El documentalista Humberto “Betín” Saco dictará junto con el realizador Álvaro Velarde el Taller de Presentación de Proyectos Cinematográficos, a realizarse el sábado 4 y domingo 5 de febrero, de 10 am a 1 pm, en la Associazione dei Lucani in Peru.

Humberto Saco es autor de los cortos “Ciertos vacíos” y “Camino a la escuela”, y el mediometraje El requecho, mil años después. Álvaro Velarde es director de “El destino no tiene favoritos” y la próxima a estrenarse “Como quien no quiere la cosa”.

Respecto de este taller, “Betín” explica en esta entrevista el contenido de su sección del taller, el documental, las necesidades del armado de los proyectos y las posibilidades financieras de las que disponen los documentalistas peruanos.

¿En qué consiste básicamente lo que vas a dictar en este taller?
Habiendo sido jurado en uno de los concursos del Conacine, pude encontrarme con muchos proyectos con ideas realmente interesantes. Sin embargo, la mayor debilidad consistía en el desconocimiento de plasmarla y explotar su atractivo, así como de acompañarla de un armado coherente que, sin perder entusiasmo, transmita profesionalidad.

Este taller, además de explicar los elementos necesarios para tener un proyecto competente, explicará la totalidad de lo que hoy llamamos la etapa de Desarrollo de un Proyecto Cinematográfico, en este caso de una película documental; su importancia, los pasos que hay que seguir, los documentos que son necesarios –que incluye el proyecto– y principalmente cómo trasmitir las ideas de tal manera que el lector pueda sentirse atraído y contagiado por la pasión del realizador y confiado en otorgarle un premio con el que hará realidad dicha idea.

Hasta ahora en nuestro medio, no se trata con la debida importancia a la etapa de Desarrollo de Proyecto, siendo éste la base para que el futuro documental se lleve de la manera correcta y la única forma de conseguir su financiación. En las universidades e institutos no hay un curso específico. Daré, además, ciertos tips, recogidos de expertos en la lectura de proyectos.

¿Qué posibilidades tiene de financiarse un proyecto documental peruano?
En primer lugar tenemos un fondo estatal al que podemos acceder todos los peruanos, la competencia es grande y los premios pocos, pero no imposibles, por eso es importante hacer atractivo nuestro proyecto. Por otro lado, en todo el mundo existen fondos a los que podemos acceder. Una vez más, encontramos gran competencia, pero una buena idea, un trabajo serio en las manos de un entusiasta profesional del cine, será interesante para algún sponsor en cualquier parte. Entonces, ¿es posible acceder a estas ayudas? Sí, sólo basta revisar las páginas de estos fondos internacionales y ver los proyectos que han sido beneficiados, muchos provenientes de América Latina y algunos del Perú.

¿Cómo se adapta el perfil de un proyecto documental a los diferentes fondos de ayuda nacionales e internacionales?
En cuanto a los fondos internacionales, hay que estudiar sus lineamientos para saber si nuestro proyecto es coherente con éste, si nuestros objetivos van por el mismo camino. Lo demás es simplemente forma.
Si tenemos un proyecto interesante, hemos hecho la investigación profunda hasta tener conocimiento cabal del tema y proponemos una idea atractiva y de interés para un público al que conocemos y además estamos concientes de sus fortalezas y debilidades, entonces estamos listos para vender nuestra película, de convencer a quien se coloque en frente nuestro que vale la pena auspiciarla.
El lector del proyecto o quien nos escuche en un pitching debe contagiarse del entusiasmo y la seguridad, y seriedad de la propuesta, así como de la necesidad y urgencia de nuestra obra para lograr los objetivos trazados. Nada debe dejarse al azar. El desarrollo de un proyecto comienza desde el título.
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Taller de Presentación de Proyectos Cinematográficos

Humberto Saco y Álvaro Velarde
Sábado 4 y domingo 5 de febrero, 10 am – 1 pm. Costo: S/. 150 soles.
Pasaje Rospigliosi 105 Barranco (al costado de Plaza Vea, cuadra 67 Av. República de Panamá)
Informes e inscripciones: eventoslucaniperu@gmail.com / 993797325
Organiza: Associazione dei Lucani in Peru

Rosa María Oliart en un túnel en Sullana, al norte del Perú

La relación del sonido con el objeto que lo emite es fidedigna, verídica, no arbitraria como la que existe entre palabra (significado) e imagen (significante). Esa arbitrariedad deriva al subjetivismo, que provoca interpretaciones divergentes acerca de una pieza artística, así ésta haya sido creada en el contexto de una realidad consensuada. La realidad se vuelve plural cuando se basa en la arbitrariedad. En ese caso, ningún enunciado es mentira sino una verdad diferente. La polémica en el arte y en las Humanidades radica en ese ramillete de verdades (o realidades), que pugnan por legitimarse como la única.

Sin embargo, la objetividad entre el sonido y su emisor no debe denotar una rígida relación entre ambos, una sosa literalidad, como se plasma en Desde el sonido, película abocada a resaltar la sonoridad autóctona del Perú a través de una pretenciosa puesta en escena, que sobreimprime la imagen del sonido.

Según los clichés, la ópera prima de Rosa María Oliart es una película contemplativa porque reposa en sus encuadres, porque invita al embeleso. Mas contemplativa no es cualquier película que prepondera la observación, mucho menos la que privilegia la fascinación al juicio crítico, como agradecerían los estetas dados al artificio. Una película contemplativa interpela al espectador con el contexto que se le presenta, es una película “interactiva”, que demanda vínculo más que aprestamiento. La imagen puede ser majestuosa y el sonido envolvente, sin embargo, la experiencia debe demandar más que una aguda percepción visual-auditiva; si no, estamos ante una obra cosmética, que no aspira más que a la enajenación más corriente.

Tomo como referencia el cine de James Benning para contraponer estilos. El longevo director estadounidense juega con la plasticidad de los espacios que encuadra en planos fijos, los somete a la mirada deformadora de cualquier espectador exigido por la larga duración de las tomas. Cada quien las apropia y asimila según su óptica novel o entrenada. Por su parte, Oliart hace lo contrario, acomete a ataviar los espacios con estética pictórica, los recoge de su contexto y los devuelve solemnizados por la misión: relucir visualmente las fuentes de los sonidos peruanos. Pese a estar fundidos por un montaje oficioso, la disociación entre sonido e imagen está marcada por la autenticidad del primero y la fastuosidad de la segunda.

No obstante, lo más lúcido del filme es el protagonismo de Oliart en algunas escenas que simulan el registro sonoro. Es cuando supera la timidez de protagonizar su propia película y se trasgrede la objetividad que limita la propuesta a un muestrario de lugares comunes acerca de la diversidad geográfica y cultural del Perú. Como ajena a los espacios que visita, no se mimetiza en ellos sino que los invade y les extrae el sonido que conservan. Así, adapta el ambiente a su registro, interpretando su propio papel de cazadora de sonidos, que en algunos pasajes de la película a uno se le olvida.

Dirección y guion: Rosa María Oliart | 50 min. | Perú
Fotografía: Miguel Piedra
Edición: Julio Wissar
Música: Rosa María Oliart

La sonidista Rosa María Oliart dirige su primer documental

Si ya de por sí es muy difícil encontrar un documental en cartelera, lo es aún más que sea un documental peruano. Y lo es más todavía, que se trate de una película creada a partir de lo sonoro, más que de lo visual.

Desde el sonido se presenta como un documental de contemplación y descubrimiento de la sonoridad de diferentes espacios naturales y culturales del Perú. La sonidista Oliart lleva al espectador por un viaje sonoro en las diferentes regiones del Perú, mostrando la riqueza sonora del país.

La película participó en la competencia documental del Festival de Lima 2011, y se podrá ver del 19 al 25 de enero, en funciones de las 4:00 pm y las 9:30 pm, en el CCPUCP. Vean el tráiler de Desde el sonido:

Conversamos con la directora a propósito de este estreno:

Rosa María, “Desde el sonido” es un proyecto singular, porque es una película que nace de un acervo sonoro, las imágenes llegaron después. ¿Cómo surge este proyecto?
A partir de los primeros viajes de cacería de sonidos para la colección “Los sonidos del Perú”, hicimos un viaje con cámara para hacer un teaser y conseguir más auspiciadores del proyecto.
Fue entonces que nos dimos cuenta, junto con el director de fotografía, Miguel Piedra, y el editor, Julio Wissar, del potencial que tenía el trabajo de grabaciones que estábamos haciendo, con lugares y situaciones irrepetibles. Así que decidimos registrar en imágenes todos los viajes que faltaban.

¿Cómo pasaste del acopio de sonidos a la creación de imágenes y el armado narrativo?
El registro de las imágenes comenzó a tener una vida propia en el rodaje, para volverse a enganchar con el universo sonoro en la edición.
La estructura del documental se armó en la mesa de montaje. Para el rodaje, teníamos premisas claras para abordar cada locación escogida, sobre todo en el aspecto del tratamiento. Por eso hay mucha cámara fija y planos largos, así como ausencia de extras en los encuadres para conseguir que el espectador disfrute apaciblemente de escuchar.

¿Qué tipo de financiamiento tuvo esta película?
La película tuvo auspiciadores locales importantes como la Universidad de Lima, la PUCP, el Instituto Orson Welles, Lan Perú y Promperú.

¿Desde hace mucho tiempo pensaste convertirte en realizadora? ¿Iba este interés a la par con tu trabajo como sonidista?
No, este documental es mi opera prima y para mí es una obra más como sonidista, es un legado que sentía que debía dejar, mostrar al Perú desde su sonoridad.

¿Tienes algún nuevo proyecto en el que estés trabajando?
Estoy trabajando en la post producción de sonido de la película Cuchillos en el cielo de “Chicho” Durant, y en la dirección de sonido del documental Los sonidos profundos, de Javier Corcuera.

Desde el sonido (2011) – 50 min – Perú
Dirección y guión: Rosa María Oliart
Fotografía: Miguel Piedra
Edición: Julio Wissar
Música: Rosa María Oliart.

Extra: El documentalista Mauricio Godoy también comenta el estreno de “Desde el sonido” en el sitio web Hablando de Documental.

Actualización [9 enero]: El director nos comunica que este avance NO es oficial, ni estaba pensado para hacerlo público, sino para ser presentado a festivales y concursos. Nos avisa además que estarán publicando el tráiler oficial a fines de mes.

En este extracto de más de 10 mins. podremos ver algunos de los músicos que Javier mencionó en la entrevista que le hiciéramos en noviembre pasado.

Camilo Ballumbrosio, Máximo Damián, Susana Baca, Félix Casaverde -fallecido recientemente-, Andrés ‘Chimango’ Lares, entre otros, realizan todos, cada uno a su manera, un viaje de retorno, un regreso al lugar de origen, donde la música dentro de cada uno de ellos, nació. Andina, criolla, negra, mestiza, como dice unos de los personajes del documental: “la música que es buena, es buena”. Vean el teaser de Los sonidos profundos:

Sinopsis

“Lima Bruja. Retratos de la música criolla” empieza con una singular celebración: un delicioso platillo a base de gato es compartido por los mejores amigos del finado músico “Papeo” Abán en memoria de su cumpleaños. Luego, vendrá una sesión de canto, guitarra y cajón donde se interpretan canciones que nadie en Lima conoce, sólo estos músicos y sus familias. Desde el inicio, este documental explora la paradoja de ser un limeño de nacimiento y al mismo tiempo ignorar una de las tradiciones más antiguas que encierran sus callejones: la real música criolla. Volteando la mirada de lo que los medios imponen como “el criollismo oficial”, la película retrata en profundidad a este puñado de músicos veteranos que nadie conoce para así no sólo preservar su legado sino mostrarnos con admiración esta otra Lima a punto de desaparecer. Vean el tráiler de Lima Bruja:

-Conversamos en extenso con el director Rafael Polar, quien espera estrenar su película en Lima el próximo año. Que así sea:

Rafael, leí que el documental nace a partir de un video promocional que hiciste para un sello discográfico. ¿En qué momento decides pasar del videoclip al largometraje documental?
Efectivamente, el documental nace a partir del registro de un disco de música criolla que estaba grabando mi amigo Fernando Urquiaga con su productora musical Sayariy Producciones. Esto fue en julio del 2007. Yo ya le había hecho un trabajo parecido, tipo video promocional o EPK, para el primer disco que editó, y ahora me volvió a llamar.

Como cuento en el documental, yo llego a registrarlos al estudio solamente con esa intención. De pronto me encuentro con este grupo de señores, todos peinando canas hace mucho, que eran cantores de barrio a los que obviamente no conocía. La conexión fue inmediata. Estaban cantando valses y polcas que nunca había escuchado y que eran muy lindas. La calidad de sus interpretaciones y la belleza de la música fue algo que realmente me sorprendió. Eran canciones que nunca había escuchado a pesar que guardo cierta afinidad con la música criolla tradicional.

Semanas después, viendo el material grabado es que decidimos, Fernando y yo, grabar más material de ellos, no solo en el estudio sino también en sus casas, entrevistarlos y, por supuesto, escucharlos cantar. En ese momento es que vimos que todo se ponía cada vez más interesante y decidimos que el registro apuntaría a un documental eventualmente.

¿Cómo esta estructurado tu documental? ¿Gira alrededor del día de la canción criolla?
El documental tiene una estructura narrativa de episodios, dividida en capítulos, no necesariamente contados de forma cronológica. Después de varias reescrituras vimos que la mejor manera de contar la historia era a través de mi experiencia al momento de registrarlos. Mi narración aparece en determinados momentos de la película, contextualizando un poco la situación y presentando a los personajes. De alguna forma lo que cuento en el documental es realmente lo que pasó y cómo me sentía en la medida que iba conociendo a los personajes y sus talentos.

Por otra parte, se estructura en forma de retratos contando un poco de la vida de los protagonistas, centrándonos en su relación con la música y con el criollismo más elemental. Esto se debe a la idea que tuvimos siempre, de no hacer una película que contara la historia de la música criolla sino la de retratar lo que más nos gusta de ella por medio de un grupo de viejos cantantes de barrio. Como cuento en el filme: “Decidimos hacer un documental que retratara a la música criolla. Al menos una parte. Esa parte que más nos gusta”. Y eso no es gratuito. Mantiene la misma filosofía que tiene la discografía criolla editada por Sayariy, coproductora de la película. Ellos tienen editados ya cinco discos de música criolla con esta misma línea de rescatar un criollismo puro, barrial, íntimo, tradicional.

¿Además de estos registros utilizaste imágenes de archivo?
El único video de archivo que utilicé fue una joya que encontró el editor de la película, Javier Becerra, casi por casualidad. Era un video de un programa de televisión que Rubén Blades grabó hace unos 25 años en donde canta “Todos vuelven” a dúo con uno de nuestros personajes, Lorenzo “Lencho” Pedraza. Es una de las escenas cumbres de la película que hasta ahora no deja de emocionarme. Quitando las fotos personales de cada personaje, no hay más material de archivo.

