Si bien inauguramos con este trío de películas que en su momento se exhibieron ante miles de personas, la vocación de esta red será darle reflectores al cine peruano más desatendido, al que no cuenta con una maquinaria detrás para hacerlo masivo, al escaso de recursos desde su gestación.

El público podrá juzgar las películas cuando las vea, pero que las vea primero. Que todo esfuerzo de esta red sirva para que superemos el prejuicio del “cine de calatas” y otros calificativos malsonantes. Creemos una ilusión para quizás ser desilusionados, no seamos escépticos y ateos voluntarios, mejor formémonos como tales. Eso indicará que hemos aprendido, que hemos cursado un sendero.

Actualización [9 enero]: El director nos comunica que este avance NO es oficial, ni estaba pensado para hacerlo público, sino para ser presentado a festivales y concursos. Nos avisa además que estarán publicando el tráiler oficial a fines de mes.

En este extracto de más de 10 mins. podremos ver algunos de los músicos que Javier mencionó en la entrevista que le hiciéramos en noviembre pasado.

Camilo Ballumbrosio, Máximo Damián, Susana Baca, Félix Casaverde -fallecido recientemente-, Andrés ‘Chimango’ Lares, entre otros, realizan todos, cada uno a su manera, un viaje de retorno, un regreso al lugar de origen, donde la música dentro de cada uno de ellos, nació. Andina, criolla, negra, mestiza, como dice unos de los personajes del documental: “la música que es buena, es buena”. Vean el teaser de Los sonidos profundos:

Para este, su tercer largometraje, Aguilar se aleja de la temática de violencia política que vimos en sus dos primeros trabajos, Paloma de papel y Tarata, para proponernos lo que parece ser una una historia íntima, de personajes solitarios: un guachimán, una anciana viuda, y una adolescente suicida.

Navideña Kani Hart, en su primer protagónico en el cine

Destacan en el reparto Ubaldo Huamán y Kani Hart -a quienes vimos recientemente en “Las malas intenciones”, aunque no compartiendo escena alguna-, además de la veterana Elide Brero -quien también protagoniza una nueva película que debería estrenarse este 2012, Casadentro de Joanna Lombardi-.

Lima Trece se desarrolla en la Lima actual y contemporánea, en una Navidad particularmente calurosa. El protagonista, un Guachimán, Wachi (Ubaldo Huamán), solo busca que lo dejen tranquilo en la rutina de su trabajo, vigilar un edifico de cuatro pisos en una zona residencial acomodada de la ciudad; y de su casa. Su mecánica laboral consiste en asegurarse que todo este en orden, y Wachi, sin quererlo, se convierte en observador de la vida de los vecinos, incluyendo la de Trini (Elide Brero), una viuda anciana que ha vivido en ese mismo lugar desde hace décadas.

Todo ocurre con normalidad en la vida de Wachi hasta que sucede algo que lo descuadra, es la llegada de Tesla (Kani Hart), una adolescente extraña e impulsiva, que se muda a vivir al edifico donde Wachi trabaja. Tesla, en un intento de llamar la atención, juega al suicidio sobre el tejado del edificio, y Wachi se ve obligado a salvarla. A pesar de que él es incapaz de expresar sus sentimientos, se fragua una particular amistad entre Wachi y la joven.

Ubaldo Huamán y Fabrizio Aguilar hacen un pago a la tierra, antes de iniciar el rodaje

Si bien Aguilar no recurre, para esta nueva película, a los años del terrorismo como en sus largos anteriores, sí parece que mantiene un interés por mostrar las diferencias y roces que se dan entre los diferentes estratos sociales en nuestra ciudad.

Lima Trece se graba en locaciones en Lima, Miraflores y Cercado, entre ellas en el Museo de Arte de Lima, MALI, como podrán ver en las fotos del Facebook de la película.

Ficha artística

Wachi: Ubaldo Huamán
Trini: Elide Brero
Tesla: Kani Hart
Sandra: Liliana Trujillo
Carmen: Norma Martinez
Johnny: Oscar Pacheco

Aquí el director parece recibir las instrucciones de la experimentada Elide Brero

Ficha técnica

Director: Fabrizio Aguilar

Producción general: César Fajardo
Producción ejecutiva: Alvaro De Albertis

Director de Fotografía: César Fajardo
Foquista: Mathias Durán
Script: Susan Rojas
Director de sonido: Omar Pareja

Directora de Arte: Chiara Rizo Patrón
Diseño de maquillaje y peinado: Lucianna Salomón
Vestuarista: Carolina Silva

Kani Hart dirigida por Fabrizio Aguilar

Flor Quesada es 'La boba'

Ustedes lo decidieron así. En una disputadísima votación, la película de Ronnie Temoche superó a “Las malas intenciones”, de Rosario García-Montero, en nuestra encuesta anual para elegir a la mejor película peruana.

El Inca, la boba y el hijo del ladrón alcanzó el 39% (665 votos), mientras que Las malas intenciones se quedó con el 38% (633 votos).

La ópera prima del experimentado realizador Ronnie Temoche se presentó primero durante el Festival de Lima, en agosto, donde también fue elegida la mejor película peruana, por el voto del público. Luego, a inicios de setiembre, se estrenaría en salas comerciales.

En nuestra encuesta, “Bolero de noche” quedó en el tercer puesto (14%, 242 votos); seguido por “1509, Operación Victoria” (3%,47 votos) y “El guachimán” (3%, 45 votos). Este año se registraron un total de 1687 votos. Muchas gracias a todos por participar.

Extra: Si quieren seguir jugando a las encuestas, visiten las que proponen La República, y Luces de El Comercio.

• Saicomanía (69 mins.), de Héctor Chávez. Este documental sobre los venerados “Saicos” fue el primer estreno del año, se presentó un caluroso 19 de febrero en el Cine Julieta, en el corazón de Miraflores.
• El epitafio no me importa, (78 mins.), de Alberto Angulo y Manuel Sosa. Documental experimental presentado el 15 de marzo en el Cineclub de la Cayetano Heredia, también en Miraflores.
• Cada viernes sangre (61 mins.), de Fernando Montenegro. Acaba de ser elegida como la película peruana del año por la revista Godard! Todo un logro. La película se estrenó el 24 de marzo en la Cayetano Heredia.
• Código urbano (80 mins.), de Walter Canchanya. Se presentó en marzo en el CC. España, otro espacio afín al nuevo cine peruano.
• La Cantuta en la boca del diablo (130 mins.), de Amanda Gonzales. Este documental sobre un hecho de la violencia política vivida en el Perú, se presentó en abril en CAFAE-SE, y luego se publicó completo en su sitio web.
• 4 (70 mins.), de Eduardo Quispe y Jim Marcelo. La cuarta película de la dupla de realizadores limeños se presentó a fines de junio, durante el 1er Festival Lima Independiente.
• Objetos (92 mins.), de Rafael Arévalo. Esta serie de cinco cortos también se presentó durante el mencionado festival de cine indie.
• Coliseo (92 mins.), de Alejandro Rossi. Estuvo en la competencia de ficción del Festival de Lima, en agosto. Aun falta verla estrenada en salas comerciales.
• Alfredo Torero: cuatro estaciones de un hombre total, documental de Federico García Hurtado. Presentado el 25 de agosto en la Universidad Nacional José Faustino Sánchez Carrión, en Huacho.
• Ruido vulgar: extremos sonoros en Lima (85 mins.), de Luis Alvarado. El documental sobre la movida noise limeña se presentó en octubre, en Surquillo.
• Divas y fantasmas sobre una alfombra (60 mins.), de Manuel Siles. Documental sobre la obra “El último ensayo” de Yuyachkani, en realidad se presentó por primera vez el 2009, pero este año tuvo un nuevo estreno.
• Demo (61 mins.), de Miguel Vargas: A inicios de diciembre se presentó este nuevo aporte al cine urbano de Lima. El estreno fue en el CAFAE-SE.
• Fragmentos (75 mins.) Este experimento universitario, firmado por 15 estudiantes de la Escuela de Comunicación Social de la Universidad San Marcos, cerró el año cinematográfico, con su presentación el 12 de diciembre en el auditorio de dicha escuela.

Asimismo, se estrenaron las siguientes películas del llamado cine regional:

• Macario: El sentir de los pobres, de Rondolfo Mamani Mogrovejo. Estrenada en Juliaca el 22 de enero.
• Encuentro pendiente, de Lenin Salinas. Esta producción proveniente de Cajabamba, en Cajamarca, se presentó en Lima en febrero
• La leyenda del condenado (105 mins), de Francisco Torres. Estrenada en Juliaca en marzo de este año.
• Alegría, la fiesta de Cajamarca (60 mins.), de Andrés Llanos. Este documental producido por la Asociación Ruhasun se presentó a inicios de julio en la Universidad Nacional de Cajamarca.
• En las venas de Santana, de León Cáceres. Estrenada en Huancayo el 17 de julio.
• Panchito, de Roberto Villantoy Quispe. Estrenada en Ayacucho el 19 de julio.
• Sobrevivir en los Andes. Jacinto, de Flaviano Quispe, estrenada en Juliaca en agosto. Esta es la película que ganó el primer Concurso de Conacine para las regiones, el 2006. Presentó una primera versión en abril del 2010.
• Jarjacha vs. Pishtaco, la batalla final, de Nilo Escriba Palomino. Estrenada en Ayaucho el 3 de setiembre.
• El hijo pródigo, de Daniel Núñez Durand. Estrenada el 15 de octubre en Huancayo.
• El atardecer de los inocentes, de Héctor Marreros. Se estrenó en Lima en febrero, en la muestra de Cine Cajamarquino, en el CC CAFAE-SE.
• Trata de blancas en la sierra, de Héctor Marreros. El prolífico director cajamarquino con éste suma ya 17 16 largometrajes en su haber, todo un récord nacional. Su última película se estrenó en noviembre.
• La magia del Succha, de Andrés Llanos. La segunda producción documental de Ruhasun, fue presentada en noviembre en Cajamarca.
• Tiembla el corazón, de Christian Herrera, de Cerro de Pasco. Si quieren ver la película completa, pasen por YouTube, con confianza.

También queremos mencionar otras producciones presentadas este año, y que técnicamente serían consideradas mediometrajes, es decir, no superan los 60 minutos de duración:

• Shipibo, la película de nuestra memoria (52 mins.), de Fernando Valdivia. Documental amazónico, que se estrenó en julio en Pucallpa. Se anuncia una presentación para enero 2012 en Lima.
• Desde el sonido (50 mins.), de Rosa María Oliart. Documental que se presentó en el Festival de Lima, en agosto.
• Esas voces que curan (45 mins.), de Delia Ackerman y Heather Greer. Otro documental presentado en la competencia del Festival de Lima.
• Mistura: The Power of Food (38 mins), de Julia Pérez. Documental gastronómico se estrenó de manera limitada a fines de junio.
• En el 93 (47 mins.), de Carlos Benvenuto. Filme de corte documental experimental, se presentó en setiembre en Pueblo Libre
• Errante aberrante (42 mins.), de Rafael Arévalo. Se presentó en junio en Pueblo Libre.
• Autorretrato sonoro (45 mins.), de Manongo Mujica. Este documental se presentó en abril en el Bafici, y luego tuvo algunas presentaciones en nuestra ciudad, incluyendo el Festival de Lima.

