El vestido (2008), Evelyne Pégot-Ogier.
Una niña descubre algunos rincones de la ciudad, en su travesía de Pachacamác a Comas con su vestido nuevo, con un breve y reponedor descanso en el Centro Histórico.

Script (2011), de Rossana Díaz y Enrique Vivar.
En uno de los extremos de la ciudad, en La Punta, Callao, una niña juega a escribir la película de su vida. Siempre escuchamos decir que somos una ciudad que debe mirar al mar. Pues este corto lo hace, ayudándonos a descubrir, a los que aun no lo conocíamos, este apacible y muy cinematográfico balneario chalaco. Empieza la función:

Lima, 2011, de Franco García Becerra.
Un ferretero, amante del rock peruano de los años 60, y sus clientes, personajes solitarios en esta Lima que ya se transformó, enmarcados con el concreto imponente de las estaciones, y el tren que nunca parece llegar.

San Felipe (2011), de Antolín Prieto.
Un trujillano sigue con su cámara a un cusqueño interpretado por un puneño, con la voz en off de un cajamarquino. Todos juntos recorriendo la extensa Lima, de sur a norte. Desde San Isidro a Carabayllo. De la Javier Prado a la Túpac Amaru. En micros, combis, colectivos, en la “era pre Metropolitano”. Todo por una chica. La clásica.

Vine cargando mi arpa, de Carlos Sánchez y Sofía Velásquez (2011).
Documental que nos muestra a la Lima andina, hija de migrantes llegados décadas atrás, su música, y su vida y labores alrededor de este arte que se transmite de generación en generación.

Púrpura (2010), de Jorge Shinno.
La joven y típica clase media baja de Lima, en un viejo y típico barrio de Magdalena del Mar. El invierno es el escenario de este corto de ficción: un antihéroe con ínfulas de escritor y la linda limeñita que lo pone de vueltas.

¡Una carrerita, doctor!, (2011) de Julio O. Ramos.
El taxista limeño, toda una institución de la ciudad. El de esta historia es un médico, un doctor de hospital público que taxea por las calles y cerros de la ciudad para poder llegar al fin de mes, y salvar a su viejita.

Extra: Un corto que me hubiese gustado mucho incluir es Via satélite: en vivo y en directo de don Armando Robles Godoy. Lo pude ver por primera vez recién hace unas semanas y me pareció el homenaje perfecto para esta Lima que ya no es la que se muestra en las imágenes de aquellos años, pero aun así lo sigue siendo, en los rincones, en los detalles. Si miramos con cuidado, uno siempre reconoce su ciudad. Espero que los amigos del Ministerio de Cultura o la Filmoteca PUCP puedan publicar pronto este imprescindible cortometraje.

Yapa: Vean este documental gringo de 1944, Lima Family, dirigido por Julien Bryan. Puras postales turísticas de la época:

Entre los treinta proyectos de largometrajes se incluyen a dos peruanos: Islandia, de Ina Mayushin; y El agua inmóvil, de Fernando Vílchez. Viajarán a la ciudad mexicana los productores de cada proyecto: Eliana Illescas de La Churunga Films; y Francisco Bardales de Audiovisual Films, respectivamente.

Asimismo, el cortometraje peruano Detrás del espejo de Julio O. Ramos, ha sido seleccionado para la competición oficial en la categoría Mejor Cortometraje Iberoamericano. Participan 24 cortos en total.

Detrás del espejo – Sinopsis: Un empleado de telo (hotel) barato, que graba secretamente la intimidad de sus clientes, accidentalmente graba un evento que pondrá en riesgo su negocio ilícito.

Actúan Marcello Rivera, Mayella Lloclla, Carlos Cano y Susan León. Vean el tráiler a continuación:

Actualización [2 feb]: Las malas intenciones de Rosario García-Montero estará en la competición oficial en la categoría Mejor Largometraje Iberoamericano de Ficción, junto a otras 15 películas.

Además, la película Cuchillos en el cielo de Alberto “Chicho” Durant estará participando en la sección Guadalajara Construye 6, junto a otras cinco películas que se encuentran en estado de postproducción. Estas serán presentadas a los profesionales de la industria cinematográfica acreditados al FICG27, buscando lograr su terminación.

También cabe mencionar la participación del documental Nikkei, de Kaori Flores Yonekura, en la competición oficial de esa categoría. Las empresas productoras son AC No Film (Venezuela) y Mullu Producciones (Perú). La película cuenta la historia de los abuelos de la realizadora, su viaje desde Japón a Perú, y su búsqueda de una mejor vida en Venezuela. Vean el tráiler de Nikkei:

Por último, luego de la convocatoria realizada por el MinCul (ver debajo), los siguientes filmes estarán participando en el Mercado de Cine Iberoamericano en Guadalajara: Contracorriente, Lima Bruja: Retratos de la música criolla, Rehenes, Octubre, Coliseo Los Campeones, Lars y el misterio del portal y ¡Una carrerita, doctor!
–

La Dirección de Industrias Culturales del Ministerio de Cultura hace la siguiente convocatoria:

Por primera vez el Perú participará como Delegación Nacional en el 10º Mercado de Cine Iberoamericano en Guadalajara, que se realiza del 2 al 8 de marzo.

Tendremos a nuestra disposición un stand ubicado en Expo Guadalajara, sede principal del Festival, con el fin de tener una presencia integral del Cine Peruano y establecer contactos con distribuidores, productores, agentes de venta y profesionales de la Industria Cinematográfica presentes en el evento.

Los productores y realizadores interesados en presentar sus obras podrán entregar el material a la Oficina de DICINE hasta el día 16 de febrero. Asimismo, dicho material deberá contar con:

• Afiche (físico y digital).
• DVD / BLU RAY (con la obra / tráiler/ maqueta audiovisual)
• CD con logo de la Productora.
• Material informativo de contactos.
• Broshure o publicidad impresa o digital.

Mayor información sobre nuestra presencia en este mercado, comunicarse con DICINE a:

Dirección de Industrias Culturales
Telf: (511) 618 9393 anexo 3500
dicine@mcultura.gob.pe
www.conacine.pe

Av. Javier Prado Este 2465
Lima 41, San Borja
Lima • Perú

'Loxoro', lo nuevo de Claudia Llosa

Como parte del proyecto “Fronteras”, una serie de cortos latinoamericanos producidos por la televisora de cable TNT, la peruana Claudia Llosa presenta el cortometraje Loxoro.

Loxoro, dirigido por Llosa y producido por Patria Producciones, da cuenta de las fronteras entre lo masculino y lo femenino en la comunidad gay y transexual en el Perú. Se filmó a mediados de junio, en Lima.

El corto se presentará el jueves 8 de diciembre, a las 10:50 p.m. en TNT.

Actualización [4 dic]: TNTLa.com ya ha publicado online los dos primeros capítulos de “Fronteras”, aqui está Loxoro, véanlo:

(El singular título del cortometraje es un ejemplo del peculiar dialecto que se usa en la comunidad gay en Perú. Así, “muxuru” significa mujer, “lexere” es lesbiana, “traxara” es travesti, y “loxoro” es loca. Otro ejemplo mucho más difundido en la cultura popular peruana es el apodo del personaje televisivo Fulvio Carmelo, conocido como “Chixricoxoro”. Interesante, ¿no?)

El proyecto “Fronteras”, es una iniciativa de la productora argentina 100 Bares, junto a TNT, que intenta crear una red de realizadores cinematográficos, y mostrar su trabajo a toda la región.

El proyecto consta de 9 capítulos que presentan ocho cortometrajes; cada uno de ellos filmado por directores proveniente de distintos países de Latinoamérica, entre ellos Rubén Albarrán, sí, el de Café Tacvba. Estos son los cortos y sus horarios de emisión:

Martes 6 dic. episodio 1: La sombrilla, de Simón Brand (Colombia)
Jueves 8 dic. episodio 2: Loxoro, de Claudia Llosa (Perú)
Martes 13 dic. episodio 3: La última frontera, de Gastón Duprat y Mariano Cohn (Argentina)
Jueves 15 dic. episodio 4: Até a vista, de Jorge Furtado (Brasil)
Martes 20 dic. episodio 5: 72, de Jorge Michel Grau (México)
Jueves 22 dic. episodio 6: Toro o nada, de Ariel Guntern (Argentina)
Martes 27 dic. episodio 7: Entre lo profano y lo divino, de Rubén Albarrán y Ángel Flores Torres (México)
Jueves 29 dic. episodio 8: A teu lado, leve de Flavia Moraes (Brasil)
Y episodio 9: Especial (epílogo).

El anfitrión será el conocido director argentino ganador Juan José Campanella. Para conocer algo más del proyecto, vean lo que cuenta el productor Federico Posternak.

Extra: En entrevista con El Comercio, Claudia adelanta un poco más sobre su tercer largometraje, que se filmará en inglés en EE.UU.: “Rodamos en octubre y noviembre del 2012, y estamos muy contentos con los avances. Estamos empaquetando el proyecto muy bien antes de darlo a conocer más. Pero la fecha de rodaje es inamovible”.

Yapa: Una trabajo previo de Claudia Llosa es el documental “Tradiciones”, realizado a fines del 2009 para la Televisión Española.

En esta ocasión, el jurado internacional estuvo integrado por Isabel Borges (representante de IRTP de Portugal), Silvia Pérez Trejo (productora argentina) y Esteban Matute (director del Festival de Cine en la Calle de Quito, Ecuador) quienes evaluaron un total de 71 cortometrajes nacionales, entre ficciones, documentales, animaciones y experimentales, producidos en Lima y diversas regiones del país. Seguidamente, el palmarés completo del festival:

PREMIOS DEL JURADO INTERNACIONAL – Competencia Nacional

• Mejor Corto Ficción: “El paraíso de Lili” de Melina León.

• Mejor Corto Documental: “Benicia” de Michael Watts.
• Mejor Corto Animación: Desierto.
• Mejor Corto Experimental: “Copy/Paste” de Julián Estrada Francke.
• Premio Indígena: “Urpillay Sonqollay Kokamana” de Alonso del Río.
• Premio Derechos Humanos: “2 de diciembre” de Michael Watts.

http://vimeo.com/19563789

• Premio de Género: “Pescadora” de Daniel E. García.

• Premio Medio Ambiente: “Margarita” de Michael Watts.

• Premio Diversidad Sexual: Desierto.
• Premio Infantil: Desierto.
• Premio Qosqo: “Urpillay Sonqollay Kokamana” de Alonso del Río.

De igual manera, el jurado decidió otorgar menciones especiales para: “El niño y el mar” de Mauricio Rivera Hoffmann, por su calidad narrativa y las interpretaciones, y “Secretos para cocinar una relación saludable”, de Daniel Martín Rodríguez, por su realización, factura e imagen impecable.

PREMIOS DEL PÚBLICO

Categoría nacional:

• “Secretos para cocinar una relación saludable” de Daniel Martín Rodriguez.

Categorías Estudiantil y Escolar:

• Primer lugar en la categoría estudiantil a nivel internacional, Ficción. Trofeo FENACO: “Sin palabras” de Bel Armenteros (ECAM de España).
• Primer lugar en la categoría estudiantil a nivel internacional, Documental. Trofeo FENACO: “Femei” de Benet Román (ECAM de España).
• Primer lugar en la categoría estudiantil a nivel internacional, Animación. Trofeo FENACO: “Banana Express” de Fernando Fallas (UNED de Costa Rica).
• Primer lugar en la categoría estudiantil a nivel internacional, Experimental. Trofeo FENACO: “In Abyssus Humanae Conscientiae” de Juan Camilo González (Colombia).
• Primer lugar en la categoría estudiantil a nivel nacional, Ficción. Trofeo FENACO: “La solución” de María Pía Rodríguez (Universidad de Lima).
• Primer lugar en la categoría estudiantil a nivel nacional, Animación: Desierto.
• Primer lugar en la categoría estudiantil a nivel nacional, Documental. Trofeo FENACO: “Restaurant Bar Cordano” de Miguel Rondón (Instituto de Comunicaciones Charles Chaplin).
• Primer lugar en la categoría estudiantil nacional, Experimental. Trofeo FENACO: “Virus Pop” de Gerardo Gutiérrez (Colectivo Vidi de la PUCP).
• Primer lugar en la categoría escolar internacional. Trofeo FENACO: “Piojo wars” de Alejo Paredes (taller de Cine El mate de Argentina).
• Primer lugar en la categoría escolar nacional. Trofeo FENACO: “La última cena” de Gabriel Legua (taller audiovisual Lúdica).

Categorías Ficción, Documental y Animación:

• Primer lugar en la Categoría Internacional, Ficción. Trofeo FENACO: “Los tres soldados” de Alfon Casal y Héctor Más (distribuidora Freak de España), y “Mwansa the great” de Rungano Nyoni (Zambia/Reino Unido).
• Segundo lugar en la Categoría Internacional, Ficción: “Asistencia al suicida” de Agustín Kazah (distribuidora Hasta 30 minutos de Argentina), “Le Maillot de Cristiano” de Vincent Bruno (Bélgica), y “Chapstick” de Juan Manuel Méndez (Guatemala).
• Primer lugar en la Categoría Internacional, Documental. Trofeo FENACO: “Virgen negra” de Raúl de la Fuente (distribuidora Banatu filmak de España).
• Segundo lugar en la Categoría Internacional, Documental: “Los sabores de Taiwan” de Jerry Lee (Taiwan).
• Primer lugar en la Categoría Internacional, Animación. Trofeo FENACO: “Kahanikar” de Nandita Jain (India).
• Segundo lugar en la Categoría Internacional, Animación: “¿Por qué desaparecieron los dinosaurios?” de Esaú Dharma y Mar Delgado (distribuidora Marvin and Wayne de España), y “Luminaris” de Juan Pablo Zaramella (distribuidora 30 minutos de Argentina).

OTROS PREMIOS

• Premio especial otorgado por la distribuidora de cortometrajes PROMOFEST de España, para el mejor cortometraje iberoamericano, consistente en 100 envíos a festivales españoles valorado en 480 euros: “Colmillo” de Albi de Abreú (Venezuela).

• Premio RTP de Lisboa (Portugal), consistente en la compra de los derechos para la transmisión de un corto en dicho canal, valorizado en 65 euros por minuto: “Urpillay Sonqollay Kokama” de Alonso del Río (Cusco, Perú).
• Premio Derechos Humanos. Trofeo FENACO: “El Cuaderno de Srey Lyn” de Fernando Martín Llorente (distribuidora Freak de España).
• Premio Medio Ambiente. Trofeo FENACO: “Un grado centígrado” de Denes Ruzsa (Hungría), y “Guardianes del agua” de Jean-Charles L’amy (Venezuela/Bélgica).
• Premio Género. Trofeo FENACO: “Escúchame” de Mabel Lozano (distribuidora Banatus filmak de España), y “Nosotras / Centroamericanas” de Unai Aranzadi (España).
• Premio Diversidad Sexual. Trofeo FENACO: “Uniformadas” de Irene Zoe Alameda (distribuidora Elypse Film de España), y “La victoria de Úrsula” de Nacho Ruiperez y Julio Martí (Marvin and Wayne de España).
• Premio Infantil. Trofeo FENACO: “La petite fille boite” de Louis Blackburn (Canadá).
• Premio Experimental. Trofeo FENACO: “La costurera” de Ivette Avila Martín (Cuba), y “Les barbares” de Jean-Gabriel Periot (Francia).
• Premio Indígena. Trofeo FENACO: “Vendieron los pulmones del mundo” de Frederick Solberg (Dinamarca).
• Menciones honrosas terror: “Inquerito Policial número 0521/09” de Vinicius Casimiro (Brasil), y “Deus Irae” de Pedro Cristiani (Argentina).
• Mención honrosa comedia: “Error 0036” de Raúl Fernández (distribuidora Promofest de España).

Así lo anunció la directora del FENACO, Inés Agresott, quien lamentó la decisión de trasladar la sede habitual del encuentro fílmico a otro lugar donde las autoridades tengan mayor consideración en fomentar el cine y la cultura. “Espero que en otras ciudades, en otras regiones, así no haya dinero, haya voluntad y cariño”, expresó. Aquí sus declaraciones para la revista Lima Gris:

http://www.youtube.com/watch?v=UFPUfmTeU-w

Desde su lanzamiento en el 2004, el FENACO se convirtió en un punto de encuentro para decenas de directores, productores, distribuidores y exhibidores de cortometrajes, y en ventana privilegiada para que cientos de trabajos nacionales e internacionales realizados en dicho formato lleguen a exhibirse al público peruano. Sus organizadores no tuvieron mayores problemas hasta este año cuando denunciaron una falta de ayuda de parte de la Dirección Regional de Cultura del Cusco. Pese a que luego la autoridad cultural reiteró su apoyo a la realización del festival, las divergencias entre ambas partes no se habrían superado.

