Reciente ganadora en el FESTIANIMA 2008, Bisso nos presenta Ceda el paso, un corto animado de temática local que refleja a partir de la interacción de cinco personajes los distintos puntos de vista para enfrentar el día a día y lo provechoso que puede resultar un día si es acompañado de buen humor. Con ese mismo buen humor, María Gracia cuenta en esta entrevista sobre su corto, que ha ganado además el Filmocorto de la PUCP, el proceso de trabajo, el desarrollo de la animación en el Perú y la importancia de la teoría dentro del proceso animado.

Has hecho tu corto como proyecto final de un curso. ¿Cómo llegas a Inglaterra a estudiar animación y en qué se basaron estos estudios?
Yo apliqué a varias universidades, entre ellas, algunas en Europa y otras en Estados Unidos. Al final, por cuestiones como duración de la carrera, cursos, países, etc., me decidí por la Universidad West of England porque tenía una currícula que no sólo se basaba en aprender una técnica de animación sino explorar todas, además de conocer la historia y toda la teoría. Aparte, la currícula estaba dividida en semestres que se ordenaban en función a la creación de un cortometraje, y tenía cursos orientados a cine y narrativa, y creo que ese fue uno de los atractivos más fuertes para mí, ya que yo siempre quise estudiar cine.

Tu corto está hecho en MAYA, explícanos qué diferencias tiene ese software con el 3D MAX, que es el software de mayor empleo aquí en Perú.
Hay muchas discusiones acerca de las diferencias entre estos dos programas, pero ahora que Autodesk es dueño de los dos softwares, ha aplicado al 3D MAX cosas que antes eran exclusivas de Maya. Para mí, el 3D MAX es mucho más didáctico, si es que se quiere aprender 3D es mucho más fácil empezar con este programa. Maya, en cambio, es un software mucho más “industrial”, y es el que usan generalmente las grandes empresas de producción de películas porque es muy amplio y “customizable”, por decirlo así.

Parece hecho en 2D, casi una caricatura. ¿Por qué decidirte por ese tipo de realización?
Mi objetivo en el cortometraje era mezclar las técnicas del 2D y 3D. Primero, está el toon shader, que es el material que les da a los modelos ese look 2D y después están los objetos creados en Flash como las flechas, los globos de diálogo, las malas palabras, etc. Y esto sirvió para lograr esa mezcla de lo tradicional y lo moderno. Además, yo quería plasmar en el corto los colores de Lima en un día de verano (sino todos hubieran sido plomos), y en mi arte conceptual tenía dibujos con mezclas de naranjas, rojos y amarillos, entonces decidí que quería conservar estos tonos para reforzar la personalidad alegre del protagonista y para separar las escenas y el humor de este personaje, ya que cuando comienza el día los colores son amarillos claros y cuando se encuentra en medio de todos esos insultos el paisaje es rojo, para simbolizar su estrés e impotencia. Finalmente se recobra el color amarillo, ya que el personaje decide no hacer caso a los antagonistas de la historia.

El corto se basa en una historia cotidiana, de un personaje en las calles de una ciudad. Digamos “de una factura simple” ¿Cuánto tiempo lleva la realización de un trabajo así?
Tiene mucho que ver el tipo de historia que vas a hacer con el tiempo de realización, sin embargo el hecho que sea una historia cotidiana no implica que el tiempo vaya a ser corto. Al contrario, cuando se hace una animación en 3D hay que tener en cuenta cuántos personajes vas a necesitar, cuántos escenarios, qué texturas, qué modelos, etc. En el caso de mi corto, tengo cinco personajes, lo cual es mucho ya que cada uno de ellos tienen que pasar por las etapas de modelado, rigging, skinning, blend shapes y texturizado. Además, tuve que modelar cuatro vehículos, además de casas, árboles, semáforos, etc. Se tuvieron que hacer muchas pruebas para que el toon shader trabaje bien y los contornos no fallen. Finalmente, en lo que sí ahorré tiempo fue en el render, ya que esos materiales no son tan pesados, y por lo tanto no consumen tanto tiempo para renderear.

Es además una historia muy localista, qué percepción tuvo cuando lo mostraste fuera del Perú.
La primera vez que le conté a mi tutor la idea sobre un carretillero que recoge desperdicios para reciclarlos, él no lo podía creer. Allá les pareció muy rara ésta profesión y fue por eso que el personaje tuvo tanto atractivo. De repente, no se identifican tanto con una persona así porque nunca la han visto, pero me aseguré de mostrarles videos de carretilleros, específicamente les interesó el de uno motorizado que les sorprendió mucho ya que pudieron apreciar a lo que me refería con “viveza” peruana. Finalmente, creo que este corto tiene mucho más impacto en Perú por el hecho de que aquí comprendemos totalmente cómo es una persona así y a muchas más que tienen una profesión que surgió de la informalidad pero es igual de respetable que otras.

¿Dónde más has mostrado el corto? ¿Ha tenido otras participaciones, irá a otros festivales?
Lo he mostrado en España, Inglaterra y Chile. Próximamente va a tener apariciones en Italia y Argentina.

Hemos conversado que hay una tendencia a nutrirse sólo de técnica en lo que animación se refiere acá en el Perú. ¿Qué tan importante es para ti la teoría y el contexto?
Es muy importante, ya que viendo referencias es que uno se inspira, y a partir de estudiar el contexto uno puede aportar una idea original y de repente algo que no se ha hecho nunca. Además, hay una teoría “escondida” detrás de la animación, que por haber sido por muchos años una carrera no tomada en serio, está actualmente, por lo menos en el Perú, dejada atrás. Para mí es muy importante saber sobre la historia de la animación y su teoría, y es una pena que en Lima no se pueda encontrar suficiente material sobre ella, por ejemplo en las librerías donde es muy raro si te encuentras con un libro de este tema.

Enseñas en una nueva escuela de animación ¿cómo ves el interés por la animación en lo poco que llevas enseñando, que posibilidades de crecer como animadores acá?
Definitivamente hay mucho potencial pero creo que se debe poner más empeño en especializar a estos estudiantes en vez de darles un panorama general del software. Más que eso, sería importante y un gran suceso en Perú, ya que no hay ninguna institución dispuesta a esto todavía, añadir a la currícula cursos que incluyan historia y principios de animación.

Has visto los filmes animados peruanos ¿cuál ha sido para ti el más logrado?
Me gusta el trabajo de Percy Kiyabu (Alter Oz) y Jossie Malis (Bendito Machine). Es muy interesante cómo en técnicas animadas distintas los principios son los mismos, y en ambos cortometrajes se hace un buen uso de estos. Además los guiones son geniales.

Conoce más de la realización del corto en su blog.

Foto: Mary Panta

Actualmente Evelyne estudia cine en la Universidad de la Sorbona. El cortometraje El vestido es su primer trabajo profesional, se realizó en Lima en agosto del 2007, en locaciones de Lurín, Pachacamac, Centro de Lima y Comas.

Luego de ver el corto, pueden leer una entrevista con la directora.

El vestido (2007) – duración: 17 minutos
Directora y productora: Evelyne Pégot-Ogier
Directora de producción: Fiorella Casanova
Edición: Circe Lora y Sergio Barrio
Director de fotografía: Rubén Carpio
Directo de sonido: Omar Pareja
Directora de arte: Brisa García
Actores: Juan Vilca (Yuyachkani) y Fiorella Cabanillas.

¿De dónde nace “El vestido”? ¿Qué inquietud te lleva a contar esta historia?
Yo quería hacer un corto sobre un niño de la calle, y como es un mundo que no conozco y quería evitar estereotipos, traté de investigar al máximo sobre el tema. Y caí en una charla de una antropóloga canadiense sobre la circulación infantil en el Perú, y el tema me pareció tan interesante que decidí cambiar de historia.

¿En qué consistió el trabajo de investigación que realizaste previo a la realización del corto?
Traté de juntarme con antropólogos, sociólogos y trabajadores sociales, gente que trabajaba con niños, que conocía ese mundo mejor que yo. Leí un par de libros también, pero era básicamente conversar con la gente, que me cuenten anécdotas y experiencias. Una vez que el tema de la circulación infantil se impuso, sólo me junté con la antropóloga de la charla, Jessica Leinaweaver, para que me explique mejor el tema.

Se nota un cuidado especial en la fotografía. ¿Cómo trabajaste esto con Rubén Carpio, el director de foto?
Trabajar con Rubén fue fácil porque además de ser super buena onda, es muy intuitivo, y entiende las cosas sin necesidad de mucha explicación. Yo no lo conocía, pero desde la primera reunión sentí que estábamos en la misma “onda estética”, o sea que no hubo que trabajar mucho, porque él ya sabía a grosso modo lo que yo quería.

Escogí cubrir las escenas en uno o dos planos máximo, y sin cortes. Quería trabajar con luz natural, cámara fija y con especial cuidado en la composición de los encuadres. Hicimos un plan visual de referencia, pero una vez que empezamos a filmar lo cambiamos un poco, sobre todo en la parte del centro de Lima, porque no contábamos con la gente que se paraba a mirar a la cámara. Rubén logró unos encuadres hermosos, me parece que es muy talentoso.

Sobre el proceso de casting, ¿te costó encontrar a Fiorella Cabanillas, la niña? ¿Cómo llegaste a ella? ¿Y cómo fue el trabajo con los actores en general?
A Fiorella la encontramos el último día de casting. Yo estaba un poco preocupada porque las niñas que habíamos visto, o eran muy desenvueltas pero físicamente muy desarrolladas, o correspondían físicamente pero eran muy tímidas. Y llegó Fiorella, que nunca en su vida había actuado pero era justo lo que buscábamos, y desde que entró supimos que ella era.

La conocimos gracias a su abuela, que hizo el casting para el rol de la comadre, y cuando se enteró que buscamos una niña de 7 años, le pasó la voz. Fiorella es muy desenvuelta y llena de energía, y trabajar con ella fue fácil.

Juan Vilca sí es un actor profesional, trabaja con Yuyachkani.

Yo escribí un guión en el que había un mínimo de diálogos, porque a mí lo que me interesa en el trabajo del actor es el cuerpo, la cara, más que los textos. Así que mi trabajo con los actores consistió en establecer un cercanía entre Fiorella y Juan, una relación padre e hija, que entiendan bien la historia y lo que pasaba por la cabeza de los personajes y cuál era el tono emocional de las escenas. Una vez que eso estuvo claro, las indicaciones fueron muy básicas, les marcaba más bien el movimiento en el espacio y no la intención, porque yo sentía que el personaje ya los habitaba de alguna manera, así que podían improvisar, o dejarse llevar tranquilamente.

¿Cuánto tiempo te tomó hacer el corto, desde la escritura de guión, filmación, y edición? ¿Fue hecho todo en Lima?
En total fueron 4 meses en Lima y una semanita en París. Llegué a Lima con la idea de hacer un corto, pero ni siquiera tenía el guión, sólo un par de ideas vagas sobre las historias que quería contar. Investigué, escribí el guión, producimos, filmamos y editamos en 4 meses, justo a tiempo para regresar a París y empezar clases de nuevo (estudio cine en La Sorbona). Cuando regresé, sólo faltaba trabajar la banda sonora y para eso vino a mi casa Omar Pareja, que estaba en Roma haciendo un curso de sonido directo, y lo trabajó todo acá en menos de una semana.

¿Es tu primer trabajo? Que experiencias previas has tenido?
Es mi primer trabajo como directora fuera de la universidad. Las cosas que hice mientras estaba en la Universidad de Lima, cuando estudiaba Comunicaciones, no las he vuelto a ver, ni enseñado a nadie, ni guardado de recuerdo. En Francia trabajo como asistenta de dirección y producción desde hace un tiempo, y antes de eso estuve estudiando teatro unos años, pero no fue hasta el 2007 que me sentí lista para lanzarme a la dirección, y viajé a Lima para hacer este corto. Pero además, yo siento que las experiencias más importantes las tuve viendo trabajar a mi papá, que era director de comerciales y me llevaba a sus reuniones, filmaciones y ediciones desde chica, antes de conocer todo el aspecto técnico. Nada más viéndolo trabajar aprendí muchísimo sobre lo que es contar una historia con imágenes y “dirigir”, pero de una manera más empírica e instintiva que técnica, lo cual vino después, en la universidad, cuando yo ya tenía una base sólida adentro.

¿Tuviste algún referente al momento de crear esta historia?
Mis películas de referencia eran Nobody Knows de Koreeda Hirokazu y El globo blanco de Jafar Panahi. Aunque no creo que el corto tenga mucho que ver con esas películas, después de todo.

¿Crees que el tema que tocaste puede ser determinante para que te elijan en algunos festivales, en particular, los europeos?
Francamente, no lo sé.

¿Cómo financiaste la realización de “El vestido”?
La mayor parte del dinero lo puse yo. También hicimos una fiesta pro-fondos, con lo que sacamos un poco más, y obviamente, la gente que trabajó en este proyecto, o cobró algo simbólico, o no cobró nada, o sea que sin esa gran ayuda no hubiera podido hacer el corto.

Luego de haber participado en SFC de Cannes, ¿piensas presentar tu corto a otros festivales, cuáles tienes en la mira?
Supongo que lo mandaré al Festival de Clermont Ferrand. Uno de mis profesores del semestre pasado es programador del Festival de Cannes, y cuando le conté que había mandado mi corto al SFC, me dijo que más valía la pena mandarlo a Clermont, donde hay una versión más pequeña y seria del SFC. Aparte de ese festival, no tengo ninguno en la mira.

¿Qué viene ahora, tienes alguna idea para un segundo cortometraje?
Estoy trabajando en un guión de largometraje, pero entre las clases y el trabajo no me queda mucho tiempo para dedicarme a eso, o sea que avanzo lentamente.

Valeria Ruiz estudió Comunicaciones en la Universidad de Lima, donde comenzó a experimentar con los cortometrajes. Su primer corto El ascensor, logró varios premios en 1998 y 1999. Luego se internó en un proyecto de las Naciones Unidas que le permitió viajar por Tailandia, Nepal, España, Brasil, USA, Tanzania y Líbano.

Al llegar a Londres, obtiene una beca para estudiar un Máster en dirección de cine en el National Film and TV School y es allí donde sigue cosechando premios a partir de sus trabajos cortos como Unseen (Sin ser visto, 2004), Shadow (Sombra, 2006), The End (El final, 2005) y A moment (Un momento, 2007), con el que logra varios premios importantes a nivel internacional como el Brooklyn Film Festival 2007 y seleccionado en el LA Short Film Festival 2007 y el Sao Paolo Int. Film Festival.

Reciente ganadora del FilmoCorto con su última obra El rey de Londres, Valeria ahora se encuentra en Nueva York desarrollando su primer proyecto de largometraje; el que ha sido seleccionado para participar en el laboratorio de guiones Binger Lab en Amsterdam que arranca en setiembre.

El rey de Londres aún sigue su itinerario de festivales, por lo que no podemos verlo en toda su extensión on line -cosa de los festivales-; pero Valeria comparte con nosotros la escena inicial. Los que quieran ver este corto completo, tienen la oportunidad mañana viernes 29 a las 7:30 pm en el CAFAE-SE durante nuestra charla de cine: mirando cine latinoamericano.

¿Cómo nace la idea de El rey de Londres?
El primer año y medio que estuve en Inglaterra estudié inglés y trabajé de mesera en un restaurante de Sushi. Allí conocí a Tony, el repartidor de delivery del restaurante. Un inmigrante búlgaro que estaba viviendo en Londres desde hace 4 años mandando dinero a su familia. Tony trabajaba en el restaurante de 10 am hasta la medianoche, los siete días de la semana. Su situación me conmovió mucho pues en conversaciones me contó que no había visto a su esposa e hija por 4 años y que su contacto con ellas era por teléfono. Tony estaba cansado de esa vida en Londres pero no veía salida pues si regresaba a Bulgaria se enfrentaba a no tener trabajo allá (esa fue la razón por la que fue a Londres) y su familia dependía de él.

Después de ese año y medio en Londres tuve la oportunidad de obtener una beca para estudiar un máster de dirección de Cine en el National Film and Television School. El Rey de Londres fue mi cortometraje de graduación y decidí escribir sobre Tony.