El rodaje de El limpiador acabó a finales de noviembre, luego de 20 días de trabajo. A punto de empezar el proceso de edición, conversamos con el director sobre la que será su opera prima.

Adrián Saba dirigiendo a su actor Víctor Prada, 'El limpiador'

Adrián, leí que la idea de “El limpiador” nace a partir de un documental sobre limpiadores forenses. Cuéntanos un poco del origen de tu película.
“El limpiador” nace de una idea que tenía sobre una epidemia mortal e inexplicable que surge en Lima, donde la gente se comienza a morir sin saber porqué. Es increíble pero, investigando un poco más sobre el tema, en la historia de la humanidad han habido casos de epidemias inexplicables, donde poblaciones enteras fueron arrasadas de manera fulminante. Me encantan esas realidades que superan la ficción. Entonces, tenía esta idea, durante un buen tiempo, pero me faltaba contextualizarla en una historia.

Un día por Discovery Channel o NatGeo, creo, vi un reportaje sobre limpiadores forenses y me pareció el complemento perfecto para el guión. Una vez que encontré a mi personaje principal, un limpiador forense, la historia se comenzó a desarrollar sola en mi cabeza. Así apareció Joaquín, un niño huérfano que encuentra Eusebio (el limpiador) en una casa que está limpiando. Me dejé llevar, me pregunté qué haría Eusebio, y simplemente escribí la historia en base a acción y reacción. Así que la película cuenta la búsqueda de Eusebio de algún familiar del niño. La epidemia es solo un contexto que lleva a estos dos personajes totalmente opuestos a convivir juntos y aprender a comprenderse.

¿Cómo fue el proceso de preproducción y rodaje?
El guión se escribió en junio y julio, la preproducción en agosto y septiembre, y la producción en octubre y noviembre. Desde un comienzo escribí el guión pensando en trabajar con bajo presupuesto, algo muy factible de hacer a nivel económico y logístico. Tener solo dos personajes principales, la mitad de la película pasa en una locación, planos mínimos, no hay dollys, ni jibs. Además nuestro plan de producción, en el que solo filmábamos miércoles, sábados, y domingos, nos permitía trabajar cosas de producción durante el mismo tiempo de rodaje. Todas las locaciones “más difíciles” de conseguir fueron pospuestas para el último día, el cual terminó siendo, como nosotros lo llamábamos, “el día épico”. Fueron 21 días de rodaje en total repartidos en un periodo de 8 semanas.

¿Cómo elegiste a tus actores, y cómo fue el trabajo previo con ellos?
Desde que comencé a escribir el guión ya sabía que Victor Prada tenía que ser el personaje de Eusebio. Nunca me imaginé a otra persona. Me acerqué a él después de una función de teatro en la que actuaba y le dije que quería hacer una película con él. Le di una copia del guión, conversamos y prácticamente fue un “sí” en el momento. A Adrián Du Bois, que hace el personaje del niño Joaquín, lo había visto en una obra de teatro hace un par de años. Después de un tiempo mi mamá se encontró nuevamente con él y me dijo “oye ese chiquito podría actuar en tu peli”. Lo llamé, conversamos, le conté sobre la historia, creo que jugamos “play”, y quedamos.

Ensayamos unas ocho veces en mi casa. Hacíamos escenas específicas de la película, lo cual nos daba mucho de qué hablar con respecto a los personajes, y en otros momentos simplemente pasábamos el rato juntos, conociéndonos.

En una entrevista con El Comercio mencionas que “no te gusta el cine de contemplación”. ¿Qué es lo que no te agrada de ese tipo de cine?
Yo creo que el cine es un arte que tiene tiempo y espacio. Así como las artes plásticas tienen solo espacio y la música solo tiempo. Uno puede pararse frente a un cuadro y mirarlo por el tiempo que quiera. Una canción se acaba después de un par de minutos. El cine tiene los dos, por eso también es tan maravilloso.

Yo sí creo que hay que ser conscientes de que el cine tiene tiempo, y que el público está enteramente sujeto a tus parámetros. A menos que decidan irse de la función, el público estará sentado a lo largo de toda la duración que le has dado a tu película. Entonces, sí creo que hay que tener consideración con el público, hacer que tu película valga la pena a un nivel emotivo e intelectual. Personalmente, no entiendo una película que obvia el tiempo, porque es inevitable, el cine es tiempo, desde que se proyectan 24 cuadros por segundo es tiempo. Y lo más natural es que en ese tiempo se cuente una historia. Si no, uno puede pintar un cuadro o tomar una foto. Para mi ese es el cine, digamos, de “contemplación”, el que intenta ignorar el tiempo. Que la película sea rápida o lenta no tiene mucho que ver. Yo creo que el tiempo no se mide en cuánto dura una escena, si no en qué pasa en esa escena.

El director dando indicaciones al pequeño Adrián Du Bois

Recién voy a comenzar a editar mi película. Tiene todo el material para ser una película de “contemplación”, planos largos, escenas repetitivas, actuaciones sutiles. No sé cómo va a acabar, pero sí sé que me voy a esforzar en que las acciones de los personajes sean claras e intentar cumplir con las expectativas creadas por la historia, porque es muy importante resolver las expectativas que uno plantea.

En esa entrevista también mencionas a “Octubre” y “El custodio” ¿Podríamos considerar esas películas como influencia en tu trabajo?
No sé si “Octubre” y “El custodio” fueron influencias directas, no me di cuenta a la hora de escribir el guión. Son películas que me gustan, y que en esa entrevista surgieron en la conversación. Yo creo que todas las películas que me gustan afectan mi trabajo de cierta forma. Por ejemplo, “El custodio” tiene semejanzas a nivel de personaje. Desde el concepto; personajes que en la vida real pasan desapercibidos pero que también tienen todo un mundo detrás. Sus profundos silencios. Son personas que guardan todas sus emociones, o que tal vez no tienen la oportunidad de expresarse como ellos quisieran (o se imaginan que pudieran). Por otro lado “El custodio” es un personaje explosivo, un personaje que ha sido muy reprimido. En cambio, Eusebio lleva consigo una dosis de melancolía. No tiene desenfreno, capacidad de agredir, probablemente porque es un ser olvidado, incluso por él mismo.

Cuéntanos algo más sobre ti. Eres muy joven y ya estás por terminar tu primer largometraje.
Terminé el colegio a los 17 años, estudié un ciclo de Estudios Generales en la Católica y después me fui a estudiar cine, cuatro años en la Hofstra University en Nueva York, gracias al apoyo de esta misma universidad y la beca Fulbright. Me gradué en mayo del 2010 con “El río” como mi cortometraje tesis. Después de eso he estado completamente concentrado en hacer un largometraje. Por otro lado hago publicidad con La Gris Films.

Ficha técnica de “El limpiador”

Intérpretes: Víctor Prada, Adrián Du Bois

Director: Adrián Saba
Productora: Carolina Denegri
Director de Fotografía: César Fe
Director de Arte: Aaron Rojas
1er Asistente de Cámara: Iván Perleche
2do Asistente de Cámara: José Rivas
Data Manager: Arturo Ludeña
Gaffer: Wilder Ludeña
Sonido directo: Percy Soto
Editor: Justin Beach
Asistente de Producción: Katy Muñoz
Asistentes de Arte: Jazmín Malpartida, Débora Silva-Arrieta

César Fe, director de foto, y Adrián Saba, durante el rodaje de 'El limpiador'

Trivia: Adrián es el hijo mayor de Edgar Saba, reconocido director y actor de teatro, quien tuvo su debut en el cine en “Dioses” de Josué Méndez.

Yapa: Vean también esta entrevista de Filmsperu con la gente de La Gris Films, Adrián Saba, César Fe, y Brian Jacobs. Este último dirigió el spot de Cineplanet que seguramente mucho aquí hemos visto infinitas veces.

Héctor Gálvez (foto tomada en el Festival de Fribourg 2011)

El 2011 cierra para el cine peruano con la noticia del triunfo del realizador Héctor Gálvez en la 33 edición del Festival de La Habana (Cuba), donde el guión de NN, su próximo largometraje, ganó el Premio Coral al Mejor Guión Inédito del certamen.

NN, una historia en torno al hallazgo de un cuerpo no identificado, logró imponerse entre un total de 25 trabajos en esa categoría del festival cubano, que concluyó el pasado 10 de diciembre.

El jurado integrado por Alberto Lecchi (Argentina), Jorge Sánchez (México), Julio Rojas (Chile), Manuel Pérez Estremera (España) y Arturo Infantes (Cuba) decidió por unanimidad premiar a “NN” por indagar sobre una memoria historia latinoamericana sobre desaparición y violencia a través de personajes novedosos y poco habituales en nuestra narrativa latinoamericana actual.

Según cuenta José Romero, quien estuvo en el festival participando del jurado de la FIPRESCI, representando a la Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica (APRECI), el guionista chileno Julio Rojas le comentó que desde el inicio de las lecturas de guiones, el trabajo del director peruano se había destacado. Sus pocos e interesantes personajes así como su propuesta arriesgada y sobrecogedora determinaron que, en todo momento, se ganara el consenso del jurado que finalmente le otorgaría el galardón.

Cabe señalar que se trata de la misma distinción que Claudia Llosa recibió en el 2003 por Madeinusa; un año después Javier Fuentes-León obtuvo una mención honrosa en dicha sección por el guión de su ópera prima Contracorriente.

Héctor nos adelanta que el rodaje de “NN” arrancaría a finales del 2012 y que será una coproducción con Colombia, además tendrá un tratamiento de thriller, a diferencia del estilo que le imprimió a su ópera prima “Paraíso”. En esta nota de marzo del 2010, el director dio primeros detalles del elenco, que incluiría actores profesionales, además de la trama que involucra a un grupo de antropólogos de distintas nacionalidades que trabajan en una exhumación.

Extra: Héctor incursionó este año como dramaturgo de la recomendable obra colectiva “Astronautas“, que se puede ver solo hasta el domingo 18 de diciembre, en el auditorio del MALI.

Sinopsis

“Lima Bruja. Retratos de la música criolla” empieza con una singular celebración: un delicioso platillo a base de gato es compartido por los mejores amigos del finado músico “Papeo” Abán en memoria de su cumpleaños. Luego, vendrá una sesión de canto, guitarra y cajón donde se interpretan canciones que nadie en Lima conoce, sólo estos músicos y sus familias. Desde el inicio, este documental explora la paradoja de ser un limeño de nacimiento y al mismo tiempo ignorar una de las tradiciones más antiguas que encierran sus callejones: la real música criolla. Volteando la mirada de lo que los medios imponen como “el criollismo oficial”, la película retrata en profundidad a este puñado de músicos veteranos que nadie conoce para así no sólo preservar su legado sino mostrarnos con admiración esta otra Lima a punto de desaparecer. Vean el tráiler de Lima Bruja:

-Conversamos en extenso con el director Rafael Polar, quien espera estrenar su película en Lima el próximo año. Que así sea:

Rafael, leí que el documental nace a partir de un video promocional que hiciste para un sello discográfico. ¿En qué momento decides pasar del videoclip al largometraje documental?
Efectivamente, el documental nace a partir del registro de un disco de música criolla que estaba grabando mi amigo Fernando Urquiaga con su productora musical Sayariy Producciones. Esto fue en julio del 2007. Yo ya le había hecho un trabajo parecido, tipo video promocional o EPK, para el primer disco que editó, y ahora me volvió a llamar.