Ayer arrancó la última edición cusqueña del FENACO con una nutrida programación que comprende 463 cortos de 44 países, y por Perú más de un centenar de trabajos provenientes de Lima, Cusco, Arequipa, Chiclayo, Huancayo, Huaraz, Iquitos Juliaca, Tarapoto, entre otros puntos del país. Hasta el sábado 19 habrá funciones en las cinco sedes del festival repartidas en la ciudad imperial: Sala Banderas (Palacio Municipal), Sala Sacsayhuaman (Palacio Municipal) Museo Inka, Capilla San Bernardo y la Casa Inka Garcilaso.

La inauguración en el Palacio Municipal del Cusco se realizó sin la presencia de la actriz suizo-peruana Q’orianka Kilcher, quien iba a participar como jurado de la sección de competencia de cortos nacionales. La protagonista de El nuevo mundo de Terrence Malick, envió un video con las disculpas del caso y prometió al público que el año entrante estaría presente en el festival.

El jurado quedó conformado por Silvia Pérez Trejo (productora argentina), Liliana Amate (coordinadora del Departamento de Cortometrajes de la Gerencia de Fomento del INCAA de Argentina), Esteban Matute (director del Festival de Cine en la Calle de Quito, Ecuador), Tony Perdomo (director del Festival Nacional e Internacional de Cortometrajes Venezuela – FECOVEN), Isabel Borges (representante de IRTP de Portugal), y el director egipcio Sherif Elbendary.

En las secciones no competitivas del festival se exhiben cortos premiados en recientes ediciones de los festivales de Huesca (España), Florianópolis Audiovisual Mercosul (Brasil), Latinoamericano De Artes y Audiovisuales – FLVR del Centro Audiovisual de Rosario (Argentina), y de Lima Independiente. Asimismo, muestras del DOC-Point, Festival de Cine Documental de Helsinki (Finlandia), y de la Escuela de Cine y Televisión (EICTV) de Cuba por sus 25 años de fundación, además de un ciclo de cine digital independiente peruano. En la clausura se proyectará la película peruana “Las malas intenciones” de Rosario García-Montero.

A continuación, la relación, en orden alfabético, de los 71 cortos nacionales de la competencia oficial:

2 de Diciembre (Perú /Reino Unido, documental) de Michael Watts
24 horas (Cusco, ficción) de Milthon Cartolín Meléndez
3 retratos (Lima, ficción) de Julián Estrada Francke
Allá lejos y hace tiempo (Lima, documental) de Anaï Guayamares
Alli Allpachaw Alli Miki (Huaraz, documental) de Carlo Brescia
Alma mía (Lima, ficción) de Danny Vargas
Amelia y Morena (Lima, documental) de Andrea Franco Batievsky
Andes verdes: Árboles nativos para la vida (Cusco, documental) de Ángel Romero Pacheco
Anónimas (Lima, ficción) de Mario Chumpén
Antes de partir (Lima, ficción) de Humberto Saco
Bendito eres (Lima ficción) de Marco de La Cruz Alvarado
Benicia (Perú /Reino Unido, documental) de Michael Watts
Blush (Lima, ficción) de Cristian Cancho
Buscando felicidad (Perú/USA, ficción) de Eden Soto Alva
Cambio de casa (Lima, ficción) de Elliana Otta Vildoso
Camino de esperanza (Lima, documental) de Marianella Pantoja Castilla
Cesura (Chiclayo, documental) de Walther Vera
Comunidad Ayllu de Chawaytiri “Llama T’inkay” (Cusco, documental) de Milthon Cartolín Meléndez
Copy/Paste (Lima, animación) de Julián Estrada Francke
Corazones morados (Arequipa, ficción) de Fabiola Collado Mora
Decálogo del estudiante (Lima, animación) de Vicente Benicio Kuo
Decapitado (Lima, ficción) de Fran Terrones y Jonathan O. Pitman
Decisiones (Huancayo, ficción) de Manuel Marví
Despiértame (Tarapoto, ficción) de Marco Alvarado / Lupe Benites
Dinosaurio (Lima, ficción) de Josué Chávez
DO-MIN-GO (Lima, ficción) de Gonzalo Ladines
El árbol (Lima, ficción) de Rodrigo Moreno
El entierro (Lima, documental) de Félix Álvarez
El final (Lima, experimental) de Arthur Cross
El fiscalizador (Iquitos, ficción) de Nelson Mori del Castillo
El juego del hambre (Lima, documental) de Félix Álvarez Torres
El lobo hambriento (Lima, ficción) de Lorenzo Llanos Payano
El mágico mundo del inglés (Lima, experimental) de Elliana Otta Vildoso
El nacimiento de los monstruos (Lima, experimental) de Efraín Agüero
El nilño y el mar (Lima, ficción) de Mauricio Rivera Hoffmann
El paraíso de Lili (Lima, ficción) de Melina León
El primer vuelo del cóndor (Lima, documental) de Pablo Córdova Delgadillo
El sonido del sol (Cusco, ficción) de Josué Ganddhi Morales Mendoza
El sueño de Mario (Juliaca, ficción) de Juan José Casas
En la balsa (Lima, documental) de Humberto Gutiérrez
Flash back (Cusco, ficción) de Miguel A. Fuentes Arqque
Fr3ak (Lima, ficción) de Fermín Tanqüis Figueroa
Función macabra (Lima, animación) de Diego Vizcarra
Huántar (Lima, documental) de Patricia Pereyra
La decisión (Lima, ficción) de Richard Santaria
La larga noche (Perú/España, documental) de Ferran Brooks
Leyenda de Manco Cápac y Mama Ocllo (Lima, animación) de Rafael Jesús Seminario Coello
Lisandro y el amor (Lima, ficción) de Alejandro Small
Los barrios tradicionales del Cusco y su gente: Barrio de San Cristóbal (Cusco, documental) de Ángel Romero
Margarita (Perú/Reino Unido, documental) de Michael Watts
Milene (Lima, ficción) de Andrés Magallanes
Miradas de luz (Lima, documental) de Julio César Gonzales Oviedo
Morir sin querer (Lima, ficción) de Lorenzo Llanos Payano
Miror teniendo sed (Lima, ficción) de Lorenzo Llanos Payano
Paisa-Je-Corps: El paisaje de mi cuerpo (Lima, documental) de Anaï Guayamares
Pescadora (Lima, ficción) de Daniel E. García
Por amor al arte (Trujillo, documental) de José Antonio Ulloa Cueva
Pirmero de Enero los viejitos (Lima, documental) de Jair Uzziel Chuquillanqui
Redención (Lima,ficción) de Jean Carlo Ríos Moreno
Saqsa, la danza de los Apus (Cusco, documental) de Jhon Yantas Hinostroza
Script (Lima, ficción) de Rossana Díaz y Enrique Vivar
Secretos para cocinar una relación saludable (Lima, ficción) de Daniel Martín Rodríguez
Sin etiquetas (Lima, ficción) de Norma Velásquez C.
Sin título (Lima, ficción) de Efraín Agüero
Travesuras picantes (Lima, documental) de Gerardo Karbaum Padilla
Una historia de terror (Lima, ficción) de Fermín Tanqüis Figueroa
Uno mayor que cero (Iquitos, animación) de Nelson Mori del Castillo
Urpillay Sonqollay Kokamana (Cusco, documental) de Alonso del Río
Venancia (Lima, docuficción) de Gisella Barthe
Well Com (Lima, documental) de Julio César Gonzales Oviedo
Wordless/Sin palabras (Perú/España, experimental) de Ferran Brooks

Se ha hecho público el Acta Final del Jurado del Concurso de Obras Cinematográficas Peruanas de Cortometrajes – 2011, resultando ganadores los siguientes cortos:

• Cuidados intensivos, de Brian Jacobs
• El árbol, de Rodrigo Moreno
• Antes de partir, de Humberto Saco
• Colibrí, de Luis Basurto
• Ciudad manjar, de Mauricio Godoy
• El niño y el mar, de Mauricio Rivera
• El Oscar de Manchay, de Malu Cabellos y Ernesto Cabellos
• En uno mismo, de Claudio Figari
• La calma, de Fernando Vilchez
• Lima, de Franco García
• Pornostar, de Yashim Bahamonde y Nelson Mendoza
• Rumeits, de Gonzalo Ladines
• Secretos para cocinar, de Daniel Rodríguez
• Un amor en desalojo, de Mauricio Torres-Bohl

Ellos se llevan un premio de S/. 15,000 cada uno. Todos los cortos premiados son producciones de empresas con sede en Lima. Recordemos que fueron 61 los trabajos participantes en este concurso, aunque el acta indica que evaluó 58 cortos.

Esta es el acta completa:

De conformidad con el documento de convocatoria y a la Ley de Cinematografía Peruana Nº 26370 y su Reglamento D.S. Nº 42-95-ED, en la ciudad de Lima, el viernes 18 de noviembre de 2011, se reunió el jurado del Concurso de Obras Cinematográficas Peruanas de Cortometraje 2011, integrado por el cineasta Augusto Tamayo San Román (Presidente), la cineasta Joanna Lombardi Pollarolo, el crítico de cine Rodrigo Bedoya Forno, el productor René Weber Waser y el docente Raúl Zevallos Ortiz.
Luego de evaluar los 58 cortometrajes presentados y después de un arduo proceso de deliberación, el jurado ha decidido premiar los catorce cortometrajes que destacan por su nivel expresivo y técnico.

POR UNANIMIDAD:

Carapulkra Films SAC – Cuidados intensivos – Brian Jacobs
In House Producciones SAC – El árbol – Rodrigo Moreno

POR MAYORÍA:

Kinaqu Cine EIRL – Antes de partir – Humberto Saco
Alfalfa Producciones SAC – Colibrí – Luis Basurto
Isabella Karnivale Films SAC – Ciudad manjar – Mauricio Godoy
Producciones Neptuno EIRL – El niño y el mar – Mauricio Rivera
Asociacion Guarango Cine y Video – El Oscar de Manchay – Malu Cabellos, Ernesto Cabellos
Figraphic SAC – En uno mismo – Claudio Figari
Willay Audio & Video SAC – La calma – Fernando Vilchez
Plaga Langosta Producciones SAC – Lima – Franco García
Del Barrio SAC – Pornostar – Yashim Bahamonde, Nelson Mendoza
Todo lo Demás SAC – Rumeits – Gonzalo Ladines
Cinecorp SAC – Secretos para cocinar – Daniel Rodríguez
Cronos Producciones SAC – Un amor en desalojo – Mauricio Torres-Bohl

Asimismo, adjuntamos el Acta Final del Jurado [en PDF].

Augusto Tamayo San Román (Presidente)
Joanna Lombardi Pollarolo
Rodrigo Bedoya Forno
René Weber Waser
Raúl Zevallos Ortiz.

Atentamente,

Dirección de Industrias Culturales
MINISTERIO DE CULTURA
Telf.(511) 618-9393 anexo 3500
Av. Javier Prado Este 2465
Lima, 41 San Borja
conacine@mcultura.gob.pe
www.conacine.pe

Actualización [21 nov]: Luego de pedirles esta información, el Mincul nos confirma que fueron 58 los cortos concursantes:

La Dirección de Industrias Culturales informa nuevamente que los cortometrajes:

- Cesura de Walter Vera
- La Ballena de Roger Neira
- Vine cargando mi arpa de Carlos Sánchez

Fueron las tres únicas obras impedidas de participar en el concurso de obras cinematográficas de cortometraje 2011. Las dos primeras fueron observadas por la comisión técnica por su realización en lengua extranjera, la última fue observada por la propia Dirección de Industrias Culturales, al encontrarse la empresa productora, con un pendiente con el Estado. De ahí que de los 61 cortometrajes recibidos y revisados por la Comisión Técnica, hayan quedado 58 para evaluación del jurado.

En el 93, un mediometraje de 47 minutos de duración, es un documental de exploración, con un lenguaje propio. Aquí viene bien recordar trabajos previos de Benvenuto, los cortos de ficción Chikyuugi y This is KK.

Sinopsis: “Carlos sin nada mas que hacer, empieza a grabar a su familia y amigos. El quiere hacer un documental pero aun no sabe de qué.”

La presentación de En el 93 será este miércoles 14, a las 8:00 pm, en Elgalpon.Espacio (La Mar 949 – Pueblo Libre). El ingreso es libre. A propósito de este evento, conversamos con el director sobre su obra:

¿De qué va tu película?
Prefiero que la vean primero y saquen su propia conclusión. Lo que puedas sacar después de verla, eso es de lo que va mi película. Prefiero no contar de qué va, así no predispongo al espectador a esperar ‘algo’. La idea es que el ver la película genere ese ‘algo’ sin ninguna influencia.

¿Cómo nace la idea de realizarla?
Esta nace después de todo un proceso de para. No hacía ningun proyecto personal desde hace varios años, desde que salí del instituto. Necesitaba hacer algo. Algo para demostrarme que no me habia equivocado, que el camino que elegí es lo que realmente quiero hacer por el resto de mi vida.

Un día estaba con la cámara, la Canon T2i y estaba grabando al azar, y me ponía a ver las imágenes mientras me tomaba unas cervezas. De un momento a otro comencé a ver que todo lo que grababa me parecía bonito, tenía una belleza, no sé si originada por la cerveza, pero la tenía. Puse la cámara en diferentes posiciones, y aun así las imágenes que se graban eran hermosas. Y dije, si puedo ver lo chevere que es todo a través de mi cámara, puedo ver realmente lo chevere que es todo. Desde ese día hasta ahora siempre llevo mi cámara conmigo y trato de grabar todo lo que pueda.

Lo que busco transmitir un poco es que no hay excusa para no grabar, uno puede sacar cosas interesantes de todo y cuando digo todo es realmente todo. Creo que cada uno de nosotros es el director de su historia y solo tiene que animarse a contarla.

¿Cómo realizaste el registro, con qué equipo trabajaste?
El registro lo hice principalmente con una Canon T2i, otras tomas con una Panasonic P2. Algunos amigos contribuyeron con videos realizados con sus propias cámaras, algunos en definición standard y otros en HD. Trabajé con dos editores amigos, Luis Cárdenas y Daniel Álvarez, el resto de cargos los hice yo, director, guion, fotografía, cámara, postproduccion, produccion. La música fue hecha por Pietro Constanzo y Mirko Lupis. El resto de música era lo que sonaba en la radio en ese momento, o son performances en vivo.

Que la Canon T2i sea una cámara mas pequeña ayudó a que la gente no se sintiera tan incómoda. Tener a la mano una variedad de lentes fotográficos fue un beneficio enorme. El proyecto es grabado casi en su totalidad con un lente 50mm Nikon y un 28mm Nikon. El formato en que se grabó fue Full HD 1080p 24p.

¿Cuánto tiempo te tomó terminar la película?
Yo empecé a grabar aproximadamente a inicios de noviembre del año pasado, y terminé de grabar a comienzos de febrero de este año. Dejé el proyecto sin tocarlo un par de meses y luego empecé a editarlo terminándolo a mediados de agosto.

¿Cuánto te costó hacerla?
Solo gasté en movilidad, gasolina y pasajes, en el resto de cosas no le pagué a nadie nada. Nadie me cobró, y si lo hicieron fue con un intercambio de favores audiovisuales.

¿Tienes más proyectos en mente?
Con este último trabajo me estoy tratando de enfocar mas en el documental, y sí, tengo dos nuevos proyectos. Uno ya lo estoy editando, es un cortometraje documental. Y el segundo aun estoy estructurándolo pero espero que sea una mezcla de todo.

–
El crítico John Campos ha visto En el 93, y estas son algunas de sus impresiones:

La cámara inquieta, traviesa, emula el ánimo de quien la manipula. El director desenfoca la imagen, extravía su mirada a objetos impropios de la conversación o, también, se posa sobre otros objetos que mejor representan su estado emocional. Objetos que, en el ensayo que es la película, por supuesto son, además, los amigos, la familia, la ex enamorada y el material audiovisual ajeno que alterna en el metraje. Especialmente ese material ajeno, que son filmaciones caseras y el tráiler de un cortometraje bastante sugerente, funge de subtextos que Benvenuto apropia para complementar la perspectiva de su propio entorno. Una mirada plural, pero, al fin, unificada.

De los 61 cortos, 7 provienen del interior del país, destacando La Libertad con 4 inscritos. El resto de 54 cortos son de Lima.

Este año se repartirán 14 premios en total, cada uno de S/. 15,000. Las bases indican que “el Jurado destinará no menos de cuatro (4) para ser entregados, preferentemente, a las empresas productoras de las regiones del país, excepto Lima Metropolitana y Callao”. Esta confusa redacción sigue dejando dudas sobre la premiación de los trabajos de cineastas regionales. El jurado, aun por definirse, dará su fallo el 18 de noviembre.

Actualización [22 set]: El jurado quedó conformado de la siguiente manera: René Weber (jefe de área), Augusto Tamayo, Joanna Lombardi (cineastas), Raúl Zevallos (docente), y Rodrigo Bedoya (crítico).