¿Qué músicos y personajes de la cultura criolla veremos en tu documental?
Para la película siempre tuvimos clara una cosa: Alejarla de lo que podríamos llamar la música criolla oficial o comercial, esa de las peñas turísticas, de Eva Ayllón y Lucía De La Cruz. La película te dice sutilmente que para el verdadero criollo el día de la canción criolla no interesa. Es un invento para llenar locales comerciales. El verdadero criollo tiene muchos pretextos para armar una jarana: cumpleaños, matrimonios, bautizos, etc. Es porque lo tienen en el ADN, es totalmente natural reunirse y cantar las viejas canciones que conocen desde siempre. Y lo más increíble es que la mayoría de ellos nunca quisieron ser cantantes profesionales o hacer de la música una carrera, sino que lo hacen porque es algo que heredaron de su entorno.

Así encontramos personajes increíbles, de gran talento y carisma, como Walter Goyburu, Carlos Curay, Lorenzo Pedraza, Cesar Oliva, Manolo Castillo, Genaro Falcón y Francisco “Chiquito” Rodríguez. En todo caso, los únicos personajes que sí tienen una trayectoria más comprometida en el medio musical criollo son Willy Terry, gran guitarrista e investigador musical, y Eduardo “Papeo” Abán, joven talento de la percusión criolla. Ellos me ayudaron mucho en el proceso de investigación y en llegar a cada uno de los personajes. Además está la participación especial de Lucy Avilés, excelente cantante e hija de don Oscar Avilés.

¿Dirías entonces que es una película musical, o es más de personajes o historias personales?
Diría que, en primer lugar, es una película musical pero matizada con historias de vida. Hay al menos 16 canciones, entre fragmentos y completas, que la hacen un documento importante sobre este tipo de música. Hay temas de Felipe Pinglo, La Guardia Vieja, Buenaventura Muñoz, Luis Dean, entre otros. La intención era capturar lo menos conocido del repertorio criollo y creo que se logró.

Pero también es importante contextualizar por medio de estos retratos porqué es que se cantaba, qué cosas cantaban y donde lo hacían. Cada personaje cuenta un poco de su infancia, su primer contacto con la música, como era su familia y además como era la ciudad de Lima en esa época. No olvidemos que las edades de los protagonistas están entre los 70 y 85 años, así que tienen muchas cosas para contar de cómo era Lima hace 50 años atrás.

¿En qué festivales se ha presentado hasta ahora la película? ¿Tienes planes de una presentación en Lima?
En el 2008, el proyecto que en ese momento se llamaba “La Gran Reunión”, haciendo referencia al disco de música criolla que le dio origen, ganó un premio de pitching en el Doc Buenos Aires de ese año. Ya con su título final, “Lima Bruja. Retratos de la música criolla” fue exhibida este año en el Doc Buenos Aires y en el Boston Latino International Film Festival. Ahora lo estoy enviando a más festivales para su selección.
El 2012 será el año de estreno en Lima, aunque aún no tenemos distribuidor para su exhibición comercial. Aprovechamos este medio para ofrecerla a cualquier interesado en distribuirla comercialmente.

¿En qué formato y con qué equipo se grabó la película?
El formato inicial fue SD capturado con la Panasonic DVX100 24p. Luego de decidir que se convertiría en un largo documental se cambió de formato por HD grabado con la Panasonic P2. Quisiera agradecer al equipo técnico por su apoyo y talento a lo largo de proceso.

Cuéntanos un poco sobre ti Rafael, ¿cuál es tu formación profesional, y tu experiencia previa en el audiovisual?
Mi formación es en las artes plásticas. Me gradué en 1998 como pintor en la Universidad Católica. Luego de cuatro años desarrollando mi pintura me fui a São Paulo para hacer una maestría en artes visuales en la USP. Allá fue donde realmente comencé a probar otros medios y soportes y donde terminé convenciéndome que lo que quería era hacer audiovisuales. En São Paulo hay un festival de documentales llamado É tudo verdade (Todo es verdad), que además es gratuito. Qué mejor pretexto para tener una sobredosis de cine documental.

Después de esos años me interesó mucho más el formato documental. Cuando volví a Lima, en el 2005, había visto mucho cine y leído bastante pero había tenido poca práctica. Así que entré de practicante a una casa realizadora de comerciales (Inca Films). Creo indudablemente que la mejor escuela es la práctica y entrar en el medio de realización de comerciales me enseñó y enseña muchísimo en el ámbito técnico por la frecuencia con la que se filma. Actualmente me muevo entre la publicidad –ahora como director de arte-, el documental y el videoarte.

“Lima Bruja” fue un proyecto que nació conversando con mi amigo y productor Fernando Urquiaga. Él ofreció ayudarme con la producción de la película y simplemente acepté porque me moría de ganas de hacer un largo. Para mí hacerla fue como un postgrado en cine documental. Nos divertimos mucho.

Finalmente, ¿qué nos puedes contar sobre tu equipo técnico y la experiencia de trabajar con ellos?
Un punto clave de la película es el sonido directo. Nos preocupamos de trabajarlo con sonidistas de primer nivel como Frank Cebreros, Omar Pareja y Javier Becerra. La post de audio estuvo a cargo de Bruno Canale que recientemente volvió al Perú y que tiene mucha experiencia mezclando películas. Otro puesto clave que me ayudó mucho fue tener a Javier Becerra como editor quien acompañó el proyecto desde el inicio y me apoyó muchísimo en la elaboración del guión final. Agradecer a la cámara de Carlos Sánchez Giraldo, Carlos De La Cadena y Cristopher Luna Victoria por su disposición y buena onda siempre.

Rafael Polar, director de 'Lima Bruja', con dos personajes de su documental

Ficha técnica

Dirección: Rafael Polar
Duración: 82 mins.
Formato: DV/HD. 16:9 Color/B&N
Productoras: Sayariy Producciones / Tamare Films
Producción Ejecutiva: Rafael Polar, Fernando Urquiaga Heineberg
Guión: Rafael Polar, Javier Becerra Heraud
Producción de campo: Daniela Rotalde, Mariana Olaechea
Sonido directo: Javier Becerra Heraud, Omar Pareja, Frank Cebreros
Dirección de fotografía: Carlos De La Cadena
Cámara: Carlos De La Cadena, Cristopher Luna Victoria, Carlos Sánchez Giraldo, Rafael Polar
Edición: Rafael Polar, Javier Becerra Heraud
Post Producción de video y Gráfica: Gabriel Acevedo Velarde
Post Producción de sonido: Bruno Canale
Foto Fija: Renzo Giraldo
Participantes: Willy Terry, Eduardo Abán, Lorenzo Pedraza, Walter Goyburu, Carlos Curay, Francisco Rodriguez, Cesar Oliva, Manolo Castillo, Lucy Avilés, Genaro Falcón.

La película presenta detalles y hechos poco difundidos de los operativos policiales llevados a cabo por el Grupo Especial de Inteligencia (GEIN) para lograr la captura de Abimael Guzmán Reynoso, líder del grupo terrorista Sendero Luminoso, a inicios de los años 90. Con buen ritmo, en la narración y edición, y una cuidada recreación ficcionada en ciertas escenas clave, la película de 58 minutos de duración logra mantener la atención y el interés del espectador.

La película, financiada enteramente por la empresa Bliss Producciones, con un presupuesto de US$95,000, se realizó a lo largo de 15 meses: tres meses de investigación, y doce de producción. Conversamos con la directora Judith Vélez, quien nos da más luces sobre su nueva incursión en el documental:

Judith, ¿cómo se inicia el proyecto de “1509 Operación Victoria”?
El proyecto se inicia a partir de una invitación que me hace la productora Bliss Producciones. El periodista Gustavo Gorriti había entregado a Abraham Vurnbrand, productor de Bliss, un artículo dedicado a la captura de Abimael Guzmán. Quedó impactado por este texto, decidió hacer realidad el proyecto en un documental y empezó a buscar director. [N.E.: Vurnbrand también es productor de otra película peruana próxima a estrenarse.]

¿De donde parte el interés por recordar este episodio de nuestra historia reciente?
El interés de Abraham fue dar a conocer un episodio de la historia del Perú que se ha difundido poco, y dar crédito a los verdaderos héroes de la captura del líder senderista Abimael Guzmán que se habían mantenido en la sombra.

¿Cómo se realizó el trabajo con el archivo y la investigación?
La investigación consistió, en una primera etapa, en hacer una ronda de entrevistas a miembros del GEIN. Entrevistamos a oficiales que en su momento fueron los detectives de a pie, a los responsables del área de audio y video encargados de las fotos y grabaciones, a los responsables de las interceptaciones telefónicas y a los oficiales responsables del grupo: al Crnel. PNP Benedicto Jiménez y al Gral. PNP Marco Miyashiro. Estas entrevistas nos surtieron de una rica información que nos permitió identificar las operaciones que nos iban a servir para contar nuestra historia, así como tomar contacto con su metodología de trabajo, tanto en las calles como el trabajo de inteligencia propiamente dicho.

Cmdte. (r) Benedicto Jiménez, el artífice de la captura de Abimael Guzmán

Además de las entrevista leí varios libros: “Sendero: La historia de una guerra milenaria” de Gustavo Gorriti; “La cuarta espada” de Santiago Roncagliolo; “Un lugar llamado Oreja de Perro” de Ivan Thays; “Hatun Willakuy”, versión abreviada del informe de la Comisión de la Verdad; “Inicio, desarrollo y ocaso del terrorismo en el Perú” del Crnel. Benedicto Jiménez, entre otras lecturas.

Mi interés al inicio fue conocer a fondo la historia de Abimael Guzmán y el origen del PCP-Sendero Luminoso, su desarrollo, expansión y decadencia. Y sobre ese conocimiento montar la historia de la captura, pero a partir de una perspectiva histórica que me daba la tranquilidad y seguridad de poder manejar el tema con soltura -a pesar que en el documental esta solo la punta del iceberg de lo aprendido-.

¿Qué tan complicado fue conseguir las imágenes de archivo que vemos en el documental?
Una vez que decidimos producir el documental, que nos tomó 6 meses de búsqueda de financiación, retomamos el contacto con los oficiales que entrevistamos en la primera etapa, ellos nos fueron brindando poco a poco imágenes de sus archivos de seguimiento durante los años 1990 y 1992. Al mismo tiempo Antoinette Otero, que se encargó de hacer la investigación en medios, revisó mucho material de archivo de televisión existente principalmente en Panamericana Televisión y en Frecuencia Latina, así como material de archivo fotográfico en medios escritos como La República y el Archivo de la Comisión de la Verdad.

En general trabajar con material de archivo de los años 80 es un problema porque los archivos no están digitalizados aún, hay que verlos en su formato original y las máquinas lanzadoras de la época están, en muchos casos, en muy mal estado. Siempre es un dolor de cabeza el tema del archivo pero vale la pena.

También compramos material de archivo a ITN que es la compañía inglesa que tiene los derechos del documental “The People of the Shining Path” (La gente del sendero luminoso) de donde sacamos las imágenes de la marcha de senderistas dentro de la prisión y las imágenes del pueblo que da vivas a Sendero Luminoso. Estas imágenes son realmente muy potentes y fue el único proyecto documental de esos años que pudo acceder a la organización senderista tanto en las prisiones como en el campo, de allí el gran valor de esas imágenes. [El documental inglés está disponible para descargar en Internet Archive, y también en YouTube, en inglés]:

Para mi uno de los grandes aciertos de mi documental es la música. Para el tema de “Zorba el griego”, tuvimos que comprar los derechos a EMI Music de Chile quienes tienen los derechos del compositor griego Mikis Theodorakis, quien esta aún vivo. A partir de tener los derechos tuvimos que realizar la interpretación del tema en Lima pues los derechos solo nos daba permiso para usar el tema. Y fue el compositor del score musical del documental, Kevin Norris -un compositor norteamericano afincado en Perú desde hace muchos años- quien hizo una maravillosa interpretación de “Zorba el griego”, además de componer los otros temas del documental. Creo que sin su música el documental sería otra cosa, realmente colabora en la construcción del suspenso y la tensión dramática, fue un acierto.

¿Qué nos puedes contar del proceso de recreación de escenas?
Cuando tuve la historia clara supe que había que recrear. Había trabajado este formato, con recreaciones en documentales de encargo para National Geographic y Discovery Channel, donde principalmente me había desempeñado como asistente de dirección. Tenía muchas ganar de probar el formato en un proyecto mío, y la historia de la captura con todo su potencial de historia policial se prestaba para algo así.

Desde el principio sabíamos que haríamos recreaciones, si queríamos vender el proyecto a la televisión por cable internacional, había que hacerlo. Aunque en nuestro caso, nuestras recreaciones no se quedaron en lo ilustrativo como ocurre con la mayoría de programas de cable. Mi intención fue borrar por momentos esa línea imaginaria entre ficción y documental, y creo que lo logramos, la sensación que hay por momentos es estar viendo una película [de ficción]. El espectador es atrapado por la intriga y las recreaciones toman vida propia y conduce al espectador a una experiencia de ficción. Ese fue para mí el mayor desafío como realizadora.

Por lo mismo que se recogen diversas fuentes para las imágenes, se usaron múltiples formatos de video digital. ¿Cómo trabajaste esto para presentarlo de manera uniforme en tu documental?
El problema que tenemos que enfrentar hoy en día que trabajamos en Alta Definición es como darle unidad a un proyecto cuando hay que combinarlo con materiales de archivo de diferentes calidades, como el Betacam o el Video 8. Lo que hicimos fue marcar un estandar mínimo de calidad que fue el Betacam para los materiales que provenían de archivos periodísticos de los canales de televisión, y para el material en Video 8 que provenía del GEIN había que hacer un tratamiento especial para no perder calidad. Felizmente Luis Parreño, encargado de la corrección de color, hizo un excelente trabajo y el resultado es muy bueno. A pesar de que existen varias texturas hay una armonía que es parte de la propuesta visual.

Un personaje principal de esta historia, tal como la conocimos muchos a través de los medios de la época, fue el Gral. Ketin Vidal, quien en tu película solo aparece unos instantes. ¿Su participación en la captura de Abimael Guzmán fue realmente así de minima?
En un momento pensamos entrevistar al Gral. Ketín Vidal y conocer su punto de vista sobre la captura pero si abríamos esa puerta por lo menos tendríamos que darle entre 6 y 7 minutos que no teníamos. En medio de las dudas nos preguntamos sobre la motivación primera del documental, y era el de contar la verdadera historia. En todas las entrevistas hechas a casi una decena de oficiales, ninguno de ellos dijo nada sobre el Gral. Ketín Vidal.

Hay que entender que el GEIN fue una isla super blindada, ajena a los servicios de inteligencia que controlaba Vladimiro Montesinos, y el Crnel. Benedicto Jiménez fue quien daba las órdenes más importantes y las pautas de investigación y todos los oficiales entrevistados coinciden en ello, y lo dice el Gral. Marco Miyashiro muy claramente en el documental.
Así que decidimos incluir al Gral. Ketín Vidal al final del documental, tal como ocurrió en la vida real. Para ello tuvimos que trabajar con un abogado quien leyó el guión, vió el corte final y recomendó algunos ajustes para no correr riesgos legales de ningún tipo.