Como cuento en el documental, yo llego a registrarlos al estudio solamente con esa intención. De pronto me encuentro con este grupo de señores, todos peinando canas hace mucho, que eran cantores de barrio a los que obviamente no conocía. La conexión fue inmediata. Estaban cantando valses y polcas que nunca había escuchado y que eran muy lindas. La calidad de sus interpretaciones y la belleza de la música fue algo que realmente me sorprendió. Eran canciones que nunca había escuchado a pesar que guardo cierta afinidad con la música criolla tradicional.

Semanas después, viendo el material grabado es que decidimos, Fernando y yo, grabar más material de ellos, no solo en el estudio sino también en sus casas, entrevistarlos y, por supuesto, escucharlos cantar. En ese momento es que vimos que todo se ponía cada vez más interesante y decidimos que el registro apuntaría a un documental eventualmente.

¿Cómo esta estructurado tu documental? ¿Gira alrededor del día de la canción criolla?
El documental tiene una estructura narrativa de episodios, dividida en capítulos, no necesariamente contados de forma cronológica. Después de varias reescrituras vimos que la mejor manera de contar la historia era a través de mi experiencia al momento de registrarlos. Mi narración aparece en determinados momentos de la película, contextualizando un poco la situación y presentando a los personajes. De alguna forma lo que cuento en el documental es realmente lo que pasó y cómo me sentía en la medida que iba conociendo a los personajes y sus talentos.

Por otra parte, se estructura en forma de retratos contando un poco de la vida de los protagonistas, centrándonos en su relación con la música y con el criollismo más elemental. Esto se debe a la idea que tuvimos siempre, de no hacer una película que contara la historia de la música criolla sino la de retratar lo que más nos gusta de ella por medio de un grupo de viejos cantantes de barrio. Como cuento en el filme: “Decidimos hacer un documental que retratara a la música criolla. Al menos una parte. Esa parte que más nos gusta”. Y eso no es gratuito. Mantiene la misma filosofía que tiene la discografía criolla editada por Sayariy, coproductora de la película. Ellos tienen editados ya cinco discos de música criolla con esta misma línea de rescatar un criollismo puro, barrial, íntimo, tradicional.

¿Además de estos registros utilizaste imágenes de archivo?
El único video de archivo que utilicé fue una joya que encontró el editor de la película, Javier Becerra, casi por casualidad. Era un video de un programa de televisión que Rubén Blades grabó hace unos 25 años en donde canta “Todos vuelven” a dúo con uno de nuestros personajes, Lorenzo “Lencho” Pedraza. Es una de las escenas cumbres de la película que hasta ahora no deja de emocionarme. Quitando las fotos personales de cada personaje, no hay más material de archivo.

¿Qué músicos y personajes de la cultura criolla veremos en tu documental?
Para la película siempre tuvimos clara una cosa: Alejarla de lo que podríamos llamar la música criolla oficial o comercial, esa de las peñas turísticas, de Eva Ayllón y Lucía De La Cruz. La película te dice sutilmente que para el verdadero criollo el día de la canción criolla no interesa. Es un invento para llenar locales comerciales. El verdadero criollo tiene muchos pretextos para armar una jarana: cumpleaños, matrimonios, bautizos, etc. Es porque lo tienen en el ADN, es totalmente natural reunirse y cantar las viejas canciones que conocen desde siempre. Y lo más increíble es que la mayoría de ellos nunca quisieron ser cantantes profesionales o hacer de la música una carrera, sino que lo hacen porque es algo que heredaron de su entorno.

Así encontramos personajes increíbles, de gran talento y carisma, como Walter Goyburu, Carlos Curay, Lorenzo Pedraza, Cesar Oliva, Manolo Castillo, Genaro Falcón y Francisco “Chiquito” Rodríguez. En todo caso, los únicos personajes que sí tienen una trayectoria más comprometida en el medio musical criollo son Willy Terry, gran guitarrista e investigador musical, y Eduardo “Papeo” Abán, joven talento de la percusión criolla. Ellos me ayudaron mucho en el proceso de investigación y en llegar a cada uno de los personajes. Además está la participación especial de Lucy Avilés, excelente cantante e hija de don Oscar Avilés.

¿Dirías entonces que es una película musical, o es más de personajes o historias personales?
Diría que, en primer lugar, es una película musical pero matizada con historias de vida. Hay al menos 16 canciones, entre fragmentos y completas, que la hacen un documento importante sobre este tipo de música. Hay temas de Felipe Pinglo, La Guardia Vieja, Buenaventura Muñoz, Luis Dean, entre otros. La intención era capturar lo menos conocido del repertorio criollo y creo que se logró.

Pero también es importante contextualizar por medio de estos retratos porqué es que se cantaba, qué cosas cantaban y donde lo hacían. Cada personaje cuenta un poco de su infancia, su primer contacto con la música, como era su familia y además como era la ciudad de Lima en esa época. No olvidemos que las edades de los protagonistas están entre los 70 y 85 años, así que tienen muchas cosas para contar de cómo era Lima hace 50 años atrás.

¿En qué festivales se ha presentado hasta ahora la película? ¿Tienes planes de una presentación en Lima?
En el 2008, el proyecto que en ese momento se llamaba “La Gran Reunión”, haciendo referencia al disco de música criolla que le dio origen, ganó un premio de pitching en el Doc Buenos Aires de ese año. Ya con su título final, “Lima Bruja. Retratos de la música criolla” fue exhibida este año en el Doc Buenos Aires y en el Boston Latino International Film Festival. Ahora lo estoy enviando a más festivales para su selección.
El 2012 será el año de estreno en Lima, aunque aún no tenemos distribuidor para su exhibición comercial. Aprovechamos este medio para ofrecerla a cualquier interesado en distribuirla comercialmente.

¿En qué formato y con qué equipo se grabó la película?
El formato inicial fue SD capturado con la Panasonic DVX100 24p. Luego de decidir que se convertiría en un largo documental se cambió de formato por HD grabado con la Panasonic P2. Quisiera agradecer al equipo técnico por su apoyo y talento a lo largo de proceso.

Cuéntanos un poco sobre ti Rafael, ¿cuál es tu formación profesional, y tu experiencia previa en el audiovisual?
Mi formación es en las artes plásticas. Me gradué en 1998 como pintor en la Universidad Católica. Luego de cuatro años desarrollando mi pintura me fui a São Paulo para hacer una maestría en artes visuales en la USP. Allá fue donde realmente comencé a probar otros medios y soportes y donde terminé convenciéndome que lo que quería era hacer audiovisuales. En São Paulo hay un festival de documentales llamado É tudo verdade (Todo es verdad), que además es gratuito. Qué mejor pretexto para tener una sobredosis de cine documental.

Después de esos años me interesó mucho más el formato documental. Cuando volví a Lima, en el 2005, había visto mucho cine y leído bastante pero había tenido poca práctica. Así que entré de practicante a una casa realizadora de comerciales (Inca Films). Creo indudablemente que la mejor escuela es la práctica y entrar en el medio de realización de comerciales me enseñó y enseña muchísimo en el ámbito técnico por la frecuencia con la que se filma. Actualmente me muevo entre la publicidad –ahora como director de arte-, el documental y el videoarte.

“Lima Bruja” fue un proyecto que nació conversando con mi amigo y productor Fernando Urquiaga. Él ofreció ayudarme con la producción de la película y simplemente acepté porque me moría de ganas de hacer un largo. Para mí hacerla fue como un postgrado en cine documental. Nos divertimos mucho.

Finalmente, ¿qué nos puedes contar sobre tu equipo técnico y la experiencia de trabajar con ellos?
Un punto clave de la película es el sonido directo. Nos preocupamos de trabajarlo con sonidistas de primer nivel como Frank Cebreros, Omar Pareja y Javier Becerra. La post de audio estuvo a cargo de Bruno Canale que recientemente volvió al Perú y que tiene mucha experiencia mezclando películas. Otro puesto clave que me ayudó mucho fue tener a Javier Becerra como editor quien acompañó el proyecto desde el inicio y me apoyó muchísimo en la elaboración del guión final. Agradecer a la cámara de Carlos Sánchez Giraldo, Carlos De La Cadena y Cristopher Luna Victoria por su disposición y buena onda siempre.

Rafael Polar, director de 'Lima Bruja', con dos personajes de su documental

Ficha técnica

Dirección: Rafael Polar
Duración: 82 mins.
Formato: DV/HD. 16:9 Color/B&N
Productoras: Sayariy Producciones / Tamare Films
Producción Ejecutiva: Rafael Polar, Fernando Urquiaga Heineberg
Guión: Rafael Polar, Javier Becerra Heraud
Producción de campo: Daniela Rotalde, Mariana Olaechea
Sonido directo: Javier Becerra Heraud, Omar Pareja, Frank Cebreros
Dirección de fotografía: Carlos De La Cadena
Cámara: Carlos De La Cadena, Cristopher Luna Victoria, Carlos Sánchez Giraldo, Rafael Polar
Edición: Rafael Polar, Javier Becerra Heraud
Post Producción de video y Gráfica: Gabriel Acevedo Velarde
Post Producción de sonido: Bruno Canale
Foto Fija: Renzo Giraldo
Participantes: Willy Terry, Eduardo Abán, Lorenzo Pedraza, Walter Goyburu, Carlos Curay, Francisco Rodriguez, Cesar Oliva, Manolo Castillo, Lucy Avilés, Genaro Falcón.

La película estudiantil se presentará en el marco de la 1ª Muestra Audiovisual de Comunicación Social, que se realizará el lunes en la Facultad de Letras y Ciencias Humanas en la ciudad universitaria. Esta muestra presentará los trabajos realizados por las especialidades de Producción Audiovisual, Prensa y Comunicación Organizacional de la escuela, desde el 2009 hasta la fecha.

Vean el tráiler de Fragmentos:

Fragmentos fue realizado durante tres meses por 15 alumnos del curso de Taller de Sonido o Teoria del Sonido, que se dicta en el sexto ciclo de la Escuela de Comunicación Social, bajo la supervisión de la docente Lic. María del Carmen Fernández.

En los últimos tres años la profesora produjo con sus alumnos varios cortometrajes, y este 2011 finalmente decidió realizar un primer largometraje, contando con un presupuesto aproximado de S/.8,000, financiado por los propios alumnos.

El lunes 12 se presentará, además, el blog oficial de la Escuela de Comunicación Social, donde se podrán ver los diversos trabajos de la Muestra. El ingreso será libre.