Como en años anteriores, en la lista encontrarán a algunos veteranos, otros con experiencia ya en el largometraje, y una gran mayoría de nuevos rostros:

1. Blush, de Cristian Cancho, INKART Digital EIRL, Lima
2. Rumeits, de Gonzalo Ladines, Todo lo Demas SAC, Lima
3. Realidad Difusa 2.0, de Raúl García Bobbio, GasMask Studios EIRL, Lima
4. Cesura, de Walther Vera, Kinovera SAC, Lambayeque
5. Colibrí, de Luis Basurto, Alfalfa Producciones SAC, Lima
6. El tercero, de Iván Donadío, Invisible Producciones SAC, Lima
7. El corto, de Róger Neira, Piedra Azul Producciones EIRL, La Libertad
8. La ballena, de Róger Neira, Piedra Azul Producciones EIRL, La Libertad
9. Corazón delator, de Claudio Ceino, Dolphin Films SAC, Lima
10. Círculo vicioso, Heily Delgado, Dolphin Films SAC, Lima
11. Enagua Flor, de Carolina Denegri y Rómulo Franco, Emergencia Audiovisual, Lima
12. Ciudad Manjar, de Mauricio Godoy, Isabella Karnivale Films, Lima
13. ¿A favor o en contra?, de Mauricio Godoy, Isabella Karnivale Films, Lima
14. San Felipe, Antolín Prieto, Cactus Films SAC, La Libertad
15. Reunión, Antolín Prieto, Cactus Films SAC, La Libertad
16. Vine cargando mi arpa, de Carlos Sánchez y Sofía Velázquez, Armadillo Producciones SAC, Lima
17. Refundación, de Eliana Otta Vildoso, La Masa Ilusa EIRL, Lima
18. Third sex, Natalia Vizcarra y Jerome Mangelinckx, Animal Post SAC, Lima
19. Dias van, de Jonatan Relayze, Yin Zhang Films SAC, Lima
20. La niña tumbada, de Orso Súmar, Polo Ruiz Producciones SAC, Lima
21. Cuidados intensivos, de Brian Jacobs, Carapulkra Films SAC, Lima
22. Secretos para cocinar una relación saludable, de Daniel Martín Rodríguez, Cinecorp SAC, Lima
23. Antes de partir, de Humberto Saco, Kinaqu Cine EIR, Lima
24. Madre mar, de Delia Ackerman y Mariana Tschudi, Filfilms SA, Lima
25. ¿Me puedes ver?, de Alvaro Delgado-Aparicio, Siri Producciones SAC, Lima
26. Un amor en desalojo, de Mauricio Torres Bohl Reyes, Cronos Producciones SAC, Lima
27. El batuteador, de Silvana Aguirre, Nómade Films SAC, Lima
28. Pornostar, de Yashim Bahamonde y Nelson Mendoza, Del Barrio SAC, Lima
29. Música más alegre, de Nico Saba, Rapsodia Producciones SAC, Lima
30. Guerrita, de Josué Méndez, Chullachaki Producciones SAC, Lima
31. Serenata, de Ricardo Chinchay, Escuela de Cine de Lima & Artes Audiovisuales SAC, Lima
32. Extracto de un film, de Renzo Porcile, Escuela de Cine de Lima & Artes Audiovisuales SAC, Lima
33. Fe de erratas, de Hugo Flores, Escuela de Cine de Lima & Artes Audiovisuales SAC, Lima
34. La calma, de Fernando Vílchez, Willay Audio & Video SAC, Lima
35. Lima, de Franco García Becerra, Plaga Langosta Producciones, Lima
36. El primer hallazgo, de Julio Parra, Bere Bere Films SAC, Lima
37. El niño y el mar, de Mauricio Rivera Hoffmann, Producciones Neptuno EIRL, Lima
38. En la balsa, Humberto Gutiérrez y Rómulo Franco, Cámara Pro SAC, Lima
39. La última impresión, de Valentín Vergara, Unionfilms EIRL, Lima
40. En uno mismo, de Claudio Figari, Figraphic SAC, Lima
41. Los abducidos, de Juan Daniel Molero, Aldea Digital Comunicaciones SAC, Lima
42. Bésame mucho, de Víctor Awapara, Nickelode Producciones EIRL, Lima
43. El Oscar de Manchay, de Malú Cabellos y Ernesto Cabellos, Asociación Guarango Cine y Video, Lima
44. Cautivo, Mikhail Saravia y Carlos Zagaceta, Atuq Killa EIRL, Lima
45. Retorno, de Gustavo Ríos Ruiz, Rapsodia Producciones SAC, Lima
46. Despiértame, de Marco Alvarado y Lupe Benites, Artecovisual EIRL, Lima
47. Una noche cotidiana en la vida de Yu, de Ivo Ferreyra y Diego Tizón, La Célula Cine y Publicidad SAC, Lima
48. El árbol, de Rodrigo Moreno, In House Producciones SAC, Lima
49. Palo, de Dana Bonilla, Cara Cara Producciones SAC, Lima
50. Sin etiquetas, de Norma Velásquez, Inplot Producciones SAC, Lima
51. Buscando a Claudia, de Manuel Siles, Preludio Asociación Cultural, Lima
52. Dinosaurio, de Josué Chávez, La Gris Films EIRL, Lima
53. Lisandro y el amor, de Alejandro Small, La Gris Films EIRL, Lima
54. Tolva, de César Fe, La Gris Films EIRL, Lima
55. Astrid y Leonor, de Bruno Alvarado, La Furia SAC, Lima
56. Desnúdame, de César Bustos y Aldo Li, Melmac Films SAC, Lima
57. Juan Avaro Perez, de Julián Estrada, Corporación Audiovisual SAC, Lima
58. La decisión, de Richard Santaria, Trébol Producciones SAC, Lima
59. Polvos, de Daniel Thissen, Sud Producciones SAC, Lima
60. La semana santa de Ayacucho, de Juan Sifuentes, Asociación de Universitarios Centro de Investigación Audiovisual, Ayacucho
61. Asháninka, hermano de todos, Wilfredo Medina, Grupo Vall3 Comunicación Integral SAC, Junín

'Los hijos' son Javier Fernández, Luis López y Natalia Marín.
(Foto: Punto de Vista

Desde 2010, cuando Cahiers de Cinema – España los colocara entre las 10 mejores películas invisibles del año a “Los materiales”, el colectivo Los Hijos ha ido recibiendo mayor notoriedad. Este trío de cineastas: Javier Fernández (Bilbao), Luis López Carrasco (Murcia) y Natalia Marín Sancho (Zaragoza) trabajan desde 2008 en Madrid, buscando su lenguaje, su forma, y sus películas, como diciendo somos los hijos, pero no vamos a respetar ningún padre.
Hace unos meses conversamos con ellos, para conocer más sobre su trabajo:

El nombre del colectivo no es gratuito. “Los hijos” puede hablar de su cinefilia, de concebirse como parte del cine español, como un capricho. ¿Por qué ‘Los hijos’?
Se suele decir que los hijos “heredan” de sus padres al mismo tiempo que “cuestionan” su legado. Es una bonita explicación a posteriori que no debería oscurecer la verdadera azarosa historia del origen del nombre (una tarde en casa, eligiendo nombres al azar, los hijos sonaba bien…)

http://vimeo.com/13765072

Sus dos primeros trabajos, sus cortos, interpelan la tradición del cine español, se lanzan contra “los padres”, y contra la ficción en buena cuenta. ¿A qué ideas recorrieron?
En el caso de El sol en el sol del membrillo la idea surgió porque nos presentábamos a un certamen cuyo lema era “Vídeo y naturaleza”, con este propósito recordamos las intenciones de Víctor Erice y de Antonio López y su búsqueda de la aprehensión de la realidad y del momento. Nos pareció divertido darle la vuelta a la idea, llevarla al extremo: dejemos que la naturaleza destruya verdaderamente la obra de López igual que le ocurrió en la obra de Erice. Una vez que finalizó el rodaje, en edición, nos dimos cuenta que en realidad a lo que había destrozado la naturaleza era a nosotros mismos, por ello decidimos incluirnos en el montaje final, a nosotros y al dispositivo fílmico en general. Queríamos cuestionar esa mirada supuestamente no intrusiva ni manipuladora del documentalista ante el objeto filmado.
Respecto a Ya viene, aguanta, riégueme, mátame, nuestro segundo trabajo, la idea nació no como un homenaje a nuestra cinematografía sino, de nuevo, como un cuestionamiento del aparato cinematográfico: ¿qué pasaría si eliminásemos a los actores de las secuencias? También nos hacía gracia pensar cómo en determinadas películas incluso ciertos exteriores siguen pareciendo decorados. Nos apetecía volver a esos sitios, ser milimétricos en la ejecución de dichas secuncias y experimentar con los resultados.

“Los materiales”, su primer largo, también tiene la múltiple lectura del nombre del colectivo, es la exploración del rio Riaño, pero también el registro de cómo se hace un documental. Digamos que tiene una honestidad para con el material en bruto, con las intenciones del documentalista.
Exacto. Una vez más todo son preguntas. Tanto en rodaje como en edición las preguntas que aparecen en la película sobre la ética, sobre la correcta mirada y acercamiento al objeto por parte del cineasta, estaban presentes. ¿Cómo encarar una entrevista? ¿cómo armar una historia que tenía tantas aristas, una historia que se remontaba en el pasado más reciente y más alejado y negro de nuestro país? Era inabarcable. Al final, lo más honesto era incluir estas cuestiones en el metraje final. También tuvimos muy en cuenta en todo momento, medimos que el resultado final no se asemejase a los códigos básicos del making of. Esto, obviamente, siempre estuvo muy presente.

“Los materiales” y “Ya viene, aguanta, riégueme, mátame”, cada una a su manera delatan los mecanismos del corte y el montaje.
Sí. Ya lo hemos comentado. En el caso de “Los materiales”, la película nació porque queríamos experimentar con una determinada forma fílmica. La pregunta esta vez fue: ¿es posible tejer una película a base de descartes, de material en bruto? Esa siempre fue la premisa. Una vez que dimos con esta idea, nos faltaba dar con la materia que le diera sentido, que la completara con significado. Tiempo más tarde dimos con la historia de Riaño, nos pareció que tenía la fuerza suficiente como para casar con dicha forma. De ahí el título de la película, “material” un campo semántico tan amplio que lo abarcaba todo: los materiales con los que se contruye un pueblo, un embalse, una identidad o un largometraje.

Circo llega a ser el más formal de sus trabajos. Sin embargo, tiene una decisión que se anuncia desde los créditos. La de no subtitular ciertas cosas.
Decidimos no subtitular porque no nos parecía importante el contenido de los diálogos, no era relevante y sobretodo desviaba el tema principal: “Circo” es un documental que no trata de esta práctica sino más bien, es un largometraje que habla del trabajo. La película es una jornada laboral desde que empieza el día hasta que termina.

Viéndolo en conjunto, ustedes ven los subtítulos como un elemento más del producto, no como un agregado del DVD.
Sí. Nos gusta el poder expresivo de los mismos, creemos que esta infravalorado. Ya habíamos usado la herramienta con otro sentido en nuestra pieza anterior “Ya viene, aguanta, riégueme, mátame” y nos divirtió mucho su efecto, la contraposición del subtítulo a la imagen y como en ocasiones la invalidaba (el distanciamiento creaba humor) y en otras la reforzaba de manera fascinante. En cuanto vimos que nosotros íbamos a ser parte de la experiencia en la película vimos que era la herramienta adecuada.

Sus trabajos parecen ser piezas de museo, o de filmoteca. Para entender algunos códigos hay que conocer una cierta filmografía, tener una cinematografía esencial. ¿Les interesa estar lejos de públicos menos formados?
¡En absoluto! A veces se nos acusa de ello, parece que por el tipo de película que es sólo queramos que la vea un público especializado, cinéfilos, críticos… y nada más lejos, queremos que la vea todo aquel que quiera. Además es curioso pero “Los materiales” es mejor recibida por ese público no especializado que por el de la cinefilia más empedernida con la que más de una vez nos hemos dado de bruces y donde la conexión ha sido nula. Y no pasa nada, uno nunca sabe si lo que hace va a gustar o no, si interesa o no. Ya cuesta sber si le gusta a uno mismo. En el fondo, como todo, es una cuestión de prejuicio español pensar que a la señora de León no le va a gustar la película cuando es mi amigo el catedrático de filosofía el que ha confesado en más de una ocasión que la aborrece.

Cómo los han recibidos el público y la crítica?
Como te decía, en España hemos tenido de todo tipo de público. Lo que está claro es que dejar, no deja indiferente, provoca simpatía o rechazo. En la crítica ha habido un poco de todo también, la película ha despertado odios viscerales por ahí. Pero, en general, hemos tenido mucho apoyo. Estamos muy agradecidos, Cahiers España nos eligió como una de las 10 mejores películas sin estreno comercial de 2010. En cualquier caso, ¡siempre es positiva esta disparidad de opiniones! De todas hemos aprendido mucho.

¿Qué nuevos proyectos tienen? ¿Algo alrededor de su canal de Vimeo, y sus videos de un minuto?
Estamos en fase de preproducción de nuestro siguiente trabajo que esperamos esté listo para finales de año. Pero procuramos estar activos, hemos terminados dos piezas pequeñas recientemente (Evacuación y Tarde de verano) que podrán verse ahora en una par de festivales de nuestro país. Y tenemos siempre en funcionamiento nuestro canal de Vimeo donde subimos cartas y experimentos de un minuto que nos enviamos los unos a los otros alrededor de aquel tema que haya propuesto el primero de nosotros.

Se han seleccionado 70 cortometrajes -de los cuales 26 son producciones peruanas- de un total de 318 cortometrajes enviados a la convocatoria. Este año, además de la Selección Oficial, también se presentará una Muestra Paralela no competitiva de cortos peruanos e internacionales, que se anunciarán próximamente. Los cortos seleccionados se presentarán en el UVK Multicines Larcomar, además de otras sedes: en la Alianza Francesa, CAFAE-SE, El Galpón y La Noche de Barranco.

Selección Oficial

En tus ojos. Sean Schoenecker / Sergio García Locatelli DOCUMENTAL España /Perú
Via Gori. George Barbakadze FICCION Australia, Georgia
El ambidiestro. Antonio Palomino Rodríguez FICCION España
Un juego de niños. Jacques Toulemonde FICCION Colombia-Francia
Kiyumi’s Poetry And Sayuru’s Embroidery – La poesía de Kiyumi y la droderie De Sayuru. Satoru Sugita FICCION Japón
Las gemelas de la calle poniente. Marc Riba y Anna Solanas ANIMACION España
Regeneracion. Ruben Prieto FICCION España
La broma infinita. David Muñoz DOCUMENTAL España
Río silencioso. Anca Miruna Lazarescu FICCION Alemania-Rumania
Topo Gigio Is Dead. David Miranda Hardy FICCION Chile-EEUU
El método de Julio. Jon Garaño DOCUMENTAL España
Hidden Soldier. Alejandro Suárez Lozano FICCION España
Pic Nic. Gerardo Herrero FICCION España
X, La Incógnita De Abel- Odm2: Educación Primaria Universal. Jesus Nieto Esteban DOCUMENTAL España
En el insomnio. José Ángel Alayón Dévora ANIMACION España
Jason. Ernesto Villalobos FICCION Costa Rica
Minuto 200. Frank Benitez FICCION Colombia
El corazón de la mancha. Rubén Mendoza Moreno FICCION Colombia
Efecto dominó. Gabriel Gauchet FICCION Cuba/Alemania
Tasnim. Elite Zexer FICCION Israel
Viaje sin vuelta-Estacion terminal aeropuerto de Fráncfort. Güclü Yaman FICCION Alemania-Turquía
Cross-Country. Maryna Vroda FICCION Francia
Bear. Nash Edgerton FICCION Australia
My Home My Dream. Liu Haiping FICCION China
Algo queda. Ana Lorenz España
Tchang. Gonzalo Visedo Núñez FICCION España
Jugando con la muerte. Paul Urkijo Alijo FICCION España
Rosa. Mónica Lairana FICCION Argentina
Cincuenta. Manuela Montoya FICCION Cuba
8:05. Diego M. Castro FICCION Argentina
El vuelode Atí. Emilce Avalos ANIMACION Argentina
Un dios que ya no ampara. Gaizka URRESTI DOCUMETAL España
Defensora. Aitor de Miguel DOCUMENTAL España
Amar Isabel Herguera. ANIMACION España
La niña tumbada. Orso Súmar FICCION Perú
Círculo vicioso. HeIly Ninette Delgado Marchena/Andrés Augusto Vernal Peñaranda FICCION Perú
Llaman… Patricio Baca Olcese FICCION Perú
Amantes desconocidos. Alex Bendezú Alarcón FICCION Perú
La calma. Fernando Vilchez Rodriguez DOCUMENTAL Perú
Mirando al mar. Alexander Pacheco FICCION Perú
El primer hallazgo. Julio Cesar Parra Medina FICCION Perú
En uno mismo. Claudio Figari FICCION Perú
Cuidados intensivos. Brian Jacobs FICCION Perú
Último recurso. Barney Elliott FICCION Perú
Porno Star. Yashim Bahamonde & Nelson Mendoza FICCION Perú
El lugar indicado. Daniel M Rodriguez-Martin Vaisman FICCION Perú
Parrilla. Gerardo Ruiz Miñán FICCION Perú
Vine cargando mi arpa. Carlos Sanchez Giraldo & Sofía Velásquez Núñez DOCUMENTAL Perú
Astrid y Leonor. Bruno Alvarado Arevalo FICCION Perú
Desnúdame. Cesar Bustos- Aldo Li FICCION Perú