En el corto tocas un tema al que también tuviste que enfrentarte, la adaptación a una realidad distinta ¿qué tan difícil fue para ti ese proceso de adaptación? ¿ese quiebre en la relación familiar es muy fuerte?
Sí, fue un proceso difícil. Aprendí mucho. Cuando me fui me sonaba muy romántico trabajar de mesera y estudiar inglés. Cuando llegué a Londres tenía 350 libras y mi idea era quedarme por seis meses. La ciudad era carísima y me paralicé. Tenía miedo cada mañana, pero poco a poco fui aprendiendo a moverme, aprendiendo el idioma, aprendiendo a buscar trabajo, aprendiendo a servir en el restaurante. Fue una experiencia que me hizo crecer. Fue la primera vez que estuve lejos de mi familia por largo tiempo. Finalmente me quedé en Londres por 4 años y visité a mi familia a los dos años de estar fuera.

Trabajé con Tony por año y medio en el restaurante y el haberlo conocido de cerca me ayudó a tener perspectiva de mi situación. Aunque en mi adaptación yo podría haber estado pasando por momentos difíciles, mi situación como inmigrante era muy diferente a la de Tony. Yo estaba en Londres por un sueño, aprender inglés y tal vez conseguir una beca para estudiar un máster en cine, la situación de Tony era de sobrevivencia económica, él no tenía opción y se había convertido en una máquina de hacer dinero lejos de los que quería.

¿Porqué elegir la historia de un inmigrante del oriente europeo y no un personaje latino que tiene mayor semejanza con tu entorno, una realidad que conoces más de cerca?
Aunque el personaje que yo conocí era de Bulgaria, cuando hicimos el casting buscamos entre actores latinoamericanos como primera opción, pues consideré que es una realidad que conozco más y dirigir en mi propia lengua sería mucho mejor. Buscamos mucho pero no pudimos encontrar a un actor latino que encajara en el papel así que abrimos las posibilidades… y por ironía del destino finalmente un muy buen actor búlgaro llegó al casting y terminó siendo nuestro Tony.

El peso del corto cae de lleno en el personaje principal, además de sostener la historia tiene que trabajar mucho con los silencios y el llanto ¿cómo trabajaste este aspecto con el actor? ¿das concesiones o te pegas mucho a un guión?
Georg Nikoloff es un excelente actor y es también un inmigrante búlgaro que está luchando para conseguir un espacio como actor en Londres. El tenía muchas cosas en común con Tony. El proceso fue muy enriquecedor. Ensayamos y conversamos mucho sobre el personaje. Generalmente en los ensayos uso el guión como base pero estoy abierta a modificar o incluir cosas que descubrimos en el camino con los actores.

En el Festival de Lima se ha presentado Luces al atardecer de Kaurismaki, asocio mucho el personaje del cineasta finlandés con el tuyo, además del estilo visual, de la puesta en escena.
Lamentablemente no he visto nada de Aki Kaurismaki, sé que es un muy buen director y sus películas están en mi lista de películas por ver. Con respecto a influencias no tengo una noción consciente de cuales son. Estoy segura que las tengo. Me gustan muchos directores y muchos tipos de películas, desde las películas animadas de Pixar, las películas de Lars Von Trier, las películas de los hermanos Dardenne, Almodóvar y tantas otras…

¿Cuánto ha costado tu corto, cómo has logrado sacarlo adelante? ¿Postulaste a financiamientos, es un trabajo final de algún curso?
El corto costó 18,000 libras (aprox. $32,000) y estoy muy agradecida pues fue financiado por el NFTS (National Film and TV School) como corto de graduación. El NFTS financia todos los proyectos que se realizan durante el Master.

¿Cuál es el camino que sigue tu corto una vez realizado, tiene una vida por festivales, salas de cine, televisión?
Estoy mandando el corto a festivales y estoy viendo la posibilidad de distribución. En este momento estoy en conversaciones con una empresa que se llama Network Ireland Television.

Me comentabas que tu corto va a ser distribuido, ¿hay interés por la distribución de cortometrajes? ¿cómo ves ese mercado desde Inglaterra?
Recién estoy descubriendo ese mundo, mandé mis cortos a Network Ireland TV y a otra empresa distribuidora que se llama Shorts International. No tengo mayor conocimiento de cómo funciona todo eso todavía pero sé que hay cortos que están siendo distribuidos.

Yo he dejado de vivir en Inglaterra desde hace dos años. Ahora estoy viviendo en Nueva York y yendo al Perú constantemente por mi familia, por mi proyecto de largo y un proyecto personal.

¿Cuáles son las diferencias entre los cortometrajes realizados en Europa y los realizados en América? ¿El proceso de realización, las historias, la cantidad de dinero invertido?
Puedo hablarte desde mi experiencia, cuando hice proyectos en Lima los costos fueron mucho menores. En cuanto al proceso de realización, es similar en los dos lugares. En cuanto a las historias, bueno, yo creo que las historias para que funcionen deben salir del corazón, sea en América o en Europa. Hacer cortometrajes es hacer cine independiente y eso requiere gran compromiso y pasión en cualquier lugar.

Te hemos tenido por Perú durante el Festival Filmocorto de la PUCP, cual es tu percepción de los cortos presentados en ese evento?
La muestra fue muy variada. Se presentaron cortos muy interesantes y me siento muy agradecida por el premio que recibí.

¿Qué proyectos tienes a futuro, en que estás trabajando ahora?
Estoy desarrollando mi primer proyecto de largo y un proyecto personal de documental. El proyecto de largo es una historia que sucede en Perú. Este proyecto ha sido seleccionado en un laboratorio de guiones en Amsterdam llamado Binger Lab que empieza este Setiembre.

El rey de Londres – King of London
Formato: 16mm.
Duración: 18 min. 30 seg
Año: 2006
Productor: Tamsin Lyons
Dirección: Valeria Ruiz Salas
Guión: Valeria Ruiz y Kate Hardie
Fotografía: Bjorn Bratberg
Edición:Erika Gonzáles
Sonido: Christopher Willson
Música: Edwin Skyes
Intérpretes: Georg Nikoloff, Simona Brhlikova, Garra Bozukova, Ben Shockley, Yana Bozukova, Serge Soric

Sinopsis:
Tony es un inmigrante búlgaro que vive en Londres y que se ve enfrentado a sus limitaciones y sueños

Premios:
Filmocorto 2008, Premio al mejor cortometraje.
Filmocorto 2008, Premio al mejor cortometraje de ficción

Festivales:
Seleccionado por el British Council, Bachil Film Festival 2006, Austin Film Festival 2006, Syracuse Film Festival 2007, Immigrant’s Voices Film Festival 2007, Unlimmited Film Festival 2007.

Fotos del rodaje

Reciente adicta a las películas de Takashi Miike, Alejandra nos cuenta que quiere concentrarse en la comunicación organizacional y que los cortometrajes son ahora un hobbie que no quiere dejar de lado.

¿Cómo nació la idea de tratar un tema espinoso como éste en un cortometraje?
La idea de este cortometraje nació hace dos años después de un curso de cinematografía, en el que ya conocía el lenguaje audiovisual. Sin embargo, por la falta de tiempo y por requerir de personajes que se involucren del todo en la historia del corto no se llevó a cabo. Hasta que se dio la oportunidad en el curso de Lenguaje de Medios.

La idea de plasmar el tema del incesto y el abuso sexual nace de la realidad, de ver a diario como este problema acapara los titulares de las noticias, y del que se habla tan normal, porque se ha convertido en un tema de todos los días; sin embargo, es considerado un tabú en nuestra sociedad.

¿Cuál crees en este sentido qué es la tarea del realizador?
Mostrar la realidad, ser capaz de generar en los espectadores diversas sensaciones, que permitan concientizar a las personas la naturaleza y gravedad del problema que acarrea nuestra sociedad.

Con respecto a la difusión, ¿crees que tu obra puede incentivar al debate, impulsar a hablar sobre el tema?
Claro, por ser un tema tan polémico, pues refleja la situación actual de muchas familias de nuestro país y del mundo, en los que los padres, hermanos, tíos, abuelos abusan sexualmente de personas de su mismo parentesco, creando en ellas trastornos psicológicos que repercuten en su vida diaria, en las relaciones con las demás personas y en un futuro.

¿Cuál ha sido la principal dificultad que tuviste al comenzar el proyecto y cuál durante la realización?
Al iniciar el proyecto no se presentó ningún inconveniente, pues éramos un grupo grande y unido, y a la vez estábamos muy motivadas con el cortometraje, tanto así que todas nos involucramos desde el comienzo con el proyecto. Sin embargo, como en todo trabajo de producción se presentaron algunas dificultades como la falta de tiempo, la disponibilidad de los actores no coincidía con las horas de grabación y para la mayoría del grupo era la primera vez que se manejaba una cámara, por lo que cuando hacíamos cámara en mano el pulso nos fallaba y teníamos que repetir las tomas.

¿Cómo ha sido trabajar con un equipo de sólo mujeres?
Para mí no ha sido ningún inconveniente, al contrario me he sentido a gusto trabajando con ellas, porque somos un grupo muy unido y entusiasta con los trabajos que realizamos. Hay mucha confianza entre nosotras, lo que ha permitido que cada una aporte ideas en la elaboración del guión, en las grabaciones, en la edición, y sobre todo un aspecto importante es que en un momento dado cada una ha desempeñado un rol diferente a su función. Por ejemplo, en mi caso y en el caso de todas hemos sido guionistas, directoras, camarógrafas, sonidistas, etc.

¿Qué pesa más en la realización de tus trabajos: la historia o la técnica? En todo caso, ¿qué buscabas tú con la realización de este trabajo?
Yo creo que es indispensable que haya una armonía entre ambas, pues ocurre que tienes una buena historia, pero el lenguaje cinematográfico con el que lo narras no es bueno; o también se da, que tienes una historia muy simple, pero la técnica es diferente y creativa.

Lo que se buscaba con el cortometraje era transmitir diferentes sensaciones en el espectador, lo que se ha conseguido, hasta ahora, de manera satisfactoria, puesto que en algunas exposiciones de cortos donde hemos presentado nuestro trabajo, el público ha quedado atónito con la realidad que se le mostraba. Y en parte eso nos alienta, porque así las personas toman conciencia de este problema que afecta a nuestra sociedad.

¿En qué te has inspirado para la realización de este trabajo?
La influencia cinematográfica recibida para la realización de este cortometraje es básicamente el cine independiente, experimental, europeo y asiático. Soy aficionada al cine que te hace pensar e imaginar.

Me gusta tratar temas controversiales, pero utilizando un lenguaje audiovisual diferente. Por ejemplo, en este cortometraje abordamos un tema tan discutido en la sociedad. Sin embargo, lo que queríamos a la vez es que el espectador, mediante los diferentes signos y tomas que se muestra, descubra la problemática del corto.

Tu corto ha ganado el Festival Cortos de Vista, ¿piensas presentarlo a otros festivales?
Sí, estamos pensando presentarlo a otros festivales, pues nos sentimos entusiasmadas e incentivadas con los logros obtenidos tanto en el Festival Cortos de Vista volumen II, como en el concurso interno de cortometrajes realizados por la Escuela de Comunicación de mi universidad.

¿Qué piensas de la oportunidad de tener estos Festivales?
Me parece fantástico que se lleve a cabo este tipo de festivales, porque permite incentivar a los universitarios a crear nuevos trabajos audiovisuales, a que expresen libremente sus ideas y su creatividad, y sobre todo, porque estos eventos permiten la difusión de nuestros cortometrajes fuera de la ciudad y del país, lo que significa un logro e incentivo a todos los jóvenes involucrados en el proyecto.

¿Estás trabajando alguna otra historia? ¿Nos puedes contar un poco de tu nuevo proyecto?
En vacaciones, con un amigo de la carrera pensamos realizar un cortometraje, en el que ya tenemos la historia, sólo nos faltaría el guión técnico y empezar a grabar. El tema es controversial, pero el objetivo principal de realizar este nuevo cortometraje es aprender y experimentar nuevas técnicas audiovisuales.

¿Cómo te ves dentro de unos años?
Creando ideas, técnicas y estrategias para facilitar el flujo de la comunicación dentro de una organización. También, si se puede, produciendo cortometrajes como un hobbie para expresar ideas y experimentar nuevas técnicas de lenguaje cinematográfico.

¿Cómo partes para hacer, en tu primer corto, un documental?
Todo parte del curso de Producción y Realización Audiovisual II, Manuel Eyzaguirre, mi profesor del curso, nos planteó la idea pues ya habíamos realizado antes cortometrajes de corte libre y yo, también había realizado antes un videoclip.
La idea nació de un concepto básico, abstracto, un tanto intangible y complejo como es el concepto de felicidad. Así que nos fue muy difícil hallar el ritmo y giro del documental, pero tras varias reuniones de grupo con mi equipo decidimos hacerlo con un estilo testimonial y muy nuestro.

¿Cuál fue la finalidad de tratar el tema de la felicidad?
La finalidad fue enfocar al tema de felicidad desde las diferentes etapas de la vida. Para esto planteamos la pregunta ¿Cuándo eres feliz? es entonces cuando nos sorprendieron los diversos testimonios de nuestros participantes, quiénes respondieron espontáneamente, relacionando sus respuestas con la manera en que cada uno veía la vida y era feliz.

¿Es un tema difícil – la felicidad – sobre todo de plantear en imágenes, cuál fue tu planteamiento en ese sentido, el tratamiento audiovisual que le ibas a dar?
Sí , fue muy dificil, en un inicio no sabíamos como comenzar. Pero junto a Erika Tapia Wan, una de mis compañeras, decidimos combinar las imágenes testimoniales; la mayoría planos frontales en cámara estática, con planos hechos cámara en mano de gente feliz. Desde bebés hasta ancianos compartiendo momentos que los hacían sentir verdaderamente felices. Estas dos estructuras, al editar fueron construyendo el documental, junto al guión que se redactó con todo el equipo.

¿Qué dificultades hallaste en el proceso, en lo que respecta a personajes y en las dificultades de realización?
Con respecto a los personajes, que en mi ciudad, la gente aún es muy conservadora en lo que respecta a exteriorizar sus sentimientos, así que tuvimos que pasar horas de horas hasta que la gente por fin se animaba.
De la realización, algunos problemas técnicos, pues el compañero que era parte del equipo de producción y que manejaba aspectos técnicos se marchó; así que el audio en algunas partes nos falló y no tuvimos tiempo de arreglarlo por diversos factores. Pero creo que esas cosas pasan hasta en las mejores producciones.

¿Cómo escoger los personajes adecuados, las respuestas importantes?
Escoger las mejores repuestas fue tarea difícil también pero eran saltantes los testimonios escogidos por su calidez, su emoción, incluso algunos pueden hacerte llorar.

Los documentales suelen ser no sólo proyectos de trabajo sino también proyectos personales en busca de algo. ¿Qué significó para ti hacer el documental, qué cosas aprendiste?
Sí bueno, te cuento que dentro de los testimonios aparece uno de mi abuela, quién un mes después, falleció de manera muy sorpresiva. El documental me ayudó a darme cuenta que cada ser humano es una historia distinta, cada persona tiene una manera muy única de ser feliz y de hacer felices a los demás.

Finalmente ¿Cómo hallar la fórmula de la felicidad?
Bueno yo creo que nada está dicho en estas cosas de los sentimientos y las percepciones, sin embargo la única manera de hallar la felicidad, a mi parecer, es buscarla en uno mismo y así poder hacer felices a las personas que quieres.

En la Escuela de Comunicación, animado por un amigo para participar en un concurso de cortos que organizaba su facultad, realizó Ying Yang que ganó 2 premios en dicho certamen. Desde ese momento se ha interesado tanto en la realización de historias cortas que ha formado una productora con un par de amigos cortometrajistas que le permitirá lograr financiamiento para sus nuevos proyectos. En nuestro viaje a Chiclayo le hicimos esta entrevista que nos permite conocerlo un poco más.

¿Cómo nace la idea del proyecto?
Todo fue muy rápido en realidad. Recuerdo perfectamente esto porque, además de que fue mi primer corto, fue un trabajo que me permitió hacer otros más, en el sentido de que con él me adentré más a lo que es el cine, su realización y me embriagué totalmente.

Estudio en la Universidad Católica Santo Toribio de Mogrovejo (USAT) y por un trabajo de investigación tuve la oportunidad de estar en todas las fases del producción de un video; era la primera vez, pero sólo como un observador, así es que vi más de cerca como se hacía eso. Manejé la cámara y ayudé algo en la edición.

Un amigo, Diego Posada, protagonista de mi corto, se interesó mucho en lo que hice y me pasó la voz del Concurso Interno de Cortometrajes que organizaba la Escuela de Comunicación por su aniversario, me animó a hacer algo. Aunque no estaba muy seguro de querer hacer algo, su entusiasmo me contagió y fuimos a ver de qué se trataba el concurso.