Programación

12:00 p.m.: Muestra audiovisual y sonora.
4:00 p.m.: Presentación del largometraje “Fragmentos”, lanzamiento del blog y la marca Comunicación Social

Lugar: Facultad de Letras y Ciencias Humanas – UNMSM
Av. Universitaria/Av. Germán Amézaga s/n. Edificio Jorge Basadre, Ciudad Universitaria, Lima. (Puerta 3).

Elenco y equipo técnico de 'Las malas intenciones' con el trofeo APRECI al mejor filme peruano del 2011

La Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica (APRECI) otorgó su premio a la mejor película nacional del 2011 a Las malas intenciones. La ópera prima de Rosario García-Montero fue elegida entre ocho películas estrenadas en las salas comerciales de Lima este año: “Y si te vi no me acuerdo”, “El último guerrero chanka”, “El Inca, la boba y el hijo del ladrón”, “Bolero de noche”, “Lars y el misterio del portal”, “El guachimán”, y “Reshinn, sangre de anaconda”, además de la galardonada.

También postularon al premio, que los críticos y periodistas de la APRECI otorgan desde el 2009 al filme más destacable del cine peruano de cada año, una veintena de producciones limeñas y regionales, realizadas en formato digital, que se exhibieron en el 2011 en el circuito cultural de la capital, tales como “Cada viernes sangre”, “4”, “Saicomanía”, “Código urbano”, “La Cantuta en la boca del diablo”, “Objetos”, “Secuelas del terror”, entre otras.

El anuncio y entrega de la distinción, a cargo del vicepresidente de la APRECI, Rodrigo Portales, se realizó el viernes 9 de diciembre en el auditorio del Centro Cultural CAFAE-SE, en San Isidro. En representación de la realizadora recibieron el galardón: Susana Torres, directora de arte, Omar Pareja, sonidista, Jorge Prado, asistente de dirección, los actores Katerina D’onofrio y Melchor Gorrochátegui, y la niña Fátima Buntinx, protagonista del filme, así como Adolfo Páucar Villegas, administrador, y Verónica Pérez, coordinadora de producción.

Las malas intenciones transcurre en la Lima que comienza a sufrir la violencia terrorista de Sendero Luminoso, entre finales de 1982 y mediados de 1983, y tiene en el papel principal a Cayetana de los Heros (Fátima Buntinx), una niña de 8 años, hija de padres divorciados de la burguesía acomodada. Cayetana no acepta la noticia de que su mamá tendrá otro hijo y decide que el día del nacimiento de su hermano será el día de su propia muerte.

La cinta, que tuvo su estreno mundial en la 61 edición del Festival de Cine de Berlín donde estuvo nominada al premio Oso de Cristal, ganó en noviembre último el premio “Ventana Sur” al mejor largometraje latinoamericano en el 26 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (Argentina).

Entre sus galardones figuran el Premio Especial del Jurado en el 22 Festival de Cine de Viña del Mar (Chile), el Premio Especial del Jurado en el 39 Festival de Cinema de Gramado (Brasil), y el Premio a la Mejor Película Peruana en el 15 Festival de Lima. Asimismo, la actuación de su protagonista fue reconocida con una mención especial del jurado del Festival La Orquídea de Cuenca (Ecuador). También ha sido preseleccionada para la categoría Mejor Película Iberoamericana de los Premios Goya 2012.

Susana Torres y Fátima Buntinx con integrantes de la APRECI y el programador del CC CAFAE-SE, Jaime Luna Victoria

Comentarios sobre la película

La dirección de Rosario García-Montero y la actuación de Fátima Buntinx figuran entre las virtudes que destacaron los miembros de la APRECI al comentar la cinta ganadora. El crítico Emilio Bustamante resalta que es una ópera prima honesta y conmovedora, que trasciende el relato de la experiencia infantil de una niña rica y nos invita a reflexionar sobre nuestro país y su historia, sobre la decadencia de una clase social y un modelo de nación.

Para Rodrigo Portales (Cinencuentro) “Las malas intenciones” constituye una propuesta arriesgada e íntima sobre un entorno social en crisis, plantea una relectura lúcida, tierna y desolada acerca de taras históricas, fobias de clase, imaginario infantil y memoria personal, desde la mirada de un personaje inusual dentro del cine nacional.

Claudio Cordero (Diario La Primera) comenta que el personaje de Cayetana De Los Heros es original y sin precedentes en nuestra cinematografía, y saluda que este papel fuera confiado a Fátima Buntinx, quien a sus 8 años ofrece una de las actuaciones más fascinantes del cine nacional.

Según Sebastián Pimentel (Revista Somos) la cinta marca el debut de una joven cineasta que derrocha sensibilidad cinematográfica y más sangre renovadora para el cine peruano, y destaca el magnético protagonismo, tan angelical como cruel, de Fátima Buntinx, así como la hilvanación onírica del filme.

Juan Carlos Fangacio (Diario Perú.21) comenta que es una producción valiente e innovadora, ambiciosa y muy cuidada. Un título que se suma a la camada de nuevos directores peruanos que van dejando de lado los tópicos y las taras de las generaciones que los antecedieron.

Pese a sus méritos y premios, “Las malas intenciones” padeció hace un par de meses un accidentado estreno en nuestro país por parte de las empresas exhibidoras que a las dos semanas la retiraron de la cartelera. El hecho motivó la protesta del Ministerio de Cultura, obligando a los dueños de las salas a reprogramar la cinta en nuevos y mejores horarios.

Fotos: Rolando Jurado (Cinencuentro). Más imágenes de la premiación en el Facebook de la Apreci.

La película presenta detalles y hechos poco difundidos de los operativos policiales llevados a cabo por el Grupo Especial de Inteligencia (GEIN) para lograr la captura de Abimael Guzmán Reynoso, líder del grupo terrorista Sendero Luminoso, a inicios de los años 90. Con buen ritmo, en la narración y edición, y una cuidada recreación ficcionada en ciertas escenas clave, la película de 58 minutos de duración logra mantener la atención y el interés del espectador.

La película, financiada enteramente por la empresa Bliss Producciones, con un presupuesto de US$95,000, se realizó a lo largo de 15 meses: tres meses de investigación, y doce de producción. Conversamos con la directora Judith Vélez, quien nos da más luces sobre su nueva incursión en el documental:

Judith, ¿cómo se inicia el proyecto de “1509 Operación Victoria”?
El proyecto se inicia a partir de una invitación que me hace la productora Bliss Producciones. El periodista Gustavo Gorriti había entregado a Abraham Vurnbrand, productor de Bliss, un artículo dedicado a la captura de Abimael Guzmán. Quedó impactado por este texto, decidió hacer realidad el proyecto en un documental y empezó a buscar director. [N.E.: Vurnbrand también es productor de otra película peruana próxima a estrenarse.]

¿De donde parte el interés por recordar este episodio de nuestra historia reciente?
El interés de Abraham fue dar a conocer un episodio de la historia del Perú que se ha difundido poco, y dar crédito a los verdaderos héroes de la captura del líder senderista Abimael Guzmán que se habían mantenido en la sombra.

¿Cómo se realizó el trabajo con el archivo y la investigación?
La investigación consistió, en una primera etapa, en hacer una ronda de entrevistas a miembros del GEIN. Entrevistamos a oficiales que en su momento fueron los detectives de a pie, a los responsables del área de audio y video encargados de las fotos y grabaciones, a los responsables de las interceptaciones telefónicas y a los oficiales responsables del grupo: al Crnel. PNP Benedicto Jiménez y al Gral. PNP Marco Miyashiro. Estas entrevistas nos surtieron de una rica información que nos permitió identificar las operaciones que nos iban a servir para contar nuestra historia, así como tomar contacto con su metodología de trabajo, tanto en las calles como el trabajo de inteligencia propiamente dicho.

Cmdte. (r) Benedicto Jiménez, el artífice de la captura de Abimael Guzmán

Además de las entrevista leí varios libros: “Sendero: La historia de una guerra milenaria” de Gustavo Gorriti; “La cuarta espada” de Santiago Roncagliolo; “Un lugar llamado Oreja de Perro” de Ivan Thays; “Hatun Willakuy”, versión abreviada del informe de la Comisión de la Verdad; “Inicio, desarrollo y ocaso del terrorismo en el Perú” del Crnel. Benedicto Jiménez, entre otras lecturas.

Mi interés al inicio fue conocer a fondo la historia de Abimael Guzmán y el origen del PCP-Sendero Luminoso, su desarrollo, expansión y decadencia. Y sobre ese conocimiento montar la historia de la captura, pero a partir de una perspectiva histórica que me daba la tranquilidad y seguridad de poder manejar el tema con soltura -a pesar que en el documental esta solo la punta del iceberg de lo aprendido-.

¿Qué tan complicado fue conseguir las imágenes de archivo que vemos en el documental?
Una vez que decidimos producir el documental, que nos tomó 6 meses de búsqueda de financiación, retomamos el contacto con los oficiales que entrevistamos en la primera etapa, ellos nos fueron brindando poco a poco imágenes de sus archivos de seguimiento durante los años 1990 y 1992. Al mismo tiempo Antoinette Otero, que se encargó de hacer la investigación en medios, revisó mucho material de archivo de televisión existente principalmente en Panamericana Televisión y en Frecuencia Latina, así como material de archivo fotográfico en medios escritos como La República y el Archivo de la Comisión de la Verdad.

En general trabajar con material de archivo de los años 80 es un problema porque los archivos no están digitalizados aún, hay que verlos en su formato original y las máquinas lanzadoras de la época están, en muchos casos, en muy mal estado. Siempre es un dolor de cabeza el tema del archivo pero vale la pena.

También compramos material de archivo a ITN que es la compañía inglesa que tiene los derechos del documental “The People of the Shining Path” (La gente del sendero luminoso) de donde sacamos las imágenes de la marcha de senderistas dentro de la prisión y las imágenes del pueblo que da vivas a Sendero Luminoso. Estas imágenes son realmente muy potentes y fue el único proyecto documental de esos años que pudo acceder a la organización senderista tanto en las prisiones como en el campo, de allí el gran valor de esas imágenes. [El documental inglés está disponible para descargar en Internet Archive, y también en YouTube, en inglés]:

Para mi uno de los grandes aciertos de mi documental es la música. Para el tema de “Zorba el griego”, tuvimos que comprar los derechos a EMI Music de Chile quienes tienen los derechos del compositor griego Mikis Theodorakis, quien esta aún vivo. A partir de tener los derechos tuvimos que realizar la interpretación del tema en Lima pues los derechos solo nos daba permiso para usar el tema. Y fue el compositor del score musical del documental, Kevin Norris -un compositor norteamericano afincado en Perú desde hace muchos años- quien hizo una maravillosa interpretación de “Zorba el griego”, además de componer los otros temas del documental. Creo que sin su música el documental sería otra cosa, realmente colabora en la construcción del suspenso y la tensión dramática, fue un acierto.