Selección Regional

Batallas rituales de toqto y ch’iaraje. Ángel Ramiro Romero DOCUMENTAL Cusco -Perú
El zorro y el cóndor. Un reto de altura. Fernando Tagle Carbajal ANIMACION Cusco -Perú
El deseo. Jorge Martin Mendez Torres FICCION Ancash-Perú
¿Qué tal James? Fabricio Linares Santillán ANIMACION Iquitos-Perú
El silencio no es suficiente. Luis Chumbe Huamaní /Patrick Murayari Wesemberg FICCION Iquitos-Perú
El último piso. Dorian Fernandez-Moris FICCION Perú

Selección Estudiantil

Decisiones. Emanuel Soriano Talaverano FICCION Perú
Sin remitente. Rey Anthony Yacolca Gomez FICCION Perú
El último suspiro. Omar Roberto Pérez Rosales FICCION Perú
A un paso del cielo. Franklin Saccsa Sánchez DOCUMENTAL Perú
Hasta que la muerte nos separe. Carolina Carrillo FICCION Argentina
¡Una carrerita, doctor! Julio O Ramos FICCION Perú
Carboneros – Charcoal Burners. Piotr Zlotorowicz DOCUMENTAL Polonia
La promesa. Axel Rosito FICCION Argentina
Titanes. Edison Cájas G FICCION Chile
This Is Not Real. Gergely Wootsch ANIMACION Reino Unido
Miss Jose. Javier Díaz Díaz FICCION Chile
El reflejo del viento. Francisco Rivera FICCION Chile
Lily. Susana Casares FICCION EE.UU /España
Yakuwa. Javier Vilar ANIMACION España

Este año la selección está especialmente interesante y muy pareja, véanla a continuación. Las proyecciones se realizarán los días 2, 3 y 4 de agosto, a las 8.30 p.m., en el Centro Cultural PUCP (Av. Camino Real 1075, San Isidro) Los premios del Filmocorto serán anunciados durante el Festival de Lima, que se inicia el viernes 5 de agosto.

Programación

Martes 2 de agosto

Ukuku, de Gastón Vizcarra (Ficción)
El mágico mundo del inglés, de Eliana Otta (Experimental)
¿A favor o en contra?, de Mauricio Godoy (Documental)
De noche, de Joanna Lombardi (Ficción)
San Felipe, de Antolín Prieto (Documental)
La última impresión, de Valentín Vergara (Ficción)
Función macabra, de Diego Vizcarra (Animación)
El primer hallazgo, de Julio Parra (Ficción)

Miércoles 3 de agosto

Soy eterno, de Sofía Velásquez (Documental)
Cambio de casa, de Eliana Otta (Experimental)
Game Life, de Luis Wong (Documental)
Pisco, de Rafael Arévalo (Ficción)
Regreso, de Jano Burmester (Ficción)
La calma, de Fernando Vílchez (Documental)
No estamos solos, de Roberto Barba (Animación)
Script, de Rossana Díaz y Enrique Vivar (Ficción)

Jueves 4 de agosto

Parrilla, de Gerardo Ruiz Miñán (Ficción)
El tercero, de Iván D’Onadio (Ficción)
Vine cargando mi arpa, de Carlos Sánchez y Sofía Velásquez (Documental)
¡Una carrerita, doctor!, de Julio O. Ramos (Ficción)
Último recurso, de Barney Elliott (Ficción)
Enagua flor, de Carolina Denegri y Rómulo Franco (Experimental)
Astrid y Leonor, de Bruno Alvarado (Ficción)
Pornostar, de Yashim Bahamonde y Nelson Mendoza (Ficción)

Extra: Los cortos también se presentarán en el Centro Cultural de España el martes 2, miércoles 3 y jueves 4 a las 4.30 p.m.

Hacer cine para cambiar la vida: homenaje a la lucha de las mujeres en el cine de Mónica Lairana

Este diálogo fue realizado con ocasión de la presentación del cortometraje Rosa de la argentina Mónica Lairana en la Universidad de Bretagne Sud, Lorient, Francia, con ocasión de un coloquio internacional intitulado “Culture populaire et cultura savante. Les représentations des relation amoureuses et des sexualités dans les Amériques” (8-9 de abril 2011). La entrevista fue llevada a cabo por Irma Vélez, profesora en el IUFM de Paris Sorbonne, quien presentó un estudio sobre los nuevos escenarios fílmicos del placer en el cine argentino contemporáneo.

La recepción de tu corto Rosa en el Festival de Biarritz 2010, ha sido una verdadera revelación. Cuéntanos cómo te surgió la idea del corto.
Los primeros esbozos de la historia de Rosa surgieron a partir de la relectura de micropoemas escritos por mí hace mucho tiempo. Poemas–imágenes que hablan de mujeres que se sienten solas aún con un hombre a su lado. Mujeres con sus cuerpos calientes en la soledad más profunda que se pueda sentir, la soledad del cuerpo y del alma. De allí, comencé a cruzar esas imágenes con el malestar que me produce una sociedad que pondera exageradamente la juventud y en su contracara, desprecia la vejez. Más acentuado en el caso de las mujeres dado el machismo que aún perdura.

“Los hombres con los años se ponen más guapos, más sexis”, ¿quién nos hizo creer que las mujeres en cambio pierden todo su atractivo? “Se desea a una mujer joven, no a una mujer adulta”. Entonces decidí intentar calzarme zapatos de mujer de cincuentipico, con sus kilos de más, sus arrugas, su piel que ya no conserva intacta la firmeza, y preguntarme qué sentiría si fuera ella y si cada día tendría que convivir con esto, y al mismo tiempo, el deseo de volver a enamorarme, de llevar una vida plena, de acostarme con un hombre, de sentirme atractiva, de ser feliz.

El último ingrediente fue un poco de culpa íntima, de la relación que uno lleva a veces con su familia, con nuestras madres. Mujeres hoy mayores que han sido además de madres, esposas, tías, hermanas, que han criado hijos, sobrinos, que han compartido años de su vida dedicadas a la familia, y ahora están solas. Olvidadas por sus hijos, por sus nietos. Quizás la escena que más representa esto es la de las fotos. Rosa rodeada de muchos familiares en cuadros con fotos que cuelgan en su dormitorio, portarretratos de la mesa de luz, y sin embargo sola y olvidada por todos.

Sin embargo, queriendo reflexionar sobre todos estos temas, siempre tuve la clara intención de que el personaje no fuera un derrotado, sino un enorme luchador en la búsqueda de su felicidad, física y anímica. Rosa no se compadece de sí misma.

¿Cómo fue recibido en Cannes?
La experiencia fue desde todo punto de vista maravillosa. El corto fue respetado, valorado por el público, los cronistas, apreciado por compañeros de competencia y cineastas amigos. La participación con Rosa fue un honor y una satisfacción que nunca imaginé. El festival es una vidriera además, es como la presentación en sociedad de nuevos directores, es invalorable lo que significa para mí.

¿Cuáles fueron los mayores retos en el tratamiento formal de su temática?
Creo que mi mayor reto desde un comienzo fue la comunicación con mi fotógrafo, Flavio Dragoset, porque de ese diálogo dependía en gran parte el resultado. Mi desafío era claro: contar con crudeza, sin la magia de ese cine que lo embellece todo, sino por el contrario, buscar la rudeza, lo incomodo, rozar el límite de lo feo pero esquivando con destreza lo vulgar y lo desagradable. Y al mismo tiempo, buscar la belleza de lo real, de lo que inevitablemente es como es y por eso es bello, porque es la vida misma frente a nosotros. Edward Hopper fue un gran referente en la búsqueda de ese equilibrio.

Con los encuadres fuimos muy cuidadosos de mostrar y esconder sólo lo que queríamos. Tratando de generar la sensación de estar “espiando” a una persona. Y mirar a Rosa, como si la actriz fuera Rosa. Yo quería que se rozara mi ficción con cierto tono documental. Con Norma Argentina, me junté en casa y ensayamos todas las escenas, le pedí cosas muy puntuales en cada una, grabé algunas cosas. Mi trabajo radicó fundamentalmente en despojarla de cualquier indicio que me hiciera sentir que estaba viendo a una actriz en escena y no a una persona. Y Norma lo logró de maravillas, por cierto.

Si ponemos en paralelo la escena de apertura de tu corto y la final, no podemos dejar de sentir cierto malestar. Malestar por esta mujer que vemos menos relajada al fumar su segundo cigarro que el primero. ¿Cuál fue entonces tu intención? ¿Es válido suponer entonces que el encuentro consigo misma ha sido más gozoso que con ese hombre y que para la mujer la masturbación es una manera saludable para salir de la soledad?
La primera masturbación de Rosa es rutina, es como lavarse los dientes, como comer, como ducharse. Es en cambio en el encuentro amoroso con el hombre donde ella intenta llenar su soledad y al no conseguirlo, lo que es peor: la acentúa. Hay una satisfacción un tanto mecánica en la primera situación a mi entender. La pregunta sería ¿por qué después de la charla en el bar no se va sola a su casa en vez de acostarse con él y se masturba de nuevo si es más satisfactorio? Porque ella busca otra cosa esta vez. A diferencia de la primera escena, Rosa busca satisfacer su alma, más que su cuerpo. Y la frustración y la tristeza que le produce no haberlo conseguido son demoledoras.

El 15 de julio de 2010 se aprobó en Argentina el matrimonio entre personas del mismo sexo, después que el 28 de diciembre del 2009 se oficializó en Argentina el primer matrimonio entre personas del mismo sexo. En materia de prioridades, en tanto que derecho a disponer del cuerpo de uno mismo, ¿te parece justo que esta ley llegue a la Argentina antes de haber legislado sobre el aborto? O sea, ¿crees que en definitiva la libertad de disponer de su cuerpo es algo todavía que no se reconoce para la mujer en Argentina?
El debate sobre el aborto es un tema muy íntimo y delicado. Yo intento no juzgar ninguna opinión al respecto. En Argentina, con otras partes del mundo, la iglesia pisa fuerte, ejerce presiones, y asimismo es acompañada por muchísima gente en buena fe. La ley de matrimonio igualitario no surge primero porque resulte más prioritaria que la ley del aborto. Si no, en mi opinión, porque estratégicamente era más sencilla de aprobar, dado que el aborto requiere un debate más extenso.

En lo personal, lo que más me preocupa en relación a la demora y urgencia de una legislación sobre el aborto, no es el derecho a decidir sobre mi propio cuerpo, si no los días que se van perdiendo de evitar las muertes de adolescentes –en su mayoría de escasos recursos– como resultado de infecciones que ellas mismas se provocan, o de los abortos clandestinos que se realizan, sin las condiciones mínimas sanitarias y profesionales.

Los abortos se hacen igual en la Argentina, con ley o sin ley. No seamos hipócritas, yo o cualquier mujer de medianos recursos, puede conseguir pagando mucho dinero hacerse un aborto por médicos matriculados, en consultorios, en buenas condiciones, sin riesgo de vida. Son esas mujeres excluidas del sistema en tantos otros aspectos, las que están en riesgo. Por ellas urge una ley de aborto legal que las proteja de la muerte. La ley del aborto legal es en gran parte una ley de protección a esas mujeres, además de un derecho reconocido para el resto.

Hoy en día cada vez más actrices logran dar el salto y convertirse en guionistas o directoras y el cine argentino es una profesión altamente feminizada. ¿De qué manera piensas que las temáticas abordadas por las mujeres en el cine, y descartadas por mucho tiempo pueda cambiar el cine?
No lo sé. Tiendo a creer que no es tan fácil suponer que el hecho de ser mujer implique hacer un cine diferente. Pero puedo hablar por mí y en mi caso afirmar una necesidad personal de reflexionar sobre diferentes problemáticas de las mujeres. Problemáticas que me agobian, me duelen, me irritan, me llenan de impotencia y se convierten en motor de mi energía creativa. Pero no sé el resto. También hay hombres que son sensibles a los mismos temas.

De lo que estoy segura es que no intento cambiar el cine, sino la vida. La realidad de esos hechos que detesto. Es el deseo más profundo e incrédulo quizás que tengo, pero es lo que siento. Yo me formé como actriz en una vieja escuela de actuación donde no se concebía el teatro desprendido de su función social. Ese teatro se diversificó y está buenísimo. Pero a mí me gusta conservar ese espíritu con mis proyectos de cine.

Tu próximo proyecto es un largometraje con un tema difícil. ¿Qué te propones hacer y por qué motivo?
Mi proyecto de largo es en torno a la violencia. Violencia de género, intrafamiliar, violencia social, laboral, sexual, psicológica. Todavía no tengo claro como lo voy a hacer, pero sé que intentaré abordar todos los tipos de violencia y sus aristas. ¿Por qué la violencia engendra más violencia?, y ¿por qué es tan difícil desarticular ese mecanismo? ¿Cuánto hay de machismo, de sexismo, de pobreza, de ignorancia, de necesidad, de humanidad, de miseria, de enfermedad, de locura? Por ahora solo tengo más preguntas que respuestas.

Estoy trabajando sobre la idea de una mujer que escapa con su bebé después de matar a su pareja, para defenderlo. Y a partir de ahí, acompañarla en su intento de rearmar su vida, intentando olvidar lo inolvidable, sumergida en un mundo externo que también se presenta violento para ella. Mi reto en este caso será no tomar partido por nadie, no juzgar, no condenar.

Si de directora pasaras ahora a productora, ¿qué tipo de cine fomentarías hoy en día y por qué motivo?
En verdad ya he atravesado sin querer la experiencia de producción en proyectos de gente amiga. Pero no hubo decisión sobre los temas, o por qué elegir o no un proyecto. Sólo hubo ganas de colaborar, surgió desde el afecto. Por supuesto que no colaboraría en proyectos con los que no estuviera de acuerdo con su ideología.

Cuando trabajabas como actriz, en tu destacado papel en El cielito de María Victoria Menis, ya interpretabas la capacidad de aguante de la mujer. Es un tema que cruza tu obra desde los distintos lugares en los cuales tratas de cine. Es tu obra un homenaje que le rindes a la mujer sin querer?
Amo el hecho de ser mujer. Siento un orgullo inexplicable y hermoso. Admiro a las mujeres. Las mujeres son leonas cuando necesitan serlo. Son fuertes, son resistentes, son inclaudicables. En mi país, las mujeres, “madres y abuelas”, fueron más fuertes que los hombres con sus armas. Ellas son el ejemplo. Como los son las mujeres que luchan en México contra la impunidad de los crímenes de Ciudad Juárez, como lo es la madre de Marita Verón, una chica argentina capturada y aún desaparecida por una red de trata de blancas, quien fue capaz de meterse en cada prostíbulo, enfrentar a la policía, al poder político, y gracias a lo cual ella misma recuperó muchas otras chicas. Y seguramente en cada rincón del mundo habrá más mujeres maravillosas que desconozco; capaces de actos cotidianos amorosos e invalorables. Mujeres leonas que, sin duda, están haciendo mucho más por el mundo de lo que uno puede hacer con sus películas.

Para tener una idea de la envergadura del SFC, sus cifras de la edición del 2010 indican que tuvieron 1728 cortos inscritos, provenientes de 86 países. Para este año se habla de 1500 cortos. Según el sitio web del evento, los filmes peruanos elegidos este año son:

¿Me puedes ver?, de Álvaro Delgado–Aparicio.

Ficción de 19 minutos, que explora el mundo interno de Carolina, una psicoanalista que se encuentra en un momento complejo de su vida. Se ha presentado en el Festival de Lima y el Fenaco. Fue editado por Héctor Gálvez, y producido por Enid “Pinky” Campos. Está en Facebook.

La ballena, de Roger Neyra.
Documental de 9 minutos, coproducción peruano–colombiana, hablada en francés. Si bien en la ficha del SFC se indica la fecha de producción como abril de 2011, el filme ya ha sido presentado en el Fenaco 2009 bajo el nombre de “La ballena: lejos de caza”. El director trujillano también participó el año pasado en el SFC, con el corto Q’eros, hombres de altura.

No estamos solos, de Roberto Barba.

Animación de 9 minutos, producida, dirigida y editada por “El Jarcor”. La película presenta a un grupo de niños, quienes durante una muestra de cine descubre una historia que no podrán olvidar. El autor ya ha estado anteriormente en el SFC: el 2006 presentó su corto “Vuela”. Lean la nota en Facebook.

Regreso, de Jano Burmester.