No sabía absolutamente nada de lo que era producir un cortometraje, el trabajo anterior sólo había sido poner la cámara y grabar unas cuantas situaciones graciosas. Por esto pedimos ayuda a Manuel Eyzaguirre, profesor de la escuela, quien nos dio pautas de lo que tenía que hacer, la creación del guión y lo que tenía que conseguir para comenzar.

Era la primera vez que hacías un corto ¿Cómo fue el proceso de realización, que tiempo tomó hacerlo? ¿Cómo fue la relación de trabajo con tu equipo, la dirección de actores, el tratamiento visual?
El guión estuvo listo en sólo un día, ya que la historia ya estaba hecha. Manuel Eyzaguirre nos ayudó con aspectos del guión técnico debido a que no manejaba para nada el lenguaje audiovisual. Fue de gran ayuda, pero nos dejó gran libertad para dar la forma que deseaba a mi idea.

Uno de los primeros dilemas surgió al ver quién protagonizaría la historia debido a que es muy personal. Diego Posada se ofreció a protagonizar el corto; en ese aspecto, fue muy objetivo con lo que deseaba hacer y aportó mucho para que el guión tuviera la forma con la que se ve en el corto.

En previa reunión con cada uno de los actores, les deje claro lo qué deseaba hacer y cómo debían hacerlo, esto permitió que el trabajo de grabación estuviera bien organizado.

Estaba planificado que la grabación fuera en un día, pretendía acabar con el corto lo más rápido posible ya que la última fecha de entrega era el martes. Los cité el domingo muy temprano y conforme hacían su parte podían retirarse para evitarme problemas con malos ánimos. Fue muy agradable trabajar con ellos ya que era muy especifico en los que le pedía que hicieran. Así, las grabaciones fueron hasta las 5 pm, todo sin interrupciones.

Dentro del equipo yo realicé el trabajo de camara, dirección y producción; mi hermana apoyando con lo que faltaba, utilería y maquillaje; y mis actores.

Comencé a editar ese mismo día y no paré hasta 3 días después. También la edición fue una experiencia nueva. Utilicé mucho los cortes limpios y la cámara fija; también incluí algunos efectos que recién aprendía a usar.

Casi la todo el trabajo de producción y postproducción lo realice a solas, con esporádicas ayudas de gente ya entendida en esto. Fue una experiencia alucinante.

Sobre la historia, ¿cuales fueron tus referencias para crear esta historia? ¿Por qué la elección de una historia oscura?
Todo se basa en una vivencia personal que traté de expulsar de la mejor manera. Desde que salí de la secundaria ya estaba casi perfilado como quería que fuera.

Tras una tragedia familiar, trataba de hacer algo, algo al culpable de todo eso. No se sabia que hacer y cada idea que tenía era peor que la anterior. Todas apuntaban a que yo sería el más perjudicado en todo este asunto. Así nació Ying Yang, las dos caras de uno, las que se esconden pero nos atormentan. Un fantasma personal que que se convirtió en una historia. Nunca la había puesto por escrito, y eso era lo que más me extrañaba, así es que cuando llegó la oportunidad de hacerla por este cortometraje, lo hice.

Diego Posada fue una gran ayuda para todo esto. Él estaba totalmente entusiasmado con la idea de hacer un corto y cuando le conté la idea le gusto muchísimo y de inmediato comenzamos a perfilarla mejor, en algo más visual.

¿Qué referencias cinematográficas conocías -antes de realizar el corto- que te ayudaron o influenciaron en la realización?
Soy aficionado principalmente el cine independiente, las historias intrincadas me atraían, son más parecidas a la realidad humana. Su aparente simpleza en cuanto a la espectacularidad del cine Hollywoodense me atrae más. También algunos cortometrajes que veía por la internet y programas especializados de cine en TV fueron una gran influencia.

A todo le doy un corte intimista y muy personal, en base que también a soy muy aficionado a leer y escribir. Las historias que desarrollo, en primera persona o con muy pocos implicados en ella, es algo que me caracteriza.

También me gusta saber cómo se hace lo que ya uno ve en la pantalla, y aunque entendía muy poco algunos tecnicismos sabía de lo que se hablaba. Es decir, respecto a teoría cinematográfica y lenguaje audiovisual, estaba en cero. Era mi I ciclo en la carrera. Más que todo fue “un instinto” de todo lo que había consumido lo que me ayudo a hacer el trabajo.

¿Cuál ha sido el costo total del costo?, ¿qué dificultades has tenido en el proceso?
El costo fue mínimo, todos los materiales que debía utilizar estaban en mi casa y algunos elementos los pusieron los mismos actores.

El problema vino cuando necesitaba una cámara y no tenía ninguna, pero allí aparece mi hermana, Carol Lara, quien movió cielo y tierra para agenciarme de una, y como “un combo”, los programas de edición.

Después sólo era cuestión de poner todo lo que estaba en mi cabeza en algo visual, experimentar y sacar el producto que más se adaptara a lo que quería mostrar.

Tú tienes una productora -mPRO- con otros amigos cortometrajistas. Cuéntanos un poco ¿con qué finalidad han formado esta empresa? ¿Qué otro proyecto tienes en mente o en proceso?
Me gusta trabajar con muy poca gente, lo indispensable. Pero para proyectos que requieren mucho más esfuerzo, necesité de un equipo humano que en realidad me ayude. Por este motivo que decidí hablar con gente que había hecho algún trabajo para ver si salía algo mejor.

Con Wilfredo Gonzales, director de Operación Perfecta y amigo de la carrera, es con quien trabajo más y con quien nace la mayoría de las ideas. Lo conocí por medio de este Concurso Interno de Cortometrajes, y de inmediato “sintonizamos”. Pero aún así tenemos diferencias radicales que nos ayudan hacer el trabajo mucho más fluido – pensamos en una misma cosa pero desde ángulos distintos-. Por este motivo hemos hecho algunos experimentos, analizamos cine e intercambiamos ideas sobre cineastas. Normalmente escribimos los guiones juntos, él dirige y yo soy el encargado de cámara.

Pero también necesitaba necesita dinero para poner en marcha cualquier otro corto que quisiera hacer, o en todo caso apoyo en los materiales que iba a necesitar. Para esto me puse en contacto con Emilio Pasco, también estudiante de la carrera. Con él hacemos algunos trabajos para tener algo en los bolsillos y poder solventar los cortos.

Dentro del equipo también está Gina Hurtado, quien siempre nos saca de apuros, además ella es la dueña de la cámara, una Canon 830, y con el bolsillo más precavido para los imprevistos; también dirige la página de la productora y consigue los contactos para los trabajos.

Somos un grupo de gente que le gusta el cine y que quieren hacer arte visual. Este grupo se fundó a mediados de diciembre del 2007 y quedamos en apoyarnos en todo lo que sea posible para que las ideas que salgan no se queden allí nada más.

Para este año tenemos planificado desarrollar unos cortos que ya están escritos. Es una lista bastante amplia y pensamos tenerla lista para el aniversario de la Escuela de Comunicación de la USAT de este año. Además pensamos reunir a todos lo trabajos de la gente de Chiclayo que hacen cortometrajes, conversar un poco con ellos y comenzar a pensar más alto.

Falta subir algún material a la página y ampliar la lista de contactos con gente que le guste el cine y sienta la misma pasión que nosotros sentimos. Tenemos 3 cortos en proceso de edición, que hemos grabado en el mes de enero y febrero.

Sobre todo queremos “experimentar”, ya que aún no llevamos los cursos referentes a producción audiovisual, Wilfredo Gonzales y yo, todo lo que sabemos lo hemos leído en biblioteca o lo conocemos por las cosas que hacemos. Por este motivo es que queremos “foguearnos en la misma cancha”.

El corto ¿ya se ha presentado en algún festival, en alguna sala? ¿Cuál ha sido la respuesta del público?
El corto fue hecho para el Concurso Interno de Cortometrajes que organizaba la Escuela de Comunicación de la USAT el año pasado (31 de mayo del 2007). Fue alucinante ver la reacción de la gente cuando salió mi trabajo, y como conocía a poca gente me senté adelante de todos, veía las caras y las reacciones para cada escena. Fue de lo mejor.

Gustó mucho a los asistentes, y aunque algunos no entendían el punto del corto, la calidad les agrado mucho. A muchos les sorprendió ver lo que se podía hacer con tan poco.

El corto tuvo Premio a la Mejor Edición y Mejor Actuación que interpretó Diego Posada. Estos premios me alegraron mucho ya que superaron todo lo que tenía planeado. Luego participe en I Festival de Cortometrajes “Cortos de Vista” organizado por la Universidad Señor de Sipán (15 y 16 de junio del 2007) también en Chiclayo.

¿Qué otro proyecto tienes en mente o en proceso?
Trato un poco de abordar otra línea, un poco mas fuera de lo personal y explorar otras cosas, otras historias que contar. También, probar con nuevos elementos de cámara y profundizar en el uso profesional de la técnica que estoy aprendiendo casi en forma autodidacta.

Tengo trabajos experimentales que quiero sacar y estoy en todo este trabajo. Durante estas vacaciones, con mi equipo de mPRO, estamos con todas las pilas puestas y nuestro principal objetivo es aprender.

ACTUALIZACIÓN (25 de abril de 2008): Lamentamos profundamente el fallecimiento del joven cortometrajista Carlos Lara, ocurrido el miércoles 23 de abril. Una sensible pérdida para la movida del audiovisual chiclayano. Expresamos nuestras condolencias a sus familiares y amistades.

Alejandra, de 19 años, no se ha alejado del mundo artístico y desde la ciudad de la amistad nos presenta ahora su primer trabajo como directora: Semiótica, un cortometraje que ha sido para la joven actriz su primer intento por contarnos una historia personal, con total control del contenido y de la forma; un corto escrito, dirigido y actuado por ella, dejándonos ver que lo aprendido al pasar por la pantalla chica no fue por gusto.

¿Cómo nace el proyecto Semiótica?
De caminar por la calle, reflexionar en el silencio de la mente sin perder de vista los colores, gráficos, y publicidades que están ahí.

¿Es tu primera experiencia en cortometrajes pero no tu primera experiencia con el mundo audiovisual?
Si, ya había hecho televisión antes pero esto es diferente. Las experiencias que tuve en televisión fueron en mi niñez y adolescencia. Ahora puedo tomar el control de lo que hago en todas las áreas y eso es lo que quiero.

¿Qué diferencias has encontrado en el trabajo con lo que habías hecho antes en TV?
Todo es más personal. Ya no estoy para sólo aprenderme el guión. Ahora sí hay trabajo y más preocupación. Además el resultado es delicioso pues es algo que nace de cada uno de los que trabajan en el corto. Cuando eres niño no entiendes muchas cosas y no puedes criticar o sentirte satisfecho con en el resultado como lo puedo hacer ahora.

Este es un proyecto personal, te has involucrado en todo el proceso. Eso te permite muchas cosas, ¿cómo has sentido tener el control de todo?
Ya que he tomado el control en este primer proyecto no podría notar la diferencia de no hacerlo. Abarcar todo es un patrón común en mí, siento que así es como me gusta dirigirme. Sin embargo tomo en cuenta las opiniones de otros, el hecho que esté en todo no quiere decir que lo haya hecho sola. El corto está lleno de lo que aportaron mis amigos.

El corto se basa en el significado de los símbolos; ¿tienes algún interés particular en la simbología y en los significados?
No exactamente, sólo es un tema que quise tocar y ver como se desarrollaba, tienen que ver el corto muy atentos para poder conocer la historia, no deben de perderse ningún detalle.

¿Cómo fue el proceso de creación, realización y edición del corto?
La idea ya estaba, la historia la hice en un dos por tres. No teníamos la seguridad de cómo hacerlo, sólo salimos con la cámara y la historia escrita. En cuento llegábamos al lugar (no establecido) se nos ocurrirán las tomas y aparecían los actores.

¿Cuánto tiempo y cuánto costó el corto?
Creo que unos tres días de grabación y unas tres noches de edición. El costo no sobrepasó los 50 soles.

¿Se ha presentado en concursos, festivales, cineclubs? ¿Cuál ha sido la reacción del público, has oído comentarios?
Lo presenté en el concurso de cortometrajes de mi universidad por la semana de la comunicación. Y en el concurso “Cortos de vista” realizado por la Universidad Señor de Sipán, todo en Chiclayo. Es un corto distinto, sí se han acercado personas que no conozco a decirme que les ha gustado.

¿Qué otros proyectos tienes en proceso o en mente?
Por ahora dos cortos, con temas simples pero no poco importantes. Nada jalado de los pelos. Ya los verán si Dios quiere.

Gracias a: Café 900 (Manuel Izaga #900)

El documental ‘Genoveva’ no es sólo una historia acerca de una mujer que sufre la enfermedad del Alzheimer, sino también un proceso de aprendizaje que el director chiclayano ha realizado para entender y comprender a ese ser humano con el que convive y que tiene un universo propio. A partir de una historia ordinaria, Manuel encuentra en su familia un testimonio extraordinario que no sólo comparte con nosotros sino que – además – sirve de ejemplo para otras familias que tienen a diario que afrontar la misma realidad, la enfermedad del olvido.

Hemos visto tus trabajos de ficción ¿por qué ahora has entrado al campo del documental?

Es un interés que no nace hoy; empieza desde los primeros trabajos que hice en la universidad. Primero con reportajes para un programa llamado Univoz y luego con mi primer trabajo documental sobre los pensionistas universitarios en Piura. Siempre me gustó la idea de contar historias reales sin que la voz en off de un tercero (ominipresente) lo cuente todo. Lo hice en esos primeros trabajos con la realidad donde la historia es narrada sólo por testimonios de los propios personajes

Este método testimonial, ¿qué dificultades te ha presentado?, ya que el ritmo de la narración es básicamente dado por los personajes.

En esos primeros trabajos en los reportajes y en mi primer documental manejaba los testimonios gracias a las entrevistas previas con los personajes y a las preguntas que se armaban luego de esas conversaciones. El ritmo quizá lo alcanzaba con el montaje y con la capacidad histriónica de los propios personajes. En el caso de La abuela Genoveva, tanto mi abuela como mi tía son personajes muy ricos, de mucha verborrea y creo que simpáticos para la gente. El ritmo también se hizo digerible con la edición porque hubo testimonios muy largos y con muchas dudas, aquí el montaje creo que es clave.

¿Cómo nace la idea de La Abuela Genoveva?

Vivo con mi esposa al interior del terreno donde también habita mi abuela, mi prima y mi hermana. Es un martirio soportar a mi abuela y en los últimos 7 años la presión y tensión de tener a alguien enfermo en casa ha sido insoportable. Todos vivimos con mucha velocidad sin tiempo para el descanso y sentía (siento) que mi abuela necesita de paciencia y tiempo que nadie tiene. En principio esa fue la principal razón para trabajar el documental. La historia estaba en mi casa y los personajes ahí, en el mismo lugar donde vivo. Otra de las razones fue el ver como mi tía (hija de Genoveva) pierde fuerzas y nacen en ella sentimientos encontrados de pena y rabia para manejar la enfermedad de mi abuela. Lo mismo con mi hermana y mi prima en menor medida porque ellas hacen su vida aparte.
Finalmente, la última razón tiene que ver con lo económico: afrontaba una dura crisis por falta de billete y bueno, grabar al interior de la casa, con la historia de mi abuela era la opción de no gastar absolutamente nada de dinero ni para movilizarme ni para alquilar equipos porque unos amigos me los prestaban.

¿Cual ha sido el proceso del documental? ¿Cómo has tratado el proceso de rodaje y de personajes ya que convives con ellos a diario?

Primero; trabajar el guión en base a preguntas, una guía muy simple, casi un esquema para no perderme en el exceso de material que obtendría de mis familiares. De ese modo también manipulaba algunas respuestas para mi beneficio en la narración.

Segundo; conversar con la gente en casa – con mi tía, mi prima y mi hermana – hablarles de lo que es un documental y de lo que quería de ellas. Acá tuve un problema ya que afrontaba duros líos con mi hermana en la casa y por eso grabar con ella fue casi imposible (lo único que logré con mucha presión fueron esas escenas en el baño, el único día en que nos amistamos)

Tercero; prestar equipos a los patas de siempre y ese apoyo vino acompañado de Roger Chanduví, un amigazo que me acompañó algunos días de grabación. Trabajé con una PD 150, con una casera Panasonic GS 250 (todas las escenas en blanco y negro y los testimonios de mi prima y mi hermana). Usé –para el audio- un micro inalámbrico Sony UWP1 y en algunas ocasiones el micro incorporado de la máquina. No usé trípode, sólo cámara en mano y en algunas ocasiones apoyaba la cámara en sillas o algún punto de apoyo.