¿Qué nos puedes contar del proceso de recreación de escenas?
Cuando tuve la historia clara supe que había que recrear. Había trabajado este formato, con recreaciones en documentales de encargo para National Geographic y Discovery Channel, donde principalmente me había desempeñado como asistente de dirección. Tenía muchas ganar de probar el formato en un proyecto mío, y la historia de la captura con todo su potencial de historia policial se prestaba para algo así.

Desde el principio sabíamos que haríamos recreaciones, si queríamos vender el proyecto a la televisión por cable internacional, había que hacerlo. Aunque en nuestro caso, nuestras recreaciones no se quedaron en lo ilustrativo como ocurre con la mayoría de programas de cable. Mi intención fue borrar por momentos esa línea imaginaria entre ficción y documental, y creo que lo logramos, la sensación que hay por momentos es estar viendo una película [de ficción]. El espectador es atrapado por la intriga y las recreaciones toman vida propia y conduce al espectador a una experiencia de ficción. Ese fue para mí el mayor desafío como realizadora.

Por lo mismo que se recogen diversas fuentes para las imágenes, se usaron múltiples formatos de video digital. ¿Cómo trabajaste esto para presentarlo de manera uniforme en tu documental?
El problema que tenemos que enfrentar hoy en día que trabajamos en Alta Definición es como darle unidad a un proyecto cuando hay que combinarlo con materiales de archivo de diferentes calidades, como el Betacam o el Video 8. Lo que hicimos fue marcar un estandar mínimo de calidad que fue el Betacam para los materiales que provenían de archivos periodísticos de los canales de televisión, y para el material en Video 8 que provenía del GEIN había que hacer un tratamiento especial para no perder calidad. Felizmente Luis Parreño, encargado de la corrección de color, hizo un excelente trabajo y el resultado es muy bueno. A pesar de que existen varias texturas hay una armonía que es parte de la propuesta visual.

Un personaje principal de esta historia, tal como la conocimos muchos a través de los medios de la época, fue el Gral. Ketin Vidal, quien en tu película solo aparece unos instantes. ¿Su participación en la captura de Abimael Guzmán fue realmente así de minima?
En un momento pensamos entrevistar al Gral. Ketín Vidal y conocer su punto de vista sobre la captura pero si abríamos esa puerta por lo menos tendríamos que darle entre 6 y 7 minutos que no teníamos. En medio de las dudas nos preguntamos sobre la motivación primera del documental, y era el de contar la verdadera historia. En todas las entrevistas hechas a casi una decena de oficiales, ninguno de ellos dijo nada sobre el Gral. Ketín Vidal.

Hay que entender que el GEIN fue una isla super blindada, ajena a los servicios de inteligencia que controlaba Vladimiro Montesinos, y el Crnel. Benedicto Jiménez fue quien daba las órdenes más importantes y las pautas de investigación y todos los oficiales entrevistados coinciden en ello, y lo dice el Gral. Marco Miyashiro muy claramente en el documental.
Así que decidimos incluir al Gral. Ketín Vidal al final del documental, tal como ocurrió en la vida real. Para ello tuvimos que trabajar con un abogado quien leyó el guión, vió el corte final y recomendó algunos ajustes para no correr riesgos legales de ningún tipo.

¿Qué proyectos tienes a continuación?
Siento que estoy cerrando una etapa que empecé con “Seis con ocho”, y siguió con ¡Libérenlos ya!, que son documentales de investigación de encargo. Ahora estoy en una etapa de digerir todo lo leído y lo aprendido, he regresado a la docencia que me nutre mucho, y el próximo año estaré recién pensando regresar a la ficción.

–
Extra: Visiten la página de facebook “1509 Operación Victoria”, y revisen los horarios de proyección, la película se presenta solo en el CCPUCP hasta el 16 de diciembre:

- Viernes 9 de diciembre: 4:00pm y 5:30pm
- Sábado 10 de diciembre: 6:00pm
- Del 11 al 16 de diciembre: 6:00pm y 8:00pm

Yapa: Vean también la completa entrevista que le hicieron a Judith Vélez en el programa “El placer de los ojos”:

En este nuevo avance de Los ilusionautas podemos conocer algo más de los personajes principales de la película, Profiterol, Petit Pan, Nicole, Aristóteles y el perro Houston, pequeños protagonistas de esta historia de aventuras.

Sinopsis: “Cuando un experimento secreto sale mal y las historias de un escritor de ciencia ficción se mezclan, el gobierno francés tiene que convocar a un grupo de cuatro niños acompañados de un perrito, para ingresar a la imaginación del escritor y resolver el desastre literario”. Vean el tráiler de Los ilusionautas, “una película con poca ciencia y mucha ficción”:

Trabajos anteriores de Eduardo Schuldt son “El delfín”, “Dragones: destino de fuego” y “Piratas en el Callao”. Esta nueva película es además la primera producción que cuenta con el certificado de licencia de uso de la Marca País Perú.

Para Los ilusionautas la productora Aronnax Films trabajó con más de 70 artistas digitales, estereógrafos, editores, compositores musicales y actores, utilizando tecnología 3D y de captura de movimiento. Anuncian un “roadshow mundial” para este 14 de diciembre, cuando la película será presentada a distribuidoras latinoamericanas. Visiten su sitio web oficial.

Extra: Vean esta entrevista de Semana Económica con Eduardo Schuldt y Abraham Vurnbrand, director gerente de Aronnax Films.

Como siempre, el recuento: este año tuvimos 9 estrenos peruanos, dos más que el año pasado, y si bien no hubo ningún ‘taquillazo’, ni nadie se ganó la Palma de Oro de Cannes, algo se avanzó.

Estos son los candidatos, voten a conciencia, no vale elegir el mal menor:

• 1509, Operación Victoria. El último estreno del año llega casi de sorpresa. Aunque sea de manera limitada, se agradece que un documental se estrene en los cines.
• Bolero de noche, el tercer largo de Eduardo Mendoza se estrenó a mediados de setiembre, con regular acogida de público.
• El guachimán. La mayor apuesta del año por un cine ‘popular’ y más cercano al gran público, se estrenó a fines de octubre. Fue uno de los que mejor recaudación tuvo, con cerca de 80 mil espectadores.
• El Inca, la boba y el hijo del ladrón. Se presentó en el Festival de Lima, y luego se estrenó con muy baja asistencia de público.
• El último guerrero Chanka. Luego de mil reprogramaciones, el Chanka aterrizó finalmente en nuestra gris ciudad en agosto, coincidiendo con el final del Festival de Lima.
• Lars y el misterio del portal. La primera película en 3D hecha en el Perú. Así fue como se promocionó esta nueva cinta animada de Eduardo Schuldt. También está entre las más vistas del año.
• Las malas intenciones. Fue la película peruana más comentada del 2011, la que más festivales internacionales visitó y premios recibió. Y fue igualmente maltratada como todas las peruanas que lucharon por un espacio en los cines locales.
• Reshinn, sangre de anaconda. La primera película peruana hablada integramente en asháninka, se estrenó -no sin problemas- en algunos cines de Lima a mediados de noviembre.
• Y si te vi, no me acuerdo. Fue el primer estreno del año. Luego de 10 años, el director Miguel Barreda logró concluir su viaje, y estrenarla en cines. Se cierra el círculo.

Recuerden dejar su voto en la encuesta que aparece arriba a la derecha. La votación se cierra el 25 de diciembre.

'Loxoro', lo nuevo de Claudia Llosa

Como parte del proyecto “Fronteras”, una serie de cortos latinoamericanos producidos por la televisora de cable TNT, la peruana Claudia Llosa presenta el cortometraje Loxoro.

Loxoro, dirigido por Llosa y producido por Patria Producciones, da cuenta de las fronteras entre lo masculino y lo femenino en la comunidad gay y transexual en el Perú. Se filmó a mediados de junio, en Lima.

El corto se presentará el jueves 8 de diciembre, a las 10:50 p.m. en TNT.

Actualización [4 dic]: TNTLa.com ya ha publicado online los dos primeros capítulos de “Fronteras”, aqui está Loxoro, véanlo:

(El singular título del cortometraje es un ejemplo del peculiar dialecto que se usa en la comunidad gay en Perú. Así, “muxuru” significa mujer, “lexere” es lesbiana, “traxara” es travesti, y “loxoro” es loca. Otro ejemplo mucho más difundido en la cultura popular peruana es el apodo del personaje televisivo Fulvio Carmelo, conocido como “Chixricoxoro”. Interesante, ¿no?)

El proyecto “Fronteras”, es una iniciativa de la productora argentina 100 Bares, junto a TNT, que intenta crear una red de realizadores cinematográficos, y mostrar su trabajo a toda la región.

El proyecto consta de 9 capítulos que presentan ocho cortometrajes; cada uno de ellos filmado por directores proveniente de distintos países de Latinoamérica, entre ellos Rubén Albarrán, sí, el de Café Tacvba. Estos son los cortos y sus horarios de emisión:

Martes 6 dic. episodio 1: La sombrilla, de Simón Brand (Colombia)
Jueves 8 dic. episodio 2: Loxoro, de Claudia Llosa (Perú)
Martes 13 dic. episodio 3: La última frontera, de Gastón Duprat y Mariano Cohn (Argentina)
Jueves 15 dic. episodio 4: Até a vista, de Jorge Furtado (Brasil)
Martes 20 dic. episodio 5: 72, de Jorge Michel Grau (México)
Jueves 22 dic. episodio 6: Toro o nada, de Ariel Guntern (Argentina)
Martes 27 dic. episodio 7: Entre lo profano y lo divino, de Rubén Albarrán y Ángel Flores Torres (México)
Jueves 29 dic. episodio 8: A teu lado, leve de Flavia Moraes (Brasil)
Y episodio 9: Especial (epílogo).

El anfitrión será el conocido director argentino ganador Juan José Campanella. Para conocer algo más del proyecto, vean lo que cuenta el productor Federico Posternak.

Extra: En entrevista con El Comercio, Claudia adelanta un poco más sobre su tercer largometraje, que se filmará en inglés en EE.UU.: “Rodamos en octubre y noviembre del 2012, y estamos muy contentos con los avances. Estamos empaquetando el proyecto muy bien antes de darlo a conocer más. Pero la fecha de rodaje es inamovible”.

Yapa: Una trabajo previo de Claudia Llosa es el documental “Tradiciones”, realizado a fines del 2009 para la Televisión Española.

“Arguedas en Nosotros: Rimanakuy hacia el futuro”, de Wilton Martínez.

Sumándose al sinnúmero de actividades que a lo largo del 2011 han conmemorado el centenario del nacimiento de José María Arguedas, este viernes 2 de diciembre a las 7 p.m., en la sala 3 del Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica en San Isidro, será el estreno del documental Arguedas en Nosotros: Rimanakuy hacia el futuro, dirigido por Wilton Martínez.

Según el realizador, y presidente del Centro de Antropología Visual del Perú (CAVP), en esta película, de 27 minutos de duración, se intenta ofrecer un acercamiento diferente a la vida y el legado de autor de “Todas las sangres”, partiendo desde el testimonio personal y creativo de cinco artistas, intelectuales y activistas peruanos como el investigador Leo Casas, la cantante Sylvia Falcón, el poeta Armando Arteaga, el escritor Fredy Roncalla y la presidenta de Chirapaq, Tarcila Rivera Zea.