¿Qué proyectos tienes a continuación?
Siento que estoy cerrando una etapa que empecé con “Seis con ocho”, y siguió con ¡Libérenlos ya!, que son documentales de investigación de encargo. Ahora estoy en una etapa de digerir todo lo leído y lo aprendido, he regresado a la docencia que me nutre mucho, y el próximo año estaré recién pensando regresar a la ficción.

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Extra: Visiten la página de facebook “1509 Operación Victoria”, y revisen los horarios de proyección, la película se presenta solo en el CCPUCP hasta el 16 de diciembre:

- Viernes 9 de diciembre: 4:00pm y 5:30pm
- Sábado 10 de diciembre: 6:00pm
- Del 11 al 16 de diciembre: 6:00pm y 8:00pm

Yapa: Vean también la completa entrevista que le hicieron a Judith Vélez en el programa “El placer de los ojos”:

“Arguedas en Nosotros: Rimanakuy hacia el futuro”, de Wilton Martínez.

Sumándose al sinnúmero de actividades que a lo largo del 2011 han conmemorado el centenario del nacimiento de José María Arguedas, este viernes 2 de diciembre a las 7 p.m., en la sala 3 del Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica en San Isidro, será el estreno del documental Arguedas en Nosotros: Rimanakuy hacia el futuro, dirigido por Wilton Martínez.

Según el realizador, y presidente del Centro de Antropología Visual del Perú (CAVP), en esta película, de 27 minutos de duración, se intenta ofrecer un acercamiento diferente a la vida y el legado de autor de “Todas las sangres”, partiendo desde el testimonio personal y creativo de cinco artistas, intelectuales y activistas peruanos como el investigador Leo Casas, la cantante Sylvia Falcón, el poeta Armando Arteaga, el escritor Fredy Roncalla y la presidenta de Chirapaq, Tarcila Rivera Zea.

“Este año se han hecho varias producciones de corte periodístico en la televisión y otros espacios sobre la vida y obra de José María Arguedas. Nosotros quisimos hacer algo diferente: presentar al público con una conversación íntima sobre cómo Arguedas vive en nosotros, un diálogo de cinco personas que encarnan de manera especial su legado”, dice.

Previo al estreno, se proyectará el corto Camina el autor: Guamán Poma de Ayala, dirigido también por Wilton Martínez, que muestra una lectura poética, a cargo de Fredy Roncalla, de fragmentos del texto original de la “Nueva Crónica” escrita por el cronista indio Felipe Guamán Poma de Ayala durante el Vireynato del Perú. Luego de la función, se realizará una ponencia a cargo de la antropóloga Gisela Cánepa, el realizador y participantes del documental.

La actividad es organizada por Chirapaq – Centro de Culturas Indígenas del Perú (en quechua “centellar de estrellas”), una asociación que desde hace 25 años promueve la afirmación de la identidad y el reconocimiento de los derechos de los pueblos indígenas, en especial de la mujer, la niñez y la juventud, con miras a la construcción de una sociedad más justa, democrática e intercultural. Lean aquí más detalles del evento.

Extra: Yuyachkani presentará el espectáculo “Urdimbres y sutilezas”, un homenaje a la vida y obra de Arguedas, a cargo de Cexces-Yuyachkani, este viernes 2 de diciembre, a las 3 p.m., en la Casa de la Literatura.

Yapas: Vean también este reciente programa de “La función de la palabra” en el que Marco Aurelio Denegri comenta el libro “Centenario de José María Arguedas: Sociedad, Nación y Literatura”.
Y a inicios de año, publicamos un dossier de la relación de la obra de Arguedas con el cine.

Encontramos a Javier en pleno proceso de montaje, en las oficinas de la RCP. Nos contó de qué va su nueva obra, pero también hablamos de la situación del cine peruano, la exhibición, y la política cultural en relación a la cinematografía en nuestro país.

Camilo Ballumbrosio y Máximo Damián

Javier, ¿puedes contarnos de qué trata la película que estás terminando?
La película es la historia de las vidas de unos personajes que son músicos, que son viejos maestros de la música peruana; de los distintos mundos del Perú, de la amazonía, del mundo andino, de la costa del Perú. Y a través de sus vidas y del viaje por sus vidas, hacemos también un recorrido geográfico por el país y un viaje musical hacia la raíz del a música peruana. Entonces, es a través de esas vidas que la película hace como un viaje por la identidad del Perú, de alguna manera la pregunta de la película es quiénes somos, buscamos ir al origen, a la raíz, a través de la música.

Por eso también los personajes hacen unos viajes de retorno, van a los lugares donde nacieron, donde escucharon los primeros acordes, donde aprendieron a tocar, donde se inspiraron, la casa en que vivieron. Es un viaje también hacia adentro de sus vidas, hacia el inicio de sus vidas.

¿Puedes mencionar algunos de los personajes con los que has trabajado? Sabemos que están Carlos Hayre, Jaime Guardia, Máximo Damián, Susana Baca, Magaly Solier.
Si, y están también Amelia Panduro que es una cantante de ícaros de la amazonía de Pucallpa, el maestro violinista ayacuchano “Chimango” Lares, y también jóvenes como Sara Van, por ejemplo que es una peruana emigrante que vive en España. Está el maestro, fallecido hace poco, Félix Casaverde, el cajonero Manuel Vásquez “Mangué”, el percusionista “Lalo” Izquierdo.

¿Y cómo tomaste la decisión de retratar a estos personajes, de trabajar en ciertas zonas?
He trabajado con “Chano” Díaz Límaco que es el director musical de la película, a la vez he trabajado con asesores musicales como Rafael Santa Cruz, que asesora la parte criolla, con Tito La Rosa que asesora la parte de la amazonía. Pero la elección de músicos y temas es absolutamente personal, son canciones que a mí me gustaban o que yo recordaba. Esta película no es un ensayo sobre la música peruana, no están todos los que deberían estar, es una selección muy personal, en realidad están las cosas que me gustaba que estuvieran en la película.

Música que conocías de antes…
Claro, pero algunas no, la selección no ha sido con el rigor de hacer una película sobre los grandes maestros de la música peruana sino un viaje musical a través de las canciones que a mí me parecían que servían para contar la historia, y también las canciones que a mí me gustaba que estuvieran en la película, porque no es un documental musical estrictamente, son historia de vidas y están envueltas en la música peruana. No se podría decir que es un documental estrictamente musical.

Porque hay que convenir que una cosa abarcadora, que coja toda la música del Perú es algo imposible, ¿no?
Habría que hacer 40 capítulos, y si luego se incluye a los que ya no están vivos, otros 40 capítulos.

Me acuerdo lo que escribieron los hermanos Montoya en su libro “La sangre de los cerros”. Ellos hicieron una antología de la poesía quechua cantada en el Perú, y trabajaron con la música popular peruana, no con la música culta, erudita, porque la música popular tiene una riqueza particular, se basa en la tradición, en la cultura y tiene su propia poesía.
¿Ese ha sido también tu interés al momento de construir el documental?
Sí, es una película sobre la música popular, y busca de alguna manera, a través de esos músicos populares y a través de sus vidas, de las canciones, y de lo que cuentan las canciones, dibujar un poco también la cultura popular del Perú. Su historia, su pasado, su presente y también mirar hacia delante; y los jóvenes que salen en la película, están también por que de alguna manera recogen esa raíz, porque no es una colección de antigüedad sino de música vigente y con relevo generacional.

¿Te parece que, por ejemplo, la música de Jaime Guardia o Máximo Damián, que interpretan música muy tradicional, tiene futuro? ¿Se mantiene vigente? ¿Está siendo continuada por nuevas generaciones?
Sí, yo creo que sí, en el folclore existe relevo pero además la música se transforma, va evolucionando, y por ejemplo hablando de música ayacuchana, de huayno ayacuchano, existen hasta bandas de rock que utilizan el huayno, como “Uchpa”, que canta en quechua y que recoge este género. Y el charango y el arpa están en la música contemporánea que se está haciendo ahora en el Perú.

Andrés 'Chimango' Lares, violinista ayacuchano

¿Qué nos puedes contar de la participación de Magaly Solier?
Yo pienso que Magaly es una gran cantante y una gran actriz, y a mí me gustaba que estuviera en la película porque me encanta como canta, y la idea un poco era incluir gente como ella, gente joven junto con los viejos maestros de la música. Entonces ella sale con el maestro “Chimango” Lares y su arpista, sale cantando una canción tradicional ayacuchana.

¿Esta es una coproducción peruano-española?
Es una producción independiente peruana, de Nakuy Producciones, el productor es Rolando Toledo y es en coproducción con una productora andaluza que se llama La Zanfoña, y con el apoyo de Televisión Española, las ayudas del cine de la Junta de Andalucía y de Ibermedia, y luego ya hay apoyos nacionales como Conacine, la Universidad César Vallejo y un montón de gente que está apoyando la película.

¿Y tu expectativa es terminar pronto? ¿En qué proceso estás?
Estamos en el proceso de finalización del montaje, estamos casi cerrando la película. La idea es terminar la película en los próximos dos o tres meses y estrenar en festivales. La hemos hecho con toda la ilusión de que sea un película de publico peruano, es una película para estrenar en el Perú, hacer una promoción, hacer una buena exhibición aquí, vamos a poner toda la prioridad en eso. La película es para todos los peruanos, para estrenar en salas, esperemos que se pueda hacer un estreno digno.

Porque los problemas que está teniendo el cine peruano son graves en el terreno de la exhibición. Cómo puede ser que películas como “Octubre” por ejemplo, una gran película, o “Las malas intenciones”, hayan tenido tan poco espacio en las salas y las quiten muy rápido. Incluso creo que esta última ha generado gran malestar a los productores y a la directora.

Yo pienso que existe ahí un vacio de apoyo al cine peruano, porque las películas se tienen que hacer y se tienen que ver, porque si existe un apoyo desde la producción, a través de concursos públicos, de nada sirve si luego los exhibidores no permiten que estén en las salas, ahí hay que hacer un cambio importante.

¿Tú crees que los distribuidores no permiten que se vean las películas peruanas? ¿O es que el público se distanció?
Yo creo que todo es complejo, hay películas que pueden ser de más público y hay películas que pueden ser de menos público. Cuando estrenas nunca sabes muy bien lo que va a pasar. Pero lo que si tengo muy claro es que en la situación de mercado actual aunque a tu película esté yendo gente, te la sacan de las salas.

Además no es un problema de Perú, es un problema de América Latina. En América Latina no vemos cine latinoamericano, pero no porque no tenga publico sino porque existen trabas para la exhibición. En todos los países que protegen de alguna manera su cine existe una legislación que obliga a exhibir el cine de ese país. En España, por ejemplo, por cada tantas películas norteamericanas están obligados a estrenar un porcentaje de españolas, y hay países mas proteccionistas, Francia es más proteccionista con su cine por ejemplo.

Aquí tiene que haber una protección porque sino, aunque esté yendo gente a tu película, la retiran porque están en cola las películas estadounidenses, y así sacan tu película o la ponen en un horario en el que es imposible sostenerla.

Javier Corcuera, en el Bar Queirolo, en un alto del rodaje de su nuevo documental

Hay gente que argumenta que las películas deberían ser tratadas como cualquier producto, como parte de un mecanismo industrial y de esa manera no debería haber ningún nivel de protección, no se ve el cine como un valor cultural.
Pero eso es como decir que la educación debe ser un producto más, que la salud debe ser un producto más, en fin. Además el cine peruano no es un producto más, porque las condiciones de mercado en las que tiene que competir no son favorables, no son iguales que las del cine norteamericano, no tiene el poder que tiene ese cine para competir en igualdad de condiciones. Una cosa es que si no va gente a ver tu película no debe estar en la sala, lógicamente, si la sala esta vacía hay que retirar la película; pero otra cosa es que solamente ponen tu película una o dos semanas, pase lo que pase, que es lo que sucede, porque existe una presión para sacar las películas porque hay cola para poner las películas que no son de producción nacional. Y pedir protección no es nada del otro mundo, porque en otros países eso está completamente regulado.

El Estado invierte con los premios de Conacine para que se puedan hacer las películas, es dinero público de todos los peruanos, para que exista un cine que además está dando resultados. Pienso que en los últimos años se han hecho películas importantísimas para el cine peruano, hay un relevo generacional, ha sucedido lo que no ha sucedido nunca que tengamos una película nominada al Oscar, y creo que se han hecho películas muy buenas.

Invertir ese dinero y luego no protegerlas para que se vean es un dinero mal invertido, es absurdo. Y tampoco se ven en la televisión pública, también hay varias cosas que hacer ahí porque en otros países como en España, la televisión española (TVE) tiene que gastar un dinero para coproducir el cine que se hace en España, aquí debería haber una cosa similar, la televisión pública también debería estar enganchada con las ayudas para el cine peruano, para que tengan los derechos de exhibición, para que se pueda ver el cine peruano en horarios atractivos.

¿Cuáles son tus expectativas frente a la actual gestión del Ministerio de Cultura, respecto al cine?
Yo creo que ese trabajo, en estos últimos años, ha dado muy buenos resultados, porque los resultados son las películas y nadie puede negar que las películas están ahí y son buenas, hay que continuar trabajando eso y hay que corregir todo lo que hemos estado comentando antes, sobre todo en el tema de exhibición y también seguir aumentando las posibilidades de financiar mas películas, no solamente en el cine de ficción y documental, también hay que apoyar la animación, las óperas primas. Pero me parece que el problema fundamental es la exhibición.
También debería haber en Perú el equivalente de lo que hay en Argentina, es decir salas de cine peruanas gestionadas por el ministerio, así por lo menos tendríamos la garantía que en esas salas, estén las películas peruanas hasta que no vaya un solo espectador.

Para terminar, ¿puedes mencionar algunos documentales peruanos que todos deberíamos ver?
Estos son algunos documentales cortos y largos peruanos que me gustan:

• Metal y melancolía, de Heddy Honigmann
• Radio Belén, de Gianfranco Anichinni
• Encuentro de hombrecitos, de Alejandro Legaspi
• Solo un cargador, de Juan Alejandro Ramírez
• Choropampa, de Ernesto Cabellos
• Es Amador, de César Calvo, Miki Gonzáles, Roberto Bonilla

Conversamos con Javier Corcuera el 9 de noviembre, en la RCP

Entrevista: Luis Ramos
Edición y fotografía: Laslo Rojas

Heddy! Les films documentaires d’Heddy Honigmann es el nombre de la muestra que presenta 13 filmes dirigidos por la cineasta, entre largometrajes, y cortos y mediometrajes realizados para la televisión. Se incluyen sus más celebrados trabajos: Metal y melancolía (1993), O Amor Natural (1996), Crazy (1999), Forever (2006), El olvido (2008).

La retrospectiva está organizada por el Centre Pompidou Paris en colaboración con el Institut Néerlandais, y va hasta el hasta el 17 de noviembre en la Bibliothèque publique d’information. Así la presentan los organizadores:

Cineasta nacida en 1951 en Perú, de padres judíos exiliados de Europa del Este, Heddy Honigmann estudió en México, Francia e Italia antes de establecerse en la década de 1970 en Amsterdam.
Aunque la directora ha encontrado su lugar en la sociedad holandesa, abierta y basada en las tradiciones humanísticas, ella a menudo ha elegido filmar a personajes en el extranjero: en Lima, los taxistas y otros habitantes, en París los músicos del metro y los visitantes del Père-Lachaise, o en Río de Janeiro, los brasileños ancianos recitando poesía erótica.