Sobre el trabajo con mis familiares era muy jodido porque nadie entendía por qué hacía esto. Me decían que sólo era un ocioso con una cámara. Mi tía se negaba a darme su testimonio y trabajar con mi abuela fue complicado porque todo dependía de su estado emotivo y sus cambios de ánimo eran realmente sorprendentes. La idea era no perder la paciencia. Lo que en un principio pensé que iba a ser muy fácil se tornó complicado porque todos los fines de semana grababa y ya nadie creía en lo que hacía, para ellos era mi vacilón. Sin embargo, cuando grabé los testimonios de mi tía me iba dando cuenta que era mejor entrevistarla después de almuerzo, parece que estar con el estómago muy lleno la motivaba y en serio resultó (detalle que tendré en cuenta en futuros trabajos).

¿Cuánto tomó realizar el trabajo, en guión, rodaje y post producción? ¿Cuánto costó?

El guión lo hice en un par de días. Como dije anteriormente era sólo un esquema.
La grabación la realizaba los fines de semana y tardé aproximadamente 8 fines de semana en grabar. El material lo tuve guardado durante dos años (¡nació mi hijo incluso!) y a inicios de este año pude editarlo con el software de Adobe Premiere 2.0 y tarjeta Martos RT X2 (en una máquina de mi chamba). La edición duró 1 semana exacta trabajando 3 a 4 horas diarias. El problema fue el exceso de material (más de 10 horas grabadas).

Sobre el costo pues me prestaron la cámara, el micro, los cables; no usé luz artificial, las cintas fueron recicladas de mi anterior trabajo y la edición la hice en la universidad donde trabajo. Prácticamente, hubo cero inversión, sólo tiempo usado, mucho tiempo.

El retrato que haces del personaje principal es bastante distante, teniendo en cuenta que es tu abuela ¿por qué no involucrarse dentro del documental, por qué fabricar esa distancia?

Lo tuve en cuenta desde el saque, desde que empecé a trabajar el guión en base a preguntas. Quería que el trabajo fuese muy didáctico para mostrar el comportamiento de alguien enfermo y que además no esté teñido de la nostalgia del nieto que cuenta la historia; esto además se confirma porque no uso fotos del pasado, ni mucho menos uso música de fondo para emocionar. La distancia además está reflejada en muchos detalles a lo largo del trabajo, la distancia de las nietas (visualmente inclusive nunca las vemos junto a su abuela) y mi decisión de no usar ni disolvencias ni fundidos, sólo con el corte simple en el montaje; esto para que el minimalismo del documental se refleje en todas sus aristas.

Tu familia lo ha visto, ¿qué comentarios has tenido de ellas?

Mi tía, personaje del documental, lloró muchísimo. Verse en el trabajo y ver a su madre le afectó, pero a la vez le hizo pensar mucho porque nunca se había escuchado y visto en pantalla. Fue a abrazar a mi abuela cuando terminó el trabajo, le afectó mucho. Mi prima y hermana lo vieron y les gustó pero no les afectó tanto. Mi esposa fue más coherente, me hizo buenas críticas pero destacó como la mejor escena aquella en que llega mi abuela durante la grabación del testimonio con mi tía. Y bueno, criticó el plano de los pechos de mi hermana (hecho involuntario durante la grabación pero que para algunos que han visto el documental es un elemento reflexivo por lo que dice mientras la vemos así). Las otras hijas de mi abuela lo han visto en Internet y las ha golpeado mucho ver a su madre así ya que ellas están en el extranjero.

Es curioso notar además que es un documental femenino, de un grupo de mujeres viviendo juntas pero solas a la vez.

Si, finalmente, haciendo un autoanálisis de mis otros trabajos siempre hay mujeres solas, que pueden estar acompañadas temporalmente pero finalmente solitarias. Creo que es por la imagen que tengo de mi madre durante parte de mi adolescencia, y de cómo sufrió con mi viejo; además de haber vivido rodeado de mujeres toda mi vida. No le encuentro otra explicación

¿Qué referencias has tenido para hacer el documental?¿Directores, películas?

No he tenido referencias específicas pero me gustan los trabajos de Javier Corcuera (La hijas de Belén y la espalda del mundo), Patricio Guzmán, Michael Moore, El caudillo pardo de Salvini que me parece genial!, Heddy Honnigman (metal y melancolía)

El trabajo ¿qué distribución ha tenido, ya lo has presentado, ha ido a algún festival

Bueno, lo he terminado hace poco más de un mes y ya lo envié a dos festivales: el del Cine Pobre en Cuba y al Film Foundation Festival de Puerto Rico. Espero seguir difundiéndolo en muestras y festivales del país, en el INC de Chiclayo, entre otros centros culturales si es que se puede y si es que me muevo para ello. En la universidad donde trabajo lo he presentado como parte de mi investigación y como material didáctico para otras escuelas. Asimismo, está publicado en una web sobre mal de alzheimer en Argentina y espero que en la red continúe un camino de visualización intenso para que más gente lo vea y si es gente con familiares que sufran de esta enfermedad puedan reflexionar un poquito y quien sabe, aprender a querer y comprender más a estos pacientes.

¿Cómo lo has tomado tú a nivel personal, ha sido un desfogue, te ha acercado más a tu abuela, que has aprendido durante el proceso de realización del documental?

Gracias al documental aprendí un poco más de la enfermedad de mi abuela y de cómo hay sentimientos que van mutando, transformándose, como por ejemplo el amor que se le puede tener a una madre que hoy en día ya no se la reconoce –como dijo mi tía en una parte del documental-.

Mi experiencia más que la de realización del documental es la de haber hecho un trabajo con mi abuela en vida y no algo hecho con fotos y testimonios como homenaje póstumo. Es verdad que aún no le he mostrado el trabajo a mi abuela, pero estoy esperando el momento indicado, cuando esté más tranquila y no tan nerviosa como anda hoy en día.

Sobre los aprendizajes al final del documental está el hecho de por primera vez haber trabajado tan solo, enfrentándome a personajes que por ser de mi familia a veces no me tomaban muy en serio en cuanto a lo que hago y creo que he aprendido a ser paciente en muchos aspectos del rodaje para tener soluciones prácticas a muchos problemas “de producción pero sin tener una productora”. El resultado creo que ha sido positivo en cuanto a la experiencia de hacer esto sin un sol de presupuesto pero con ganas de contar historias que están ahí a veces más cerca de lo que imaginamos, como decía un profesor mío: descubrir en lo más ordinario realidades extraordinarias. Creo que de eso se trata esto de hacer documentales sociales, trabajos en los que recién estoy experimentando y en los que espero seguir aprendiendo y corrigiendo errores.

En este caso, Francisco Ñato Díaz es quien asumió la dirección del cortometraje TV, que ha participado en festivales como el Fenaco, el 3er. Festival Audiovisual Estudiantil de San Marcos y el Festival Chaska Ñawi, organizado por el Instituto “Diseño”.

Conversamos con Francisco Ñato, para conocer los detalles de la realización de este cortometraje:

Esto es un ejercicio del Taller de Edición, ¿cómo así te animaste a jugar con solo un plano?
Junto a los demás chicos del grupo creímos que sería interesante dar un nuevo punto de vista, en el que podamos desarrollar la historia sin movimiento de cámara, y tratándose de un tema en el que teníamos que mostrar claramente la dependencia que se crea entre el espectador y la TV; este recurso se nos hizo fundamental y básico.

¿Cómo crees que generas atmósfera e interés al espectador cuando la variedad visual se ve afectada? ¿De qué otros recursos te valiste y por qué los usaste?
Al contar con un solo plano debo aceptar que tuve miedo que la gente se cansara pues el movimiento le da mucha vida y riqueza a las escenas, por lo que tuve que valerme de otro recurso, uno muy básico, la historia, es decir el guión; las pequeñas historias desarrolladas en el día a día deberían ser interesantes, y una muy diferente a la otra para lograr capturar al espectador y este responda de manea positiva. Y todo esto de la mano de la edición que debería de ayudarnos con otros recursos visuales que nos den la sensación que estamos delante o debería decir atrás de la pantalla de TV. Es por esto que agradezco a nuestro editor Oscar Ruiz Rosales, quien ayudó a mucho a que la historia logrará entenderse.

¿Usaste algún tipo de referencia para “TV”? ¿Influencia de alguna corriente o director?
Más que influencia de alguna corriente o de alguien en particular, lo que nos motivó fue más que todo, ver en todas las clases del curso de edición, películas que siempre nos mostraban una nueva manera de contar una historia, tal vez ya muy utilizada, pero al contarla de otra manera y usando recursos muy inusuales e interesantes. Esto logró que nos cuestionemos y alentemos a querer desarrollar una nueva propuesta, ya que el ingenio y la creatividad es algo que nos sobra a los san marquinos, jajaja!

¿Cuál es el mensaje que tratas de transmitir? ¿Cuál es el tema que te planteas desde la dirección?
La idea del corto gira en torno a la televisión, y la dependencia que se puede crear entre ella y los espectadores. Lucas ve la televisión la mayor parte de su tiempo en su estadía en casa, observándose todas sus acciones a través de la pantalla de la televisión que a su vez es el lente de la cámara, lo que produce que la cámara sea fija. El espectador verá la vida de Lucas a través del televisor y a su vez este la mirará con las expresiones gustos y disgustos propios de la expectación, cual telenovela vista desde las 2 partes, creando la relación irónica implícita entre estos dos.

¿Cuál es tu vínculo personal con este tema?
Al igual que todos los de mi generación hemos y estamos expuestos e influenciados por la televisión, claro está en uno más que otros, y en mi caso, la televisión ayudó a aprender, a observar y hasta opinar y criticar acerca de lo que se está viendo, y logró en mi una fascinación tal, que hizo definirme y alentarme a querer estar inmerso en este mundo, obviamente que también en la pantalla grande, pues para mi este es el lado positivo de la televisión: el mostrarte cosas que tal vez en tu vida nunca hubieras descubierto o conocido. Y pues en este corto quisimos mostrar el lado positivo y porqué no, también su lado negativo, que al final de todo, dejamos al espectador que saque sus conclusiones de cuales exactamente son estos puntos y su consecuencia en nuestra accionar cotidiano.

¿Qué otros proyectos te interesaría realizar?
Por ahora seguir creando historias novedosas, llevar a la pantalla ideas que están en mi cabeza y quieren salir a la luz. Ahora, no sólo producir ficción sino también documentales que me ayuden a mejorar y conocer aspectos hasta ahora no desarrollados y abarcar más el tema audiovisual.

TV | Ficción | 2007 | 7’40″ |

Sinopsis: Lucas, joven de 24 años aproximadamente, vive sólo en un departamento y su único ente distractor es la televisión, con el que llega a tener un vínculo muy estrecho, viéndose reflejado en el transcurso de su vida diaria la interacción que ocurre con este medio.

Ficha técnica
Dirección: Francisco Ñato Díaz
Actor: Anthony Chávez
Asistente de dirección: Carlos Salazar Larrea
Producción: Allen Quintana Caballero
Guión: Francisco Ñato Díaz
Fotograma: Eder Sasieta Solórzano
Edición y post producción: Óscar Ruiz Rosales
Sonido: Óscar Ruiz Rosales
Música: Óscar Ruiz Rosales
Vestuario: Silvia Cabrera Cárdenas

Entrevista: Gustavo de la Torre
Fotos: Mary Panta
Edición: Miguel Piscoya

Si bien Chikyuugi, es el primer trabajo del realizador, a Carlos le gusta probarse en cada proyecto para saber cuál es su límite, aprender de los errores y tomar ventaja de las situaciones favorables. El también guionista, admirador de Jim Jarmush y David Lynch, conversó con Cinencuentro acerca de su ópera prima.

¿Qué significado tiene el título del corto?
“Chikyuugi” es el nombre original de la canción que se escucha al final del cortometraje. Esta canción a su vez es la que musicaliza el opening de Caballeros del Zodiaco en la saga “Hades santuario”.

Una de las primeras cosas que llama la atención en Chikyuugi es ese idioma extraño -al parecer japonés-, que remite al anime que además la canción final reafirma. ¿Trabajaste con algún anime en mente para elaborar la propuesta?
No se trabajó con ningún anime en particular. Cabe remarcar que la animación japonesa en general forma parte de la vida de todos los integrantes de Monitosmarinos desde hace ya bastante tiempo, por lo que no se puede negar la clara influencia de esta corriente, ya sea directa o indirectamente.

Tanto los captores como el secuestrado terminan hablando en este idioma diferente. ¿Buscas reflejar algún tipo de locura, inconformidad de la juventud?

El idioma “japonés” por llamarlo de alguna manera se utiliza para hacer referencia a la dificultad que tiene los jóvenes para hacerse entender. Ya sea en el ámbito social, cultural, psicológico o económico los jóvenes viven en una constante lucha por hacerse escuchar, siendo los principales antagonistas de este conflicto, el estado y las personas mayores. Se eligió el idioma como herramienta metafórica, por que este es el referente inmediato al conflicto comunicacional (no siendo el único).

Otro punto interesante, es que la violencia siempre queda en off, no se muestra, se imagina. ¿Por qué?
Personalmente soy una persona bastante pacífica cuyas ideas violentas quedan tan solo en eso, en ideas. Esos pensamientos “oscuros” en la vida diaria no son realizables por dos motivos, el primero es el respeto por los demás y el segundo es el miedo, siendo el primero el factor más importante.

Pensamos que al ocultar las escenas de violencia de alguna manera obligamos al espectador a imaginarlas y por esto mismo a involucrarse más con el cortometraje. Cada persona que ve el corto completa estas escenas faltantes con sus más crueles pensamientos identificándose mucho más con los protagonistas.

Conviven dos estilos en tu corto, uno a manera de confesiones de los miembros de la banda, y el otro cuando participan en el secuestro. ¿Por qué esta decisión?
Si bien se trata de un cortometraje de ficción, la idea de las confesiones le daba un cierto tipo de aire documental, motivo por el cual se estructuró de esa manera. Las confesiones reflejan esta idea de arrepentimiento, de excusa o perdón que resulta de la acción de cometer un crimen. En estas partes se habla español por que es el momento en el que los protagonistas se encuentran en un estado más vulnerable y dejan de lado esta rebeldía generacional lo que los hace más asequibles y entendibles.

En los créditos de Chikyuugi vemos que fueron dos directores, ¿cómo fue el trabajo de realización en ese sentido?
El trabajo de realización se nos hizo bastante cómodo. Muchas veces uno piensa que al ser dos los directores, el rodaje estaría lleno de “discusiones” en donde cada director quiere primar sus ideas. Este no fue el caso del rodaje de Chikyuugi, por el contrario creo que al tener dos directores, cada uno tenia a su lado a un asistente de director.

El corto te valió un premio en el 1er FAE, ¿esto te ha motivado a realizar nuevos trabajos?
Sin duda, ese premio fue bastante importante para nosotros, no por el hecho del reconocimiento, sino que al ser nuestro primer trabajo de alguna manera despertó en nosotros estas ganas de seguir demostrándonos que la carrera que escogimos era la adecuada y era en la que deseábamos invertir el resto de nuestras vidas.

Chikyuugi | 15 minutos | Ficción

Premios: Ganador en las categorías de Mejor Ficción y Mejor Producción del Primer Festival Estudiantil organizado por la Universidad Mayor de San Marcos.
Ganador en la categoría de Mejor Cortometraje 2005-1 en el festival “Imagen” del Instituto Toulouse Lautrec.

Sinopsis: Tres jóvenes a los que se les es imposible encajar en esta sociedad para ellos injusta, deciden secuestrar a una persona y liberar toda su ira sobre ella.

Entrevista: Antolín Prieto, Rodrigo Portales, Johan Tábori
Fotos: Mary Panta

Sabiendo de la calidad y reconocimiento que ha recibido Descompresión, le pedimos a Jorge que lo presente en Cortocircuito, a continuación la conversa que sostuvimos.

¿En qué te basaste para construir esta historia?
El corto lo realicé para el curso de realización de audio y video en el 2005, fue el trabajo final del curso y el primer corto que hice. Consistía en un ejercicio libre de dirección. Contamos con 10 horas de grabación y 10 horas de edición. Fue una buena experiencia trabajar por primera vez con actores como Giovanni Ciccia y Vanessa Saba.

