El maestro sueco, dueño de una filmografía indispensable para entender el cine a secas, ha fallecido a los 89 años, en su casa de la isla sueca de Faaro, donde vivía alejado desde hace años. No se sabe la razón exacta, sólo tenemos las declaraciones de su hija, Eva Bergman, quien dijo que la muerte del maestro se produjo “tranquila y suavemente”.

Revisemos un poco su biografía. Ernst Ingmar Bergman nació el 14 de julio de 1918 en Uppsala, y estudió letras e historia del arte en la Universidad de Estocolmo, su primer acercamiento a la dirección se dió a través del teatro, poniendo en escena obras de Strindberg y Shakespeare. En 1944 se inició como ayudante de dirección y en 1946 estrenó su primer filme Crisis. Su último filme fue Saraband en 2003. Se casó cinco veces y tuvo nueve hijos (una de ellas con la actriz Liv Ullmann).

A lo largo de su vida dirigió más de 50 películas (tanto para el cine como para la televisión) e influenció a varios directores con su estilo siempre sumergido en cuestiones morales y metafísicas, en una búsqueda constante del sentido de la vida. Nombres importantes de la cinematografía mundial están indisolublemente ligados a él: Liv Ullmann, Max von Sydow, Bibi Andersson, Ingrid Thulin, Erland Josephson, Sven Nykvist, entre otros.

Como muestra de su capital importancia, recordemos que en el 50 aniversario del Festival de Cannes, en 1997, se le otorgó la llamada “Palma de todas las Palmas” como director de cine más grande de todos los tiempos, el premio se acordó tras la decisión de los directores Martin Scorsese, Woody Allen, Robert Altman, Francis Ford Coppola, Akira Kurosawa y Wim Wenders (nada menos). Además recibió el Oscar honorífico en 1971 y tres premios de la academia a mejor película en idioma extranjero.

Algunas películas que marcaron historia (y que hay que ver): Sonrisas de una noche de verano (1955), El séptimo sello (1957), El manantial de la doncella (1960), Persona (1966), Gritos y susurros (1972), Escenas de la vida conyugal (1973), Fanny y Alexander (1982)

El tercer hombre es un clásico. La música de la película, también. El responsable es Anton Karas, quien aparece tocando la cítara en el video a continuación, de manera símilar a como lo descubrió Carol Reed, el director del filme, en una fiesta. ¡Feliz casualidad!
Escuchando las notas de “The Harry Lime Theme”, uno casi puede ver salir de las sombras a Orson Welles, intrigar en el mercado negro de Vienna, burlar a la policía y al buen Joseph Cotten para perderse por las alcantarillas de la vieja ciudad. Imperdible, como para buscar el DVD de El tercer hombre y volver a disfrutarla:

(Vía Extracine)

La primera película nortamericana del maestro Fritz Lang es lo que podremos ver, hoy miércoles 6 a las 4:30 p.m, gracias al Grupo Imágenes, promotores del Cineclub del BCR (Jirón Ucayali 271 - Lima), quienes presentan Furia (Fury, 1936). Con esta cinta comienzan un ciclo dedicado a la etapa hollywoodense de uno de los más grandes directores de todos los tiempos. El ingreso es libre. Al final de cada función se repartirá una separata, y habrá un conversatorio sobre el filme presentado.

Furia (Fury, 1936) | 90 mins. | EE.UU. | B/N
Intérpretes: Spencer Tracy (Joe Wilson), Sylvia Sidney (Katherine Grant), Walter Abel (Adams, fiscal del distrito), Bruce Cabot (Kirby «Bubbles» Dawson), Edward Ellis (sheriff Thaddus Hummel), Walter Brennan («Bugs» Meyers), Frank Albertson (Charlie Wilson), George Walcott (Tom Wilson).

Sinopsis: Joe Wilson (Spencer Tracy) está de paso en una pequeña ciudad y es detenido por un secuestro que no ha cometido y encarcelado con carácter preventivo. La ventana de su celda está orientada hacia la plaza del pueblo, donde se va concentrando cada vez más gente. Al final, la gente se ha convertido en una masa que comienza a gritar y a enloquecer, hasta que se lanza sobre la prisión y la incendia. A través de las rejas de la ventana se ve al desgraciado Wilson luchando contra las llamas, en una celda en la que está encerrado. Pero Wilson logra salvarse sin que nadie lo sepa, y jura vengarse por todo lo que le han hecho sufrir.
V.O. en inglés con subtítulos en castellano.