Llegar al fondo de las cosas siguiendo una trayectoria espiral, así se puede definir la mayor parte de la obra documental de Heddy Honigmann. Su forma de entrevistar detrás de la cámara, fuera de campo, ha sido descrito por un crítico como “el método sacacorchos”.

En un estilo muy personal cercano al “cinéma vérité”, ella particularmente filma la situación de hombres y mujeres, exiliados, excluidos, víctimas de la guerra, dejados atrás en su lucha diaria por la supervivencia.

Revisen la programación completa de Heddy! Les films documentaires d’Heddy Honigmann.

En esta muestra se presentó además, en calidad de preestreno, el más reciente trabajo de Heddy, And One Day (“Y un día” | En op ‘n goede dag), filme que venía recaudando fondos vía este sitio de crowdfunding. Honigmann dirige, el guión está a cargo de su hijo Stefan van de Staak. Vean este divertido teaser:

Dina Páucar en uno de sus multitudinarios conciertos en Lima. (Foto: Adrián Portugal)

La joven realizadora limeña Adriana Murguía nos presenta el documental The Huayno Murders, una producción estadounidense que aborda el mundo del folclor andino en Lima, y sus personajes más emblemáticos, que en años recientes se vieron envueltos en sucesos de sangre, como el asesinato de Alicia Delgado, llevándolos a las primeras planas de la prensa nacional.

The Huayno Murders es una producción de Vice Media, el español Santiago Stelley es el director y productor, Adriana es la productora asociada y presentadora del documental. El registro fue hecho por Bernardo Loyola, James Parvin, Danilo Parra, y Mariano Carranza.

Vean el documental a continuación:

Adriana Murguía (23 años) ha vivido la mayor parte de su vida en New York. Estudió Producción de Video y Ciencias de la Comunicación en la NYU, y trabaja actualmente como productora en Vice, un conglomerado de medios con sede en New York. Ella nos cuenta algo más sobre este documental:

“The Huayno Murders nació de la inspiración del productor de la película, Santiago Stelley, quien una vez asistió a un concierto multitudinario de Dina Páucar en Madrid. Le encantó, y desde entonces, siempre quiso hacer un documental sobre la música huayno. Cuando me conoció [en Vice], y se enteró que yo era peruana, me dijo que había escuchado un rumor sobre asesinatos en la industria del huayno y que deberíamos ver qué historias podiamos contar, y así hacer un documental para nuestra serie de Vice “Music World”.

A mediados del 2010, empecé a investigar sobre el huayno en general, hablé con reporteros de policiales y leí cientos de artículos sobre los crímenes en la musica folclórica, y así nos comenzamos a dar cuenta que Alicia Delgado era una estrella monumental en el Perú, “La Princesa del Folclor”.

Fuimos a Lima dos veces, la primera en junio del 2010 para registrar los eventos por el aniversario de la muerte de Alicia, y una vez más en mayo del 2011, para grabar un concierto de Abencia Meza.

Filmar ‘The Huayno Murders’ fue mi primera experiencia trabajando en producción en Lima. Me encantó grabar en Lima, la energía es totalmente diferente, y siempre hay ese elemento de incertidumbre cuando estás en un ambiente desconocido. Fue algo muy emocionante, y diferente y me encantó.

Ser parte de este documental me ayudó entender muchas cosas sobre el Perú que nunca realmente estaban en mi radar. No solo por vivir en el exterior, pero porque mis visitas a Lima siempre fueron aisladas y protegidas. Esto me ayudo muchísimo a conocer una parte de Lima que siempre estuvo presente pero que yo no conocía. Culturalmente fue increíble para mi ver parte de una realidad del Perú que es importantísima por ser básicamente la mayor parte, y además, escuchar esta música y lo que representa. Me pareció increíble.”

“The Huayno Murders” también ha aparecido en The Guardian. Siganlos en Twitter: @adrimurguia, y @Vice.

Extra: Pueden leer este artículo sobre Dina Páucar, también escrito por Adri Murguía.

Yapa: Vean también el corto documental Vine cargando mi arpa, otro acercamiento a la música popular peruana, en particular, el huayno con arpa.

Se podrán ver filmes de Jorge Suárez, Mary Jímenez, el Grupo Chaski, Antonio Wong, Javier Corcuera, Juan Alejandro Ramírez, entre otros trabajos representativos de la historia del documental peruano. Se estarán proyectando en estas dos salas en los siguientes horarios. El ingreso es libre:

- A las 8 pm. Cine Club de Pueblo Libre – Av. Cipriano Dulanto 949 (Ex La Mar) Pueblo Libre
- A las 7:30 pm Centro Cultural CAFAE – Av Arequipa 2985. San Isidro

Esta es la programación completa:

Miércoles 12 de Octubre

Cine Club de Pueblo Libre

Muy lejos de aquí, Dir. Juan Alejandro Ramirez
Fiesta, Dir. Mary Jiménez

Miércoles 19 de Octubre

Cine Club de Pueblo Libre
Un Héroe Inmortal Dir. Fernando Gutierrez “Huanchaco” y Emergencia Audiovisual
Diario del Fin Dir.Juan Alejandro Ramirez
Un Dia Dir. Leonardo Sagastegui
En la Ruta Perochena de Miguel Villalobos
Viernes 21 de Octubre

Centro Cultural CAFAE
“Checkpoint Rock: canciones de Palestina” de Javier Corcuera

Viernes 28 de Octubre

Centro Cultural CAFAE
Prohibido pintar las paredes de Adrián Portugal
Entre vivos y plebeyos (12) de Matías Vega
Mi cine de barrio (20′) de Danny Céspedes
Mi lugar (7′) de Isabel Madueño
Conversation II (17′) de Marianela Vega
Ciudad manjar (11′) de Mauricio Godoy

Miércoles 2 de noviembre

Cine Club de Pueblo Libre
Retrospectiva Grupo Chaski. Invitados: Alejandro Legaspi, Susana Pastor, Stefan Kaspar.
Encuentro de Hombrecitos
Perú, ni leche ni gloria.
Crisanto, el Haitiano

Miércoles 9 de Noviembre

Cine Club de Pueblo Libre
Loreto, Dir. Antonio Wong Rengifo
Corpus del Cuzco Dir. Manuel Chambi
Toros y Condor Dir. Manuel Chambi
En la orilla dir. Jorge Suárez
Ashaningas del Cutivireni Dir. Jorge Suárez

El documental se realizó el 2008, durante diez meses, y se estrenó en el Centro Cultural de la Universidad Católica el 2009. Manuel Siles, nos cuenta algo más sobre su trabajo:

“El interés de hacer esta pela aparece a propósito de la obra El último ensayo. Yo soy un devoto admirador de ellos [Yuyachkani]. La obra me impresionó sobremanera desde el primer día que la vi. Me impresionó porque no narra una historia en términos convencionales, hay una anécdota pero es muy tenue y no es lo principal. Yo vi en la obra una metáfora de la vida, con sus conflictos, con sus preguntas sobre el sentido de la misma, con su búsqueda y postura frente a la muerte, con el compromiso de un artista con su obra, con sus temores e inseguridades.

Al mes de estar pegadazo con la obra, Alejandro Siles, jefe técnico de los Yuyachkani, me propuso hacer el documental, fue su idea. El documental no quiere hacer un registro de la obra, absolutamente, ni siquiera se limita a ella. La usa como excusa para referirse a esos temas que he enumerado antes”.

Vean el tráiler de Divas y fantasmas:

Divas y fantamas se presenta este viernes 7 de octubre a las 5:00 pm en la Casa O’Higgins (Jr. De La Unión 554), en el marco de la celebración de los cuarenta años de Yuyachkani.

Manuel Siles continúa comentándonos sobre la película:

“El documental se ha pasado en Cuba y recientemente en Brasil. Yo soy el guionista y director de la película, tal como aparece en los créditos, pero, desde luego, en el equipo, que fue muy corto, se estableció una dialéctica muy rica que contribuyó decididamente a la estética y el discurso de la misma. Los dueños de los derechos (solo un formalismo) somos los tres que participamos en su factura: Manuel Siles, Ludovic Pigeon y Alejandro Siles.

En cuanto a la forma, el documental sí intenta, desde el lenguaje cinematográfico que es tan diferente al del teatro, repetir ese aire de confusión aparente que reina en la obra de teatro. En ese sentido yo hubiera querido que sea polifónica y calidoscópica, aunque sé que eso a veces es un poco exigente para el espectador acostumbrado a una narrativa más ordenada.

También había un interés personal, tal vez más prosaico, al hacer la pela, había allí una oportunidad de oro para referirme a propuestas singulares que se distinguen del discurso o narrativa convencional. Muchas de las preguntas que les hice yo a mis amigos ‘yuyas’ son preguntas válidas para el cine independiente y sus respuestas son alentadoras e iluminadoras.”

Pueden leer algo más sobre los tres autores en La cinefilia no es patriota.

Extra: En 1998 se realizó el documental Persistencia de la memoria, dirigido por Andrés Cotler. Se puede ver completo en el Hemispheric Institute Digital Video Library.

Esa es la singular historia, la impensable empresa, que se presenta en el documental Cumbres de cal (“Cal Summits” es su título en inglés), la ópera prima del realizador Wilfredo Ilizarbe Pizarro.

La idea de Eduardo Gold y su ONG “Glaciares Perú” es pintar de blanco las montañas que antes estuvieron cubiertas de nieve. De esta manera reflejarán la luz del sol, ayudarán a que la temperatura en los picos de las montañas disminuya, logrando finalmente que la nieve vuelva a aparecer en las cumbres. Vean este video donde Eduardo explica su idea.

La película de Ilizarbe, que está aun realizándose, ya ha logrado reconocimientos: en mayo pasado ganó el prestigioso Jan Vrijman Fund, disputado entre más de 400 proyectos. Además, ha ganado el premio Puma.Creative Catalyst.

Vean el primer tráiler que han preparado:

Emergencia Audiovisual, la productora que Willy Ilizarbe fundó junto a unos amigos y colegas Rómulo Franco, Carolina Denegri y Eloy Neira, será la encargada de la realización de Cumbres de cal.

Extra: Otro proyecto reciente de los Emergencia Audiovisual es “Tren de juguete” de Rómulo Franco, documental sobre el tren eléctrico de Lima.

Una década de documentales

Es con gran alegría que deseamos presentar la 10a edición de la Muestra de Documental Peruano producida y organizada por DOCUPERU. Esta vez, la Muestra cuenta con más de 60 documentales, 11 sedes (Universidad de Lima, Universidad Científica del Sur, Centro Cultural CAFAE-SE, La Noche de los Cortos, Centro Cultural de la Universidad Cayetano Heredia, Casa Yuyachkani, La Casa Rosa, Cine Club de Pueblo Libre, UCAL, ADUNI y Escuelab). Entre las actividades a ser realizadas este año tendremos: conversatorios y Muestra Temáticas sobre Documental, Medio Ambiente y Derechos Humanos, el Primer Concurso Universitario de Video Documental, la presencia directamente de México del Dr. Cuauhtemoc Esquivel, organizador del Festival AD HOCS de Documentales sobre Derechos Humanos y un merecidísimo homenaje a la realizadora Nora de Izcue. La Muestra como todos los años y sus actividades son completamente gratuitas, ofreciendo la posibilidad de acceso de diferentes públicos y continuando con la propuesta de DOCUPERU de democratizar y difundir la movida documental nacional e internacional. La X Muestra de Documental Peruano se celebrará del 30 de Setiembre al 8 de Octubre del 2011.

La convocatoria de este año cuenta con alrededor de 40 títulos que incluyen a los recientes ganadores del Festival de Lima Independiente y Filmocorto (“La calma” de Fernando Vílchez y “Vine cargando mi arpa” de Mercado Central”), de igual manera estaremos presentando algunos trabajos exhibidos recientemente en el XIV y XV Festival de Lima, entre ellos destacan: “Desde el sonido” de Rosa María Oliart, “Autorretrato Sonoro” de Manongo Mujica, “La cantuta: en la boca del Diablo” de Amanda Gonzáles y “Chungui: horror sin lagrimas” de Felipe Degregori. Y por supuesto una seria de documentales producidos en los últimos dos años que demuestran y ratifican los múltiples y nuevos rumbos que vive el documental.

Descarguen la programación de la X Muestra Documental Peruano [en PDF]

En esta décima edición DOCUPERU brinda un homenaje-retrospectiva a Nora de Izcue, la primera mujer peruana en asumir la realización cinematográfica como profesión, dedicando su carrera principalmente al genero documental. Por más de 25 años ha ejercido la docencia y es miembro de los Consejos Superior y Directivo de la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano. En estos años ha dirigido más de 15 películas, entre cortos y largos, ficción y documental. Dos de sus trabajos: “Color de mujer” y “Runan Caycu” estarán abriendo esta Décima Muestra Documental el día 30 de setiembre en el Centro Cultural CAFAE (7.30pm).

Este año contamos con la presencia internacional del Dr. Cuauhtemoc Esquivel, coordinador de Ad Hocs (Asociación de Derechos Humanos, Organización, Cooperación y Comunicación Sostenible), que trae consigo una curaduría de documentales sobre derechos humanos, los cuales utilizará a modo de crestomatías para ejemplificar diversas problemáticas mundiales con mayor claridad y profundidad. El Dr. Esquivel se estará presentando en la Ventana Indiscreta de la Universidad de Lima el jueves 6 (7.30pm) y en el Centro Cultural CAFAE el viernes 7 (7.30pm) y en la casa Yuyachkani el sábado 8 de Octubre.

El reconocido documentalista peruano Ernesto “Tito” Cabellos realizará un conversatorio en la Universidad Científica el miércoles 5 de Octubre con su galardonado documental “Tambogrande” como parte de un muestra de medio ambiente, en donde podremos apreciar tantos trabajos nacionales como internacionales.

Finalmente, tenemos el agrado de anunciar la premiación del I Festival Inter-Universitario de Documental convocado para esta edición, a realizarse el día sábado 8 de Octubre (8pm), día de la clausura en el Centro Cultural Cayetano Heredia. El jurado compuesto por: José Balado, director de DOCUPERU, Ernesto “Tito” Cabellos, documentalista y miembro de Guarango y Eliana Otta, artista plástica-visual, anunciarán a los dos documentales ganadores.

Por supuesto dentro de la muestra se podrán apreciar los últimos trabajos producidos por DOCUPERU, tanto en los talleres dictados en Lima (EOD y Docuguerrillas – 2011) como los realizados en Cajamarca y Pucallpa como parte de la Caravana Documental (2010-2011).