Descompresión es la unión de varios elementos que juntos fueron tomando forma hasta el final de la edición. La historia nace a partir del conjunto de relaciones que tuve y una nueva que se estaba formando; pensé en la necesidad o la naturaleza del ser humano de formar una relación estable con alguien. Por ese tiempo volví a ver Annie Hall de Woody Allen que me inspiró en ese momento. La idea era mostrar a dos personas que tuvieron una relación, la cual se fue extinguiendo poco a poco sin que ninguno de los dos tomara conciencia clara de esto; al terminar se dejaron de ver por un largo tiempo. Al poner a los dos personajes en esta situación en donde el comportamiento de estos se ve modificado por toda la historia que tuvieron, el espectador entra a participar de un momento donde ya nada existe, la historia sucede luego del enamoramiento, luego del romance.

Pensé en el sinnúmero de relaciones que terminan sin que nada quede claro al final, sin que se diga la última palabra y por lo tanto dejando abierta esa parte de la historia de la vida de muchos. Creo que la gente se identifica instantáneamente con la historia. Al ser un insight, el momento de “descompresión” que viven los personajes genera esa empatía.

¿Pensaste en los dos actores al escribir el guión?
Lo de Giovanni y Vanessa surgió al mismo tiempo que pensaba en el argumento, sus nombres surgieron en una reunión con mi grupo y mi jefe de práctica Roberto Maceda quien nos dio sus números. Entonces la creación de personajes y el guión en sí los escribí con los actores en mente.

¿Cuéntanos brevemente de que trata Descompresión?
Descompresión trata sobre crecer, sobre poder decir adiós. Los personajes rompen con lo difícil que puede resultar el reencuentro de una relación que acabó sin dejar las cosas claras. Daniel y Jimena tuvieron una relación que duró 2 años. En ese tiempo pensaban que las cosas iban a durar para siempre pero todo terminó abruptamente sin una razón clara, se dejaron de ver por casi un año entero y se comunicaron muy poco en ese tiempo.

La historia comienza cuando Daniela aparece en la casa de David de sorpresa, sin ninguna razón aparente. Se ponen al día en lo que ha sucedido en la vida de cada uno y se dan cuenta que en el tiempo transcurrido los dos han cambiado considerablemente y entran cada vez al recuerdo de su relación. Así se embarcan en un viaje de extrema conciencia en lo sucedido entablando puntos de vista distintos. El egoísmo es un factor determinante que descubren los dos y que se encuentra dentro de ellos de manera distinta, la evasión del sufrimiento por parte de los dos muestra las dificultades del inicio de la relación y es otro factor clave para el final de la misma. Al final se dan cuenta de que es muy tarde para retroceder, pero que lo que tuvieron forma parte de lo que significa crecer.

¿El resultado final es igual al guión o se modificó durante los ensayos?
No tuvimos tiempo de ensayar mucho, todo se ensayó mientras se iban poniendo las luces. Al ser una historia lineal hicimos una pasada de letra y de ahí un ensayo general. Giovanni y Vanessa trabajaron sus personajes y por la experiencia de los dos cambiaron algunas palabras de lo que estaba escrito, para que sea más natural. Trabajar con ellos aportó mucho al producto final.

¿Te sientes más cómodo tratando historias de pareja que otros temas?
No es que me sienta más cómodo, me gusta contar historias y cada tema o género me parece interesante porque se puede explorar en otros terrenos. En esta ocasión me sentí cómodo con esta historia porque partía de experiencias mías y creo que es importante haber comenzado con algo así. Lo importante de este trabajo y de lo que saqué provecho, fue aprender a contar y creo que para incursionar en otros terrenos uno tiene que poder contar algo que parte de uno mismo, muchos se mandan a hacer algo muy conceptual o experimental o alguna historia con personajes extraños que el realizador no conoce al inicio, pero fallan porque no han aprendido a contar lo que conocen.

¿Cuáles son tus perspectivas, qué viene en adelante?
Bueno ahora estoy terminando el rodaje de mi proyecto final de carrera, es el piloto de una miniserie policial de una hora de duración. La miniserie se llama Ciudad de Reyes y contamos con actores de la talla de Carlos Gassols, Norma Martínez, Haysen Percovich, Jesús Aranda, Jesús Delaveaux, Maria Angélica Vega, Francisco Cabrera, Mario Velásquez, Denisse Dibos, Patricia Frayssinet, Claudio Calmet y Axel Córdova. Es un proyecto grande y esperamos conseguir insertarlo en los medios. Luego de eso graduarme y tengo en mente algunos cortos para realizar el próximo año.


Entrevista y fotos: Mary Panta
Edición: Miguel Piscoya

Héctor, ¿Cómo te inicias en el universo audiovisual?
Bueno, estudié producción de televisión en el Inictel. En ese tiempo el Inictel todavía no tenía una carrera completa de realización, tenía sólo cursos independientes de cámara, iluminación, edición y otros más; entonces seguí casi la mayoría de esos cursos. Yo hubiese querido seguir comunicación en alguna universidad pero no podía pagar la Católica o San Marcos, por lo menos en esa época no tenían la mejor infraestructura, pero igual me metía como alumno libre a algunas clases en San Marcos. Lo que pasa es que el Inictel estaba muy abocado a lo que es la televisión, y yo estaba con todo “el bicho” de querer hacer ficción, pero igual me sirvió por una cuestión de conceptos, de formación.

Y ahí haces tu primer corto: El colchonero.
Claro, pero ya había terminado, porque lo hice el 94 me parece. Ya había terminado el Inictel, aunque terminar es un decir porque no era consecutivo, eran cursos unitarios, entonces cuando se terminaba uno, me metía al siguiente.

Y ¿de qué trata El colchonero?

De dos amigos, chicos de 13, 14 años que pasan las tardes peloteando en la cuadra de su casa y siempre ven a un señor que llega con putas a una casa abandonada que esta al lado de la casa de uno de ellos. Entonces la historia trata de lo que buscan hacer estos muchachos para observar lo que hace este señor con sus acompañantes eventuales. Creo que como todo primer trabajo, este partía de una historia personal, biográfica; de cuando era chiquillo y veíamos con mi pata de barrio llegar a este señor -que hacía colchones por eso le decíamos el colchonero- con chicas a la casa. Entonces como nunca pudimos ver lo que hacia, decidí desquitarme haciendo este corto. Pero el detonante de todo viene de muchos años atrás y lo produjo leer La palabra del mudo de Ribeyro, leerlo fue una revelación para mi, sentía algunos de sus cuentos tan cercanos, tan cotidianos y como producto de esa lectura es que evoqué ese recuerdo de la niñez. Por eso El Colchonero nació como cuento, ya luego al tiempo cuando termino el INICTEL y veo todos los cortos de la movida independiente de esa época, es que me decido transformarlo en guión.

Y desde ese corto al que presentas en Cortocircuito, ¿cómo evolucionaste?
Bueno no se si haya evolucionado (Risas), para hacer una cronología: hice El colchonero, luego hice Circo de Arena, un reportaje que ganó el concurso de Video Joven que organizaba Calandria, que tenía que ver con un circo de barrio, lo bueno es que ya ahí la producción y la realización corrió por cuenta de Calandria, porque eso era el premio de Video Joven.

Y después hice Escenas de Caza, en ese tiempo tenía un colectivo de amigos, que eran gente de San Marcos, de la Orson Welles, con los que hicimos El Colchonero y el Circo de Arena y teníamos esta idea de hacer pequeñas escenas, que lo único que tenían que tener en común era que sucedían dentro de una casa y por eso el título. Aunque no recuerdo porque decidimos poner casa con “Z”. Bueno, hicimos una primera que era la historia de un pata que le bolsiquea a su vieja y luego ésta que presento en Cortocircuito, que es un plano secuencia de un pata despidiéndose de la casa de sus padres y que nos divirtió mucho hacerla.

Y ¿es experimental el corto?
Experimental, no creo. Pero si colectivo, era un tiempo en que casi la mayoría de los trabajos eran colectivos pero después de este trabajo nos empezamos a dispersar, claro, ya cada uno tenía prioridades, una de las chicas ya tenía su hijo. Como proceso natural ya nos fuimos separando.

Y el corto básicamente es acerca de un chico que se va de la casa de sus padres y antes de retirarse, decide dejarles un buen recuerdo, de eso va la historia.

¿Cuánto costó ese corto? ¿Destrozaron de verdad la casa?
(Risas) Bueno, fuimos consiguiendo cosas, como éramos un grupo, cada uno fue trayendo cuadros, espejos, yo traje los muebles de mi casa y la TV. Los platos, las tazas, las copas, todas las compramos en el centro de Lima, entonces no sé cuánto habrá costado. Hasta ahora hago eso, nunca saco presupuesto de lo que gasto en mis trabajos. Prefiero no saber cuánto he gastado, pero no fue muy costoso, la realización es totalmente sencilla.

Vemos que tienes una producción regular de cortometrajes.
Si pues, ahora que me doy cuenta he hecho varios, lo bueno fue que ni siquiera fue intencionado, ha sido por las mismas circunstancias como en el caso de los comerciales que hice cuando Fujimori se iba a lanzar a la re-reelección (Los muertitos y Taxistas), que eran una burla a esos comerciales que sacaba el Ministerio de la Presidencia, donde mostraban que todo supuestamente iba bien y que en ese tiempo bombardeaban la televisión. El hacerlos era mi manera de protestar contra lo que estaba pasando en esos años.

Trabajando de manera personal esas ideas
Si, todas eran trabajadas de manera personal y siempre echando mano de los amigos y familiares. Y como en esa época había una serie de presentaciones y movidas Anti-Fujimorí aproveche para colocarlos ahí. Uno (Los muertitos) incluso se pasó en el programa de canal 11 de Beto Ortiz. Por esas cosas de la vida, a la productora le gustó y decidió pasarlo, claro que por ese tiempo el programa de Beto le daba harto golpe al chino. Aunque ahora que lo veo a la distancia no lo distribuí tanto como lo hubiese querido.

Y tus otros cortos ¿tienen también una trayectoria de premios?
Escenas de caza no, el Circo de Arena, ganó como proyecto en el concurso de Video Joven de Calandria, después cuando estuvo realizado también ganó en la categoría de reportaje documental. Después hice una ficción pero ya no era un trabajo personal sino para una ONG en la que estaba en ese tiempo CEPRODEP. Este video que se llamó ¡Cállate niña! (Upallay Wawa) se hizo con gente de una comunidad ayacuchana en Vischongo. Una experiencia que a mí me gustó muchísimo porque era gente quechuahablante, no eran actores, era gente de la comunidad, como trabajo me gustó mucho y en la siguiente edición de Video Joven ganó el Premio del Público y de ahí, bueno el último corto Fotos de Familia, que estuvo en lo de CINECORP donde ganó el segundo premio y ganó además mejor actor en la FENACO de Cusco, por Germán Gonzáles, que hacía el papel de un guachimán.

Y luego de esos cortos, ya te has animado con el largo. Estmos hablando de Jardines del Paraíso.
Si, ya. De hecho que cuando veo mis cortos, los que tienen mayor relación con el largo son los primeros, El Colchonero y Circo de Arena. Los demás son distintos entre sí, pero era lo que me provocaba contar en esa época.

¿Ya empiezas el rodaje no?
Sí, estamos rodando a mediados de este mes, noviembre.

¿Cómo has conseguido los fondos?
Ganamos CONACINE, y hemos tenido la suerte de estar también en algunos festivales como proyecto, en Francia, Alemania y en el Festival de Guadalajara; pero todos esos festivales, salvo CONACINE, no eran premios en dinero, eran reuniones con productores, pero igual sirve para contactar gente afuera. Gracias a esos festivales ya hemos unido fuerzas con gente en Alemania y Francia que se están encargado de mover el proyecto por allá y con una productora española hemos postulado a IBERMEDIA, donde obtuvimos el premio a coproducción.

¿De qué trata la película?
Jardines del Paraíso es la historia de un grupo de 5 amigos jóvenes, unos han terminado el colegio, otros no, y están en esa etapa de la vida en que no saben que hacer. Entonces la historia va de lo que pasa en su día a día, y todo transcurre en ese barrio que está ubicado en la periferia de la ciudad de Lima y que tiene el nombre de la película.

Te has mantenido siempre en historias para jóvenes.
Si, es un tema que siempre me ha interesado, y es que lo del proyecto del largo me salió de los recuerdos que tenía con mis patas de barrio en el Callao, eso se mezclo con las experiencias de trabajo que tuve en el 2000 con chicos, algunos de pandilla, en la zona de Huachipa – Vitarte y además de cubrir parte del trabajo de la CVR. Es un poco la fusión de todo eso. Leí hace un tiempo una entrevista a Oswaldo Reynoso donde decía que uno “canibaliza todas sus experiencias…” bueno, eso es un poco lo que me ha pasado con Jardines.

Gracias Héctor y suerte.
Gracias a ustedes.

Entrevista: Miguel Piscoya y Luis Ramos
Fotos: Archivo Héctor Gálvez
Producción: Mary Panta

Ficha técnica:
Dirección: Matías Vega
Locución: Carlos Carlín
Criollo: Víctor Dávalos
Pirata: Gabriel Iglesias
Edwin: Miguel Medina
Alicia: Maria Alejandra Quimper
Policía: Roberto Rengifo
Felipe Pinglo: Enrique Stolar
José Francisco: Alberto Wagner

Sinopsis: un hombre se encuentra viviendo en sí mismo, siempre temeroso de aquello que lo acecha. Por más que lo intenta, no puede escapar de su enfermiza condición, la esquizofrenia.

Aún no acabas el colegio y ya tienes un cortometraje realizado, ¿Cómo te animaste?
En el verano entre a un curso de videarte. Este tenía como proyecto final realizar una película sobre lo que quisieras. De allí salió Esquizofrenia que sin embargo no tiene mucho de videoarte. Fue bastante un proyecto personal, como un experimento. La idea del corto en sí, fue gracias al sótano del departamento donde vivo, aquel que se aprecia en casi todo el corto como una especie de prisión. La primera vez que estuve allí pensé que iba a ser perfecta para hacer alguna película. Después fui perfeccionando la idea y surgió Esquizofrenia.

‘Esquizofrenia’ crea una atmósfera opresiva efectiva a partir del sonido ¿Cómo planeaste esto?
El sonido no fue algo que realmente planeé al momento de filmar el corto. Sin embargo al momento de editar las distintas escenas me di cuenta que se podría crear algo mejor como sonido de fondo. Lo que se escucha cuando el personaje esta en el sótano es el sonido del propio sótano. Pero está amplificado y además es una pista que se repite constantemente, se vuelve monótono y te da angustia. También puse un par de canciones básicamente porque me gustaba como quedaban en conjunto con el corto.

Has trabajado con un equipo muy reducido ¿Qué tal ha sido la experiencia?
No sé si en este punto se le podría llamar equipo pues eramos bastante pocos. El proyecto era dirigido por mí, pero a la vez la profesora que dictaba el curso de videorte, Gloria Arteaga, me asesoró y me ayudó bastante con la edición. Además contaba con mi único actor Jhony Robles que trabajó en la filmación sin cobrar un sol. Y después estaba un chico que nos ayudó por un día con la iluminación ya que era parte también del taller. El que el lugar escogido fuese el sótano de mi departamento nos facilitó mucho las cosas ya que usamos el lugar a nuestro placer hasta que finalmente nos botaron porque debíamos tener un permiso. Al día siguiente filme velozmente las pocas escenas que nos quedaban y listo.

¿Tenias algún referente en mente mientras hacías tu corto?
No alguno en particular, pero debo admitir que he tomado como modelo diversas escenas de distintas películas. No hay un modelo o base en general porque parte de lo filmado se me ocurrió en el momento de la filmación. Sin embargo mi máximo referente vendría a ser David Lynch y sobre todo sus películas Mullholland Drive y Lost Highway con la confusión entre lo que es sueño y lo que es realidad y aquel género nuevo inclasificable que sólo se encuentra en su cine. Por otra parte, con respecto al guión, está el tema principal la esquizofrenia. No es que realmente haya vivido de cerca un caso de esta enfermedad, pero siempre el tema a llamado mi atención. Simplemente me parece increíble como alguien puede llegar al punto de perder a tal grado la cordura de manera tan repentina. Para mí, la esquizofrenia es como un lugar sin salida del cual no hay escapatoria y eso es lo que quise plasmar en esta película.

¿Qué planes o proyectos tienes para más adelante?
Por el momento solo terminar el colegio y buscarme una universidad. Pero tengo todavía algunos proyectos en mente que me gustaría realizar más adelante. Con respecto a lo de la universidad me gustaría estudiar cine y ver si hay alguna posibilidad de estudiar en el extranjero pero veremos más adelante si eso es posible.