Ficción de 18 minutos, ganador del Concurso de Conacine 2010. Presenta a Pepe, un joven limeño con una conducta obsesivo-compulsiva, que regresa a la ciudad luego de haber vivido en el extranjero con su familia. Ahora vivirá en la casa de sus padres, arreglándola a su gusto y manías. Vean el tráiler, y página en Facebook.

…

¿Ya lo leyeron? Bueno, si aún les sobra algo de tiempo, malgastenlo aquí. Va una apretada presentación del nuevo cine peruano, o algo así:

Hace un par de años, en Santiago, fui testigo presencial de un momento típico del que desde entonces conocí como “cine garage”. Eran los eufóricos días posteriores a los conciertos de Radiohead (la mejor banda del universo, por si es necesario recordarlo), y esperaba junto a un amigo peruano en un restaurant “español, porque la comida chilena es muy mala”, a un escritor devenido en cineasta, muy famoso él, con quien habíamos concertado una cita desde Lima.

Los minutos pasaban y las ricas tapas se acababan, cuando de pronto, Fuguet llegó raudo al lugar, entrando como una tromba con todo y bicicleta. Recordando el momento hoy, a la distancia, me doy cuenta que ese era el cine garage on the making, ese era Velódromo naciendo. Así se hacen las películas hoy en día en América Latina, por lo menos estas películas que comparten tal espíritu; grabadas con ímpetu, sin pensárselo demasiado -que no sin planificación-, películas honestas, poco pretenciosas, personales, directas, con historias por lo general urbanas y contadas en primera persona, autobiográficas hasta cierto punto.

En ese encuentro fue que nació esta relación de complicidad entre Cinencuentro y Cinépata, la cual ahora da pie a esta semana de cine hecho en el Perú. Durante todo este tiempo hemos podido compartir con Alberto y sus cómplices cinépatas una selección de trabajos peruanos que transpiran el mismo feeling que pregonan sus pares chilenos, argentinos y colombianos, entre otros. Nuestras realidades son distintas, pero muchas condiciones se repiten: la predominancia del digital, la rapidez para plasmar una idea en imágenes, y la igualmente rápida velocidad con la que se cierran las ventanas de exhibición para muchos de estos nuevos trabajos. Sin embargo, esto último está cambiando, sitios como Cinepata ayudan a agilizar el tránsito de una obra desde las manos del autor hacia los ojos del espectador, sin importar demasiado desde qué ciudad se conecte uno.

Y en un mar de opciones cada vez más vasto, está bueno contar con un faro que guíe y señale un camino a seguir. No es el único, no será “el más prestigioso”, o el “de mejor calidad”, pero es una opción, y es una ruta que nosotros en Cinencuentro recorremos con gusto. Y es que se trata de nuestro ambiente natural, el online, ahí nacimos, ahí crecemos día a día, click a click, con cada byte escrito, visto, descargado, comentado.

Muchos de los nuevos cineastas peruanos alimentaron su cinefilia, no solo en el mítico Polvos Azules, sino con bastantes dosis de internet, con las películas que bajaron, con los artículos y críticas que leyeron, en blogs y publicaciones online. Resultado de esta alimentación la podemos ver en trabajos recientes, como Rumeits de Gonzalo Ladines, o Púrpura de Jorge Shinno. Ambos reflejan un acercamiento lúdico, colorido, jovial y con humor, a la realidad de los limeños de nuestros días, sin dejar de tener como fondo a la ciudad que siempre acompaña a los personajes de estas historias, chicos y chicas en sus 20, adolescentes que no terminan de madurar, con sus líos de pareja, entre divertidos y patéticos.

Otros cortometrajes como Indie, de Franco García, o Reunión de Antolín Prieto, comparten una atmósfera nostálgica y gris típica de Lima y su neblina, con remembranzas de un época feliz. Historias de niños y jóvenes de décadas recientes que, sin salirse del marco urbano, logran escapar de la apatía actual gracias a ese otro escenario propio de Lima: el mar, una figura omnipresente a la que muchos acuden tarde o temprano, a manera de escape o liberación, aunque sea momentánea.

Estos serían ejemplos recientes de un cine inmediato, lleno de referencias a la cultura popular, localista y de más allá. La selección de esta semana también incluye un trabajo más adulto, si se quiere, como Interior bajo izquierda, de los hermanos Vega, que rescata elementos del mejor Francisco Lombardi (el de los 80), su Lima vetusta y sus personajes acorde, revistiéndolos ahora de un humor negro poco usado, sin embargo necesario, y con influencias de un cine que mira a los festivales de prestigio con mayor seguridad que otros trabajos de realización más modesta, pero no por eso menos valiosos.

Sin dudas este no es todo el cine del Perú, ni mucho menos. En la ciudad siguen apareciendo esas producciones de presupuesto modesto, o a veces inexistente, como la saga numérica de Eduardo Quispe, o las revisiones a la serie B de Rafael Arévalo y Fernando Montenegro.

Mencionemos también, para los que deseen seguir adentrándose en nuestra realidad, al así llamado Cine regional, producciones hechas en ciudades fuera de Lima, que viene significando una veta cada vez más rica e inabarcable, desarrollando sus propios mitos y subgéneros. Todas estas producciones aparecen casi como respuesta o alternativa al cine más tradicional y hasta comercial que siempre continúa realizándose en la capital, con distinta suerte de público y de crítica.

Si hace unos años en Cinencuentro prácticamente cometimos traición a la patria al permitir un “Cine chileno ataca Lima”, pues ahora, haciendo honor a la imagen y memoria de Miguel Grau (Caballero de los Mares a quien aun le debemos un biopic a la altura de su chapa), proclamamos que el “Cine peruano ataca Chile”, y gracias a la internet, a toda América Latina. Tahuantinsuyo style.

(Imagen tomada de este blog)

Lo que sí viene siendo una costumbre en años recientes es encontrar a una directora detrás de la cámara, Julia Patricia Pérez es el nombre de la realizadora en esta ocasión. Y tampoco debe extrañar la temática de este nuevo trabajo: la gastronomía peruana, esa bandera que la “Marca Perú” enarbola con orgullo en tierras foráneas, cuando se trata de presentar nuestra mejor cara.

Mistura: The Power of Food (Mistura: El poder de la comida) es título del mediometraje documental que se ha presentado esta mañana en el International Family Film Festival (IFFF) en Hollywood. La película de 38 minutos, producida por Chiwake Films [ojo, no "Chinawek", amigos de El Comercio], como podrán adivinar, presenta un vistazo a la semana de la comida que se celebra en Lima durante la realización de la ya popular y exitosa feria gastronómica. Una mirada que, por lo que vemos en el avance, parece tener en mente al extranjero ávido de nuevas sensaciones, más que al peruano familiarizado con los sabores y colores nuestros.

Actualización [21 marzo]: La película ha ganado en la categoría “Mejor corto documental extranjero” en el IFFF.

Este es el tráiler de Mistura: The Power of Food. Ya se imaginarán quien presenta este documental sobre el evento cumbre del bitute y la jamancia. Sí, the one and only, Gastón Acurio:

Visiten su sitio web, y su página en Facebook. Por lo pronto, la próxima presentación del documental será en el Festival du Cinéma Latino-Américain de Montreal, el 17 de abril. Esperamos que lo sirvan en Lima pronto.

Su yapa: Coincidentemente por estos días, la Apega y el Ministerio de Cultura han tenido la idea de presentar la solicitud para que la cocina peruana sea considerada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Sí quieres unirte, visita www.cocinaperuanaparaelmundo.pe.

La noticia del día es la selección del cortometraje peruano Último recurso (Last Resort) en el Festival de Tribeca 2011, que se realizará en abril en New York. El corto forma parte de los 60 trabajos seleccionados este año, los cuales serán presentados en 8 secciones temáticas. Last Resort estará en el apartado “Take as Directed”.

La producción realizada en el Perú ha sido dirigida por el estadounidense Barney Elliott, quien escribió el guión junto a la limeña Silvana Aguirre, joven realizadora reconocida por sus trabajos “Esperanza”, y “Ela”. La producción estuvo a cargo de la experimentada Enid “Pinky” Campos.

Aquí pueden ver un extracto de Último recurso, el logline reza lo siguiente: “Cuando César se encuentra sin otras opciones, secuestrar a Marcia será su último recurso”:

Además, vean unos videos de los ensayos con el protagonista Alberick Garcia, y con Mónica Rossi (a ella quizá la reconozcan por un reciente comercial de Movistar).

Último recurso fue una de las ganadoras en la Competencia Nacional del Fenaco 2010, realizado en Cusco en noviembre del año pasado, y estará en abril en el Florida Film Festival (una de las competencias clasificatorias para el Oscar). Mencionemos también que este cortometraje fue realizado en parte a través del crowfunding, convirtiéndose en el primer proyecto peruano en utilizar esta vía alternativa de financiamiento.

Barney Elliot, nacido en 1974 en New York, ha participado anteriormente en el Festival de Tribeca. Fue en la edición del 2007, con su cortometraje True Colors, el cual tuvo un muy buen recibimiento en diversas competencias internacionales.

Barney es además esposo de la joven cineasta peruana, Valeria Ruiz, directora de “King of London” y “A Moment”. El realizador estadounidense viene trabajando en la producción de su primer largometraje Oliver’s Deal.

Pareciera que el peruano es un pueblo sin memoria, destinado a errar en lo mismo que otrora lo hiciera padecer. Algunos olvidadizos necesitan recordaris, otros un golpe aún más fuerte que el anterior para quebrarles la testarudez. Inválida es la excusa de que la historia es cíclica, pues siempre uno podrá elegir no hacer lo mismo de ayer.

El 2004, dos años antes de que Alan García sea elegido nuevamente Presidente de la República, Javier Becerra grabó Camino barbarie, documental de 22 minutos que, a través de recortes periodísticos e informes televisivos de la fecha, recapitula la masacre perpetrada en el penal de El Frontón en junio de 1986, cuando la Marina de Guerra ejecutara a más de un centenar de subversivos amotinados. 2011, un cuarto de siglo años después, la culpabilidad de los responsables ha prescrito –léase que ahora son inocentes (sic)-.

Camino barbarie no hace uso de narraciones en off, más bien, con el material de archivo disponible, intenta acercarse una verdad que hasta hoy es esquiva. El director no acude a testigos ni postula hipótesis sino apela a los recursos que en su momento contaron la historia. O sea, nos la recuerda nebulosa como aquella vez.

Mediante el montaje, Becerra contrasta los titulares denunciantes de algunos diarios con los indulgentes informes de los noticieros, como representación de la apartada oposición y de los alcances del poder, respectivamente. Los hechos en la isla fueron los mismos, mas los acercamientos a la opinión pública muy relativizados ¿Qué diferencias hay entre el público que lee y el que solo ve televisión?

Paralelo al collage de periódicos y reportajes acerca de lo sucedido, el autor se dirige en un bote al lugar del genocidio, donde se conservan las ruinas consagradas a la impunidad del primer gobierno aprista, que paradójicamente sirven como campo de tiro de la Marina de Guerra. Ambiguamente, los graznidos de gaviotas oídas de fondo en las tomas de la isla desolada connotan la pesadumbre del recuerdo y el extravío en la memoria de esta mácula en la historia democrática peruana.

Entre las notas periodísticas, el registro del paseo sigiloso por la isla y los archivos de los discursos demagógicos de García en pro de los derechos humanos se compone esta retrospectiva (según los medios) del luctuoso 18 de junio del 86, que en algunos solidifica el mal recuerdo y en otros más remueve atisbos de indignación olvidados. Camino barbarie es un documental de visión obligada para prevenir la amnesia política.

Dir. Javier Becerra | 22 min. | Perú

Producción y Coordinación de investigación: Natalia Ames

Cámara: Victor Mendívil y Mauricio Godoy.

Sonido y Post-Producción Sonora: Laurits Hamm

Corrida de toros y condores (1956), de Manuel Chambi

El 20 de noviembre de 1957, el escritor andahuaylino, por entonces director del Instituto de Arte Contemporáneo de Lima, promovió la exhibición en la capital de la obra de los cineastas de la llamada Escuela del Cusco. Cortometrajes como Corpus del Cusco, Lucero de nieve, Carnaval de Kanas y Corrida de toros y cóndores, que incorporaron la presencia del campesino, del mundo indígena y la condición de sus habitantes al cine peruano, fueron conocidos en Lima gracias a sus gestiones. Se proyectaron en el local de la Sociedad Entre Nous, concitando el interés del público e intelectuales de la época como Sebastián Salazar Bondy y Francisco Miró Quesada. Ese mismo año Arguedas publicó un artículo sobre esta muestra titulado “Películas de gesta” en el diario La Crónica y, según testimonia Manuel Chambi, también se involucró como asesor en el proyecto del primer largometraje producido por el colectivo cusqueño: Kukuli (1961).

Jarawi

En esta serie hay dos Arguedas: uno, el evocado por los amigos de la infancia, y otro el convocado por Rouillón. El primero es el auténtico creador de Amor Mundo, Yawar Fiesta, Todas las sangres, evocado en instantes realmente emotivos para los que conocen la obra del escritor, merced al cine directo de entrevistas. Pero ese es el que aparece menos. El otro, el Arguedas–niño personificado, por medio del cual Rouillón reconstruye el anecdotario infantil, es el que falla.

En la década de los 80 se realizaron adaptaciones de dos novelas de Arguedas: Yawar Fiesta (1986), a cargo de Luis Figueroa, otro miembro de la fenecida Escuela cusqueña, y Todas las sangres (1988), dirigida por el francés Michel Gómez, productor de series y telenovelas. Ambas películas presentaban serios problemas narrativos, afán ilustrativo y retórica declamatoria. La poeta y guionista Giovanna Pollarolo, refiriéndose a esta última cinta, afirma:

La adaptación fue realmente fallida. Una novela compleja, con multitud de historias, con tensión épica y dramática capaz de dar cuenta de un país diverso y múltiple donde diversas perspectivas, requería no sólo un tratamiento selectivo y orgánico desde el punto de vista narrativo, sino, además, la elección de una propuesta coherente que intentara una de entre las muchas lecturas que sugiere la novela. Gómez (el director) optó por la ilustración confusa, por la caótica acumulación de episodios.

Yawar Fiesta, de Luis Figueroa (8 minutos iniciales):

Otras miradas

En 1970 el documentalista cubano Santiago Álvarez adaptó el cuento “El sueño del pongo” en un corto de ocho minutos al estilo de su cine de montaje dialéctico, combinación de imágenes fijas y declarada intencionalidad política, característico de sus trabajos más célebres (Now, Hanoi Martes 13, LBJ) que lo convirtieron en una especie de pionero del videoclip.

El relato “La agonía del Rasu Ñiti” ha sido objeto de interesantes aproximaciones fílmicas relacionadas con el personaje principal del danzak.

Jorge Vignati (foto Caretas)

COPROCI dictaminó que la película era enojosa y aburrida y que le hacía falta un nuevo montaje, una estructura más tradicional o la inclusión en la banda sonora de un texto explicativo sobre los orígenes o sentido de esta tradicional danza de las tijeras. Una agria y lamentable disputa sobre la autoría del filme, que firmó Vignati pero pretendió reivindicar Chambi, completó la mala fortuna del corto, considerado por muchos como uno de los más logrados de entre los que se han hecho en el Perú.

Una mención especial merece el galardonado corto Danzak de Gabriela Yepes (2008), exhibido en Cannes y ganador de un premio CONACINE al mejor cortometraje, una relectura de “La agonía del Rasu Ñiti” a través de la historia de Nina, una niña que debe cumplir el último deseo de su padre de conservar la tradición de los danzantes de tijeras.

Hermano compañero, compañero de sangre (2006) de Rómulo Franco Ruiz-Bravo es el primer acercamiento documental realizado a la vida de Arguedas. El video incluye escenas del entierro del escritor, entrevistas a personajes claves e imágenes de los escenarios en los que vivió el autor de “Los ríos profundos”. Fue producido por la Pontificia Universidad Católica a través del Archivo Arguedas a cargo de Carmen María Pinilla, reconocida estudiosa del escritor.

Extras:

• En la presentación del libro del guión de La teta asustada, Claudia Llosa confesó la influencia de la obra de Arguedas en sus películas. Este fue su testimonio, así como un artículo de Alfredo Quintanilla que da algunas luces sobre esta presencia.
• En 1985 Augusto Tamayo realizó una adaptación en video de “La agonía del Rasu Ñiti” para el Centro de Teleducación de la Universidad Católica – CETUC, con las actuaciones de Luis Álvarez y Delfina Paredes. Vean una versión recortada del video.
• Lo que sí dijo Arguedas sobre el estreno de Kukuli, según Mónica Delgado. También citado por Gabriela Martínez.