“Este año se han hecho varias producciones de corte periodístico en la televisión y otros espacios sobre la vida y obra de José María Arguedas. Nosotros quisimos hacer algo diferente: presentar al público con una conversación íntima sobre cómo Arguedas vive en nosotros, un diálogo de cinco personas que encarnan de manera especial su legado”, dice.

Previo al estreno, se proyectará el corto Camina el autor: Guamán Poma de Ayala, dirigido también por Wilton Martínez, que muestra una lectura poética, a cargo de Fredy Roncalla, de fragmentos del texto original de la “Nueva Crónica” escrita por el cronista indio Felipe Guamán Poma de Ayala durante el Vireynato del Perú. Luego de la función, se realizará una ponencia a cargo de la antropóloga Gisela Cánepa, el realizador y participantes del documental.

La actividad es organizada por Chirapaq – Centro de Culturas Indígenas del Perú (en quechua “centellar de estrellas”), una asociación que desde hace 25 años promueve la afirmación de la identidad y el reconocimiento de los derechos de los pueblos indígenas, en especial de la mujer, la niñez y la juventud, con miras a la construcción de una sociedad más justa, democrática e intercultural. Lean aquí más detalles del evento.

Extra: Yuyachkani presentará el espectáculo “Urdimbres y sutilezas”, un homenaje a la vida y obra de Arguedas, a cargo de Cexces-Yuyachkani, este viernes 2 de diciembre, a las 3 p.m., en la Casa de la Literatura.

Yapas: Vean también este reciente programa de “La función de la palabra” en el que Marco Aurelio Denegri comenta el libro “Centenario de José María Arguedas: Sociedad, Nación y Literatura”.
Y a inicios de año, publicamos un dossier de la relación de la obra de Arguedas con el cine.

'Demo', de Miguel Vargas Valladares (Lima, 1981)

Sigue creciendo en Lima una generación de jóvenes cineastas, con cierta afinidad por temas urbanos, cotidianos, algunos marginales, con una mirada muy personal de la vida en la ciudad. Gente como uno, que hace películas con sus amigos, con cámaras de video o de fotos, en sus casas o en los parques de su barrio.

A los Eduardo Quispe, Rafael Arévalo, Fernando Montenegro, entre otros, se les suma ahora otro nombre: Miguel Vargas Valladares, quien presenta su primer largometraje, Demo, este viernes 2 de diciembre a las 7:30 p.m. en el CC CAFAE-SE.
A propósito de esta presentación conversamos con el director, lean la entrevista a continuación.

Sinopsis de “Demo”:
Un tipo cualquiera, con problemas como los de cualquiera; trabaja en un empleo aburrido y mal pagado de oficina, tiene muchos gastos, está separado, no tiene tiempo para criar a su hijo, su hermanastra menor siempre le pide ayuda para criar a su pequeña hija, entre otras cosas. La única peculiaridad en su historia es que para cumplir sus obligaciones, tiene que regresar a una vida anterior, de la que no ha dejado rastros visibles, en la que hacía trabajos casuales como asesino a sueldo. La película narra su cotidianeidad con una narración digresiva, documentando momentos de vida, con interpretaciones vívidas y naturalistas. Vean el tráiler:

Miguel, ¿de dónde nace “Demo”?
Mi película nace de una pregunta simple: por qué las películas de sicarios siempre tienen a un personaje sombrío, solitario y excesivamente dramático; por qué los sicarios no pueden ser como cualquier persona común y corriente que hace “cachuelos” extra para poder vivir tranquilamente y ayudar a los suyos; por qué no pueden ser personales con una vida normal y con responsabilidades, y no como los presentan en las películas sobre este tema: fríos, calculadores y con un haz de sobrehumanidad.

Entonces “Demo” se trata de eso: es la historia de una persona común y corriente entrada en sus treintas (burócrata con una vida estable y aburrida), que en sus veintes trabajaba esporádicamente como un sicario. Y ahora, que no poder cumplir con los compromisos que tiene (con su familia y su hijo), tiene que volver a aceptar un ‘trabajo’ como los que hacía en el pasado.

¿Por qué elegiste ese título? ¿Alguna referencia quizá a la figura del álbum o la obra artística que está aún en proceso?
El título lo elegí por la formación musical que tengo. Y es lo que tú dices exactamente: un demo normalmente, en la música, es una cinta de demostración de lo que una banda hace y quiere seguir haciendo. Casi siempre en un demo hay elementos que se repetirán a lo largo de la vida de la banda. “Demo” es eso, una demostración o una declaración de principios de lo que quiero seguir haciendo, mejorando lo que tenga que mejorar.

¿En qué locaciones se grabó la película? ¿Cuánto tiempo les tomó hacerla?
“Demo” se grabó en las casas de los amigos que participaron en la pela y en un par de lugares más. Grabamos en un restaurante de Lince, en un parque en Santa Anita, en el local del Cenfotur en Barranco, en el Supermercado Metro de Jesús María y en el cementerio donde está descansando mi mamá, Parque del Recuerdo, en Lurín. Empezamos a grabar a principios de este año y la terminamos en julio o agosto.

¿Con qué equipo trabajaste el registro?
Grabamos con una cámara de fotos, una Canon Powershot A480, y la edición la hice en casa. Recontra ‘warrior’ la cosa. Tanto así que la versión final tiene tres canciones como banda sonora, pero era una edición para mostrarla a mis amistades. La edición oficial no iba a tener música, pues no tengo para pagar los derechos. Pero antes de que hiciera ese corte final, el disco duro donde tenía la película se murió, así que ahora solo tengo la película con soundtrack.

¿El reparto con el que trabajaste, son actores de formación, o no-actores? ¿Cómo fue el trabajo con ellos?
Todas las personas que aparecen son amigos y no tienen ninguna formación actoral. Lo que hice fue tratar de encontrar entre mis amistades y familiares a las personas que pudieran encajar en el perfil de los personajes que iban apareciendo en la pela.

Así, en la primera escena se ve a dos amigas conversando de cosas que no tendrían mucho sentido en el contexto de la pela, pero esas dos amigas estaban contando cosas que realmente les había sucedido en ese instante. Otro ejemplo, en una escena estoy con mi expareja y estamos hablando de nuestro hijo, pero en realidad ella estaba hablando de un sobrino al que casi siempre cuida.
Es decir, traté de que los personajes no sean algo que no son, porque creo que se iba a notar medio forzado, y yo quería que todo se escuche y se vea como realmente es.

¿Cómo financiaste la realización de esta película? ¿Radio Lado B es tu productora?
La película se hizo con mi dinero. Poco en realidad, todo lo que puse fue para invitarle alguna que otra cosa a mis amigos y familiares. Sin la ayuda de ellos no hubiera podido terminarla.

Radio Lado B es una radio online (radioladob.com) y se creó hace más de un año. En todo lo que participo trato de poner el nombre de la radio, ya que a través de ella conocí a algunos de los amigos que aparecen en la pela.
Entre los proyectos que trabajamos: el 4 de noviembre organizamos un mini festival por el 1er aniversario de la radio en el Koca Kinto, y ahora estamos metiéndonos de lleno en el Proyecto Lima-Z, la primera película de zombies hecha en Lima.

Cuéntanos un poco de ti, ¿cuál es tu formación profesional, y qué experiencia previa tienes en el audiovisual?
Trabajo en el Cenfotur, soy el jefe del Archivo -de ahí el trabajo aburrido al que hago referencia en la pela-. Soy historiador de la U. San Marcos -aunque creo que me equivoqué de carrera-, DJ súper amateur, amante de la música de los años 80, y mentiroso por naturaleza. Estoy en los gloriosos y exactos 30, y mi experiencia tiene que ver con las dos últimas películas de mi amigo Eduardo Quispe, “3″ y “4″. Más allá de eso, soy totalmente un neófito en estas lides.

Extra: Una trabajo previo de Miguel Vargas es el corto documental “Concreto”, (2010, 7 min.), presentado en el reciente Festival de Cine Lima Independiente.

Vean más fotos de Demo, en Facebook.

Ficha técnica
Género: Ficción/Documental
Duración: 61 min.
País: Perú
Año: 2011
Idioma: Español

Dirección: Miguel Vargas Valladares
Idea Original/Guión: Miguel Vargas Valladares
Cámara: Miguel Vargas Valladares, Jim Marcelo Santiago, Odalis Valladares, Lidia Janampa
Fotografía: Miguel Vargas Valladares, Jim Marcelo Santiago, Odalis Valladares, Lidia Janampa
Sonido: Radio Lado B
Edición: Miguel Vargas Valladares
Producción: Radio Lado B

Intérpretes: Dalia Siccha, Susan Salguedo, José Luis Ganoza, Lidia Janampa, Odalis Valladares, Mario Meza, Giuliana Castillo, Erika Barzola, Elena Tapia, Roxana Vargas, Juan Vargas, Miguel V. Ramírez, Angel Rojas.

Con el apoyo de: Jim Marcelo Santiago, Hugo Palomino, Nati Espino, Mery Ann Carhuas, Eduardo Quispe.

Sofía Bogani, Natalia Salas y Lizeth Campano, tres víctimas de 'El buen Pedro'

La nueva película de Sandro Ventura ya tiene tráiler. El buen Pedro es un filme de suspenso protagonizado por Miguel Torres-Böhl, quien hace de un violento serial killer que asesina prostitutas en las noches de Lima. Vean las primeras imágenes.

La película, producida entre julio y octubre del 2011, tiene en su reparto a conocidos rostros de la televisión y el teatro, como Roger del Águila, Adolfo Aguilar, Natalia Salas, Adriana Quevedo, Sofía Bogani, Laura Del Busto, incluyendo el debut en el cine del cómico televisivo Carlos Álvarez.

El buen Pedro es una producción de Big Bang Films, escrita y dirigida por Sandro Ventura Mantilla, producida por Jesús Álvarez, dirección de fotografía a cargo de Hugo Shinki. La película se estrenaría en el segundo semestre del 2012.

Chequeen su sitio en Facebook, y siganlos en Twitter: @elbuenpedro.

Hay un par de cineastas que tienen dos películas las cuales merecen estar en cualquier top 5 de cine sobre la Amazonía peruana. Por lo demás, algunos otros no están listados acá por ser relativamente recientes. Aquí mi particular listado de clásicos para ver, de todas maneras:

'Aguirre, la ira de Dios', Herzog en el Amazonas

Fitzcarraldo / Aguirre, la ira de Dios (Werner Herzog). Existe un momento en Fitzcarraldo (1981) cuando, desde los altos de la Iglesia Matriz, se muestra un momento espectacular, en el cual la ciudad reposa sobre las piernas de la Plaza de Armas. El protagonista, Klaus Kinski, en los zapatos del más excéntrico de los barones caucheros de la época dorada y cruel de nuestra Amazonía, pierde el control y grita toda su febril alucinación y rabia. Escena con repique de campanas, que le da majestad y desmesura a esa fábula sobre la época del caucho, plagada de excesos y delirios, que logra componerse en esta inspirada, abigarrada, monumental película. Herzog dirigió anteriormente en nuestros dominios “Aguirre, la ira de Dios”, pero la sabiduría popular siempre la prefirió menos que este canto fílmico buscando a Caruso. Discutible o no, Fitzcarraldo es probablemente uno de los mejores sobre nuestra descomunal y compleja anatomía social, cultural y mental.