Esquizofrenia (2007)
Dir: David Delgado Tamayo | 6 min. | Perú | MiniDV

Intérprete: Johny Robles

Guión, dirección y producción: David Delgado Tamayo
Fotografía: Eduardo Serpa
Sonido y edición: David Delgado y Gloria Arteaga

Producción: María Panta
Entrevista: Antolín Prieto

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Sinopsis: Alex vive solo en un cuarto. Todos los días cumple la misma rutina durante la mañana cuando va a clases. Cuando se sienta a leer en unas gradas, observa paranoico a la gente, incluso a Beatriz, la única persona que capta toda su atención. Su afán por conocerla y sus agujetas desatadas harán cambiar su vida.

¿Cómo ha sido la experiencia al dirigir tu primer corto?
En realidad no es el primer corto que dirijo, tengo otro material en cintas que por ciertos motivos no pude editar. Digamos que Agujetas es el primer corto terminado que tengo. Siendo así, Agujetas resultó ser un ejercicio, en mi formación audiovisual, de manejo del lenguaje. Fue valiosísimo para mí, sobre todo porque conté con el apoyo de compañeros de universidad con talento, con quienes ya había tenido el placer de trabajar antes, y de quienes también he aprendido mucho. Por otro lado, el trabajo con Aldo Sánchez y Thaís Cavero, dos jóvenes actores, fue enriquecedor para la historia. Construyeron tan bien sus personajes que la historia creció gracias a sus interpretaciones. Me encantó trabajar con ambos al igual que con Carla Reyes.

El corto sigue la rutina de un solo personaje, el uso de tiempo es casi documental
Quizá sea por la obsesión documentalista que siento tener. Quizá la obsesión por representar la realidad en este trabajo. Tengo una idea acerca de la rutina y el tiempo. Creo que una de las enfermedades del ser humano es la rutina. El estado inmutable de una vida, el vivir sin innovaciones creo que trastornan a ciertas personas. Al menos, a mí me enloquecería. Y quizá en ocasiones las rutinas desembocan en soledades, dentro de las cuales, el que las vive no hace más que lo que mecánicamente está acostumbrado a hacer y un mínimo cambio es sinónimo de caos. Te imaginas qué desesperante debe ser hacer lo mismo todos los días, salir a trabajar, a estudiar siempre en la misma carpeta con los mismo profesores mediocres, saber qué hacer día a día… y más aún para una persona que literalmente vive sola, alejada de su familia. Un sujeto solo, en medio de la masa. Y bueno eso se refleja en el tiempo que se toma el personaje en seguir sus acciones rutinarias, en el control obsesivo por cumplir la rutina en el tiempo de siempre, y cuando se rompe ese tiempo viene el caos. Ese tiempo me pareció importante demostrarlo de forma casi literal en el corto. Ojo, no quiero decir que fuera en tiempo real, pero sí de forma verosímil. Ahora, Alex no es tan mecanizado, ve a una mujer y quizá inconscientemente busca escapar tratando de conocerla, ahí viene el conflicto.

Hay una cuestión obsesiva en Alex, tu personaje, que se traduce en los planos, sobretodo en el de atar las agujetas.
Claro. Alex está loco. Las agujetas es en realidad una de las formas con las que intente dar a entender visualmente que el hombre este es obsesivo. La fuerza y dedicación desesperada por el atar de sus zapatos creí que podían ayudarme a dar esa sensación. Pero la idea inicial nació de una amiga de la universidad a quien vi con sus pasadores desatados, y me desesperó verla caminar así. He visto mucha gente, sacarse la mugre por sus pasadores desatados. Me di cuenta que también yo me ato a veces desesperadamente las agujetas. Sobre todo cuando estoy apurado y me da cólera cuando se me desatan.

Otra cosa interesante, es que es un corto casi mudo, basado en el ambiente, pero donde la música se aprovecha muy bien. ¿Cómo te decidiste por la música de Mozart y las variaciones de sus danzas?

Ahí si no hay misterios. Me encanta Mozart, y en Radio Filarmonía a las 7:00 am escucho un programa llamado “Buenos días, Amadeus”. Alex tiene algo de mí y la música lo explica. Además por una cuestión de ritmo en la edición. Con Diego Sarmiento coincidimos que el tiempo podría coger el ritmo necesario con cada una de las danzas, en las tres partes que las utilizo.

¿Lo has presentado a concurso? ¿Tienes planes?
No. Quizá lo presente en el Tercer Festival Audiovisual Estudiantil o en el próximo FENACO. Pero en realidad me interesa presentarlo solo para que sea visto y difundido. No me parece un corto de gran riqueza audiovisual, mas sí un buen ejercicio que es necesario ser visto y criticado.

En Cortocircuito, hemos visto varios cortos con el tema de la obsesión, la locura y el mundo interior del personaje. ¿Crees que es un tema de esta generación, o hay otro motivo?
Como dice El Chavo del Ocho: las dos cosas. Creo que muchos chicos de mi generación, al menos en donde me formé, hemos pasado ciertos cuadros de depresión que sería tonto no intentar mostrarlos en las producciones que hacemos. Independientemente de la calidad de estos trabajos creo que por diversos motivos estas producciones nacen de estos pequeños cuadros de depresión que vivimos. Quizá exagere, pero muchos de nosotros crecimos en hogares de padres que perdieron sus empleos con la dictadura fujimorista, u otros en otras circunstancias, pero los noventas -al menos para mí-, fue una década de decepción por su entorno no solo familiar, sino social en el país.

Algunos de mis compañeros compartían la experiencia de no tener apoyo en sus hogares por la carrera que empezaban a seguir. Entonces quizá se sentían solos. No creo equivocarme al creer que algo de esto hay en los cortos que mencionas. Por otro lado, es la inexperiencia de muchos, en los cuales me incluyo. Es la falta de recursos para tocar temas ya manidos, pero de forma innovadora. No digo que no se toquen estos temas, y en Cortocircuito he visto cortos muy buenos con personajes o temas similares. Pero he notado que lo primero que se viene a la mente del estudiante de cine o audiovisual para hacer su primera producción, es sobre un pata loco, que mata, o se obsesiona con una mujer, ¡qué sé yo! Y muchos nos creemos pequeños prospectos de Bergman, Godard o Lynch. Pero bueno, eso se supera con experiencia, práctica, hartas lecturas (no solo de teoría cinematográfica) y sobre todo mucho visionado de películas y por qué no, de mucha buena música. Sí pues creo que es falta de mundo intelectual para tocar estos temas de forma innovadora y creativa.

Gracias
No, a ustedes.

Agujetas (2005)
Dir: Ralp León Arias | 17 min. | Perú | MiniDV

Intérpretes:
Aldo Sánchez (Alex)
Thaís Cavero (Beatriz)
Carla Reyes (Enfermera)

Guión: Ralp León Arias
Dirección de fotografía: Telmo Arévalo
Cámara: Telmo Arévalo – Hidalgo Calatayud Espinoza – Ralp León Arias
Script: Cecilia Quintana
Luces: César Aguirre – Eder Sasieta
Asistencia general: Carlos Salazar
Producción general: Carmen Gallegos – Ralp León Arias
Edición: Ralp León Arias – Diego Sarmiento
Sonorización: Diego Sarmiento

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Sebastián es la historia de Alejandra (Katia Salazar), una madre que ha quedado devastada tras la muerte de su pequeño hijo Sebatián en la bañera de la casa. Los recuerdos no la dejan en paz. Fernando (Julián Legaspi), su esposo, trata de apoyarla; pero será suficiente cuando Sebastián comience a aparecer nuevamente a su alrededor. Sebastián es un corto sicológico con un par de vueltas de tuerca en la trama, pueden verlo a continuación:

La pre-producción del corto duró unos 3 meses y la grabación fue en 2 días. Realizado en DVCAM, cuenta con la participación de Julián Legaspi y Katia Salazar. Tuvo un costo aproximado de mil quinientos soles. El cortometraje ha sido estrenado en el Centro Cultural CAFAE el año pasado.

Ficha Técnica

Sebastián
18 min. | DVCAM

Intérpretes: Julián Legaspi, Katia Salazar, Salvador Córdova
Director: Juan Carlos Díaz
Guión: Juan Carlos Díaz
Producción: Escuela de Cine de Lima & Artes Visuales
Asistente de Dirección: Eric Asca Román
Asistente de Producción: Gabriela Delgado y Yuri Gonzáles
Cámaras: Ernesto Lastra Morris
Boom: Josué Medina
Maquillaje: María Ruiz Vivanco
Iluminación: Felipe Arroyo y Jaime Luis Vilca
Vestuario: Gabriela Delgado
Post Producción de Vídeo: Néstor Mendoza Lupérdiga
Post Producción de Audio: Álvaro Reynaga Céspedes
Script: Evelyn Allauca

Mira aquí el Making of de Sebastián »

Mira aquí el Tráiler de Sebastián »

¿Cómo se conocieron?
Julia Gamarra: Nos conocimos en San Marcos, somos de la escuela de comunicación social. En realidad casi ya entrando a la especialidad, empezamos a hacer amistad y a conversar sobre los proyectos cinematográficos que teníamos en conjunto, las ideas de hacer cine que teníamos para el futuro. En la escuela en realidad la especialidad es producción audiovisual pero de cine se habla muy poco y entonces junto a tres personas más empezamos a conversar del tema, el interés de proyectarnos cuando egresáramos hacia la producción cinematográfica o audiovisual en general.

¿Y cómo nace la idea del corto?
Telmo Arévalo: Nace por un interés de Julia por Andrés Caicedo, el crítico colombiano, ella adaptó tres cuentos que le gustaban mucho y es ahí donde sale el guión, conversamos la idea visual luego, y así sale sin mucha demora el corto. Sale muy rápido ya que por ser del curso teníamos el tiempo un poco ajustado
Julia: Yo dije: Me gusta este pata y me gustan estos textos de Andrés Caicedo así que por qué no hacemos algo y de ahí la idea de un par de personas que se encuentran en un cine. Nos sentamos un día a conversar y salió el guión y casi el guión técnico a la vez, rápido, fue una cosa de mucha comunicación, mucha intuición también.

Fue un trabajo para un curso de fotografía.
Julia: Si, este corto fue del 2004, cuando estábamos en el cuarto año de la universidad, el primero de la especialidad, conociendo ya un poco más, como se enfocaba en San Marcos el trabajo audiovisual, y en foto nos hicieron varios requerimientos de trabajos y un proyecto final de video.

¿Y la música la trabajan con Diego Sarmiento?¿Cómo así llega Diego a trabajar con ustedes?
Telmo: Diego es dentro de nuestra promoción el que mejor trabaja audio y consideramos que él podía componer la música y creo que lo hizo muy bien
Julia: En realidad los trabajos eran grupales, pero el apremio del tiempo nos hizo concentrar el trabajo entre ambos y contar con algunos compañeros en algunas cosas de asistencia y finalmente cuando hicimos la edición, Diego nos apoyó con la revisión de la edición y la música, y así le dimos el toque final.
Telmo: Incluso nos apoyo con la locución en off, ya que es su tío quien la realizó, y en cuestión de post, Diego hizo muy bien su trabajo.

¿Y cuánto duró todo el planeamiento, desde la pre hasta que terminó?
Julia: La pre producción y la realización menos de una semana y la post producción si tomó un poco más de tiempo, porque estábamos en la universidad, teníamos otros cursos y había que darle más dedicación.

¿Porqué optan por el blanco y negro?
Telmo: Pienso que es algo así como hablar del metacine, hablar de cine dentro de él, y sobre todo de un tema donde se añora el cineclubismo, entonces se prestaba completamente ese tratamiento, incluso la narración en off, eran varios factores.
Julia: Era dar una estética de cine mudo, frente a un tema que de por sí nos causaba bastante inquietud que era el fin del cineclubismo, es una añoranza a lo que fue, con una estética de inicios del cine un poco modernizada.

¿Y ese concepto de la pérdida del cine, todavía lo mantienen?
Telmo: Me parece que se va a mantener.
Julia: Se va a mantener de cierta forma porque era una cuestión generacional, de la inquietud que teníamos con cierto grupo de personas, y bueno en nuestra promoción de comunicadores sociales, no productores, somos alrededor de cien personas, y uno ve las diferentes expectativas de cada uno, y cómo que no hay mucho interés, incluso siempre se ha presumido de la posibilidad de cerrar nuestra especialidad, entonces era eso: ¿qué pasa? ¿por qué no se interesan? Por eso hcicimos algo al respecto.
Telmo: Hay una cosa curiosa en la Escuela, a la especialidad de Producción se le considera la tercera y última, no está considera como Organizacional o Periodismo y es por eso que siempre se habla de desaparecer la especialidad y los alumnos están como en un limbo y apelar al cine creo que parece una locura.

¿Y no se están abriendo más espacios para mostrar cine?
Julia: Claro, pero era 2004, estábamos estudiando y no sabíamos que nos deparaba el 2007 y si ahora son las cosas de repente un poco más claras, en ese entonces decíamos: pero quién va a contar con nosotros, cómo vamos a hacer cine, si ese es el interés y encima la gente y la institución con la que podemos contar no se interesan mucho.
Organizamos algunas actividades académicas, sobre todo después de realizar el camino de la producción que tanto nos interesaba.

¿Y para el corto qué ayuda tuvieron: financiamientos, permisos…?
Telmo: Yo creo que la ayuda principal fue la de Pancho (Francisco Adrianzén)
Julia: El espacio donde se registró también, porque económicamente fue muy de bajo presupuesto, bajísimo. Como pueden ver contamos con Telmo en la actuación.

¿Cuánto costo el corto?
Telmo: ¿Menos de cien dólares?
Julia: No. Pero ya contando con la post producción, quinientos dólares a lo mucho. Pero uno puede siempre decirte una cifra, pero en general el trabajo que no se cobra, como el nuestro, el local, que si cuantificamos, salen aproximadamente unos quinientos dólares, pero efectivamente el gasto que hicimos fue distinto, afortunadamente.

¿Grabaron en MiniDV?
Julia: Sí, una MiniDV que nos prestaron.
Telmo: Isla prestada para editar.
Julia: Espacios prestados, los talentos prestados, Pancho Adrianzén que es sonidista. Tuvimos el detalle de su actuación, Pancho nos dio un día de trabajo y también un apoyo en cuanto a sonido, una cierta orientación que incluso no habíamos contemplado, pero él muy amablemente nos dio y cada persona que lo ve dice ahí esta Pancho Adrianzén actuando, ¿cómo lo hicieron?.

¿Dónde han exhibido el corto?
Telmo: En Cusco, aquí en Lima en el CAFAE, en Barranco, también estuvo en el festival “El Espejo” en Colombia, que es de corte estudiantil.
Julia: En Unifest que es un festival en España, también estudiantil, luego en Chiclayo, en nuestra escuela, en la Universidad, en concursos universitarios de comunicación…

Y desde entonces ¿Qué otros trabajos han hecho?
Telmo: Uno más para un curso.

Juntos, ¿no?
Julia: Si pero ahora Telmo en la dirección y yo asumiendo la producción que es más o menos la orientación que teníamos. Y de ahí proyectos documentales, trabajos básicamente de la universidad. Y ya saliendo cada uno ha tomado diferentes caminos y hemos tratado de apoyarnos. Hemos trabajado juntos en un cortometraje que he producido y Telmo ha estado apoyándonos. Y en proyectos cinematográficos que tenemos, estamos pensando en contar con el apoyo mutuo.
Telmo: Es una cuestión de no parar, yo estoy en la cuestión documental e institucional en algunos casos.
Julia: Si bueno ya tenemos dos años de egresados, en este tiempo me he dedicado a elaborar proyectos audiovisuales, tal es así que ya tengo una empresa e incluso dos proyectos de largometraje.

Y ahora ¿qué proyectos siguen?
Telmo: En realidad si hay un proyecto juntos pero es para mas adelante.
Julia: Siempre que hay oportunidad se hace algo, ahora que hay herramientas por qué no se puede hacer algo, hace poco hablamos sobre eso.

¿Qué opinan sobre el apoyo a la producción nacional que el Estado debería dar?
Telmo: Creo que esta fuerza inicial que existe debería manifiestarse con más poder para que haya un cambio en la cuestión presupuestal, que haya una visión cultural del Estado, ese es nuestro punto de vista como interesados en el mundo del cine.
Julia: Si bueno, dispuestos a apoyar, lo hemos hecho en nuestros años de estudio, en lo posible participando en cuanto a temas de diversidad cultural o por la ley de cine, la idea es que cada uno desde su lugar pueda hacer algo, e invocar a la gente que desde donde esté, si tiene el interés de dedicarse al cine o de que haya una industria de cine peruano, pues que se involucren, que realicen, que lo intenten, que traten de ser cada vez más profesionales para que la opinión publica, los políticos, las instituciones puedan darse cuenta de que no somos cualquier cosa, sino que tenemos una intención clara de que el cine peruano tenga una industria, fastidiar para que nos den el presupuesto.