Fuentes consultadas:

• “Diccionario del cortometraje peruano (I) y (II)”. Hablemos de Cine Nro. 70 -71. Lima, abril 1979-1980.
• “El cine peruano visto por críticos y realizadores”. Balmes Lozano. Cinemateca de Lima, 1989.
• “100 años de cine en el Perú: una historia crítica”. Ricardo Bedoya. Universidad de Lima, 1992.
• “El cine en el Perú: 1950-1972. Testimonios”. Giancarlo Carbone. Universidad de Lima, 1993.
• “Apuntes sobre el cine y la novela en el Perú”. La Gran Ilusión, revista de cine N. 2, Facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad de Lima, 1994.

Jorge Suárez nació en Lima en 1933, inició su andadura en el cine de la mano de otro grande recientemente fallecido: Armando Robles Godoy, en su taller se formó y lo acompañó en esa épica aventura que fue el rodaje de La muralla verde y también colaboró en Espejismo. Según cuenta en la entrevista que le realizara Giancarlo Carbone en 1993, Robles gestionó becas para su equipo cuando asistió a un festival en Checoslovaquia, entonces a Jorge se le abrieron las puertas de Europa del Este para conocer in situ la realización cinematográfica, dejó todo y se fue con su familia por dos años a los estudios Barrandov de Praga, conociendo todos los procesos y quedando maravillado por la técnica de los europeos, especialmente en el campo de la animación.

De regreso a Perú inicio su carrera junto con viejos camaradas del equipo Robles, así tres de ellos saltaron a la realización, Fausto Espinoza realizaría Corpus, Mario Pozzi haría Baila negro y el maestro comenzaría con Materos de Cochas Chico. Ya desde entonces se decantó por el documental ecológico o antropológico, según él porque el cortometraje documental “pudiese ayudar al conocimiento masivo de cómo es nuestro país”.

De ahí en adelante no paró hasta acumular 26 cortometrajes minuciosamente elaborados a lo largo de más de tres décadas, visitando todas la regiones del Perú, empapándose de temas científicos, antropológicos, sociales y culturales de todo tipo, mostrando una sensibilidad única, especialmente en la captación de imágenes. Buscó la colaboración de poetas para la elaboración de los textos con lo que logró recalcar el sentido poético de sus creaciones, tuvo especial cuidado en la selección musical y en el montaje final de la obra. La suya es una obra de artesanía pura.

Recibió en vida premios y reconocimientos y sabemos que se ha realizado la restauración de 7 documentales, pero queda la tarea pendiente de restaurar su obra completa y acercarla a las audiencias, especialmente a las nuevas generaciones. Si hay un homenaje pendiente es que todos conozcan su obra, parece increíble pensar que sus cortometrajes fueron vistos en pantalla grande por audiencias que asistían a ver los filmes de cartelera, ¿No habrá forma de lograr algo parecido en estos nuevos tiempos?

Veamos algunos de sus cortos, rescatados de cintas que no esconden el deterioro y paso del tiempo pero muestran claramente la calidad de su trabajo.

En la orilla (1976)

Tierra de alfareros (1983)

Ashaningas del Cutivireni (1989)

Extractos de una entrevista

En noviembre de 1993, Giancarlo Carbone realizó una entrevista a Jorge Suárez, que es la mejor muestra de la ideas del maestro, dicha entrevista forma parte del libro: “El cine en el Perú, el cortometraje: 1972 – 1992″, de imprescindible lectura. Ponemos aquí unos extractos de la entrevista que ayudan a mostrar el perfil del maestro.

La mayor parte de las películas que he hecho han sido producto del asombro. He tenido la suerte y la facilidad de contar con la asesoría de especialistas, que son profesionales capaces de proporcionar una gran información acerca del tema sobre el que vas a trabajar. Generalmente, los temas que he escogido son los que más me han asombrado. Por ejemplo, me pareció fabuloso conocer el desarrollo de los embriones marinos y ver cómo evoluciona esta forma de vida. Yo siempre digo, si a nosotros nos asombra, por qué no los va a asombrar y gustar a los demás. Cuando filmo lo hago pensando en ese sentido, el de que poder acercarme a realidades a las cuales las otras personas no tienen acceso es un privilegio fantástico.

Una de las motivaciones que tuve cuando comenzó la Ley de Cine fue que el cortometraje documental pudiese ayudar al conocimiento masivo de cómo es nuestro país, y dentro de eso escogí la naturaleza. Lo hice por una cuestión didáctica, pedagógica o simplemente por el hecho de informar a al sociedad. Lo hago ceñido a la realidad misma, y no convierto a esta en un medio para expresar mis emociones, sentimientos o conflictos. Presento la realidad tal cual y trato de ser exhaustivo, de encontrar los aspectos más interesantes para mostrarlos, en eso gasto la mayor parte de mi energía. Trato de que sea un tema representativo. Entonces escudriño mucho, investigo, realizo sondeos previos, haciendo varios viajes, hasta lograr enterarnos al máximo del tema.

De otra parte, hay que quitarse de la cabeza lo más pronto posible la idea de que el cine es la gran cosa y el vídeo no. Claro que es bonito decir que el cine tiene más caché, ayuda cuando uno está en una conversación de café, puesto que suena mejor. Pero hay que desprenderse de una vez por todas de esa concepción porque es un error y una pérdida de tiempo pensar que el video no tiene las condiciones necesarias para hacer lo que uno quiere.

Testimonio de parte

Conocí a Jorge a finales de los años noventa, cuando se dedicaba a la realización de documentales de corte institucional junto a su compañera de toda la vida Ana María Pérez, por entonces yo era editor de TV Cultura y tuve que sortear los laberintos de la edición durante largas jornadas con él. La verdad es que no nos comprendimos al inicio, es decir, yo no comprendía su modo de trabajo: dilatado, reflexivo, basado en sensaciones, sin un guión claro en la mano. Desde la perspectiva de la eficiencia en el uso de los recursos, el suyo era un método costoso e ineficaz.

Sólo después de conocerlo mejor, luego de escuchar sus relatos y apreciar sus trabajos (que hasta entonces no conocía) pude valorar su particular mirada, es más, me di cuenta que ese era el mejor método de abordar la creación documental, recuerdo que muchas veces se llevaba porciones de edición en bruto y volvía con una premezcla que “funcionaba”, tenía “ritmo”, y es que Jorge trabajaba con las imágenes de acuerdo a una mecánica más bien musical.

Por ejemplo, aprecien los compases del viejo alfarero que amasa el barro en “Tierra de alfareros”, el sonido de la paleta contra la vasija en formación lleva la batuta de los cortes e impone cierto ritmo a la edición. En “En la orilla” vemos en cierto momento un pequeño animal marino, quizas erizo, que con la música se transmuta en un tanque de guerra, amenazador e imponente. Y los cantos de los ashaninkas sobre imágenes de rostros pintados y chicos zambulléndose en el agua imponen un ritmo casi mágico a la edición. Todo eso no era fruto del azar, era Jorge disponiendo los elementos, explorando las posibilidades, eligiendo y probando. Desde el momento del registro con su cámara Bolex de 16 mm. hasta la mesa de montaje, Jorge llevaba muchas ideas en la cabeza, le costaba quedarse con una sola, por eso probaba todo antes del corte final.

Supe más de él conversando con Carlos Cárdenas, con quien Jorge había trabajado intensamente en Ayacucho en el documental “Desplazados”, que es también un testimonio del compromiso y pericia del documentalista. Aún en vida pudimos ser parte del homenaje “Una mirada en el tiempo” que se le brindó en el marco de la Primera Bienal Nacional de Cine y Video en abril del 2004, editando un material con varios de sus cortos. Fue un honor compartir algunos años de trabajo con el maestro Jorge Suárez.

Extras:

• Una mirada muy informada de Mauricio Godoy a la obra del documentalista.
• Crónica de Mayra Castillo a propósito del homenaje que el Festival de Lima le rindió en su décima edición.
• Ricardo Bedoya escribe también y revisa su corto “En la orilla”

Fotografía tomada del libro “El cine en el Perú, el cortometraje”, de Giancarlo Carbone.

Esto fue lo que nos contó Fernando sobre su corto, sobre su “búsqueda de la paz”:

¿De qué trata La calma? ¿Por qué realizaste este proyecto?
Fernando Vílchez: El proyecto de La calma empieza el 2008. Tenía en mente la historia de una persona que deambula por su ciudad, agobiado por una carga emocional difícil. Estoy hablando de un corto de ficción, en este punto.
Debido a mis labores como periodista me enteré del caso de un hombre que casi había perdido la vida en el terremoto de Pisco. Quedó sepultado y alguien registró su rescate con una cámara.
Empecé a investigar sobre él y entonces noté que en realidad su historia equivalía al personaje que estaba en el guión. En ese momento había que empezar a pensar en una obra que estuviera con un pie en ambos mundos: en el de la ficción que había sido concebida y en el del documental, en la vida real de Jorge Luis, el protagonista.
Creo que la separación ficción/documental ya no interesa mucho, siempre que sea algo que contenga algo verdadero. Aunque sea difícil de explicar esto último.

Lo siguiente fue un proceso lento y complicado. Jorge Luis es una persona que es recelosa con los periodistas y me tomó mucho trabajo convencerlo de participar. Porque no se trataba de una entrevista sobre “su caso” (el vídeo de YouTube donde él es rescatado desde bajo los escombros) sino se trataba de, literalmente, hacerlo actuar.
Después de convencerlo, procedimos a hacer sus planos de inmediato. El procedimiento fue ir acompañándolo por Pisco, por lugares que le parecían importantes o significativos a él, pero sin fastidiarlo ni interrumpirlo ni interrogarlo. Una vez que ya nos instalábamos en un lugar, entonces ahí empezábamos a planificar el asunto como una “puesta en escena de ficción”, con planos, con ensayos, etc. Ahí ya lo tuvimos que hacer repetir dos, tres veces cada toma. Así, Jorge Luis pasó a ser nuestro actor en todo sentido.

En junio del 2010 terminé la escuela de cine [en España]. Entré a trabajar a mi primer rodaje y luego de esa experiencia (agosto 2010) volví a revisar todas mis cintas. Encontré todo lo grabado sobre Pisco y replanteé toda la idea. La decisión fue quedarse con lo absolutamente esencial. Además, mandé grabar otras imágenes (contraplanos, etc).
La idea de documental extenso quedó en lo que es hoy La calma, un corto silencioso sobre un tema específico: la búsqueda de la paz. Fueron dos meses de encierro, planteamiento y edición del trabajo.

Vean el tráiler de La calma:

¿Cuánto tiempo les tomó hacerlo?
FV: Resumiendo, las primeras imágenes se grabaron el 2008, pero las finales, las decisivas, y el concepto real de la obra, todo esto es del 2010. Si hubiera editado el corto como se pensaba el 2008, sería algo completamente distinto (hubiera sido una especie de largo), para bien o para mal. Así que el corto ha tenido un proceso de tres años donde mutó en varios géneros, en varias duraciones.

¿En qué referentes podemos pensar? ¿Qué películas tuviste en mente?
FV: Si hay un referente ‘emocional’ al menos, es “The House is Black”, de Forugh Farrokhzad [Irán, 1962]. La tranquilidad para narrar algo cercano al sufrimiento era lo que este corto necesitaba. Pero el problema era que no podía usar un narrador, así que la opción fue usar letras, simplemente. Letras como voz en off. Como en una película muda de antaño.

Además, el otro aspecto muy importante es el sonido del cortometraje, ya que se trata de un corto casi “mudo”, solamente con el registro de sonidos cotidianos. No los tuve en mente, pero recuerdo la importancia del sonido en El sol del membrillo [de Victor Erice, España, 1992], cada sonido “cotidiano” que se usa para dar un significado a la “monotonía” del personaje.

¿Cuál fue tu equipo de rodaje? ¿En qué formato grabaste?
FV: Grabamos con una Panasonic MiniDV de un amigo de la PUCP, camarita cuyo trípode se rompió al tercer día del primer viaje. Total de material: 11 horas de grabación (demasiado).
Debido a los varios viajes, todos cubrimos todos los rubros prácticamente. Especialmente Robinson y Carlos. Pero digamos que las funciones oficiales son:

Guión, Dirección, Edición y Post: Fernando Vílchez.
Imágenes: Gisella Barthé/Fernando Vílchez.
Ayudante de Dirección: Robinson Díaz.
Sonido: Paula Chávez.
Producción: Carlos Zevallos.
Música: Rauf Neme.

Cuéntanos sobre ti, y tus proyectos.
FV: Tengo 30 años. Llegué a Madrid hace dos años para estudiar cine. Mientras, he trabajado como reportero/corresponsal para Perú de distintas noticias en Europa. Además grabo y produzco eventos que ocurren en Madrid. El 2010 tuve la suerte de contar con dos hechos que me permitieron vivir cómodamente para dedicarme a editar “La calma” en paz: trabajar en el largometraje ruso To Hear the Sea y “vender” un cortometraje que hice antes: Tercer acto.

De momento, tengo en mente dos metas: la primera es terminar un proyecto del que poco puedo hablar pues aún da vueltas en mi cabeza. Tiene que ver con literatura clásica y, a la vez, con la política peruana. Espero tener un esbozo en los próximos meses para poder planearla sin necesidad de fondos muy altos.
La otra meta es realizar Las cenizas, la película de la cual soy guionista, y dirigida por Raúl del Busto. Creo que es un proyecto importante, que consiguió tener a Carlos Reygadas y a Lita Stantic como productores y que no fue suficientemente apreciado por el jurado de Conacine de aquel año. Raúl es un cineasta que merece total atención en el Perú.

Yapa: Vean en en La Mula una videoentrevista con Fernando.

El origen del ukuku se encuentra en la mitología andina: se trata de una criatura nacida de la unión de una mujer con un oso de anteojos, de los que hereda su sabiduría y fuerza, respectivamente. Su condición de semidios le confiere la potestad de salvaguardar la buena conducta de su poblado, sin embargo, su principal función es la de escalar a los más altos nevados de la cordillera para picar un pedazo de hielo que bajará para la ceremonia de purificación del pueblo y de sus primeras cosechas. En los tiempos que corren, es durante la fiesta del Señor de Qoylluriti, en Cusco, (58 días después del Domingo de Resurrección), cuando los ukukus ascienden a los nevados en pos de las bendiciones.

El Ukuku de Gastón Vizcarra respeta las características históricas del personaje, no obstante, sus errores son de narración, pero principalmente de guión. Si bien es atractivo el inicio de su peregrinación alrededor de picos y nubes densas, esta se dilata en su camino hacia la costa, adonde llegaría en busca del hielo que no halló en los nevados deshelados. Los tiempos han cambiado y la naturaleza sufre los efectos del calentamiento global y las incurias del hombre, ergo el ukuku -símbolo de la cosmovisión andina y la conservación del medio ambiente- está desfasado de su contexto y por eso desvaría en la costa.

La inteligente premisa de contrastar la jocosa actitud del ukuku con la irritable conducta de los costeños como símbolo de dos mundos distantes, no dialogantes, se enturbia con un burdo desenlace escrito con la sutileza de un cómico ambulante. En una escena sobreactuada cual sketch, el tiendero acribilla al mitológico personaje en su bodega de la Panamericana Sur. Grotesca y desangelada, es una de las peores escenas del cine peruano en lo que va del siglo.

Sin embargo, hay aspectos a destacar en este cortometraje de 20 minutos, como la panorámica fotografía de Rafael Vizarreta, ataviada con efectos de edición; el majestuoso vestuario de lana del protagonista; la música instrumental compuesta por el criollo Miguel “Chino” Figueroa y la armoniosa narración en quechua del inicio de la leyenda. Por su lado, Vizcarra, también autor del guión de Django la otra cara, mantiene su nivel creativo, uno no muy auspicioso, por cierto.

Ukuku fue uno de los ganadores del Concurso de Cortometrajes de Conacine 2009.

Dir. Gastón Vizcarra | 20 min | Perú

Intérpretes: Sergio Espinoza (Ukuku), Hermelinda Luján (Cantinera), Akinori Sato (Tiendero), Miguel Vergara (Mototaxista), Sergio Bjork (Bebedor)

1. Criatura de la noche (Let the Right One In), de Tomas Alfredson
2. Los amantes (Two Lovers), de James Gray
3. Un hombre solo (A Single Man), de Tom Ford
4. La cinta blanca (The white ribbon), de Michael Haneke
5. Toy Story 3, de Lee Unkrich
6. Red Social (The Social Network), de David Fincher
7. Atracción peligrosa (The Town), de Ben Affleck
8. El último camino (The Road), de John Hillcoat
9. Paraíso, de Héctor Gálvez
10. Silencio en el lago (Eden Lake), de James Watkins

Otros títulos que rescato (sin orden de preferencia): Amor sin escalas (Up in the air) de Jason Reitman, Zona de miedo (The Hurt Locker) de Kathryn Bigelow, El origen (Inception) de Christopher Nolan, Enemigo interno (Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans) de Werner Herzog, Océanos de Jacques Perrin y Jacker Chizand, Los abrazos rotos de Pedro Almodóvar, y El secreto de sus ojos de Juan José Campanella.