Homenaje – Retrospectiva: Nora de Izcue (7 documentales)
Color de mujer
Runan Caycu
Edgar Morin: un sabio visita Lima
Elena Izcue: La armonía silenciosa
Canción al viejo Fisga que acecha los lagos amazónicos
Pobladoras de cerros y arenales
El viento en todas partes

DocuPerú (10 documentales)
Collar de Plata (VI Caravana Documental 2010)
Qarwakiru (VI Caravana Documental 2010)
103 [el número Alan] (T.Guerrilla Documental – 2011)
Game Life (T. El Otro Documental 2011)
Raccaya-Umasi (T. El Otro Documental 2011)
Inversión 0 (T.Guerrilla Documental – 2011)
Soq Tiempu (VI Caravana Documental 2010)
Hombres de medicina (VII Caravana Documental 2011)
Mishki Rimay (VI Caravana Documental 2010)
Molinopampa (Cajamarca 2011)

Documentales sobre Medio Ambiente (9 documentales)
¿Acaso comemos plata? de Sacha videastas y PRATEC
Alli Allpachaw, Alli Miki de Carlo Brescia Seminario
Amazonía, Masato o Petróleo de Josep Ramon Giménez
La Oroya: Aire Metálico de Álvaro Sarmiento
La travesía de Chumpi de Fernando Valdivia
Paisajes Interiores de Gabriel Folgado
Tambogrande de Ernesto Cabellos & Stephanie Boyd
Una muerte en Sión de Adam M. Goldstein & FECONACO
Uña de Gato de Igor Rekarte

Muestra, Documentales Nacionales e Internacionales (30 documentales)
789 Crisis en Macchu Pichu de Alfredo Velarde
¿A favor o en contra? De Mauricio Godoy
Amelia & Morena de Andrea Franco Batievsky
Autorretrato Sonoro de Manongo Mujica
Bolognesi 711 de Romulo Franco
Brus Rubio de Mercado Central
Cadena Perpetua de Milagro Farfán
Chungui, Horror sin Lágrimas una Historia Peruana de Luis Felipe Degregori
Delirios Grises de Alfredo Velarde
Desde el Sonido de Rosa María Oliart
El Niño del Cusco de Carla García y Ricardo Ayala
El Otro Cine de Mercado Central
El Torero de los Andes de Ignasi Rodríguez
Enagua Flor de Carolina Denegri y Rómulo Franco
En el 93 de Carlos Benvenuto
En la balsa de Beto Gutierrez y Rómulo Franco
Familiares. La Cantuta y Barrios Altos de Luciano Gorriti
La calma de Fernando Vílchez
La Cantuta, en la boca del diablo de Amanda Gonzáles
La Tarea de Milagro Farfán
Los abducidos de Juan Daniel F. Molero
Lucha Reyes, carta al Cielo de Javier Ponce
Mami de Jonatan Relayze Chiang
Miradas de Luz de Julio César Gonzáles Oviedo
Mirada Tusán de Jonatan Relayze Chiang y Lucy Chiang
No, es no de Carolina Denegri Sánchez
Percepción de Susana Perrottet Ríos
Q’eros, Hombres de Altura de Roger Neira
San Felipe de Antolín Prieto
Shanti de Malambito
Un héroe inmortal de Fernando Gutiérrez “Huanchaco” & Rómulo Franco.
Un lugar en el tiempo de Milagro Farfán
Vine Cargando mi Arpa de Mercado Central

Documentales del Festival Internacional AD HOC

I Festival Inter-Universitario de Documental

Revisen su sitio web: http://muestradocumentalperuano.wordpress.com. Ahí encontrarán la información de todos los documentales, sus fichas técnicas, tráilers y demás.

Para cualquier información adicional, escríbanles a: muestra@docuperu.pe

Mi chacra cuenta la historia de Feliciano, un joven cusqueño que ha pasado casi toda su vida en su pequeña chacra, en la comunidad de Mullacas, Urubamba, en las alturas del Valle Sagrado. A lo largo de las cuatro estaciones, Burlage sigue a Feliciano en su trabajo con la tierra, desde la siembra hasta la cosecha, y también en su trabajo como cargador en el Camino Inca hacia Machu Picchu. A través de Feliciano, el director presenta el ciclo de vida de un campesino -quizás un arquetipo de los indígenas que habitan los andes-, el de su comunidad, y el conflicto entre el cariño que sienten por su tierra y las labores aprendidas por sus ancestros, y el deseo de una mejor vida para sus hijos en la ciudad.

Vean el tráiler de Mi chacra:

El documental fue grabado en Cusco entre setiembre y noviembre del 2007, y abril y junio del 2008. La voz en off y la mayoría de los diálogos son en quechua. La música incidental está compuesta por temas tradicionales de la zona.

Mi chacra, elegida como Mejor película del Inkafest – Festival de Cine de Montaña 2011, se presentará este martes 27 de setiembre a las 8:00 p.m. en el Centro Cultural de España.

Visiten el sitio web del documental, está muy completo. También pueden comprar la película, en DVD, a 22 dólares.

En Siguiendo a Kina (Following Kina), tal como podemos ver en un tráiler que se ha publicado recientemente, iremos no solo tras la popular boxeadora limeña, sino siguiendo los pasos de otras deportistas que, como Kina hasta antes de su singular logro mundial, pasan totalmente desapercibidas por los medios y por la sociedad en general. Llama la atención por ejemplo esta boxeadora puneña, entrenando a todo pulmón en pleno altiplano:

Sonia Goldenberg ha dirigido anteriormente algunos largos documentales: “El país de los saxos” (2007), “Memoria del paraíso” (2003), entre otros. Además es coguionista de El olvido, de la destacadísima Heddy Honigmann.

Siguiendo a Kina, una realización de Tramas Producciones, tendrá 70 minutos de duración. El proyecto fue finalista en el concurso Conacine 2011, y ganó la ayuda Ibermedia 2009 para Desarrollo.

El colorido y acogedor Meeting Room del reciente Festival de Lima nos recibió, y con un poco de café dimos inicio a una conversa algo desordenada -culpa mía- pero muy enriquecedora. Aquí va:

Aldo Garay: 'Si quieres hacer cine, hazlo. Hay cosas que no se aprenden estudiando'.

“El casamiento” es la segunda parte de una película anterior tuya, ¿es así? ¿Cómo llegas a la historia que vemos en “El casamiento”?
“El casamiento” es todo un proceso de 15 años de trabajo. Yo retomo este proyecto en el 2009 porque la pareja protagonista se va a casar, y me llaman para que sea como el padrino de la boda. En el año 1995 yo empecé hacer un registro para un mediometraje, “Yo, la más tremendo”, sobre un grupo de chicos travestis, y ahí fue que conocí a Julia. Para ellos ella era un referente…

¿Ella era como activista del tema de las minorías sexuales?
No, no, ella era muy conocida porque se había operado. Es la segunda transexual uruguaya operada. Era una de las pioneras, digamos.

No creo que “El casamiento” sea una película activista. No es una película que levante banderas. Hay múltiples formas de hablar de los derechos, muchísimas formas, hasta se puede hablar de los derechos sin hablar de ellos. Uno no tiene necesariamente que levantar el puño y gritarlo. Si las personas que trabajan en con el tema de la reivindicación de las minorías sexuales encuentran que mi película es válida para su lucha, me parece perfecto. Tanto Julia como Ignacio, la pareja protagonista, no tienen ningún discurso activista.

Entonces ahí conocí a Julia. En ese tiempo seguí rodando cosas con ellos y quedé muy vinculado a la pareja. Cuando ellos deciden casarse fue como el pretexto para retomar el proyecto y terminar lo que había comenzado…

Lo que habías comenzado a contar en tu anterior película “Mi gringa, retrato inconcluso”…
Sí, y esa película se llamó así porque yo desde el primer momento era muy consciente de que esa no era una película terminada.

Quedó como un work in progress.
Absolutamente. Sí, es un copión. Yo creo que en el documental, el copión es una pieza muy importante, son como versiones de escaletas o guiones.

Es un método de trabajo que ya he aplicado varias veces y me ha resultado, independientemente de cómo quede la película al final. Estos copiones son sucesivas versiones de la versión definitiva. Esas versiones no son ni más ni menos que guiones, solo que son mucho más difíciles de hacer porque no están en papel, son escaletas visuales. A mi me sirven mucho, me guían para estructurar la película.

En el caso de “Mi gringa”, era un corte muy grueso, muy urgente, me acuerdo que lo hice rápido. Fue como para presentar a los personajes. Tiene otro tono que “El casamiento”. En “Mi gringa” ya es distinta la relación de la pareja. El paso del tiempo, la vejez y algunas situaciones que vivió la pareja hacen que ellos dos se relacionen de otra manera y que valoren y consideren la relación desde otro lugar. En ese transcurso se consolidaron como pareja.

El tema de la identidad sexual aparece desde el inicio de tu obra.
Es que el tema de la identidad misma me parece que es lo relevante, o sea la búsqueda permanente de la identidad, y sobre todo la identidad sexual. A mi me llama muchísimo la atención, sobre todo, la persona que decide cambiar de sexo, cambiar de identidad sexual. Eso me parece muy potente, demuestra a una persona de mucho coraje, de mucha valentía, y aunque muchas veces no lo parezca, de mucha solidez emocional.

Hay personas que tienen varias capas, y hay que definir dentro de esas capas cuál es la del documental. Esas personas muchas veces tienen varias facetas y hay una que es ficción. No importa si es el lado más masculino o más femenino, pero una es ficción.

En una faceta son ficción y en la otra son realidad…
Sí, porque son personas que necesitan crearse un mundo de ficción para construir una realidad. Cada día estoy más convencido de que hay una construcción actoral en todos nosotros. Es una condición social por supuesto, es una búsqueda por saciar sentimientos muy profundos, interiores. Muchas veces decimos aquello de: “la mujer que habita dentro de mi quiere salir”. Eso sucede. Entonces predomina una gran representación, y uno termina trabajando con “actrices”.

Julia es una actriz…
Es una actriz. No tengo ningún mérito en eso. Ellos actúan.
El hecho de decir “vamos a filmar” genera algo misterioso en estas personas, que tienen esa enorme capacidad, esta enorme necesidad de ser otro. Todos queremos ser otro, desde muchos lugares. Yo creo que ellos toman el paso más extremo para ser otro: desaparecer, borrar completamente quienes fueron antes. El transformismo, el travestismo es querer anular lo que fueron antes. Sin embargo al momento que los representas en un trabajo cinematográfico ves que eso no desaparece del todo y comienzan a surgir las capas de las que te hablaba anteriormente.

Hablando un poco sobre tu trabajo, tuviste relativo éxito con “La espera”. ¿Por qué dejaste de lado la ficción?
No es que la haya dejado del todo. Solo que hasta ahora no he encontrado nada más interesante de lo que la realidad me da. No he encontrado nada que me seduzca. Además, esa separación entre ficción y documental hace años que no la hago.

En una proyección reciente escuché decir a una directora que tenía que inventar historias porque la vida real es aburrida ¿Es aburrida la vida real?
No, para nada. Quizá uno puede ser aburrido y siente que todo lo demás también lo es. O porque uno lleva una visión aburrida de las cosas, o porque no tiene demasiado interés por lo demás.

Leí que no haces entrevistas directas a tus personajes. ¿Cómo haces el registro entonces?
Genero situaciones. Si hay una información que hay que dar, trato de enmarcar acciones para que esa información este ahí, en vez de hacer una entrevista y luego poner una capa visual para que aparezca su voz en off. Prefiero que vaya en on, no en off.

Creo situaciones a modo de escenas, donde se enmarquen acciones que tiene que ver con la contidianeidad, o no, de la pareja. En “El casamiento” o “El círculo” hay puestas en escena que son casi de ficción, solo que ellos no son ‘actores’.

Y tú les pides que hagan cosas…
Sí, y te lo digo porque no siento ningún conflicto ético con eso. Simplemente que no le voy a pedir a nadie que haga cosas que no hace normalmente. Pero si es en función de la historia que se quiere contar, no hay problema alguno. Yo tengo muchos recursos, muchos dispositivos, observo cosas cotidianas, diarias, insignificantes y ahí salen las mejores cosas.

En un artículo Jorge Ruffinelli dice que “tú les das a voz a los que no tienen voz en el cine”. ¿Sientes que es así?
No sé, a mi eso de “dar voz”, me suena un poco… ¿quién soy yo para darle voz a otro? Sé que Jorge, a quien admiro y respeto mucho, lo dice con la mejor intención, pero eso me coloca en un lugar un poco incómodo. ¿Quién soy yo para decirle a la gente: ‘vós hablame, que yo te ordeno el discurso, te doy voz’?

No, yo voy con ellos. Vamos juntos. Y ahora que lo pienso, mira si no es al revés: son ellos los que me dan voz a mi. A veces quiero decir muchas cosas, y son ellos los que lo dicen. Si alguien da voz a alguien, ellos me dan voz a mi.

Ruffinelli también decía que tú estás siempre como filmando tu primera película.
Sí, eso es cierto, siempre. Cada trabajo nuevo, es como un nuevo punto de partida. Es un lugar común decir que siempre se hace la misma película, pero hay algo de cierto en eso. En eso coincido totalmente.

En cuanto a la producción, ¿cómo realizas tus películas, cómo las financias?
Pues mis películas son muy, muy baratas. Las hago con cámaras digitales pequeñas. “El casamiento” la hice con dos fondos, del Instituto de Cine de Uruguay e Ibermedia, entre los dos llegarán a 60,000 dólares y con eso me basta. Uno se tiene que adaptar..

Hay gente que esta, ocho, nueve, diez años con un proyecto grande, y bueno yo solo he trabajado con pequeñas historias, pero no porque cuesten menos en hacerse sino son las historias que quiero hacer. Felizmente no son muy caras de hacer.

¿Cuál es el equipo de gente con el que trabajas?
Somos tres, cuatro, personas, muy pocos. El rodaje de “El casamiento” fue de 13 días, pero no continuos, sino durante el lapso de un año, siempre esperando, sin apuro. Me tomó un año hacer toda la película.

¿Cómo ves la producción local en Uruguay respecto al cine?
Yo no tengo presente mucho el contexto de la movida cinematográfica de Uruguay, conozco poca gente, no me considero parte de alguna movida, no sé si hay muchachos que se juntan y hacen cosas, yo al menos no conozco eso. La gente con la que trabajo, con ellos tenemos una amistad que trasciende lo del cine.

Tú trabajas en televisión.
Sí, trabajo muchísimo en televisión. He hecho de todo, tengo la fortuna de trabajar en un canal donde tengo muchas libertades, donde puedo hacer programas utilizando muchas herramientas del documental cinematográfico. Y yo no me encasillo mucho, por ejemplo ahora estoy haciendo un programa de humor.

Hiciste tus estudios en Montevideo.
Sí, y en Madrid, ahí estudié televisión. Pero mira, nunca apliqué nada de eso que aprendí en mi trabajo en el cine. Si vas a hacer cine, hacelo. Esta bien estudiar pero hay una cuestión del quehacer, eso te enseña más. Ojo, no hago una apología al no-estudio, si quieres ser médico, antropólogo, sí hay que estudiar, pero si quieres hacer cine, no. Hay cosas que no se aprenden. El estudio te da un marco, te nutre, ves películas. En algunos roles técnicos, sí se aprenden cosas, pero para contar una historia desde un punto de vista personal, eso no te lo enseña nadie, ¡no te lo puede enseñar nadie! Esas son cosas intransferibles, lo puedes verbalizar sí, pero no lo puedes transmitir.