¿Y que opinan sobre el desarrollo actual del cine nacional?
Telmo: Es una cuestión saludable de todas formas para los que estamos ahí o para los que queremos estar, pero hace falta más presencia, más difusión y hace falta más gente que se anime a dedicarse exclusivamente a esto aunque sea complicado. Me parece saludable que incluso en el interior la gente le haya dado la espalda a Lima y empiece a realizar para su publico, eso es muy bueno. Pero igual yo siento que hay un desorden pero que es parte de ese proceso, la gente produce dentro del país y aquí en Lima. En el interior incluso no sabemos como es la cuestión de la distribución, de proyección –contratan lugares para proyectar y esa es su forma de recuperar la inversión– pero seguramente como todo proceso que empieza sin un aval oficial, va a llegar a un buen norte, yo creo que si.
Julia: Lo importante es que estamos en camino de llegar a ser más profesionales, si bien hay un auge de trabajos, muchas veces uno se contenta con hacer un proyecto y no tiene una continuidad, un destino trazado, en eso sería ideal que la gente que se dedica al trabajo de producción apueste por darle continuidad al trabajo, en pensar en qué forma va a ser la producción, uno puede quedarse en hacer la proyección, pero no busca donde presentar el trabajo, donde salir, sobre todo en la gente joven como nosotros, pero creo que es por desconocimiento; pero ahora teniendo tanta apertura, por ejemplo usando Internet, la gente debe dedicarse un poquito más a eso y bueno así abrir un nuevo camino, porque con los realizadores asentados como que es más difícil involucrarse.
Creo que se están dando las posibilidades en el cine de provincias como en el cine joven, ahí se están generando nuevas perspectivas.

Cineramas (2004)
Dir. Julia Gamarra y Telmó Arévalo | 10 min. | Perú | MiniDV

Reparto: Francisco Adrianzén, Candy Torres, Telmo Arévalo
Narración: Jorge García Calderón
Voz en off: Pamela Paz, Telmo Arévalo
Producción: Julia Gamarra
Dirección de fotografía: Telmo Arévalo
Guión: Julia Gamarra, a partir de los textos de Andrés Caicedo: “El espectador”, “Destinos fatales” y “Diario”
Edición: Julia Gamarra, Diego Sarmiento
Asistente de edición: Telmo Arévalo
Postproducción de sonido: Diego Sarmiento
Música: Diego Sarmiento
Animación: Iosif Ibarra

Agradecimientos:
Francisco Adrianzén, Cine Arte de San Marcos, Ángela Castillo, Edgar Chilo, Eduardo Ibarra, Mirella Matías, Ramón Prieto, Rocío Quenaya, Gabriel Quispe, Verónica Roldán, Miguel Rosas, Diego Sarmiento, Pepe Sarmiento, Jorge Sarmiento, Candy Torres, René Weber

Fotos: Hugo Palomino
Producción: Mary Panta
Transcripción: Luis Ramos y Luisa García

Alan ¿Cómo te interesaste por el campo del cortometraje?
Bueno, lo del cortometraje, es inevitablemente la primera manifestación de esa pasión expresa y “concreta” por el cine, por cierta forma de cine; además de ser la que está más al alcance, y no sólo por su extensión, sino también –y básicamente- por su forma expresiva, casi como un buen cuento, o una canción intensa y surrealista. La dosis recetada contra la cotidianeidad.

¿Tienes planeado continuar produciendo?
Por supuesto. Lo interesante es hacer cosas con lo poco que uno tenga. Poner a prueba el ingenio, exigirle, exprimirlo, corregirlo, y representarlo a través del arte. Al menos, eso espero lograr.

¿Has formado un equipo de trabajo en Cajamarca?
Bueno por el momento el único del equipo soy yo. Supongo que tiene que ver con el veintiúnico punto de vista imperante (quizá equivocado) que suele ser el mío.

¿Con qué equipos trabajas?
Quizá esta sea una de las cosas más curiosas, ya que hasta ahora no he trabajado con una filmadora tradicional. En mi humilde corto Alfil, como en Hotel de paso, trabajé con una cámara fotográfica. Sí, con una cámara fotográfica, en su opción de video. Tuve la oportunidad de trabajar con una Handycam, pero al comparar los resultados, intuí que podía trabajar mejor con la textura de la fotográfica, ya que mantiene cierta capa de imagen que emula a las películas viejas de los 80′, además de ser adecuada para trabajar con las luces amarilla y naranja, y con los colores contrastados que estas generan.

La edición la hice en el programa más simple de todos, el Movie Maker, el mismo que viene en casi todas las PC, y con el que también hice un par de experimentos en animación, utilizando además decenas de tomas en el Paint. En el caso de Alfil, la música -al menos el tramo final- la canción “Aquí vienes” se la pedí al músico argentino Carlos Vandera, (músico actual de Fito Páez) quien me envió muy atentamente su CD desde Argentina hace unas semanas. Yo dibujé el rostro del corto. Puse los títulos. Utilicé temperas, un reloj malogrado, una cabina de internet, un baño ajeno. Corrí en la noche lluviosa, cruzando la avenida de un lado a otro, con la cámara en mano, ante la mirada extrañada de un par de noctámbulos y taxistas.

Entrevista: Luis Ramos
Edición: Antolín Prieto

Hola Giuliana, ¿Hace cuánto tiempo realizaste tu corto “El Bebé Toro”?
Hace dos años.

¿Qué te inspiró, a la realización de la historia del corto?
Una tragedia, cuando yo me fui de viaje a Huaral a la sierra de Lima, estábamos pasando por unos cerros y vi a unos burros que estaban muertos, yo le pregunté a mi papá por qué estaban así?, y él me digo que unos pumas se los habían comido.
Esto me impresionó mucho, luego en el colegio San Sebastián, donde estudiaba hace dos años, en el curso de Comunicación Integral, me pidieron hacer un cuento y me hizo recordar la imagen de esos burritos muertos y ahí cree el cuento “El bebé toro”.

¿Cómo realizaste tu corto y cuánto tiempo te tomó?
En base a este cuento, hice los dibujos y me demoró un día en perfeccionarlo.

¿Lo presentaste en algún festival?
Lo presenté en “Festival de Cortometrajes Escolares y Juveniles”, organizado por la Asociación “Portavoz”, en el año 2006.

¿Cuéntanos un poco de la historia de El Bebé Toro?
Se trata de la historia de una vaquita que tuvo a su hijo y este se alejó de ella, se fue a explorar a otro lado y se encontró con unos pumas y lo agarraron, y la mamá se puso muy triste y su dolor se le quedó en su corazón.

¿Por qué pusiste un toro, si tuviste en la altura a un burro?
Porque no me gustaba ponerle el título Bebé Burro, más me gustó Bebé Toro.

Y dime Giuliana, ¿Qué otros proyectos tienes para el futuro?
Terminar el colegio y seguir estudiando mi curso favorito que es música, practicando el cajón, y desarrollar más el deporte de la natación.

Gracias Giuliana por darnos la entrevista.
Gracias a ustedes, espero que mi corto les guste.

Entrevista y texto de presentación: José Carlos Ramos Panta
Fotos: Hugo Palomino
Edición de video: Mary Panta

Actualmente, el director de El perdón trabaja como asistente de iluminación en la película de Ronnie Temoche, El inca, la boba y el hijo del ladrón. Aquí su cortometraje documental:

Omar siempre trabajó en video digital y ha consumido mucho video arte, especialmente los trabajos de Diego Lama y de Roger Atasi y es a partir de allí, de la explotación del recurso tecnológico en su máxima expresión, que comienza su interés por el audiovisual, lo que lo llevará a ver en el video, el medio para satisfacer la necesidad de expresar sus sentimientos.

Para Omar el documental es un género cercano, es un terreno donde uno siente cuándo debe comenzar y cuándo debe terminar, es un proceso personal además, de etapas y momentos de ánimo específicos que se quieren dar a conocer o replantearse dentro de uno mismo.

Su primer documental Esta es la banda fue un ejercicio dentro de un curso de la universidad sobre la barra brava del Club Deportivo Municipal que le costó mucho realizar, debido al nivel de acercamiento que había que experimentar y que a Omar le resultaba bastante difícil, ya que se sentía como un objeto extraño dentro del universo humano que era la barra del Municipal, tanto así que, después de hacerlo, pensó que nunca más iba a volver a hacer un documental porque le costó mucho hacer ese primer trabajo.

Para su segundo documental ya tenia mejores referencias sobre el trabajo en equipo y un mayor acercamiento al documental, fruto de haber visto varios filmes valiosos de Nicolas Philibert, Chris Marker y en especial Exilio en Sedán de Michael Gaumnitz, que le dieron la visión necesaria para su proyecto siguiente: El perdón.

Quezada retrata en su documental un tema bastante personal, la historia de un compañero excluido del grupo escolar al que pertenecía, por ser el raro del colegio, por no ser igual a sus compañeros. Él se plantea la difícil tarea de pedir perdón después de varios años, y sobre todo compartir y hacernos testigos de esa etapa de su vida. El documental de Omar Quezada es una búsqueda de la amistad perdida y, a su vez, un encontrar respuestas en un momento específico de su vida, un espacio que marcó su etapa escolar y que terminó mal.

Ficha técnica:

Duración: 31 min. 18 segs. | 2006
Formato original: Mini DV
Dirección: Omar Quezada
Producción: José Bernaola
Cámara: Mónica Panta, Christian Acuña
Sonido: Ángel Dávila
Edición: Camila Ampuero, Omar Quezada
Cámara de Apoyo: Sofía Velásquez, Omar Quezada
Profesor: Alonso Quinteros
Jefe de Práctica: Sofía Velásquez
Entrevistas: Steve Goulden, Javier Marroquín, Christian Nakasone, Giancarlo Poma, Carlos Remy, Javier Tapia

Para poder publicar un post con tu corto necesitamos lo siguiente:

• Fotogramas del cortometraje
• El corto en formato AVI (mejor calidad) o en DVD
• Material extra que desees mostrar

Nosotros nos encargaremos de grabar la presentación y realizar la entrevista, asi es que esperamos a quienes deseen unirse a la convocatoria. Si quieres ver tu corto en Cortocircuito puedes escribir a nuestra dirección electrónica: cinencuentro@gmail.com

Dentro de la Universidad de Lima, los cursos de historia del cine -dictados por el crítico Ricardo Bedoya- fueron decisivos para que un año después iniciase su peregrinación al Brasil, en búsqueda del conocimiento del lenguaje cinematográfico.

Álvaro conoce a Sheila en su primer viaje a Río de Janeiro en 2001, y queda fascinado por la figura de éste personaje: su forma de expresarse, de vestirse, sus problemas y su particular historia de vida. Al año siguiente en el Perú, Alvaro realiza el cortometraje Pensando un momento en el más allá, donde en un supuesto programa, se entrevista a un actor que ha logrado fama a partir de un corto llamado “El águila andaluz”.

El documental Sheila, artista de 360º, fue grabado el 2004, después que Álvaro iniciara sus estudios en la Universidade Estácio de Sá.
El corto tuvo buena repercusión en Rio de Janeiro, pues Sheila era una artista muy popular y querida en la ciudad. En la producción trabajaron 6 personas y costó entre 100 y 200 reales (menos de 100 dólares), debido a que utilizaron los equipos de registro y edición de la universidad. Sheila murió en junio del 2006 de una infección que contrajo en un hospital popular de Río.

El cortometrajista recuerda ahora, la vez que Sheila lo disfrazó de indio Tupí (raza vinculada a la cultura Guaraní) para tomar fotos Polaroids junto con ella en la Feria tradicional de Sao Cristóvao y en las calles de Copacabana, a partir de esa convivencia conjunta realiza el guión del documental, que se grabó al finales del 2004 y fue editado en el 2005.

El corto de Sarmiento ha participado en varios festivales en el Perú, obteniendo una Mención Honrosa en el 3º Festival Nacional e Internacional de Cortometrajes realizado en Cusco- y en Brasil, donde ha participado en festivales estudiantiles como: XXXIII Jornada Internacional de Cinema da Bahia realizado en Salvador, Bahia; IX Festival Universitário de Cinema e Vídeo da UFRJ. Vide Vídeo en Rio de Janeiro y en la 5ta. Mostra do Filme Livre 2006. Curta o Curta

Sheila, artista de 360º (2005)

Ficha técnica

Duración: 14 min. 30 segs.
Idioma original: Portugués
Formato original: Mini DV
Guión: Álvaro Sarmiento Pagán, Bárbara Barreto, Mariana Katona Leal
Dirección de Producción: Sammara Niemeyer
Fotografía: Júlio Vianna
Cámara: Álvaro Sarmiento
Asistente de Cámara: Bárbara Barreto
Sonido: Clarissa Freitas
Edición: Álvaro Sarmiento Pagán, Bárbara Barreto

Sinopsis: Sheila, conocida artista de las calles de Rio de Janeiro, sobrevive tomando fotos Polaroids disfrazada. La taxicicleta ecológica inventada por ella la hizo ganar varios premios en el Brasil y en el extranjero, además del título de científica. Sin embargo, un pasado trágico se oculta detrás de su sonrisa.

Ha estado inmerso en el mundo audiovisual desde muy chico gracias al trabajo de su padre, publicista de profesión, que fue el que inició sin querer a Diego en la profesión del video. Junto a su hermano y su padre grababan historias cortas -muy malos según el director de Solos en la ciudad- a partir de los cuales le agarró el gusto al formato corto.

El corto Solos en la ciudad fue su trabajo final de la universidad. Es, como dice su director, un corto con bastantes referencias a Juan Alejandro Ramirez, director de documentales como Todo y nada (1993) y Muy lejos de aquí (1999). El corto documental contó con la participación del reconocido actor y director de teatro Jorge Chiarella quien prestó su voz al personaje universal que Sarmiento trata de reflejar a partir de los dos protagonistas de su historia: el fotógrafo y el organillero del parque Kennedy de Miraflores. La realización del corto le llevó aproximadamente 3 meses (dos de preproducción, 5 días de grabación y un mes más de posproducción)

Su primer trabajo como director de documentales ha sido presentado en la semana audiovisual de la UNMSM, además de haber sido uno de los 10 finalistas – el único latinoamericano – en el Bogen Imaging Film and Video Contest y ha sido enviado al Festival Cinesul de Brasil

Ahora Diego prepara su siguiente cortometraje documental, Extranjero (ver el tráiler), que lo comenzó en New York, durante su estadía como estudiante de la Academia de Cine, y que está terminando aquí en el Perú; al igual que Solos en la ciudad, el mini documental dura aproximadamente 5 minutos -tiempo ideal para el director- y es una comparación entra la ciudad de Nueva York y Lima y la gente que habita en ambas urbes. Además, el director san marquino se prepara para entrar al campo de la ficción en corto tiempo.

Mira aquí la entrevista a Diego Sarmiento: Parte 1 y Parte 2

Algunas fotos del rodaje de “Solos en la ciudad”:

Video y Edición: Mary Panta

Mauricio y Erick se conocieron durante un taller universitario llamado Realización Audiovisual donde Mauricio –Morris para los amigos- asesoró a Erick Aubert en su primer cortometraje llamado Ausente. A partir de esta interacción se crea una amistad de intereses comunes que será la gestora de Para Noya, corto que se empezó a idear en julio de 2006. La idea original parte de Morris que quería, a partir de una discusión de pareja, lograr una visión de la sociedad contemporánea. “Lo que buscaba era representar el consumismo por un lado, la tendencia de la gente hacia lo material y esas cosas y por el otro lado el interés social de las personas”, refiere el joven cortometrajista chiclayano.

El cortometraje se trabajó por email, Mauricio escribía el guión y Erick, en Cusco su tierra natal, corregía los textos. Llegando a Piura para el nuevo ciclo universitario escogieron a los actores con los que trabajarían: Noya, interpretada por Gloria Lescano, es una empleada de un banco que se preocupa por la economía del hogar; y Carlos Burstein, que aparte de ser primo de Mauricio, calzaba perfecto con el personaje idealista, calmado y poco preocupado. Un equipo de 3 personas, 2 locaciones, 2 días de rodaje y 150 soles fue todo lo que necesitaron para hacer realidad el proyecto que se generó en la sala de edición de la universidad 4 meses atrás.