Perú: Luces y sombras

El 2010 fue un año parteaguas para el cine peruano. A nivel expresivo, marcado por la nominación al Oscar de La Teta Asustada, tuvimos un puñado de nuevos realizadores estrenando primeras obras que ganaron el reconocimiento crítico y festivalero (Gálvez, los hermanos Vega, Fuentes-León), y una vieja guardia (Lombardi, Tamayo, Pereyra) con propuestas fallidas que confirman la involución del cine que practican. Paralelo al cirtuito comercial, hubo estrenos de películas en formato digital -de dispareja calidad técnica, estética o narrativa- en Lima y las regiones, que confirman que el esfuerzo y entusiasmo por hacer cine en el país no se ha apagado, pese a las limitaciones.

A nivel político, la aprobación en el Congreso de la Ley Procine tuvo los efectos de un terremoto para la comunidad de cineastas (dividida ya entre afiliados y simpatizantes de la APCP y la UCP), pues ponía en peligro el financiamiento estatal que ya existía para largos y cortos nacionales y se lo otorgaba alegremente a los privados, es decir a los distribuidores y exhibidores vinculados a Hollywood. Por fortuna, el estropicio legal ha obligado a ambos gremios a ponerse de acuerdo y solicitar la observación de la norma al Ejecutivo. A estar atentos a lo que suceda en este azaroso capítulo de nuestro cine.

Cortometrajes

La cantera natural de toda cinematografía está en sus cortos. Es inaceptable que se intente eliminar, mediante ley, los concursos del CONACINE creados para este formato. Al respecto, recomiendo este artículo de Rosita Rodríguez. Solo sumando los cortos que compitieron este año a los premios del CONACINE, FENACO, FilmoCorto, y La Noche de los Cortos, tenemos alrededor de 180 producciones. Hay que defender al cortometraje peruano, así como a todos los espacios donde se lo difunde y reconoce.

De las muestras y festivales que pude ver, estos son mis diez cortos destacables del año (en orden alfabético):

• Barro en los zapatos, de Gonzalo Ávila y Fernando Arce (Arequipa)
• Ciudad Manjar, de Mauricio Godoy y Brennan Barboza
• El río, de Adrián Saba
• Parrilla, de Gerardo Ruiz
• Regreso, de Alejandro Burmester
• Rumeits, de Gonzalo Ladines
• La región invisible, de Aldo Salvini
• Púrpura, de Jorge Shinno
• San Felipe, de Antolín Prieto
• Tourist Hitchcock, de Marco Pando (animación estrenada en el Festival Internacional de Video/Arte/Electrónica VAE11)

Desde un inicio, vivir con Astrid, era lo que Leonor necesitaba. Dejar de estar sola. Tener muchas ideas y motivaciones artísticas. Estaba feliz. Pero no entendía el comportamiento de Astrid; que estaba de mal humor. No aguantaba la volubilidad de Leonor, sus excentricidades y sentido autodestructivo.

Vean el tráiler de Astrid y Leonor:

Algunas palabras del director Bruno Alvarado Arévalo:

Empecé trabajando en televisión, tratando de meterme a cualquier área posible. La idea era foguearme en todo lo que pueda. De hecho, desde quinto ciclo, cuando llevé mi primer curso de guión con Emilio Bustamante, decidí que me quería dedicar a escribir. La dirección siempre me ha llamado la atención, pero la escritura de guiones es mi pasión.
Mi primer trabajo fue como asistente de dirección del director de teatro Diego La Hoz. Luego, pasé a hacer producción en diferentes series de televisión
En el 2008, entré como asistente de locaciones y arte en Tarata de Fabrizio Aguilar y luego como asistente de arte en Cielo Oscuro de Joel Calero.
A mediados del 2009, produjimos y rodamos Astrid y Leonor.
A partir del año 2010, me empecé a dedicar de lleno a la escritura de guiones de cine y televisión Además, también estoy haciendo una serie de documentales para la Academia Nacional de Ciencias –apoyado por la Organización de Estados Iberoamericanos.

Proyectos

Todos los proyectos que tengo en mente son para realizarlos con La Furia Films. Ahí yo me dedico a escribir y a ser director, o hacer asistencia de dirección –dependiendo el proyecto.

Ahora queremos hacer otro cortometraje. Tenemos algunas ideas, entre ellas, el guión de “Tres al hilo” que escribí para el concurso de proyectos de La noche de los cortos, el cual iba a dirigir Jorge Shinno. Tenemos que corregir algunas cosas para ver si lo podemos realizar.

En proyectos pasados, tengo escrito un guion de largometraje, adaptado de un cuento de Víctor Falcón Castro. Además, estoy empezando a escribir lo que, espero, sea mi primera película. Una comedia romántica que sucede un verano al sur de Lima, protagonizados por una pareja de adolescentes.

Además, también ya estamos dando vueltas a una idea que Jorge Shinno tiene para escribir su película.

Cómo se hizo Astrid y Leonor:

Al tener una primera versión de la historia, se las presento a la gente del grupo y empezamos a trabajarlo. Me dan sus opiniones, sugerencias y críticas. Y así sucesivamente hasta tener un buen guión.

El proceso de “Astrid y Leonor” fue así, sólo que lo coescribí con María Luisa Adrianzén –productora y guionista de televisión.

Como director, no soy alguien cerrado. Escucho todas las ideas que mi equipo de trabajo me da. Porque en “La Furia Films”, creemos que hacer cine es como tener una banda de rock: uno viene con la idea y los demás trabajamos teniendo una sola visión.

Luego de tener el guion listo, empezamos a hacer cásting. Hago que los actores lean el guion y les hago preguntas sobre los personajes. A mi me interesa conocer al actor y ver de qué manera trabajar con él. Y dependiendo del personaje, es que decido con cual trabajar. Y por eso mis ensayos se basan más en la interiorización del personaje más que en el ensayo de las escenas.

Ahora, días antes de empezar a grabar este corto, tuvimos un problema de presupuesto, así que tuve que reescribir el guión. Durante el rodaje, me focalizo en mis personajes. La estructura de los planos ya está detallada previamente con el asistente de dirección, la directora de arte y el director de fotografía. Eso me ayuda a trabajar con mis actrices. En este caso, dado que los personajes son entrevistados, escribimos la escena pero, lo que vemos en pantalla, es mucha improvisación, algo que la historia nos permitía.

En la edición, es igual. Me siento con el editor y los post-productores y dejo trabajar. Que me den ideas y ver cuáles funcionan mejor con lo que quiero contar.

Aquí les presentamos uno de ellos, Púrpura:
Un joven tiene un kiosco de periódicos, quiere ser escritor y debe encontrar la forma de ser reconocido, se ve obligado a vivir en el kiosco. Encuentra una extraña caja que fue dejada afuera. Un día conoce a una colegiala llamada Andrea, quien le da esperanzas, pero él se dará cuenta que las cosas no son tan fáciles y deberá enfrentar la vida de una forma menos inocente.

Escrito y Dirigido por Jorge Shinno
Producido por Ericka Mendoza y Jorge Shinno
Dirección de Fotografía: Omar Quezada
Dirección de Arte: Marta Mendez, Paola Hiraoka y Giuliana Pardo-Figueroa
Sonido Directo: Rafael Cabrera y Christian Acuña
Asistentes de Dirección: Bruno Alvarado Arévalo, Roddy Zevallos
Edición y post-producción: Jorge Shinno
Post producción de Sonido: Zumba Diseño de Sonido

Ayer se preestrenó Púrpura, en la muestra realizada en El Galpón Espacio con cortos ganadores de Conacine 2010. Fue uno de los trabajos que mejor impresión dejó, arrancando incluso algunos aplausos al final de la proyección, y personalmente es el que más entusiasmo me despierta. Una historia redonda, un cuento en realidad, joven, fresco, agridulce y divertido cuando debe serlo, con un personaje principal bien definido que tiene conflictos y salidas ingeniosas, una ambientación que es casi un homenaje al barrio limeño clasemediero, y personajes secundarios que con ciertos altibajos, ayudan a que la narración fluya. El acabado técnico es de muy buen nivel, algo que es prácticamente una regla entre los ganadores de Conacine.
El director mencionó algunos referentes o influencias para su primer trabajo: Punch-Drunk Love de Paul Thomas Anderson, o Kids de Larry Clark, entre otros. Viendo el tráiler ahora pienso en las historias de Ezequiel Acuña, y sus personajes adolescentes tardíos, sus amores ídem, sus respectivas decepciones, y sus sueños personales luchando aun por realizarse, elementos que también he encontrado en algunas recientes producciones chilenas. Me agrada encontrar historias similares en nuestras esquinas, en nuestros kioskos, con nuestra gente.

Algunas palabras del director Jorge Shinno:
“Púrpura es el primer cortometraje independiente que realizo, he hecho algún otro corto mientras estudiaba en la universidad, recién luego de más 2 años de egresado y de estar trabajando decidí hacerlo.

Púrpura tuvo un proceso algo apresurado, el comienzo de la escritura del guión se dio a finales de mayo y la primera versión del guión finalizó el 16 de junio, algunas conversaciones previas con la gente de La Furia Films* fueron delimitando y haciendo evidente lo que se venía. La idea nació con el personaje, hace unos años me había llamado la atención escribir algo sobre este kiosquero imaginario, pero las imagenes y las ideas previas quedaron atrás, el guion se alejó de esas primeras alucinadas y fue tomando otra forma con algunos ingredientes personales y experiencias comunes. Aparecieron nuevos personajes y emergió una estructura marcada por sucesos que se presentan encaminando la historia de este personaje.

Teniendo el guión listo en julio, la verdadera chamba de producción comenzó casi a finales de ese mes para mi era importante encontrar un distrito en donde realizar todo y terminamos en el primer lugar en el que comenzamos a buscar luego de pasearnos por otros lugares. Marta Méndez nos ayudó en la parte artistica que debia tener el corto, entonces Magdalena, el mercado y alrededores se ajustaron bastante a las conversaciones nocturnas que tuvimos en Barranco.

El lugar estaba escogido pero faltaban algunas locaciones y ver cómo conseguir dinero, porque el presupuesto creció bastante, felizmente conté con el apoyo de mi familia para completar eso que faltaba. Quedaron 4 días de rodaje, 3 en los que teníamos equipos luces, cámara y bastante gente y 1 día extra donde se grabaría la secuencia final donde solo fuimos 5 personas contando los dos personajes principales.

Creo que el primer día fue el más difícil porque se extendió el rodaje, estabamos atrasados, se quemó el grupo electrógeno, la señora dueña del kiosco se hartó de nosotros y no quería dejarnos grabar ahí al día siguiente, tuvimos que conversar buen rato con ella de mil formas hasta que finalmente accedió.

Este rodaje se realizó los primeros días de agosto, ajustando un poco con la edición y post producción se pudo llegar al deadline de Conacine que fue a finales de ese mismo mes.

Vean el corto a continuación:

Perfil de Jorge Shinno
Egresé de la Pontificia Universidad Católica del Perú, me he centrado en el área de dirección a lo largo de la universidad y fuera de la misma, he dirigido algunos videoclips para músicos locales y he trabajado como asistente de dirección en publicidad y tv.
Lo próximo que se viene es un nuevo corto que se realizaría en enero, será algo más personal y oscuro alrededor de las calles limeñas. Asimismo, finalizar el guión de un largometraje, en donde la historia se centra en un momento, en un contexto social dentro de varias realidades. Esperamos tenerlo para marzo o abril para comenzar a buscar apoyo para la realización.

*La Furia Films
La necesidad por mostrar una visión diferente es la energía que nos mueve, la creatividad es la base para mantenernos como una nueva propuesta audiovisual.
Integrada por Jorge Shinno, Omar Quezada Beltrán, Bruno Alvarado Arévalo, Ericka Mendoza y Geovanna Gerstein. Inicia sus actividades en diciembre del 2009 con el cortometraje “Astrid y Leonor” de Bruno Alvarado Arévalo. Luego se realizó un videclip para la cantante Caroline Cruz dirigido por Jorge Shinno, aún por estrenarse y luego el cortometraje “Púrpura. Hay diversos proyectos en proceso entre videoclips, cortometrajes y largometrajes.

Previo al anuncio, el Jurado Internacional del FENACO, encargado de determinar los mejores cortos nacionales en las categorías de ficción, documental y animación, dio lectura a un comunicado sobre el nivel promedio de los 73 trabajos peruanos evaluados, el cual prácticamente se convirtió en una llamada de atención a los participantes respecto a la baja calidad técnica y narrativa de sus producciones. El acta culminó exhortando a los realizadores audiovisuales para que tengan mayor cuidado, rigor y autocrítica en sus próximos proyectos, si lo que buscan es llegar con sus obras a públicos más amplios y exigentes.

En esta ocasión, el Jurado fue integrado por: João Garção Borges del canal RTP de Portugal; Lorena Bianchini, programadora de cortometrajes del INCAA (Argentina) para el Festival de Mar del Plata; Jaime E. Manrique, crítico y director del Festival Internacional de Cortos In Vitro Visual de Colombia; la actriz Magaly Solier; y el crítico y presidente de APRECI -y editor de este blog-, Gabriel Quispe.

Barney Elliot (izq) y Michael Watts (der), fueron algunos de los ganadores

Premios del Jurado Internacional – Competencia Nacional

• Primer lugar cortometraje nacional ficción (ex-aequo): El Río, de Adrián Saba, y Último recurso (Last Resort), de Barney Elliot.

• Primer lugar cortometraje nacional documental: Laguna negra, de Michael Watts.

• Primer lugar cortometraje nacional animación: Desierto.

• Premios Derechos Humanos y Medio Ambiente: Laguna negra, de Michael Watts.

• Premio Qosqo: Batallas rituales de Toqto y Chiaraje, de Ángel Romero Pacheco.

• Premio Diversidad Sexual: Astrid y Leonor, de Bruno Alvarado.

• Premio Indígena: El dios de las piedras, de Gerardo Karbaum.

• Mención especial: Waras – Kichwa Kuyaq, de Erick Aquino.

• Premio de Género: Desierto.

• Premio Infantil: Desierto.

Premios del Público

• Primer lugar cortometraje nacional, elegido por el público. Trofeo FENACO: Laguna negra, de Michael Watts (Perú, Inglaterra).

• Primer lugar en la categoría estudiantil a nivel nacional, Ficción. Trofeo FENACO: Consecuencias, de Cinthia Ruiz (Perú)

• Primer lugar en la categoría estudiantil a nivel nacional, Animación. Trofeo FENACO: Desierto.

• Primer lugar en la categoría estudiantil a nivel nacional, Documental. Trofeo FENACO: Arte y memoria, de Paloma Torres Sandoval (Perú).

• Primer lugar en la categoría estudiantil a nivel internacional, Ficción. Trofeo FENACO: Un santo para Telmo, de Gabriel Stagnaro (Argentina).

• Primer lugar en la categoría estudiantil a nivel internacional, Documental. Trofeo FENACO: Chigualo, cuando muere un angelito, de Juan Camilo Castillo Landázury (Colombia).

• Primer lugar en la categoría estudiantil a nivel internacional, Animación. Trofeo FENACO: Formic, de Florian Wittmann y Roman Kälin (Alemania).

• Primer lugar en la Categoría Internacional, Ficción. Trofeo FENACO, Premio Video Cutline: Jesús TV, de Gastón Goldmann y Héctor Orbegoso River (Venezuela).

• Segundo lugar en la Categoría Internacional, Ficción. Premio Video Cutline: El orden de las cosas, de César y José Esteban Alenda (España).

• Primer lugar en la Categoría Internacional, Animación. Trofeo FENACO, Premio Video Cutline: Las gemelas de la calle Poniente, de Marc Ribas y Anna Solanas (España).

• Segundo lugar en la Categoría Internacional, Animación. Premio Video Cutline: Go to Sleep, de Luis Carlos Uribe (Argentina).

• Primer lugar en la Categoría Internacional, Documental. Trofeo FENACO, Premio Video Cutline: 0,39 de Juan Bidegain (España).

• Segundo lugar en la Categoría Internacional, Documental. Premio Video Cutline: Viñateros del Río, de Paula Asprella (Argentina).

Otros Premios:

• Premio Indígena.- Otorgado a la mejor obra, en cualquier género, referida a las diferentes facetas de la historia y realidad de los pueblos indígenas, y que resalte los valores y cultura de dichas comunidades. Trofeo FENACO, Premio COCA SHOP: En pie de lucha: Comunidades en defensa de la tierra, de Verónica León Burch (Ecuador).

• Premio Derechos Humanos.- Otorgado al mejor cortometraje que denuncie los actos y consecuencias de acciones contra los derechos humanos, promoviendo el respeto de sus principios universales. Trofeo FENACO: Territorios sin paz, de Unai Aranzadi (España)

• Premio Medio Ambiente.- Otorgado a la mejor obra que defienda la protección de las diferentes especies de nuestro planeta y el cuidado del medio ambiente y una vida saludable.  Trofeo FENACO: Las leyendas argentinas, el Quebracho colorado, de Víctor Blasco (Argentina).