El otro día leía una pequeña biografía de Juan Carlos Onetti, que es el más grande escritor uruguayo, ¡y el tipo ni siquiera fue a la secundaria! Pero era un lector empedernido. Leyó y escribió, leyó y escribió. Hay algo que se llama talento, habilidad.

¿El cine es talento?
El cine es muchas cosas, hay trabajo, hay movimiento, y algo que tiene que ver mucho, es cómo organizarte emocionalmente. Yo creo que el escenario emocional para el cine es muy importante, antes, durante, todo el tiempo, sino naufragás.

¿En la televisión también te involucras de esta manera, emocionalmente?
Según con qué proyectos trabaje. A veces estoy más desapegado y a veces estoy más involucrado, hay proyectos que me interesan más, que me llegan más, los otros los cumplo profesionalmente. En el cine siempre estoy involucrado emocionalmente, sino, no tiene sentido, porque plata no vas a ganar… (risas).

¿Por qué haces películas entonces?
No hago cine para ganar dinero, lo hago por una necesidad expresiva. El cine es para contar historias.
Me interesa contar historias que te dejen algo, por más pequeño que sea, aunque te genere la emoción del rechazo. Hay películas que no me gustaron pero me dejan cosas, le encuentro valores a las cosas, o me dejan un plano hermosísimo, o me dejan escenas, o una situación, el comportamiento de alguien. El cine te deja emociones. Son pocas las películas que no te dejen nada.

Existen directores que dicen “yo hago películas para mi”.
No, yo hago películas para que las vea la gente, para compartir. Si las hago para mi, eso suena como un vicio bastante caro, ¿no? (risas). Yo hago estas historias porque quiero que se conozcan.

Acá se tiene, o se tenía, la idea de un Uruguay como la Suiza de América del Sur, una sociedad un poco más de avanzada. Pero los personajes que muestras en tus películas, muy bien no la pasan, ¿no?
Por supuesto, en Uruguay hay una exclusión galopante. En algún momento pudo haber sido ese sueño, ese ideal que dices, en los años 50 quizá, porque yo desde que nací nunca vi ninguna Suiza allá (risas).

No puedo opinar sobre cómo ven a Uruguay desde Perú, pero desde dentro yo creo Uruguay tiene un debe enorme, hay muchísima gente jodida, no tenemos nada de sociedad igualitaria, donde todos tengamos las mismas posibilidades, estamos lejísimos de eso. Me llama la atención que acá se tenga esa idea de Uruguay.

Llevando esto que dices a los personajes de “El casamiento”…
Pues como esos dos personajes hay muchísimos, miles, allá. No son los únicos dos así en Uruguay. Hay un contexto que la película no subraya por que no le interesa, pero es la humildad en la que viven estas personas, hay muchísima gente así. En mi película eso no se subraya, no se habla de su pobreza. Si hay cosas que se ven, para qué estar reforzando cosas que son visibles. Mi película no es sobre la pobreza, es una historia de amor.

¿Cuál es tu siguiente proyecto?
Todavía no lo tengo del todo visualizado. Tengo dos ideas ahí, todavía no lo tengo muy maduro como para decirlo. Pero lo importante es que sigo con ganas de hacer cosas, no me ha cansado esto, no me ha desilusionado.

Muchas gracias Aldo.
Gracias a ustedes.

(Fotos: Rolando Jurado)

'Los hijos' son Javier Fernández, Luis López y Natalia Marín.
(Foto: Punto de Vista

Desde 2010, cuando Cahiers de Cinema – España los colocara entre las 10 mejores películas invisibles del año a “Los materiales”, el colectivo Los Hijos ha ido recibiendo mayor notoriedad. Este trío de cineastas: Javier Fernández (Bilbao), Luis López Carrasco (Murcia) y Natalia Marín Sancho (Zaragoza) trabajan desde 2008 en Madrid, buscando su lenguaje, su forma, y sus películas, como diciendo somos los hijos, pero no vamos a respetar ningún padre.
Hace unos meses conversamos con ellos, para conocer más sobre su trabajo:

El nombre del colectivo no es gratuito. “Los hijos” puede hablar de su cinefilia, de concebirse como parte del cine español, como un capricho. ¿Por qué ‘Los hijos’?
Se suele decir que los hijos “heredan” de sus padres al mismo tiempo que “cuestionan” su legado. Es una bonita explicación a posteriori que no debería oscurecer la verdadera azarosa historia del origen del nombre (una tarde en casa, eligiendo nombres al azar, los hijos sonaba bien…)

http://vimeo.com/13765072

Sus dos primeros trabajos, sus cortos, interpelan la tradición del cine español, se lanzan contra “los padres”, y contra la ficción en buena cuenta. ¿A qué ideas recorrieron?
En el caso de El sol en el sol del membrillo la idea surgió porque nos presentábamos a un certamen cuyo lema era “Vídeo y naturaleza”, con este propósito recordamos las intenciones de Víctor Erice y de Antonio López y su búsqueda de la aprehensión de la realidad y del momento. Nos pareció divertido darle la vuelta a la idea, llevarla al extremo: dejemos que la naturaleza destruya verdaderamente la obra de López igual que le ocurrió en la obra de Erice. Una vez que finalizó el rodaje, en edición, nos dimos cuenta que en realidad a lo que había destrozado la naturaleza era a nosotros mismos, por ello decidimos incluirnos en el montaje final, a nosotros y al dispositivo fílmico en general. Queríamos cuestionar esa mirada supuestamente no intrusiva ni manipuladora del documentalista ante el objeto filmado.
Respecto a Ya viene, aguanta, riégueme, mátame, nuestro segundo trabajo, la idea nació no como un homenaje a nuestra cinematografía sino, de nuevo, como un cuestionamiento del aparato cinematográfico: ¿qué pasaría si eliminásemos a los actores de las secuencias? También nos hacía gracia pensar cómo en determinadas películas incluso ciertos exteriores siguen pareciendo decorados. Nos apetecía volver a esos sitios, ser milimétricos en la ejecución de dichas secuncias y experimentar con los resultados.

“Los materiales”, su primer largo, también tiene la múltiple lectura del nombre del colectivo, es la exploración del rio Riaño, pero también el registro de cómo se hace un documental. Digamos que tiene una honestidad para con el material en bruto, con las intenciones del documentalista.
Exacto. Una vez más todo son preguntas. Tanto en rodaje como en edición las preguntas que aparecen en la película sobre la ética, sobre la correcta mirada y acercamiento al objeto por parte del cineasta, estaban presentes. ¿Cómo encarar una entrevista? ¿cómo armar una historia que tenía tantas aristas, una historia que se remontaba en el pasado más reciente y más alejado y negro de nuestro país? Era inabarcable. Al final, lo más honesto era incluir estas cuestiones en el metraje final. También tuvimos muy en cuenta en todo momento, medimos que el resultado final no se asemejase a los códigos básicos del making of. Esto, obviamente, siempre estuvo muy presente.

“Los materiales” y “Ya viene, aguanta, riégueme, mátame”, cada una a su manera delatan los mecanismos del corte y el montaje.
Sí. Ya lo hemos comentado. En el caso de “Los materiales”, la película nació porque queríamos experimentar con una determinada forma fílmica. La pregunta esta vez fue: ¿es posible tejer una película a base de descartes, de material en bruto? Esa siempre fue la premisa. Una vez que dimos con esta idea, nos faltaba dar con la materia que le diera sentido, que la completara con significado. Tiempo más tarde dimos con la historia de Riaño, nos pareció que tenía la fuerza suficiente como para casar con dicha forma. De ahí el título de la película, “material” un campo semántico tan amplio que lo abarcaba todo: los materiales con los que se contruye un pueblo, un embalse, una identidad o un largometraje.

Circo llega a ser el más formal de sus trabajos. Sin embargo, tiene una decisión que se anuncia desde los créditos. La de no subtitular ciertas cosas.
Decidimos no subtitular porque no nos parecía importante el contenido de los diálogos, no era relevante y sobretodo desviaba el tema principal: “Circo” es un documental que no trata de esta práctica sino más bien, es un largometraje que habla del trabajo. La película es una jornada laboral desde que empieza el día hasta que termina.

Viéndolo en conjunto, ustedes ven los subtítulos como un elemento más del producto, no como un agregado del DVD.
Sí. Nos gusta el poder expresivo de los mismos, creemos que esta infravalorado. Ya habíamos usado la herramienta con otro sentido en nuestra pieza anterior “Ya viene, aguanta, riégueme, mátame” y nos divirtió mucho su efecto, la contraposición del subtítulo a la imagen y como en ocasiones la invalidaba (el distanciamiento creaba humor) y en otras la reforzaba de manera fascinante. En cuanto vimos que nosotros íbamos a ser parte de la experiencia en la película vimos que era la herramienta adecuada.

Sus trabajos parecen ser piezas de museo, o de filmoteca. Para entender algunos códigos hay que conocer una cierta filmografía, tener una cinematografía esencial. ¿Les interesa estar lejos de públicos menos formados?
¡En absoluto! A veces se nos acusa de ello, parece que por el tipo de película que es sólo queramos que la vea un público especializado, cinéfilos, críticos… y nada más lejos, queremos que la vea todo aquel que quiera. Además es curioso pero “Los materiales” es mejor recibida por ese público no especializado que por el de la cinefilia más empedernida con la que más de una vez nos hemos dado de bruces y donde la conexión ha sido nula. Y no pasa nada, uno nunca sabe si lo que hace va a gustar o no, si interesa o no. Ya cuesta sber si le gusta a uno mismo. En el fondo, como todo, es una cuestión de prejuicio español pensar que a la señora de León no le va a gustar la película cuando es mi amigo el catedrático de filosofía el que ha confesado en más de una ocasión que la aborrece.

Cómo los han recibidos el público y la crítica?
Como te decía, en España hemos tenido de todo tipo de público. Lo que está claro es que dejar, no deja indiferente, provoca simpatía o rechazo. En la crítica ha habido un poco de todo también, la película ha despertado odios viscerales por ahí. Pero, en general, hemos tenido mucho apoyo. Estamos muy agradecidos, Cahiers España nos eligió como una de las 10 mejores películas sin estreno comercial de 2010. En cualquier caso, ¡siempre es positiva esta disparidad de opiniones! De todas hemos aprendido mucho.

¿Qué nuevos proyectos tienen? ¿Algo alrededor de su canal de Vimeo, y sus videos de un minuto?
Estamos en fase de preproducción de nuestro siguiente trabajo que esperamos esté listo para finales de año. Pero procuramos estar activos, hemos terminados dos piezas pequeñas recientemente (Evacuación y Tarde de verano) que podrán verse ahora en una par de festivales de nuestro país. Y tenemos siempre en funcionamiento nuestro canal de Vimeo donde subimos cartas y experimentos de un minuto que nos enviamos los unos a los otros alrededor de aquel tema que haya propuesto el primero de nosotros.

• “No hay lugar más diverso”, de Felipe Degregori
• “Cajón de roble”, de Amanda Gonzales
• “A pesar del color”, de Judith Vélez

Actualización [12 set]: El proyecto ganador es No hay lugar más diverso, de Felipe Degregori.

Acta del concurso de proyectos de documental para DOCTV Latinoamérica 2011

Jorge Mario es el Amateur

Este es un documental encantador por donde se le mire. Gira en torno a uno de esos personajes que siempre hay en las localidades y ciudades de provincia, el personaje emprendedor y curioso del pueblo; en este caso, el dentista cinéfilo Jorge Mario, quien realizó películas caseras y registros en Súper 8 –entre otras peculiares ocupaciones– en la pequeña ciudad de Concordia, en Entre Ríos, Argentina. En torno a él, el director Néstor Frenkel monta un simpático (cariñoso e irónico) homenaje al arte de la imagen en movimiento; desde el punto de vista de los esfuerzos insólitos que se desarrollan –escondidos en la cotidianeidad y rutina de una localidad provinciana– por este singular vecino.

La película tiene dos partes. La primera es una introducción donde se muestran fragmentos de videos caseros en formato Súper 8, presentados como secuencia de desarrollo de un subgénero de cine casero con temática familiar durante los años 70 del siglo pasado; naturalmente, tratados de manera irónica, con una locución que muchas veces hace contrapunto con las imágenes, y llegando hasta un simpático festival de cintas “superochísticas” en Buenos Aires. Lo cual funciona como un “gancho” para que el espectador siga viendo el filme y, a la vez, prepara e introduce al verdadero protagonista de la cinta.

Quienes vieron el anterior documental de Frenkel, Construcción de una ciudad, recordarán inmediatamente al Dr. Mario, ya que él proporciona el material documental de base para contar la historia de la desaparición, traslado y reubicación de la localidad de Federación, a causa de la construcción de una presa. O sea que el director mató dos pájaros de un tiro, ya que su personaje le proveyó material de uso estructural para el citado documental previo y, ahora, lo utiliza como tema para la cinta que comentamos.

Y vaya que el tipo es todo un personaje. No se trata de un simple amateur que acumula peliculitas caseras, sino de un obsesionado con el séptimo arte y el audiovisual. No le basta con llevar y contabilizar cuantas películas ha visto en cine o TV –en un archivo completo y minucioso, por títulos, directores y actores–, sino que también pretende emular a Jacques Tourneur, quien filmó en esa región una cinta titulada Way of a Gaucho. Mario no sólo inicia una campaña para colocar una placa que celebre el acontecimiento, sino que él mismo produjo y dirigió su propio western, Winchester Martín; y ahora quiere realizar el remake. Amateur narra estas acciones, pero también muestra muchas de las otras aficiones del personaje (dirige un programa de radio sobre cine, así como clubes de boy scouts y de tiro, etc.), esencialmente un coleccionista de diversos objetos, desde latas de cerveza hasta boletos del metro bonaerense.

Como en el caso de la introducción, el personaje explica sus avances y conocimientos del lenguaje cinematográfico, aunque también reconoce su amateurismo. Si bien el director destaca los aspectos sorprendentes y chistosos del personaje, no faltan tampoco los detalles menos felices; por ejemplo, la indiferencia del resto de vecinos hacia sus iniciativas (notables escenas en el parque, con niños) y, sobre todo, la casi muda presencia de su esposa de toda la vida (cuya expresión vacía sugiere no sólo su subordinación sino también el poco sentido que le provocan las pasiones de su esposo y, en fin, sugieren una aletargada resignación vital). Estos elementos de contraste no logran borrarnos la sonrisa en casi todo el transcurso de la película, pero sí ayudan a dar una imagen más completa del personaje; y, de paso, demuestran que es injusta la acusación de algunos que piensan que el director se burla de su personaje. No es el caso, la mirada de Frenkel es cariñosa y comprensiva incluso cuando muestra ciertos rasgos excéntricos del odontólogo y cineasta amateur entrerriano.