Mucho consideran, en cambio a Aguirre, la ira de Dios (1972) como la obra maestra del alemán Werner Herzog. Quizás sí, quizás, pero nadie puede quedar sino absorto ante esa perturbadora maquinaria, la demencial aventura de un grupo de conquistadores españoles, quienes en 1560 se internaron en la selva amazónica en busca de El Dorado. Uno de ellos, “El loco” Lope de Aguirre se erige como el gran príncipe del Perú, se insubordina contra la Corona y es ejecutado al año después. A Herzog le bastó esta anécdota para crear un verdadero tratado sobre la locura, la ambición, las desventuras de la selva, y sobre todo, la obsesión. Primera película en la que Herzog trabajaría con su actor fetiche Klaus Kinski. Filmada en varias zonas del río Nanay, cerca de Iquitos.

Ignacio Quirós protagonista de 'En la selva no hay estrellas'

En la selva no hay estrellas / La muralla verde (Armando Robles Godoy). El maestro Robles era un apasionado de la Amazonía. En la selva no hay estrellas narra la travesía de un ambicioso hombre que roba el oro recolectado por una tribu selvática, pero cuya huida será el comienzo de un viaje de reconocimiento de su propia vida y una lucha por su supervivencia en medio de la tupida selva. El actor argentino Ignacio Quirós fue quien dio vida al aventurero y lo acompañaron en el elenco Susana Pardahl, Jorge Aragón, César David Miró, Manuel Delorio, Jorge Montoro, Luisa Otero y Demetrio Tupac Yupanqui. Gran película de Robles Godoy, incomprendida en su época, ahora felizmente recuperada no sólo en su esencia filmica sino en su intención existencial.

La muralla verde (1970), por su parte, es considerada por muchos como una de las mejores películas peruanas de todos los tiempos. Sin duda debe ser la mejor de Robles Godoy, en la cual narra los años de la República, previos a la dictadura militar cuando se inicia una agresiva campaña de colonización en la selva. Los colonos, liderados por el personaje interpretado por Julio Alemán, pasan por las vicisitudes de una penosa travesía en la cual se muestra el implacable entorno en batalla contra el ser humano. Memorable.

Radio Belén (Gianfranco Annichini). Todo en este pequeño cortometraje, realizado por Annichini en 1983, es memorable. Para mí es uno de los mejores filmes que se han hecho en el Perú y la mejor descripción visual que se ha hecho del famoso barrio iquiteño de Belén. Con humor, pero además con un sentido documental implacable, el director va encontrando los puntos que mueven a los creadores de una radio popular en medio de un espacio tan pujante, populoso como pobre. Insuperable, hasta el momento.

Hijas de Belén (Javier Corcuera). Otra incursión belenina, una radiografía sobre el barrio más pobre y efervescente de la Amazonía peruana. Se trata de uno de los cortometrajes de En el mundo a cada rato (2004), recopilación de cortos documentales sobre la situación laboral de los niños del mundo. Su director, Javier Corcuera, supo plasmar en 27 minutos las historias de tres generaciones de mujeres que habitan el barrio más pobre e hiperactivo de esta urbe. La cinta rezuma cariño y pasión cuando filma a sus protagonistas. Los parlantes de Radio Belén como sonido ambiental permanente y un paseo en motocarro por las calles, al compás de una canción del grupo Calypso, deberían figurar en alguna antología audiovisual sobre Iquitos.

Bajo el sol de Loreto, un filme por recuperar

Bajo el sol de Loreto (Antonio Wong Rengifo). ¿Una película filmada íntegramente con fondos y logística local? No se sabe de antecedentes de tal calaña, salvo la de Antonio Wong, en la tercera década del siglo pasado. Las obras de Wong fueron coleccionadas en diversos cortos sobre hechos históricos, paisajes filmados en diferentes formatos. Posteriormente, Bajo el sol de Loreto (1936), inmediatamente a su estreno, se consideró un hito, porque fue la primera película de formato largo, filmada en polvorientas arterias, así como parajes naturales del río Napo, ambientada en la época del caucho y con recreación de detalles de su tiempo. Wong financió íntegramente los costos de su filme e hizo de libretista, camarógrafo, realizador, productor, montajista y difusor. Aún no existen copias de la totalidad en la actualidad y mucha gente, por no decir la mayoría, no la ha visto, pero su leyenda sigue vigente.

Por lo demás, fuera de este recuento, siempre es bueno recurrir a otros filmes muy interesantes que han tenido como telón de fondo parte de la Amazonía, tales como Pantaleón y las visitadoras (Francisco Lombardi), El lugar donde estuvo el paraíso (Gerardo Herrero), El último piso (Dorian Fernández), Buscando el azul (Fernando Valdivia), El perro del hortelano (Renzo Zanelli), entre muchos otros.

Se ha hecho público el Acta Final del Jurado del Concurso de Obras Cinematográficas Peruanas de Cortometrajes – 2011, resultando ganadores los siguientes cortos:

• Cuidados intensivos, de Brian Jacobs
• El árbol, de Rodrigo Moreno
• Antes de partir, de Humberto Saco
• Colibrí, de Luis Basurto
• Ciudad manjar, de Mauricio Godoy
• El niño y el mar, de Mauricio Rivera
• El Oscar de Manchay, de Malu Cabellos y Ernesto Cabellos
• En uno mismo, de Claudio Figari
• La calma, de Fernando Vilchez
• Lima, de Franco García
• Pornostar, de Yashim Bahamonde y Nelson Mendoza
• Rumeits, de Gonzalo Ladines
• Secretos para cocinar, de Daniel Rodríguez
• Un amor en desalojo, de Mauricio Torres-Bohl

Ellos se llevan un premio de S/. 15,000 cada uno. Todos los cortos premiados son producciones de empresas con sede en Lima. Recordemos que fueron 61 los trabajos participantes en este concurso, aunque el acta indica que evaluó 58 cortos.

Esta es el acta completa:

De conformidad con el documento de convocatoria y a la Ley de Cinematografía Peruana Nº 26370 y su Reglamento D.S. Nº 42-95-ED, en la ciudad de Lima, el viernes 18 de noviembre de 2011, se reunió el jurado del Concurso de Obras Cinematográficas Peruanas de Cortometraje 2011, integrado por el cineasta Augusto Tamayo San Román (Presidente), la cineasta Joanna Lombardi Pollarolo, el crítico de cine Rodrigo Bedoya Forno, el productor René Weber Waser y el docente Raúl Zevallos Ortiz.
Luego de evaluar los 58 cortometrajes presentados y después de un arduo proceso de deliberación, el jurado ha decidido premiar los catorce cortometrajes que destacan por su nivel expresivo y técnico.

POR UNANIMIDAD:

Carapulkra Films SAC – Cuidados intensivos – Brian Jacobs
In House Producciones SAC – El árbol – Rodrigo Moreno

POR MAYORÍA:

Kinaqu Cine EIRL – Antes de partir – Humberto Saco
Alfalfa Producciones SAC – Colibrí – Luis Basurto
Isabella Karnivale Films SAC – Ciudad manjar – Mauricio Godoy
Producciones Neptuno EIRL – El niño y el mar – Mauricio Rivera
Asociacion Guarango Cine y Video – El Oscar de Manchay – Malu Cabellos, Ernesto Cabellos
Figraphic SAC – En uno mismo – Claudio Figari
Willay Audio & Video SAC – La calma – Fernando Vilchez
Plaga Langosta Producciones SAC – Lima – Franco García
Del Barrio SAC – Pornostar – Yashim Bahamonde, Nelson Mendoza
Todo lo Demás SAC – Rumeits – Gonzalo Ladines
Cinecorp SAC – Secretos para cocinar – Daniel Rodríguez
Cronos Producciones SAC – Un amor en desalojo – Mauricio Torres-Bohl

Asimismo, adjuntamos el Acta Final del Jurado [en PDF].

Augusto Tamayo San Román (Presidente)
Joanna Lombardi Pollarolo
Rodrigo Bedoya Forno
René Weber Waser
Raúl Zevallos Ortiz.

Atentamente,

Dirección de Industrias Culturales
MINISTERIO DE CULTURA
Telf.(511) 618-9393 anexo 3500
Av. Javier Prado Este 2465
Lima, 41 San Borja
conacine@mcultura.gob.pe
www.conacine.pe

Actualización [21 nov]: Luego de pedirles esta información, el Mincul nos confirma que fueron 58 los cortos concursantes:

La Dirección de Industrias Culturales informa nuevamente que los cortometrajes:

- Cesura de Walter Vera
- La Ballena de Roger Neira
- Vine cargando mi arpa de Carlos Sánchez

Fueron las tres únicas obras impedidas de participar en el concurso de obras cinematográficas de cortometraje 2011. Las dos primeras fueron observadas por la comisión técnica por su realización en lengua extranjera, la última fue observada por la propia Dirección de Industrias Culturales, al encontrarse la empresa productora, con un pendiente con el Estado. De ahí que de los 61 cortometrajes recibidos y revisados por la Comisión Técnica, hayan quedado 58 para evaluación del jurado.

Encontramos a Javier en pleno proceso de montaje, en las oficinas de la RCP. Nos contó de qué va su nueva obra, pero también hablamos de la situación del cine peruano, la exhibición, y la política cultural en relación a la cinematografía en nuestro país.

Camilo Ballumbrosio y Máximo Damián

Javier, ¿puedes contarnos de qué trata la película que estás terminando?
La película es la historia de las vidas de unos personajes que son músicos, que son viejos maestros de la música peruana; de los distintos mundos del Perú, de la amazonía, del mundo andino, de la costa del Perú. Y a través de sus vidas y del viaje por sus vidas, hacemos también un recorrido geográfico por el país y un viaje musical hacia la raíz del a música peruana. Entonces, es a través de esas vidas que la película hace como un viaje por la identidad del Perú, de alguna manera la pregunta de la película es quiénes somos, buscamos ir al origen, a la raíz, a través de la música.

Por eso también los personajes hacen unos viajes de retorno, van a los lugares donde nacieron, donde escucharon los primeros acordes, donde aprendieron a tocar, donde se inspiraron, la casa en que vivieron. Es un viaje también hacia adentro de sus vidas, hacia el inicio de sus vidas.

¿Puedes mencionar algunos de los personajes con los que has trabajado? Sabemos que están Carlos Hayre, Jaime Guardia, Máximo Damián, Susana Baca, Magaly Solier.
Si, y están también Amelia Panduro que es una cantante de ícaros de la amazonía de Pucallpa, el maestro violinista ayacuchano “Chimango” Lares, y también jóvenes como Sara Van, por ejemplo que es una peruana emigrante que vive en España. Está el maestro, fallecido hace poco, Félix Casaverde, el cajonero Manuel Vásquez “Mangué”, el percusionista “Lalo” Izquierdo.