High Noon
Dir. Fred Zinnemann | 85 min. | EE.UU.

Intérpretes:
Gary Cooper (sheriff Will Kane), Grace Kelly (Amy Fowler Kane),Thomas Mitchell (Alcalde Jonas Henderson), Lloyd Bridges (Harvey Pell), Katy Jurado (Helen Ramírez), Otto Kruger (Percy Mettrick), Lon Chaney Jr. (Martin Howe), Harry Morgan (Sam Fuller), Harry Shannon (Cooper), Lee Van Cleef (Jack Colby), Robert J. Wilke (Jim Pierce), Sheb Wooley (Ben Miller)

Celebrando el centenario de nacimiento de Fred Zinnemann reseñamos, A la hora señalada, un clásico y obra maestra también. Zinnemann demostró que la apuesta de narrar toda una película en tiempo real, aplicada previamente por Alfred Hitchcock en La soga, también se podía hacer en uno de los géneros más arquetípicos, el western. Will Kane (Gary Cooper) un veterano sheriff que, en el día de su matrimonio y en vísperas de jubilarse, se reencontrará en el pueblo con un forajido y su banda que él mismo encarceló y que busca venganza.

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Ma nuit chez Maud
Dir. Eric Rohmer | 105 min. | Francia

Intérpretes:
Jean-Louis Trintignant (Jean-Louis)
Françoise Fabian (Maud)
Marie-Christine Barrault (Françoise)
Antoine Vitez (Vidal)
Léonide Kogan (Violinista)
Guy Léger (Predicador)
Anne Dubot (Amiga)

El francés Eric Rohmer ha hecho de su cine una constante exploración dentro de las relaciones humanas, sus afectos y contradicciones. Austero y sobrio en términos de producción pero más que pródigo en su particular método que otorga a la palabra (y a veces a la ausencia total de ésta) una importancia capital. Esta película significó el notable asentamiento de su obra que es una de las más brillantes, y modestas a la vez, del cine de los últimas décadas. En ella se concentra de manera ejemplar ese estilo desnudo, de apariencia sencilla y cerebral pero muy entrañable. Las probabilidades en el juego del amor son las que se le presentan al protagonista envuelto de la moralidad cristiana. Dudas o constataciones de toda una vida que se pondrán a prueba así, de manera tranquila, con esa buscada apariencia de la vida misma que ha caracterizado la obra del director. El solitario y católico protagonista interpretado por Jean Louis Trintignant pasa una especial navidad que definirá su vida entre aceptar y rechazar las opciones que se le presentan, a la que incluso convocará las teorías de Blaise Pascal como buscando la posibilidad de calcular las consecuencias de cada acto, de cada destino predeterminado aún con todos los factores aleatorios en el camino. Particular método de vida como el de cualquiera de los habitantes de este mundo reflejo casi perfecto que siempre ha buscado este maestro, talento mayor de los que surgieron con la nouvelle vague.

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Rear Window
Dir. Alfred Hitchcock | 112 min | EE.UU.

Intérpretes: James Stewart (L. B. Jefferies), Grace Kelly (Lisa Carol Fremont), Wendell Corey (Det. Thomas J. Doyle), Thelma Ritter (Stella), Raymond Burr (Lars Thorwald), Judith Evelyn (Miss Lonelyheart), Ross Bagdasarian (Songwriter), Georgine Darcy (Miss Torso).

En sus películas mayores Hitchcock resolvió de manera extraordinaria esas exploraciones o experimentos que siempre estuvieron presentes en su forma de concebir el cine o arte, el cual nunca fue reconocido como tal bajo las apariencias dinámicas y bien encajadas de los géneros de entretenimiento. Pero el consumado tejedor de intrigas llegaría a la radicalidad autoral en la década del 50. Esta película es una de las más extraordinarias que haya realizado, en ella confluyen tanto su destreza de narrador como su siempre punzante mirada hacia el individuo dentro del corset (o en este caso yeso) de la sociedad y sus ritos extraños y secretos desarrollados en la soledad. A ese mundo nos acercamos en esta metáfora que nos incluye también como los privilegiados espectadores de esta ventana indiscreta en que se convierte la pantalla. El voyeurismo es la esencia del arte cinematográfico y el malicioso Hitchcock se obsesionó con esa idea como lo hizo con otras costumbres (declaradas o no) de la convivencia en medio de esa no tan discreta burguesía que, con alma de siniestro satirista, revisa de pies a cabeza. James Stewart, en una actuación brillante, interpreta a Jeff este guía presencial que tendremos para recorrer hasta la saciedad cada ventana, cada aparición, cada detalle que podamos extraer de las vidas ajenas. Es la fantasía del mirón hecha realidad pero también pesadilla.