Quizás la crítica vaya por el hecho de que, en la exposición a los medios, la gente común y corriente siente que está siendo utilizada; y que, por tanto, su imagen no es “auténtica” (o, simplemente, no es la que imagina), olvidando que todo registro audiovisual, de por sí, supone una elaboración guiada –en mayor o menor grado– por una intencionalidad o un enfoque determinado. Lo que puede conducir, en muchos casos, a lo que en Perú llamamos un “maleteo” (broma o tomadura de pelo), el cual, para muchos –y sorprendentemente–, no parece un precio muy alto a pagar por aparecer en la pantalla, sea grande (cine) o chica (TV). Algo de este tipo de relación entre la gente y los medios hay en la cinta de Frenkel.

Sin embargo, más importante me parece señalar cómo el Súper 8 sirvió de antecedente para el tipo de intercambio de vídeos y fotos que hoy pueblan las redes sociales. Y cómo el público aspira a ser protagonista de sus propias historias en pantalla y, gracias al abaratamiento de las tecnologías audiovisuales, empiezan a serlo. Un caso “avanzado”, en este sentido, es el de Jorge Mario; quien a sus 70 años ya utiliza la computadora para satisfacer sus tendencias acumulativas (de información), pero que también mantiene en uso (cierto que a duras penas) las viejas tecnologías de filmación y proyección caseras. En cierta forma, es un museo viviente del audiovisual, un museo que pocos conocerían sino se hubiera realizado este hermoso documental.

Dir. y guion: Néstor Frenkel | 76 min. | Argentina | 2011

Fotografía: Diego Poleri
Edición: Nestor Frenkel
Producción: Sofía Mora
Música: Gonzalo Córdoba

Intérpretes: Jorge Mario, Ofelia Graziano de Mario.

Funciones en el Festival de Lima, agosto 2011:
- Centro Cultural PUCP – Sala Azul, sábado 6, 6:15 pm.
- Cineplanet Alcázar- Sala 7, domingo 7, 4:30 pm.

• La curiosa vida de Piter Eustaquio Rengifo, de Gianfranco Annichini, Cine Moche SAC. (Opera prima)
• Los sonidos profundos, de Javier Corcuera, Nakuy SAC.
• En busca de Ordway, de Alvaro Mejía, Caballo de Fuego EIRL. (Opera prima)

El jurado conformado por César Zamalloa Sessarego – Presidente (Notable de la cultura), Judith Vélez Aguirre (directora) y Jorge Bazo Escudero (crítico), sustenta su decisión de la siguiente manera: “En relación a los premios otorgados, sostiene que se ha tomado en cuenta en primer lugar, la originalidad en la propuesta narrativa, en segundo lugar la densidas estructural de los niveles expresivos y la fuerza y complejidad de los personajes”.

Felicitaciones a los tres ganadores. Algo más sobre ellos:

El veterano Gianfranco Annichini, uno de los cortometrajistas vivos más importantes de la cinematografía peruana, realizará finalmente con este proyecto su esperadísimo primer largometraje. En el blog Hablando de documental pueden leer algo más sobre su obra.

Javier Corcuera, reconocido documentalista por trabajos como “Invierno en Bagdad” y “La espalda del mundo”, ganó el fondo Ibermedia del 2010 para la coproducción de “Los sonidos profundos”.

Alvaro Mejía, conocido por su trabajo como guionista de series de TV, ganó el fondo Ibermedia 2008 para el desarrollo de su proyecto “De Arequipa a la luna”.

A través de entrevistas inéditas y dramatizaciones, la película contará la historia de uno de los episodios más impactantes de nuestra historia reciente: la captura de líder máximo del partido comunista Sendero Luminoso, Abimael Guzmán Reynoso.

“1509 Operación Victoria”, una producción del año 2010, narra la historia de un puñado de jóvenes oficiales de la policía de investigaciones del Perú liderado por el comandante Benedicto Jiménez, quienes asumieron la difícil tarea de capturar al líder terrorista.

El Grupo Especial de Inteligencia, GEIN, logró en 29 meses, lo que no se logró en 10 años de guerra interna: conocer el modus operandi de esta organización clandestina, e identificar las casas en las que vivió Abimael Guzmán, ubicadas en los barrios más residenciales de la ciudad de Lima. Vean un avance de 1509 Operación Victoria:

Judith Vélez, quien debutó en la ficción con La prueba, ha dirigido anteriormente otros trabajos documentales, como ¡Libérenlos ya! y “Seis con ocho”.

1509 Operación Victoria se presenta este jueves 21 de julio a las 7:30 p.m. en el Club Empresarial. Reservas al teléfono 215-9000 anx. 1153. Cupo limitado.

Ficha técnica:

Producción: Bliss S.A.C.
Duración: 58 min.
Dirección y guión: Judith Vélez
Producción ejecutiva: Abraham Vurnbrand y Hugo Rose
Director de fotografía: Marco Arauco
Editor: Roberto Benavides
Diseño de sonido: Rosa Maria Oliart
Música original: Kevin Norris

Dato: Luego de su captura, al reo Abimael Guzmán se le asignó el número “1509″, en conmemoración del aniversario de la antigua PIP, el 15 de setiembre.

La película de 60 minutos, producida por la Asociación Ruhasun Perú, se presentará el sábado 9 de julio, a las 6:30 p.m. en el Centro de Convenciones Ollanta de la Universidad Nacional de Cajamarca (Av Atahualpa 1050).

Ruhasun Perú es una asociación sin fines de lucro que promueve la educación y la cultura como medios de desarrollo para las regiones y zonas campesinas del Perú. Ruhasun ha hecho el trabajo de investigación y producción de este documental, con un equipo proveniente de Lima.
Andrés Llanos es limeño y este año terminó la carrera de Comunicación Social en la Universidad Mayor de San Marcos.

Alegría, la fiesta de Cajamarca se presentará en el marco del evento denominado “Todos los caminos me llevan a Cajamarca”, una gran muestra de artes visuales, poesía, música y literatura relacionada con la cultura cajamarquina.

Sinopsis: Alegría, la fiesta de Cajamarca,  es  un documental  que engloba todos los sentimientos de una región, antes, durante y después de su festividad, a través de la vida de Juan Jave Huangal, un cajamarquino que respira carnavales hace 85 años. Vean el tráiler:

Ficha técnica:
Dirección: Andrés Llanos Silva.
Producción: Luz Isabel Guarniz Alcantara.
Asistencia de Producción, Cámara: Pamela Paucar Montalvo, Mariela Rivera Cano.
Fotografía: Anthony Quiroz Heredia.
Música: Oscar Pajares Ruiz.
Edición y Post Producción: Silvio Buendía Cayo.

Actualización [27 julio]: Los amigos del Archivo Peruano de Imagen y Sonido nos informan de la existencia de este registro, el que sería el más antiguo testimonio documental de la ciudadela inca, tan solo 18 años después de haber sido visitada por Bingham. Lleva por título Excursión a la montaña de los miembros del Segundo Congreso Sudamericano de Turismo, y fue realizado a fines de 1929 por Guillermo Garland Higginson. Este filme fue restaurado con la ayuda de Ibermedia. Vean un fragmento:

–
Existe una filmación en blanco y negro del recorrido turístico que hicieron Arthur Monroe Tode y su esposa al valle sagrado de los Incas y a Juliaca (Puno) en 1936. En ella se aprecia la antigua ruta ferroviaria que llevaba a Machu Picchu y vistas de edificaciones cubiertas aún de vegetación:

Esta cinta forma parte de la colección del Museo de Arqueología y Antropología de la Universidad de Pennsylvania, donde también se conserva el archivo fílmico de Watson Kintner, quien visitó Cusco y otras ciudades del país en los años 50, tal como se describe en el portal cusqueño Valicha:

Estas imágenes del Cusco fueron tomadas por Watson Kintner, inmediatamente después del gran terremoto que remeció al Cusco el año 1950. Kintner (1890-1979), ingeniero químico de la Radio Corporation of America, RCA, fue un viajero empedernido que llegó a visitar más de 30 países, entre ellos el nuestro, armado de una cámara cinematográfica de 16 mm. Sus tomas nos muestran a personajes que, siendo cotidianos en la vida cusqueña, fueron, y aún son, prácticamente invisibles a los ojos ávidos de visiones bucólicas y de plácidas saudades. Una cámara que se inmiscuye y penetra en las intimidades de una ciudad que se reconstruye, ¿o se autodestruye, tractores y bulldozers mediante? Cargadores, palomillas, niños, indios, picapedreros, gente que se ha quedado sin hogar, vendedoras del mercado. No juzga, no dramatiza, solamente muestra.

Las nueve películas del archivo Kintner contienen imágenes de la reconstrucción de la antigua ciudad del Cusco tras el terremoto, y de la vida cotidiana en Huancayo, Huacho y Lima. Se exhibieron el año pasado en el ciclo y conversatorio “En glorioso technicolor” en el Británico de Miraflores. Aquí, una toma en colores filmada en Machu Picchu:

En 1949, el documentalista belga Armand Denis hizo un filme de 30 minutos patrocinado por la Chrysler, Mystery of the Incas, donde aparece Hiram Bingham retornando al sitio que lo convirtió en celebridad. La cinta fue recuperada y subtitulada por el Archivo Peruano de Imagen y Sonido, aquí un fragmento:

Perú: People of the Mountains (1940) es un documental de carácter educativo producido por Erpi Classroom Films Inc., en colaboración con Earle K. James, para la Enciclopedia Británica, que contiene imágenes de Lima, Cusco y Machu Picchu (desde el minuto 1.44)

Dentro de los nacionales, cabe mencionar a Manuel Chambi López, miembro de la llamada “Escuela del Cusco”, quien realizó el corto Machu Picchu (1962), influenciado por la obra documental de Enrico Grass y Mario Craveri, quienes a su vez emplearon tomas de las ruinas incas para El imperio del sol (1955). Luis Figueroa, integrante de aquel colectivo de realizadores cuzqueños, cuenta cómo se relacionaron con sus colegas italianos:

Los únicos cortos que habíamos visto –y que a mí personalmente me interesaron mucho– fueron de Enrico Grass y Mario Craveri. Filmaron “Continente perdido” en Sumatra, Borneo y Java, después hicieron “Magia verde” en Brasil y completaron ese tríptico con “El imperio del sol”. Estuvieron en Cusco en 1955 con ocasión del Cine Club. Nosotros nos acercamos a ellos y vimos cómo se podía filmar a los campesinos, a los ayarachis. Ellos fueron grandes documentalistas, hicieron películas sobre Giotto y Fra Angelico. Vinieron al Perú a hacer un documental sobre los indios, sobre los Andes, era la primera imagen que salía del Perú al mundo. Su presencia influyó en nosotros. Nos estimuló a desarrollar un cine local. Enrico Grass, a quien le mostramos algunas de nuestras cintas, nos alentó a seguir. Él se quedó en el Perú e hizo tres documentales importantes: Machu Picchu, Castilla soldado de la ley (1953) y El solitario de Sayán (1954).

Fuente: “El cine en el Perú: 1950-1972, testimonios” de Giancarlo Carbone. U. de Lima, 1993.

Hay detalles de la producción de Machu Picchu de Enrico Grass en este post de Ricardo Bedoya, en Páginas del diario de Satán.

(Foto de portada: “First Archaeology Photos”, National Geographic)

Sara, una de las últimas shipibo en usar los adornos completos de mediados del siglo XX.

En 1953 el antropólogo Harry Tschopik Jr. recorrió con su cámara los pueblos shipibo de la Amazonía peruana, y filmó la película “Shipibo, Men of the Montaña”. Cincuenta años más tarde, investigadores del Field Museum of Chicago encontraron algunas de estas imágenes en los archivos del Museo Americano de Historia Natural, y las compilaron en un video.

Después de varias generaciones, el pueblo shipibo pudo ver por fin aquella película, gracias a que un equipo del Field Museum visitó la cuenca del río Ucayali y proyectó la cinta de Tschopik y recoger los testimonios de los shipibo. “¿Qué tan exacta es la película del antropólogo estadounidense? ¿Qué piensan los shipibo de su identidad y sobre los cambios en su cultura?”.

Estas y otras interrogantes son abordadas en en el mediometraje documental Shipibo, la película de nuestra memoria, codirigido por el realizador peruano Fernando Valdivia Gómez y la estadounidense Claire Odland. El filme, de 52 minutos de duración, fue realizado en julio del 2010, cuando el equipo de documentalistas partió en búsqueda de los protagonistas del documental de Tschopik.

Conversamos con el director, y esto fue lo que nos contó sobre su nueva película, que podremos ver desde agosto próximo:

Fernando, ¿cómo se inició este proyecto?
El 2009 trabajé en el festival cultural Amo Amazonía. Como curador de la muestra “Cine Amazónico” compilé material audiovisual de diversos países. Una de las películas que llegó a nosotros fue Shipibo, Men of the Montaña (Los hombres de la montaña), una edición realizada por Claire Odland y Alaka Wali, investigadoras del Field Museum of Chicago, en base a una película sobre los shipibos muy antigua, quizás la más antigua sobre ellos, que encontraron casualmente en los archivos del American Museum of Natural History de New York.

Alaka y Claire tienen varios años de trabajo con los shipibo así que reconocieron rápidamente que este descubrimiento era un tesoro. Esta filmación fué realizada por Harry Tschopik Jr., un antropólogo nacido en Nueva Orleans y que vino al Perú en 1940 a realizar diversas investigaciones en costa, sierra y selva. El año 1953 Harry Tschopik filmó en comunidades ashaninka y shipibo, tanto escenas de bailes como de ceremonias y actividades cotidianas como la caza, pesca y confección de cerámica y textiles. En relación a su película solo sabemos que Tschopik fue entrevistado en la CBS y allí se difundieron algunos minutos de estas filmaciones. Las notas de campo sobre sus viajes de filmación se perdieron y el material audiovisual se archivó, solo el Smithsonian editó el disco Indian Music of the Upper Amazon que contiene la música grabada por él entre los pueblos Shipibo, Conibo, Ashaninka y Cocama.

Claire Odland no encontró las cintas originales filmadas por Tschopik, encontró cintas U matic, las antiguas cintas de 3/4″ donde se habían transferido un par de horas de la filmación, sin editar. Claire pidió los permisos para editar ese material y compiló una versión respetando el concepto original del realizador. Se le llamó con el mismo nombre de la investigación de Tschopik, “Shipibo, Men of the Montaña” y para la musicalización se emplearon algunos temas del disco editado por el Smithsonian. Esta versión es la que proyectamos en Amo Amazonía, y producto de este encuentro es que se decidió llevar la película a las comunidades shipibo, regresar este material a los lugares donde fue filmado.

¿Cómo se dió tu colaboración con el equipo de Museo Field?
En estas conversaciones es que me proponen trabajar con ellas un nuevo documental, registrar el impacto de esas viejas imágenes que reflejaban la vida de los shipibo hace casi 60 años, reflexionar sobre los cambios en la cultura, en las relaciones con el medio ambiente, en su visión de ellos mismos. Así nació un nuevo documental que contendría parte de las imágenes antiguas de Tschopik y las imágenes nuevas del actual modo de vida de los shipibo al que titulamos Shipibo, la película de nuestra memoria.