¿Y cómo tomaste la decisión de retratar a estos personajes, de trabajar en ciertas zonas?
He trabajado con “Chano” Díaz Límaco que es el director musical de la película, a la vez he trabajado con asesores musicales como Rafael Santa Cruz, que asesora la parte criolla, con Tito La Rosa que asesora la parte de la amazonía. Pero la elección de músicos y temas es absolutamente personal, son canciones que a mí me gustaban o que yo recordaba. Esta película no es un ensayo sobre la música peruana, no están todos los que deberían estar, es una selección muy personal, en realidad están las cosas que me gustaba que estuvieran en la película.

Música que conocías de antes…
Claro, pero algunas no, la selección no ha sido con el rigor de hacer una película sobre los grandes maestros de la música peruana sino un viaje musical a través de las canciones que a mí me parecían que servían para contar la historia, y también las canciones que a mí me gustaba que estuvieran en la película, porque no es un documental musical estrictamente, son historia de vidas y están envueltas en la música peruana. No se podría decir que es un documental estrictamente musical.

Porque hay que convenir que una cosa abarcadora, que coja toda la música del Perú es algo imposible, ¿no?
Habría que hacer 40 capítulos, y si luego se incluye a los que ya no están vivos, otros 40 capítulos.

Me acuerdo lo que escribieron los hermanos Montoya en su libro “La sangre de los cerros”. Ellos hicieron una antología de la poesía quechua cantada en el Perú, y trabajaron con la música popular peruana, no con la música culta, erudita, porque la música popular tiene una riqueza particular, se basa en la tradición, en la cultura y tiene su propia poesía.
¿Ese ha sido también tu interés al momento de construir el documental?
Sí, es una película sobre la música popular, y busca de alguna manera, a través de esos músicos populares y a través de sus vidas, de las canciones, y de lo que cuentan las canciones, dibujar un poco también la cultura popular del Perú. Su historia, su pasado, su presente y también mirar hacia delante; y los jóvenes que salen en la película, están también por que de alguna manera recogen esa raíz, porque no es una colección de antigüedad sino de música vigente y con relevo generacional.

¿Te parece que, por ejemplo, la música de Jaime Guardia o Máximo Damián, que interpretan música muy tradicional, tiene futuro? ¿Se mantiene vigente? ¿Está siendo continuada por nuevas generaciones?
Sí, yo creo que sí, en el folclore existe relevo pero además la música se transforma, va evolucionando, y por ejemplo hablando de música ayacuchana, de huayno ayacuchano, existen hasta bandas de rock que utilizan el huayno, como “Uchpa”, que canta en quechua y que recoge este género. Y el charango y el arpa están en la música contemporánea que se está haciendo ahora en el Perú.

Andrés 'Chimango' Lares, violinista ayacuchano

¿Qué nos puedes contar de la participación de Magaly Solier?
Yo pienso que Magaly es una gran cantante y una gran actriz, y a mí me gustaba que estuviera en la película porque me encanta como canta, y la idea un poco era incluir gente como ella, gente joven junto con los viejos maestros de la música. Entonces ella sale con el maestro “Chimango” Lares y su arpista, sale cantando una canción tradicional ayacuchana.

¿Esta es una coproducción peruano-española?
Es una producción independiente peruana, de Nakuy Producciones, el productor es Rolando Toledo y es en coproducción con una productora andaluza que se llama La Zanfoña, y con el apoyo de Televisión Española, las ayudas del cine de la Junta de Andalucía y de Ibermedia, y luego ya hay apoyos nacionales como Conacine, la Universidad César Vallejo y un montón de gente que está apoyando la película.

¿Y tu expectativa es terminar pronto? ¿En qué proceso estás?
Estamos en el proceso de finalización del montaje, estamos casi cerrando la película. La idea es terminar la película en los próximos dos o tres meses y estrenar en festivales. La hemos hecho con toda la ilusión de que sea un película de publico peruano, es una película para estrenar en el Perú, hacer una promoción, hacer una buena exhibición aquí, vamos a poner toda la prioridad en eso. La película es para todos los peruanos, para estrenar en salas, esperemos que se pueda hacer un estreno digno.

Porque los problemas que está teniendo el cine peruano son graves en el terreno de la exhibición. Cómo puede ser que películas como “Octubre” por ejemplo, una gran película, o “Las malas intenciones”, hayan tenido tan poco espacio en las salas y las quiten muy rápido. Incluso creo que esta última ha generado gran malestar a los productores y a la directora.

Yo pienso que existe ahí un vacio de apoyo al cine peruano, porque las películas se tienen que hacer y se tienen que ver, porque si existe un apoyo desde la producción, a través de concursos públicos, de nada sirve si luego los exhibidores no permiten que estén en las salas, ahí hay que hacer un cambio importante.

¿Tú crees que los distribuidores no permiten que se vean las películas peruanas? ¿O es que el público se distanció?
Yo creo que todo es complejo, hay películas que pueden ser de más público y hay películas que pueden ser de menos público. Cuando estrenas nunca sabes muy bien lo que va a pasar. Pero lo que si tengo muy claro es que en la situación de mercado actual aunque a tu película esté yendo gente, te la sacan de las salas.

Además no es un problema de Perú, es un problema de América Latina. En América Latina no vemos cine latinoamericano, pero no porque no tenga publico sino porque existen trabas para la exhibición. En todos los países que protegen de alguna manera su cine existe una legislación que obliga a exhibir el cine de ese país. En España, por ejemplo, por cada tantas películas norteamericanas están obligados a estrenar un porcentaje de españolas, y hay países mas proteccionistas, Francia es más proteccionista con su cine por ejemplo.

Aquí tiene que haber una protección porque sino, aunque esté yendo gente a tu película, la retiran porque están en cola las películas estadounidenses, y así sacan tu película o la ponen en un horario en el que es imposible sostenerla.

Javier Corcuera, en el Bar Queirolo, en un alto del rodaje de su nuevo documental

Hay gente que argumenta que las películas deberían ser tratadas como cualquier producto, como parte de un mecanismo industrial y de esa manera no debería haber ningún nivel de protección, no se ve el cine como un valor cultural.
Pero eso es como decir que la educación debe ser un producto más, que la salud debe ser un producto más, en fin. Además el cine peruano no es un producto más, porque las condiciones de mercado en las que tiene que competir no son favorables, no son iguales que las del cine norteamericano, no tiene el poder que tiene ese cine para competir en igualdad de condiciones. Una cosa es que si no va gente a ver tu película no debe estar en la sala, lógicamente, si la sala esta vacía hay que retirar la película; pero otra cosa es que solamente ponen tu película una o dos semanas, pase lo que pase, que es lo que sucede, porque existe una presión para sacar las películas porque hay cola para poner las películas que no son de producción nacional. Y pedir protección no es nada del otro mundo, porque en otros países eso está completamente regulado.

El Estado invierte con los premios de Conacine para que se puedan hacer las películas, es dinero público de todos los peruanos, para que exista un cine que además está dando resultados. Pienso que en los últimos años se han hecho películas importantísimas para el cine peruano, hay un relevo generacional, ha sucedido lo que no ha sucedido nunca que tengamos una película nominada al Oscar, y creo que se han hecho películas muy buenas.

Invertir ese dinero y luego no protegerlas para que se vean es un dinero mal invertido, es absurdo. Y tampoco se ven en la televisión pública, también hay varias cosas que hacer ahí porque en otros países como en España, la televisión española (TVE) tiene que gastar un dinero para coproducir el cine que se hace en España, aquí debería haber una cosa similar, la televisión pública también debería estar enganchada con las ayudas para el cine peruano, para que tengan los derechos de exhibición, para que se pueda ver el cine peruano en horarios atractivos.

¿Cuáles son tus expectativas frente a la actual gestión del Ministerio de Cultura, respecto al cine?
Yo creo que ese trabajo, en estos últimos años, ha dado muy buenos resultados, porque los resultados son las películas y nadie puede negar que las películas están ahí y son buenas, hay que continuar trabajando eso y hay que corregir todo lo que hemos estado comentando antes, sobre todo en el tema de exhibición y también seguir aumentando las posibilidades de financiar mas películas, no solamente en el cine de ficción y documental, también hay que apoyar la animación, las óperas primas. Pero me parece que el problema fundamental es la exhibición.
También debería haber en Perú el equivalente de lo que hay en Argentina, es decir salas de cine peruanas gestionadas por el ministerio, así por lo menos tendríamos la garantía que en esas salas, estén las películas peruanas hasta que no vaya un solo espectador.

Para terminar, ¿puedes mencionar algunos documentales peruanos que todos deberíamos ver?
Estos son algunos documentales cortos y largos peruanos que me gustan:

• Metal y melancolía, de Heddy Honigmann
• Radio Belén, de Gianfranco Anichinni
• Encuentro de hombrecitos, de Alejandro Legaspi
• Solo un cargador, de Juan Alejandro Ramírez
• Choropampa, de Ernesto Cabellos
• Es Amador, de César Calvo, Miki Gonzáles, Roberto Bonilla

Conversamos con Javier Corcuera el 9 de noviembre, en la RCP

Entrevista: Luis Ramos
Edición y fotografía: Laslo Rojas

El Festival de Huelva, que este año va del 19 al 26 de noviembre, presentará 115 títulos provenientes de 20 países. Los representantes peruanos serán: Islandia, de Ina Mayushin; ¡Una carrerita, doctor!, de Julio Ramos; Operación Victoria: la caída de Sendero Luminoso, de Judith Vélez; y Caídos del cielo, de Francisco Lombardi.

El proyecto Islandia, de la pucallpina Ina Mayushin participará en el Foro de Coproducción, que propicia “el negocio en coproducción de proyectos cinematográficos de habla hispana o portuguesa”. El proyecto de Ina fue uno de los 12 seleccionados de un total de 153 postulantes. Este proyecto ya ganó algunos premios en Bolivia Lab 2011.

En la Sección Fuera de Concurso, Rábida, se presentará el cortometraje ¡Una carrerita, doctor!, de Julio Ramos, joven realizador peruano radicado en EE.UU. Esta película ganó un premio en el Filmocorto 2011.

En la Sección Fuera de Concurso, Documental, se presentará Operación Victoria: la caída de Sendero Luminoso, filme dirigido por Judith Vélez, que fue presentado en el último Festival de Lima.

Por último, en la Sección Premio Ciudad de Huelva: A la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, se ha incluido al filme Caídos del cielo (1990), de Francisco Lombardi. Esta sección incluye películas a las “que el Festival rinda especial atención y le concede su galardón Ciudad de Huelva”.

Sigan también el festival en twitter: @Festicinehuelva y Facebook: facebook.com/festicinehuelva.

Extra: Recordemos que el 2009, Paraíso ganó el premio a Mejor Guión en Huelva.