• Premio de Género.- Otorgado al cortometraje que reivindiquen el rol de la mujer y sus derechos en la sociedad. Trofeo FENACO: El orden de las cosas, de César y José Esteban Alenda (España).  

• Premio Diversidad Sexual.- Otorgado al mejor trabajo que plante un acercamiento a la temática homosexual y de diversidad sexual, con respeto y sensibilidad. Trofeo FENACO: Sexo femenino, de Enrique Cruz (México).

• Premio Infantil.- Otorgado al cortometraje que se haya realizado para entretener al público infantil. Trofeo FENACO: La niña que tenía una sola oreja, de Álvaro León (España).

• Premio Promofest.- Otorgado al mejor cortometraje Iberoamericano por la distribuidora de cortometrajes PROMOFEST de España, consistente en 100 envíos a festivales españoles valorado en 480 €: Las ovejas pueden pastar seguras, de Néstor Sampieri (México).

Extra: Fotos de Magaly Solier en FENACO en su Facebook.

El jurado integrado por los realizadores Álvaro Velarde (presidente), Daniel Vega y Gabriela Yepes, la crítica Mónica Delgado y el editor Julio Wissar, otorgó los diez premios de 15 mil nuevos soles a los siguientes trabajos:

- Do-Min-Go, dirigido por Gonzalo Ladines

- 1992, dirigido por Luis Basurto

- Payasos, dirigido por Marianela Vega

- Regreso, dirigido por Alejandro Burmester

- Función macabra, dirigido por Diego Vizcarra

- Brus Rubio, dirigido por Carlos Sánchez y Sofía Velásquez

- El otro cine, dirigido por Javier Becerra y Sofía Velásquez

- Parrilla, dirigido por Gerardo Ruiz

- La región invisible, dirigido por Aldo Salvini

- Púrpura, dirigido por Jorge Shinno

Asimismo, se otorgaron menciones honrosas en áreas específicas.

- Mejor fotografía: Fergan Chávez por El tercero

- Mejor sonido: Ernesto Herrera por La región invisible

- Mejor música original: Nuria Saba por ¿Me puedes ver?

- Mejor guión original: Gonzalo Ladines por Rumeits

- Mejor dirección artística: Aaron Rojas por El lugar indicado

- Mejor producción: Jorge Constantino y Carlos Ruiz por Todos y nadie

- Mejor ópera prima: Alejandro Burmester por Regreso

- Mejor dirección: Javier Becerra y Sofía Velásquez por El otro cine

- Mejor edición: Micky Maúrtua por La región invisible

- Mejor actriz: Carmen Aída Febres por Regreso

- Mejor actor: Nicolás Fantinato por La región invisible

Actualización. 5 de octubre. Conacine envía el acta completa del jurado, donde se encuentra la siguiente justificación.

Luego de culminar la evaluación de más de 70 cortometrajes presentados al concurso y después de un proceso de deliberación, el jurado ha decidido premiar a diez cortometrajes que destacan por su nivel técnico y profesional, y por plantear con ingenio y libertad creativa historias sencillas sobre diversos personajes y realidades del país: los límites entra la ficción y el documental o el desparpajo del fantástico.

Las obras provienen de Alemania, Argentina, Australia, Bélgica, Bolivia, Brasil, Canadá, Chile, Colombia, Costa Rica, Croacia, Cuba, Dinamarca, Ecuador, España, Estados Unidos, Filipinas, Finlandia, Francia, Grecia, Holanda, Honduras, Hungría, Inglaterra, Irlanda, Israel, Italia, Japón, México, Nicaragua, Paraguay, Polonia, Portugal, Puerto Rico, Singapur, Suiza, Taiwán, Turquía, Ucrania, Uruguay, Venezuela y por supuesto el Perú, con 104 obras en competencia provenientes de Lima, Arequipa, Cusco, Huaraz, Huancayo, Ayacucho, Puno, entre otras zonas del país.

El Jurado Internacional del VII FENACO está conformado por Txema Muñoz, director de la Filmoteca Vasca; Joao Garcao Borges del canal RTP de Portugal; Lorena Bianchini, programadora de cortometrajes del INCAA (Argentina) para el Festival de Mar del Plata; la actriz Magaly Solier; y el crítico y presidente de APRECI, Gabriel Quispe. Ellos determinarán a los mejores cortos nacionales en las categorías de ficción, documental y animación, mientras los internacionales serán elegidos por el voto del público asistente a las funciones. Al igual que el año pasado, Joao Garcao adquirirá los mejores trabajos peruanos para ser exhibidos en su programa Onda Curta en la capital lusitana.

Asimismo, se presentará una muestra especial de diez largos argentinos cedidos por el Instituto Nacional de Cine de Argentina (INCAA), con el patrocinio de la Embajada de ese país. Se incluyen obras de autores como Leonardo Favio, Fernando Solanas, Marcelo Piñeiro y Fabián Bielinsky. Otra valiosa muestra es la de largometrajes regionales, que presentará cinco trabajos recientes de Ayacucho, Cajamarca, Huancayo, Huancavelica y Puno, en una nueva expresión de la vigencia del cine regional y su aporte a la producción nacional.

El pasado miércoles 8 se realizó, en el cine UVK Larcomar, la ceremonia de clausura y premiación del Tercer Festival Internacional La Noche de los Cortos. Es ocasión no sólo de celebrar el regreso de este certamen, sino también de destacar algunos aspectos especialmente significativos.

En primer lugar, ha tenido un jurado internacional, con sólo un miembro extranjero, el ecuatoriano Juan Martín Cueva, pero internacional al fin y al cabo. Hay que valorar ese esfuerzo, porque los jurados internacionales en concursos peruanos enriquecen la mirada y ayudan a que las actividades del cine peruano sean menos endogámicas (lo mismo, aunque en otro contexto, se le pide a Conacine). En ese mismo sentido de apertura, es deseable que en la próxima edición se puedan ver trabajos del cine regional, que esta vez brillaron por su ausencia.

Por otro lado, es gratificante el homenaje a dos profesionales muy queridos, la directora artística Marta Méndez y el actor Aristóteles Picho, cuyas trayectorias están entre las más prolíficas de nuestro medio. Cuando sentimos que, pese a todo, el cine peruano crece, es muy justo valorar cada oficio especializado del cine, tanto como el rol de los directores y productores. Igualmente, fue emotivo el reconocimiento póstumo al recordado realizador Danny Céspedes.

Asimismo, La Noche de los Cortos consiguió el valioso auspicio de SONY, que se ha involucrado con una llamativa competencia en el que debía producirse un corto completo en sólo 25 horas, lo que representa una especie de semillero para el cine peruano, ya que atrae mayoritariamente a realizadores muy jóvenes, incluso debutantes, algunos con DNI fresquísimo.

Finalmente, el festival tuvo como sede una cadena de cines, UVK, en su local de Larcomar, lo que representa un acercamiento entre la exhibición comercial y la difusión cultural del cine. Fueron seis días de proyección de cortos (más dos días de inauguración y clausura), tres funciones diarias, o sea dieciocho funciones de cortos, con una entrada de 10 soles por función. Independiente del volumen de la asistencia, que ha sido irregular como era previsible en un evento de este tipo, fue parte de la oferta general de UVK Larcomar para su público. Ello representa, con sólo el antecedente de un festival de animación en el mismo multicine en 2008, la presencia más grande de cortos en un cine comercial desde que el régimen de Alberto Fujimori anuló en 1992 la Ley 19327, que obligó a los cines a proyectar un corto peruano antes de todas sus funciones, todos los días del año, desde 1972. En la clausura se anunció que UVK repetirá la experiencia en el 2011, ojalá las otras cadenas de cines se contagien y acorten la gran brecha generada entre el negocio de la exhibición y la cultura cinematográfica, la cual es lamentable y no ayuda al progreso general del sector.

A continuación, la lista completa de ganadores:

Mejor Cortometraje: Siemiany, de Philip James McGoldrick (Polonia/Bélgica)
US$1000 otorgados por Universidad Científica del Sur

2do lugar: Miracle Fish, de Luke Doolan (Australia)
US$ 500 otorgados por Universidad Científica del Sur

Premio Especial del Jurado: Altamar, de Silvana Aguirre (Inglaterra)

Menciones Honrosas – Cortometrajes en Competencia: Mecesina, de Sofia Exarchou (Grecia), y Abuelas, de Michael Wahrmann (Brasil)

PREMIO EGEDA PERU 2010, US$500 para el Mejor Cortometraje Peruano: Ukuku, de Gastón Vizcarra

Mención Honrosa – Cortos Peruanos: Animales domésticos, de Brian Jacobs

Mejor Director: Philip James McGoldrick, por Siemiany (Polonia/Bélgica)

Mejor Actor: Damian Ul, Michał Włodarczyk, Kamil Grenda, conjunto de actores de Siemiany (Polonia/Bélgica)

Mejor Actriz: Vito Rogado por No robarás (España)

Mejor Fotografía: Ex aequo para Nicolas Karakatsanis por Siemiany (Polonia/Bélgica) y Björn Frieling por Babylon 2084 (Alemania)

Mejor Dirección Artística: Yvonne Albert por Babylon 2084 (Alemania)

Mejor Edición: Tom Denoyette por Siemiany (Polonia/Bélgica)

Mejor Guión: Luke Doolan por Miracle Fish (Australia)

Mejor Música Original: Miguel “Chino” Figueroa por Ukuku (Perú)

Mejor Sonido: Christopher Wilson por Altamar (Inglaterra)

Mejor Corto Documental: Desierto.

Premio Diario PERÚ.21 2010, US$ 500 para el corto más votado por el público: El corazón delator, de Claudio Ceino

Premio “20 LUCAS”, US$ 500 para el corto peruano con la Mejor Edición, otorgado por La Filmadora S.A.C.: El corazón delator, de Claudio Ceino

Premio CONACINE al Mejor Cortometraje Peruano: Ukuku, de Gastón Vizcarra

2do Concurso Nacional de Proyectos de Cortometrajes
Cinco días de equipos necesarios (cámara y luces) para la realización del proyecto ganador, otorgado por Aluzcine; y cinco días de isla de edición para la post producción y cinco días de postproducción de sonido, otorgado por Perfo Studio.

Ganador: Secretos para cocinar una relación saludable, de Daniel Martín Rodríguez.

2do lugar: Tres al hilo, de Jorge Shinno, y Contra las cuerdas, de Orso Súmar.

Además, Digital Dreams Network entregará a los tres primeros finalistas un premio compuesto por un paquete de talleres de postproducción digital, de Corrección de color, Media Compuser, y Creación de Blu-ray y DVD interactivos.

Primer Rally Peruano de Cortometraje
Premio SONY BPLA: cámara NXCAM HXR-NX5N SONY (valorizada en US$ 5000), otorgado por SONY BPLA y TELVICOM S.A.: Margaritas, de Daniela Blume.

Segundo lugar: Juan Avaro Pérez, de Julián Estrada
Tercer lugar: Blush, de Cristian Cancho

Diez software de edición SONY Vegas 9 PRO por parte de SONY BPLA, otorgado por SONY BPLA y TELVICOM S.A.:

El círculo, de Mauricio Figueroa Cárdenas
Margaritas, de Daniela Blume
Pecado capital, de Juan Salas
Impulso imperfecto, de Diego Mezarina
Juan Avaro Pérez, de Julián Estrada
Vesania, de David Delgado
Sistema de adormecimiento, de Chiara Ode
Pecados On Line, de Ronald García
Desde el infierno, de Milagros Soto Villavicencio
Blush, de Cristian Cancho

Miracle Fish, de Luke Doolan. Australia, 2009. Notable historia de un niño retraído que descubre el colegio repentinamente vacío y disponible para él solo, en el día de su octavo cumpleaños. Las instalaciones educativas, despobladas y amplias, y los movimientos cautelosos de la cámara, recuerdan el tono elegiaco de Elefante, de Gus Van Sant. Pero en este caso el terror colectivo está sugerido en ese espacio desocupado, una llamada misteriosa y el encuentro con un sujeto desorientado que porta un arma. Doolan maneja muy bien el silencio, la pausa, la tensión en ese diálogo de solitarios y la abrupta resolución. Miracle Fish, nominado al Oscar 2010 y ganador de varios premios, es un fogonazo lanzado contra la inocencia infantil.

Fronteras, de György Kristóf. República Checa, 2009. Situación sencilla, narrada de forma seca y expeditiva, en locación suburbana donde un cementerio de autos también entierra esperanzas. En uno de los vehículos desahuciados, una joven madre coge un recién nacido y camina unas dos cuadras, ingresa a un modesto inmueble y pasamos al fundido en negro. Luego vemos el desplazamiento inverso, un semblante más pálido y un fajo de billetes delatores. Todo con cámara en mano implacablemente cercana y un blanco y negro que no concede matices.

El amor dura 27 planos, de Diego Pérez e Ignacio Bernal. España, 2009. Una chica y un chico en pasajes de intimidad. El título adelanta la abreviatura que los autores hacen de la trayectoria de una relación amorosa, vista desde un plano cenital inamovible que encuadra cómo se transforma el deseo y el vínculo en lejanía y tedio. La idea visual no está mal, se juega con la iluminación y la dirección artística –a medida que avanza el deterioro las cosas van desapareciendo en el entorno de la cama–, pero en cierto momento la voz en off y la música llegan a estorbar algo y el ritmo no llega al plano 27.

5 recuerdos, de Oriana Alcaine y Alejandra Márquez. México, 2009. Irma es una joven que, durante el proceso de la cocina diaria, siempre olvida un ingrediente en la visita al mercado. Las directoras primero se acercan a su protagonista en planos detalle, cortes picados y breves animaciones, y luego se trasladan a la niñez y adolescencia, en un escenario fantástico, onírico, de sobresaltos y traumas. La puesta en escena es frondosa, pródiga en sensaciones, colores contrastados, locaciones amplias, tomas acuáticas y encuadres imbricados (la escena del lodo recuerda un videoclip de Maná). Es el cierre amable de episodios agridulces, la mirada inocente a un ancla del pasado.

No robarás, de Javi Alonso. España, 2009. Una ladronzuela llega a su casa luego del quehacer diario y revisa lo robado. En la noche la sorprende una llamada al celular que ahora posee y se topa con un drama familiar, en un monólogo que es contestado con un silencio que resulta muy expresivo para el otro lado del auricular. Anécdota simple, concisa y suficientemente resuelta que se concentra en la actriz Vito Rogado, primero en medio del vértigo de la calle y luego en su soledad, y que al final hace un guiño al Decálogo y el sétimo mandamiento violado.

El miércoles 1 empezó el Tercer Festival Internacional La Noche de los Cortos en el local de UVK Larcomar. Kathy Serrano, que comparte la dirección del certamen con Roberto Barba, condujo la ceremonia de inauguración, que además de destacar la programación general, incluido el Primer Rally de Cortometrajes y el conjunto de importantes auspiciadores, tuvo momentos muy emotivos.

Se homenajeó por sus largas trayectorias, con proyección de semblanzas y entrega de trofeos especiales, al actor Aristóteles Picho y a la directora artística Marta Méndez, y de modo póstumo al realizador, productor y guionista Danny Céspedes, quien falleciera hace unos meses víctima de una penosa y fulminante enfermedad. Su familia recibió el reconocimiento en su nombre y agradeció al festival por la deferencia y además por la exhibición de su último cortometraje, Sueños de América, que pasamos a comentar.

Ganador de la primera versión del Concurso Filmocorto en 2007, Sueños de América es un ejercicio de refrescante humor, que juega con una anécdota común en el cine peruano: el bendito viaje-fuga a los Estados Unidos, el pesadillesco sueño que sirvió de base argumental a Ciudad de M y Pasajeros, entre algún otro caso. Cuatro hombres ingresan por separado a una casa en la oscuridad de la noche, y se encuentran para su sorpresa. Dos (Giovanni Ciccia y Renzo Schuller) para amarse a escondidas de la dueña de la casa, madre de uno de ellos, y otros dos (Picho y Miguel Iza) para robar en complicidad con Gisela, la trabajadora del hogar que habla angustiosamente por teléfono.

Resulta que las coordinaciones para el atraco se cruzan con una tocaya que se hizo famosa recibiendo llamadas desde los sets de la TV peruana. Sí, es Gisela Valcárcel, notable en el auricular haciendo de sí misma, cuando todavía no pensaba interpretar a la autoritaria ama de casa de Tarata. Danny Céspedes consigue sorprender, lucir timing y mantener la gracia de la situación, concentrando los vaivenes de sus personajes en una locación única, en la que confluyen, sin caer en estereotipos, jóvenes gays y torpes ladronzuelos que recuerdan algo a la estulticia de los personajes de los hermanos Coen. Durante 17 minutos, Sueños de América divierte y maneja hábilmente las emociones del espectador. Una lástima que Danny no tuviera más tiempo para seguir puliendo esta prometedora vena cómica que tanta falta le hace a nuestro cine.