Como ambos explican, se quedaron sorprendidos cuando fueron seleccionados para concursar en los Premios Maersk Line Perú 2006, ya que su trabajo en la realización del corto se había basado en el guión y las dificultades técnicas que habían tenido habían sido superadas en el limite de tiempo de entrega. Sin embargo, por la temática del Congreso y por el énfasis que habían puesto a la hora de escribir la historia pudieron ganar el premio a Mejor Guión embolsándose 200 dólares, que Erick ahorró y Mauricio la gastó con sus amigos.

Un dato curioso, este par de cortometrajistas tiene una peculiar forma de resolver sus “asuntos internos”. Ha habido siempre desacuerdos en muchas cosas: quién va primero en los créditos, qué nombre le ponen al corto, quién se lleva el premio, qué música van a elegir. Ellos lo resuelven todo con un yan kem po.

Esta dupla de estudiantes de comunicación prepara nuevo cortometraje para mayo de este año. Esta vez es una idea original de Erick y trata sobre un tipo alcohólico y sus recuerdos antes de caer en el vicio del alcohol.

Ficha técnica y artística

Duración: 04′ 34″
Fromato: Mini-DV
Fecha de realización: Setiembre 2006

Actores: Gloria Lescano (Noya) / Carlos Burstein (Carlos)

Director: Mauricio Burstein / Erick Aubert
Guion: Mauricio Burstein / Erick Aubert
Productor: Mauricio Burstein
Cámara: Mauricio Burstein / Erick Aubert
Edición: Erick Aubert
Sonido: Mauricio Burstein
Iluminación: Erick Aubert / Marianelly Díaz
Script: Marianelly Díaz

Además ha colaborado como asistente de rodaje en el largometraje Los actores (2006) de Omar Forero, aún sin estrenar; y en algunos cortos: actuación y edición en La bolsa (2005), iluminación en En el vientre de la noche (2004), post producción de video en La escuela de la calle (2003), entre otros. Forma parte de 4 Gatos Arte Colectiva desde el 2004 y y es además editor de Cinencuentro.

Sobre el corto

Gómez es un ex boxeador conocido como “El Torito”, se ha convertido en taxista por distintas circunstancias; se queja con sus pasajeros sobre la ciudad y su violencia, su trabajo y sus sueños rotos. Sin embargo, busca la manera de ayudar a la gente que se cruza en su camino a así redimirse.

El Torito (Trujillo, diciembre 2004)

Ficha artística

William Chumpitaz: “Torito” Gomez
Rebeca Rodriguez Cocal: Víctima de violador
Daniel Chávez: Violador
Jose Luis Uriarte: Pasajero
Patricia Mori: Pasajero
Maria Segura: Pasajero
Alonso Gordillo: Pasajero
Luis Suárez: Pasajero
Christian Saldaña: Pasajero
Harold Ambulodigue: Ladrón
Luis Alvitres: Ladrón

Ficha técnica

Guión y Dirección: Antolín Prieto
Producción Ejecutiva: Rosa Cabanillas
Asistente de Producción: Juan Carlos Flores
Cámara: Juan García y Antolín Prieto
Script: Juan García
Iluminación: Alonso Gordillo y Luis Alvitres
Audio Directo: Harold Ambulodigue
Edición: Antolín Prieto

Música: “Todo tiene su final” de Héctor Lavoe
Video inserto: “El Santo contra el Doctor Muerte”

Realizado para el curso “Introducción al Video y la Televisión” en UPAO

Profesor: Percy Subauste
Jefe de práctica: Maria Luisa Bazán

Enlaces relacionados:

• “El Torito” gana en el Festival de Cortos Estudiantiles
• Ganadores del 1º Festival Audiovisual Estudiantil de San Marcos

Como característica recurrente en los cortometrajistas peruanos, Torres también desarrolla su primer corto Carretillas Driver dentro de las aulas universitarias como parte de un curso universitario de la carrera audiovisual. Dentro de la realización, Fernando desarrollo la investigación de manera personal a partir de entrevistas y de conocer a los protagonistas de su documental en uno de los mercados mas populares de la ciudad de Trujillo y que se encuentra cerca de una de las zonas más peligrosas de la ciudad.

El corto fue rodado en Video Hi8 en un solo día de rodaje. A la par, Fernando colaboraba con otro grupo de estudiantes que grababan otro corto documental sobre pandillas en la zona de Florencia de Mora, aledaña al mercado de la Hermelinda.

La historia que presenta Carretillas Driver es más que todo un recorrido por la vida diaria de 3 niños carretilleros en sus horas de trabajo, con un tratamiento diferente, no mostrando lo terrible y trágico de la faena laboral sino la toma de conciencia de los niños sobre el rol del trabajo en su familia, ya que lo ven como una ayuda y un aporte a su hogar más que como una explotación y un sufrimiento.

Fernando conoce esta realidad pues la ve a diario, ya que aparte de seguir estudios en la universidad, ha trabajado como taxista y ha sido testigo involuntario de esa parte social, de esa construcción diaria de lo urbano marginal que es el espacio donde toma las historias para realizar sus cortometrajes.

Con este trabajo, Torres gana el premio a Mejor Documental en la categoría estudiantil del Festiva Nacional de Cortos (FENACO) en Cusco, donde se hace acreedor a un Paquete para estudiar edición y posproducción en Media Solution, además ha ganado el premio a mejor documental -Sede Trujillo- de La noche de los Cortos y el Premio del la Asociación de Facultades de Comunicación realizado en el Cusco, donde quedó en segundo lugar.

Fernando Torres ahora se prepara para realizar un documental turístico sobre la hacienda azucarera Laredo, del cual ya tiene el guión listo, además de realizar un corto de ficción sobre el amor y la relaciones entre parejas de la tercera edad llamado “Paris cien pasos”.

Ficha artística y técnica

Duración: 9min 83seg
Fromato: Video Hi8
Fecha de realización: 2005

Personajes:
Wilton, Segundo, Luis, Elmer, Sra. Betty

Dirección: Fernando Torres
Guión: Fernando Torres
Producción: Sue Orihuela
Equipo de Producción: Betty Villanueva, Wilson Fernández, Marlene Linares, José Gurreonero, Núñez Alcántara, Katia Valencia, Gina D’Angelo, Tesis Sagástegui, Dante Padilla, Marialuisa Bazán, Paul Castillo
Edición: Fernando Torres
Cámara: Rommel Ascue, Richard Deza
Musicalización: El chúntaro Style (El Gran Silencio), Mi dolor (Chacalón y la Nueva Crema), Gregorio (Fránesis)

Fotos

Con dos cortometrajes en su filmografía, Czar ha ganado ya varios premios gracias a A solas, que cuenta la historia de un hombre solitario que tiene una nueva oportunidad para encontrarse con su hija que no ve desde la separación con su mujer.

Sobre el corto

El corto parte de la soledad, de la idea de que cada ser humano se encuentra solo en el mundo a pesar de tener mucha gente alrededor; y en medio de esa soledad la búsqueda de compañía, de inventarse alguien que ayude a enfrentar el futuro. Para el director, el cambio que experimenta el personaje central dentro de la historia va creciendo, va prestándole mayor interés a la vida, a pesar de que la gente lo mire distinto.

Grabado en 16 horas debido a la metodología del estudio que le impusieron en la academia; la decisión del blanco y negro fue decisión propia y la financiación del cortometraje corrió por cuenta de amigos – la obra costó aproximadamente 300 dólares. El guión de A solas lo escribió en un año, inmediatamente después de la presentación de Onix en el Instituto Chaplin, junto con sus compañeros de estudio.

La idea de contar con Ricardo Fernández – uno de los mejores actores a nivel nacional – ha sido bastante trabajosa pues Czar tuvo que seguirlo hasta las afueras de un conocido teatro donde trabajaba para plantearle la idea del corto; idea que el protagonista de Asi es la Vida – serie bastante vista en el Perú -aceptó gustoso. Ya en las grabaciones el profesionalismo y el carisma que Fernández puso en la obra saltan a la vista.

En su cortometraje anterior, Onix, nace a partir de una especie documental de planos. Czar recurrió a la ayuda de su familia para hacer el corto que cuenta con la participación de un primo suyo. El corto se hizo sin ninguna planificación, exclusivamente para poder presentar su tarea a tiempo en un curso de la Chaplin.

Czar prepara junto con Rafaél Arévalo, el director del corto Capucha negra, la realización de un largometraje que ya se encuentra en la fase de guión. La idea gira a partir de 4 cortometrajes que están unidos por una temática – en este caso los ojos – y a la vez por situaciones o escenarios que puedan cruzarse.

Ficha artística y técnica

A solas (2005)
Duración: 19′ 33″
Fromato: Mini-DV

Actores:
Ricardo Fernández, Lianne Camilo, Natalia Montoya, Juan Tumba, Carlos Dertiano

Dirección: Czar Calla
Producción: Monarca Films
Asistente de Dirección: Cristina Pinto
Guión: Czar Calla
Jefa de Producción: Adriana Altamirano
Imágenes: Daniel Yupanqui
Iluminación: Rafael Arévalo, Beto Méndez
Continuidad: Tilsa Otta
Sonido: Karina Lozano, Milagros Crisóstomo
Asesor de sonido: Omar Ráez
Edición: Czar Calla
Musicalización: Czar Calla
Apoyo en la musicalización: Cristina Pinto, Kike Pinto

Fotos de la entrevista a Czar Calla

El calor de la acera cuenta la historia de un adolescente que a causa de los problemas familiares y el maltrato y la violencia en el hogar, decide huir de su casa en busca de un poco de cariño.

Sobre el corto

Giancarlo Rasilla Guerrero, estudiante de la carrera de Dirección y Realización de Cine en ell Instituto Charles Chaplin, nos cuenta lo siguiente sobre su corto: “Este es mi primer trabajo como director junto a algunos compañeros de mi clase. Este corto lo realizamos en noviembre del 2006 y fue publicado en el instituto en diciembre para un trabajo final, lo que nos acredito la nota más alta de todos los trabajos del ciclo. Junto con algunos amigos formamos una productora independiente llamada “ZetaUnoFilms” con la cual pensamos hacer más cortometrajes”.

Mira el Making of de El calor de la acera.

Ficha técnica y artística

El calor de la acera (2006)
Duracion: 6 min. 35 seg.
Formato: Mini-DV
Cámara: Sony, modelo DCR-VX2100
Fecha de realización: Noviembre de 2006

Actor: Diego Villarán

Director: Giancarlo Rasilla
Productor: Juan Augusto Carlos
Producción: Esperanza de Ornella Páez, Rafael Velázquez
Cámara: Juan Díaz, Daniel García
Asistente técnico: Jimmy Roca
Edición: Wilian Mariano, Augusto Samanamud

Sobre el director

Gerardo Ruiz Miñán ha escrito y dirigido tres cortometrajes reconocidos y premiados en festivales como el de Sao Paulo, Sundance, Guanajuato, Bilbao, Buenos Aires y Bogotá, y en concursos organizados por Conacine y Cinecorp. Email a mamá es su último cortometraje, el cual obtuvo el Premio especial del jurado en la 1ª edición del Festival internacional “La noche de los cortos”. Entre sus últimas actividades, ha preparado la estructura de guión de la serie de televisión pronta a entrar en rodaje “Mi problema con las mujeres”, además de ser guionista principal de ésta. También prepara su primer proyecto de largometraje.

(Vía La noche de los cortos)

Ficha artística y técnica

Email a mamá (2005)
Duración: 2 min.
Formato: Mini DV

Actores:
Wendy Vásquez

Dirección: Gerardo Ruiz Miñán
Guión: Gerardo Ruiz Miñán
Producción: Roger Da Porciuncula, Gerardo Ruiz Miñán
Fotografía: Pepe Chicoma
Edición: Luis Escobedo
Dirección de arte: Gerardo Ruiz Miñán
Diseño de sonido: Armando “Gato” Elías, Franjo Antich, Polo Cox, Víctor Villavicencio

En Cinencuentro:

• “Email a mamá” gana en el 10º Festival de Cine Latino de Los Angeles
• “Email a mamá” gana en el Festival de Cine Cero Latitud

Sinopsis

Un joven mafioso (Mikel Hoyle) trata de matar al pez gordo de la mafia (Alejandro Arenas). Cortometraje peruano hecho por Juan Daniel Fernández para probar un nuevo efecto de cámara estabilizada sobre una pistola.

Sobre el corto

Juan Daniel nos cuenta lo siguiente sobre su corto: “La idea del efecto steadygun nació a inicios del año pasado. Hablando de steadycams y las cámaras que ponen sobre los mangos de guitarras se me ocurrió que sería interesante hacer lo mismo pero con una pistola. La idea permaneció rondando mi cabeza, mi cerebro me pedía que deje de alucinar en el efecto y lo haga realidad. Así, hablando con Mikel Hoyle (también alumno de mi ex universidad, la UPC) le conté la idea del efecto y se emocionó casi tanto como yo, así que decidimos hacer un corto simplemente porque teníamos la necesidad de materializar esa idea. Quise encontrar una idea bastante simple, nada pretenciosa, para sacarle provecho al efecto y que esas tomas sean las protagonistas de la película. Mikel se ofreció para hacerlas del joven mafioso, y le pasé la voz a Alejandro Arenas para que interprete al capo de la mafia, a él lo conocía desde el 2005 cuando protagonizó mi primer corto, Cuarto oscuro (que también fue el primer ejercicio serio que hice con una cámara en mi vida).

Ahora tocaba la parte supuestamente difícil, construir el aparato de steadygun. Compramos una maderita, un triplay, clavos, cola, un elástico. Corté una de mis correas y me robé un tornillo de mi trípode, costo total: 10 soles (y el 80% de los materiales sobraron). Decidimos utilizar una handycam que pesa cerca de 1 kg. para que facilite todo. Las demás escenas las grabamos con una camarita que tomé prestada de contrabando de la UPC. Todo se grabó en mi casa. El rodaje no duró más de 5 horas. Como se puede ver en la ficha técnica, el único que estaba detrás de cámaras era yo y a veces Mikel ayudaba. En la toma del “dolly” (una silla de oficina, para colmo malograda) me tuve que impulsar y frenar yo mismo. Algunas tomas no quedaron como quería (las de la sangre), pero no había una segunda oportunidad para grabarlas.

Fue también la primera vez que editamos. Mikel y yo aprendimos a utilizar Adobe Premier a la mala (ni si quiera pudimos ponerle scroll a los créditos). Es que estábamos contra el tiempo porque justo era la fecha límite de entrega para el festival de cortos de Sargento Pimienta. Al final ni si quiera sé si recibieron el corto porque lo entregué 2 días después de la fecha límite y se lo dejé al portero. Tenemos los derechos de la canción “No quiero morir así” del grupo peruano Tierra soledad. Yo estaba buscando algo intenso, con violines, muy al estilo de Requiem for a Dream, y Alejandro Arenas me pasó justo esa canción de aquel grupo del cual es amigo y logramos que cuaje bastante bien con el corto.

¿Por qué el personaje de Alejandro Arenas aparece devorando un cuy? Todo empezó como una broma a la mafia arequipeña, pero terminó tomando forma y mayor sentido en relación con la historia y lo que se buscaba transmitir. Además, la imagen del plato del cuy frito es bastante sugerente, el cuy boca abajo, con ojos, dientes, cerebro, patas abiertas, orejas. Me pareció que se vería bien siendo comido por este personaje tan intimidante que es el capo mafioso.

Ficha técnica y artística

Duración: 4’08”
Fromato: Mini-DV
Fecha de realización: diciembre de 2006
Director: Juan Daniel Fernández
Guion: Juan Daniel Fernández
Productor: Juan Daniel Fernández / Mikel Hoyle
Dirección de fotografía: Juan Daniel Fernández
Edición: Mikel Hoyle / Diego Gonzáles Vigil
Sonido: Mikel Hoyle
Musicalización: Juan Daniel Fernández / Mikel Hoyle
Soundtrack: “No quiero morir así”, Tierra Soledad

Datos biográficos de Juan Daniel Fernández:
Fecha de nacimiento: 22-07-1987
Estudios:
2005 – 2006 Publicidad en la UPC
2007: Dirección Cinematográfica en la Universidad del Cine (Buenos Aires)

Filmografía:
Cuarto oscuro (2005)
Steadygun (2006)

Concursos/Festivales:
“Semana”. Entre los 5 finalistas del 1er Concurso Nacional de Proyectos de Cortometraje en el Segundo Festival Internacional La noche de los cortos.