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Chinesisches Roulette
Dirección y guión: Rainer Werner Fassbinder | 86 min. | Alemania - Francia.

Intérpretes:
Margit Carstensen (Ariane), Anna Karina (Irene), Alexander Allerson (Gerhard), Ulli Lommel (Kolbe), Andrea Schober (Angela), Macha Meril (Traunitz), Brigitte Mira (Kast), Volker Spengler (Gabriel), Armin Meier (Gasolinero), Roland Henschke (Mendigo).

Fotografía: Michael Ballhaus.
Montaje: Ila von Hasperg.
Música: Peer Raben.
Producción: Albatros Produktion, Múnich; Les Films du Losange, París.

Misteriosa película en la que una chica discapacitada (Ángela), hija de padres millonarios y de costumbres liberales, los invita a la residencia familiar junto con sus respectivos amantes y un ama de llaves igualmente comprometida con las turbias relaciones establecidas por los personajes. Allí jugarán a la ruleta china: el juego de la verdad. Al estrenarse en Lima este filme fue considerado por varios críticos como una obra hueca, vacía y esteticista. No obstante, curiosamente, hoy es considerada una obra de culto, ya sea por su tema (la crítica a la burguesía) como por su desaforado y extravagante aspecto formal. El filme fue presentado recientemente en la muestra Maniquíes abyectos en la Universidad Católica de Lima. Si en el alma y la cultura alemanas hay algo como la fría búsqueda de la perfección formal con prescindencia de toda emoción humana, un buen ejemplo de ello sería este filme de Rainer Werner Fassbinder. Aquí el distanciamiento, la actuación estilizada, el énfasis en un complejo repertorio de procedimientos audiovisuales –coherente, a su manera– y una serie de misteriosas alusiones se combinan para proporcionarnos un filme cuyo único sentido sería el lúdico.

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Roma, città aperta
Dir. Roberto Rossellini | 98 min. | Italia

Intérpretes:
Aldo Fabrizi (Don Pietro Pellegrini), Anna Magnani (Pina), Marcello Pagliero (Luigi Ferrari, alias Giorgio Manfredi), Vito Annichiarico (Marcello, hijo de Pina), Nando Bruno (Agostino), Harry Feist (Mayor Fritz Bergmann), Giovanna Galletti (Ingrid), Francesco Grandjacquet (Francesco), Eduardo Passarelli (Brigadier metropolitano), Maria Michi (Marina Mari), Carla Rovere (Lauretta, hermana de Pina)

En la Italia desgarrada por la gran guerra comenzó a germinar un estilo de cine casi surgido de la necesidad misma de dar cuenta de ese desastre y con la voluntad de continuar adelante en medio de los escombros y la precariedad de recursos. El cine neorrealista habría de imponerse como resultado mismo de esa destrucción y difícil momento de transición. Roberto Rossellini se convirtió en la cabeza de este movimiento que rápidamente bajo su gran talento y el de otros cineastas notables como De Sica y Visconti transformó ese cine paupérrimo en todo un estilo, una forma de expresión con sus propios códigos que se irían desarrollando rápidamente del melodrama más feroz hasta el despegue absoluto del género. Esta película fue sino el inicio del movimiento propiamente dicho, si la entrada del mismo como tendencia reconocible para todo el público que quedaría impactado (hasta la censura en muchos casos) con su crudeza y urgencia. En este caso se trata de una arriesgada crónica de las postrimerías de la ocupación nazi en la ciudad abierta. En ella se desarrolla este poderoso drama, como documento mismo de esos sucesos aún frescos, en la que sus habitantes se ven removidos de muy distinta forma a la acción o inacción.

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