Es interesante lo que pasó durante el rodaje. Para las proyecciones preparé un speech motivándolos a encontrar sus parientes entre las antiguas imágenes del ’53. No cumplimos nuestro objetivo, sin embargo, los comentarios volaron de boca en boca y así aparecieron personas que tenían vagos recuerdos sobre una filmación a sus padres, tíos y suegros. Tuvimos que ir a buscar directamente a ciertas personas y al mostrarles la película reconocieron gente y comunidades. Toda esta gente ya había fallecido y algunas comunidades donde se filmó ya no existían, es el caso de Punchana, una antigua comunidad al pie de la laguna de Yarinacocha. Había dudas sobre las otras locaciones, pero por los diseños de las ropas (el kené) y el tipo físico nos aseguran que fue en la cuenca del rio Pisqui, en Loreto, al pie de la Cordillera Azul.

¿Piensan editar ambas películas en un dvd, o programar más proyecciones?
“Shipibo, Men of the Montaña” se ha difundido principalmente en espacios académicos en Lima y también en casi todas las comunidades shipibo. Justamente en estas proyecciones de campo es que algunos ancianos nos hicieron notar errores en el empleo de los temas musicales, básicamente en un par de temas que resultaron siendo ashaninkas. Cuando se presente el nuevo documental que hicimos, el dvd contendrá también la vieja película de Tschopik, completa y corregida.

Estamos terminando el diseño del dvd y los copiados. Shipibo, la película de nuestra memoria se estrenará en agosto en Chicago, en Lima, en Pucallpa y, por supuesto, en las comunidades shipibo de Ucayali y Loreto. Pensamos que este material es bastante fuerte en relación al tema de identidad y pensamos proponerlo al Ministerio de Educación para que lo puedan considerar dentro de las estrategias de educación bilingüe intercultural. Es una sugerencia surgida en las primeras proyecciones que hicimos con los shipibo en Pucallpa, que dicho sea de paso quedaron bastante emocionados al ver costumbres ya desaparecidas y de las que solo habían escuchado. Creo que va a ser emocionante para cualquier comunidad indígena peruana, sobre todo porque las reflexiones filmadas para este documental son básicamente de indígenas, una confrontación emocional con ellos mismos.

¿En qué formato se grabó el documental?
La película se grabó en formato de alta definición con la cámara Sony EX 1, que es una de las más populares actualmente. El documental ha sido financiado íntegramente por el Field Museum of Chicago.

Fernando Valdivia (Lima, 1966) es un experimentado documentalista y comunicador social.

¿Actualmente tienes algún otro proyecto documental en desarrollo?
Ya inicié la preproducción de un documental que filmaré en Perú y Brasil. Trata sobre el reencuentro de gente separada varias décadas en los bosques fronterizos y que creen estar solos en el mundo, que ya nadie habla su idioma. Es un tema delicado porque hay muchos intereses empeñados en hacer creer que esta gente no existe. Con el documental demostraremos lo contrario.

Extra: Fernando Valdivia es un comunicador social y documentalista, “sanmarquino hasta el hueso”. Tiene una maestría en Estudios Amazónicos. Actualmente dirige Teleandes Producciones y es consultor del Instituto del Bien Común en Pucallpa donde promueve el empleo de la comunicación para fortalecer federaciones indígenas Shipibo, Conibo, Ashaninka, Yanesha y Cacataibo. “El centro de mi atención es la diversidad cultural, la Amazonía y el medio ambiente”, dice el realizador. Ha filmado en varios países de América Latina, en África y Asia junto a National Geographic, Channel 4, Jean Michael Cousteau, WWF, Ethno Medicine Preservation Project, Promperu, entre otros. Sus documentales más conocidos son “Buscando el azule” (Gran Premio Anaconda 2004) y “La travesía de Chumpi” (Premio Gillo Pontecorvo al mejor filme en el Festival de Cine Documental de Medioambiente Latinoamericano – Roma, Italia 2010).

En los próximos meses se estrenará un documental sobre el ex dictador chileno que gobernó ese país durante diecisiete años. Se trata de La muerte de Pinochet, largometraje de 67 minutos de Iván Osnovikoff y Bettina Perut. El estreno comercial en Chile está programado para el 1 de setiembre.

La película gira en torno de las convulsiones sociales que reavivó el fallecimiento de Pinochet ocurrido el 10 de diciembre de 2006, en un grado de intolerancia y tensión muy alto al que ojalá nunca lleguemos en el Perú. Los realizadores del documental utilizan el registro original de las ceremonias fúnebres, intercalándolo con testimonios de cuatro personajes que celebran y lamentan con la misma intensidad la muerte del dictador.

La muerte de Pinochet fue exhibida en el reciente BAFICI 2011, y ganó el premio a mejor película “Cine en movimiento” en el Festival Cine//B 2010. Vean el tráiler a continuación:

El Festival de Lima debería considerar la inclusión de este valioso trabajo en su próxima edición.

Extra: La pareja de directores, quienes trabajan juntos desde fines de los años 90, ya le habían dedicado anteriormente una obra al ex dictador: El astuto mono Pinochet contra La Moneda de los cerdos (2004), exploración del golpe de Estado de 1973 desde las nuevas generaciones.

El director Josué Méndez (izq.) y Carlos, el protagonista de su historia

Un documental realizado en 7 países iberoamericanos por igual número de directores, entre ellos el peruano Josué Méndez, se estrenará comercialmente esta semana en Buenos Aires.

¿Qué culpa tiene el tomate? plantea seguir el recorrido que realizan los alimentos que recibimos todos los días, a través de los mercadillos que encontramos en nuestros barrios: “Cuando la comida va de la planta a tu mesa sin el supermercado en el medio. Siete países, siete mercados populares, siete culturas diferentes, siete directores, siete miradas distintas”.

El documental es dirigido por Alejo Hoijman (Argentina), Marcos Loayza (Bolivia), Josué Mendez (Perú), Carolina Navas (Colombia), Paola Vieira (Brasil), Alejandra Szeplaki (Venezuela) y Jorge Coira (España). Se rodó a fines del 2007. Josué Méndez grabó su segmento en el Mercado Mayorista de frutas de La Victoria, en Lima. La producción se completó a inicios del 2008. Entonces fue elegida para la Selección Oficial del MoMA, de New York. El título internacional del documental es “From the Land to Your Table”.

Vean el tráiler de ¿Qué culpa tiene el tomate?:

Sinopsis: “Cada director aborda desde su país de origen el proceso de la comida cuando no pasa por el supermercado. Cada uno a través de sus mercados populares nos envuelven en sus diferentes culturas y formas de vida. Mercados que ya en las ciudades medievales existían, primero con el sistema de trueque y donde los campesinos, agricultores y artesanos concurrían a vender sus productos, tal como ahora.

Nutrida del ríquisimo despliegue visual y del folklore de estos “mercados” o ferias, a través de ellos y sus gentes la película ahonda en cada idiosincracia. En un resultado de documental de observación, el filme recoge desde le proceso de recolección hasta la venta en el “mercado” , de la mano del pequeño productor directo al consumidor, en definitiva: cómo los alimentos pueden pasar de la tierra a la mesa. A través de esta documentación deja al descubierto un cuestionamiento acerca de cómo las grandes cadenas de venta y distribución van en detrimento del trabajo del productor y encarecen el mismo producto simplemente por estar en una góndola de supermercado”.

¿Qué culpa tiene el tomate? se estrena el jueves 2 de junio en salas comerciales de Buenos Aires. Pueden encontrar más información sobre la película en su página web. Lean esta entrevista con uno de los directores, Alejo Hoijman, en Página/12.

Ficha técnica:
Directores: Alejo Hoijman (Argentina), Marcos Loayza (Bolivia), Josué Mendez (Perú), Carolina Navas (Colombia), Paola Vieira (Brasil), Alejandra Szeplaki (Venezuela) y Jorge Coira (España).
Edición general: Alejo Hoijman (Argentina).
Duración: 107 minutos
Idiomas versión original: Español – Portugués – Gallego – Aymará.

Producción General y Ejecutiva: Hugo Castro Fau (Lagarto Cine- Argentina), Fernanda del Nido (Tic Tac Producciones – España).

En coproducción con: Marcos Loayza (Pucara Films y Alma Films- Bolivia) Enid Campos (Chullachaki Producciones – Perú), Carolina Barrera (Pato Feo Films- Colombia), Rodrigo Letier (TvZERO- Brasil), Daniel Jerozolimski (Coop. Estrella Films- Venezuela).

La película ha sido dirigida por Cameron Crowe, amigo cercano de Eddie Vedder y compañía, un melómano de aquellos, cuyos gustos y preferencias ya hemos escuchado (disfrutado y odiado) en su obra previa, desde “Say Anything” hasta “Elizabethtown” pasando por su más célebre “Almost Famous”. Crowe, además de dirigir el documental, hará las veces de narrador. En colaboraciones previas entre banda y director, Pearl Jam contribuyó con dos temas para el soundtrack de “Singles” (1992), pieza clave de la movida grunge entonces. Y el 2009 Crowe dirigió el videoclip de “The Fixer”, primer single del álbum Backspacer.

Pearl Jam Twenty incluirá imágenes de archivo nunca antes vistas que mostrarán, cómo no, a la banda tocando en vivo: “El cautivante documental dará a los fans una mirada íntima de la travesía de Pearl Jam, a través de imágenes selecionadas de 1,200 horas de grabaciones, y más de 24 horas de entrevistas con la banda”, adelanta la nota de prensa oficial del lanzamiento de la película.

El documental se estrenará en setiembre en algunas ciudades alrededor del mundo, y se presentará luego en la televisión estadounidense, a fines de octubre. Para entonces ya esperen encontrar alguna copia de la película en el torrent más cercano, o en el taringa de su preferencia.

Por mientras, vean este pequeño avance de 30 segundos, en el que la banda aparece en sus early years, cuando aun eran conocidos como “Mookie Blaylock”:

Cool, uh?

Actualización [23 agosto]: PJ20 se estrenará a nivel mundial el 20 de setiembre, solo en ciertos cines. En Perú será en Cinépolis Plaza Norte, en Independencia, Lima. Paradero Tomás Valle del Metropolitano, ya saben.

Este año se otorgarán tres premios de S/.150,000 cada uno. No se podrá premiar más de un proyecto de una empresa productora o director; y ojo a esto, uno de los premios será obligatoriamente otorgado a una de las empresas de producción de las regiones.

Actualización [2 junio]: Se realizó el sorteo público del jurado. Los elegidos son Jorge Bazo Escudero (crítico cinematográfico), César Zamalloa Sessarego (Notable de la Cultura) y Judith Vélez Aguirre (directora).

Actualización [19 julio]: Luego de un accidentado proceso, se han anunciado los 9 proyectos finalistas que serán evaluados en el pitching a realizarse el viernes 22 de julio, en las instalaciones del Ministerio de Cultura. Los 9 finalistas, entre los que se incluye un solo proyecto regional, son los siguientes:

El azaroso camino de la fe, ¿Quién es el hombre que corre?, Arica, Siguiendo a Kina, La curiosa vida de Piter Eustaquio Rengifo Uculmana, Los sonidos profundos, Mundo paralelo, Lazos de memoria y En busca de Ordway.
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A continuación, la lista de los proyectos presentados. La primera semana de junio se conocerán a los finalistas, que realizarán el pitching el 6 de junio. Ese mismo día se conocerán los ganadores.

1. Cumbres de cal, de Wilfredo Ilizarbe. Asociación Emergencia Audiovisual. 52 min. Opera prima.
2. Responso para un abrazo, de Nora de Izcue Fuchs. Naella Producciones SAC. 80 min.
3. El viaje del chaman, de Walther Vera. Kinovera SAC. 90 min. Opera prima.
4. El azaroso camino de la fe, de Alejandro Legaspi. Chaski Comunicación Audiovisual. 52 min.
5. ¿Quién es el hombre que corre?, de Luis Ramos Choqueconza. TV Cultura. 90 min. Opera prima.
6. El siku – La Zampoña, de Mónica Grados Zevallos. Empresa de Servicios Urubamba Service EIRL. 52 min.
7. Arica, de Antolín Prieto. Cactus Films SAC. 90 min. Lambayeque. Opera prima.
8. Uchcu, de Richard Huarcaya. Inti Films Cine Wanka EIRL. 55 min. Junín. Opera prima.
9. Siguiendo a Kina, de Sonia Goldenberg. Tramas Producciones SAC. 70 min.
10. Madre Mar, de Mariana Tschudi. Filfilms SA. 55 min. Opera prima.
11. Expedición en los Andes, de Julio Parra Medina. Bere Bere Films SAC. 52 min. Opera prima.
12. El imperio de las imágenes, de Gerardo Karbaum. Oratel Producciones Audiovisuales EIRL. 52 min. Opera prima.
13. La curiosa vida de Piter Eustaquio Rengifo Uculmana, de Gianfranco Annichini. Cine Moche SAC. 60 min.
14. Pacocha, desde el fondo del mar, de Carmen Rosa Vargas. Musicine Producciones SAC. 90 min. Opera prima.
15. A la sombra del Guarango, de Lorry Salcedo. Centro de Estudios Americanos – CEA. 60 min.
16. Los sonidos profundos, de Javier Corcuera. Nakuy SAC. 90 min.
17. Los guardianes del bosque, de Lupe Benites y Marco Alvarado. Artecovisual EIRL. 55 min. Opera prima.
18. En tránsito, de Mauricio Godoy. La masa ilusa EIRL. 90 min. Opera prima.
19. ¡Esto es Breña!, de Bruno Benavides. La Nube Comunicaciones SAC. 75 min. Opera prima.
20. Mundo paralelo, de Humberto Saco. Kinaqu cine EIRL. 100 min.
21. Herejía, de Eduardo Adrianzén. Sontrac EIRL. 90 min.
22. Alter Ego, de Julio Vizcarra. Digishots SAC. 85 min.
23. El banco de oro: por la ruta de Raimondi, de Alvaro Alcalde. Super M Films SAC. 52 min. Opera prima.
24. Lazos de memoria, de Ernesto Cabellos. Asociación Guarango Cine y Video. 52 min.
25. Mi escuela, una lección para todos, de Sofía Velásquez. Super M Films SAC. 90 min.
26. En busca de Ordway, de Alvaro Mejia. Caballo de Fuego EIRL. 52 min. Opera prima.
27. Gepo Ian: una exploración fílmica al corazón del folklore shipibo, de Benedicto Paolo Díaz. Imagina Comunicación Integral Corporativa SAC. 80 min. Arequipa. Opera prima.
28. Santa Bárbara, la mina de la muerte, de Arnaldo Soriano. Procine Andina EIRL. 52 min. Huancavelica.
29. Kakinte, en busca del último patriarca, de Wilfredo Medina Padilla. Grupo Vall3 Comunicación Integral SAC. 55 min. Junín. Opera prima.

Algunas anotaciones: participan 16 opera primas, 5 proyectos provenientes del interior, y 7 dirigidos por mujeres. Nótese también la participación de los nuevos trabajos de experimentados documentalistas como Annichini, Corcuera, Legaspi, entre otros.

Sobre el récord de los participantes, en años recientes:

• Humberto Saco fue ganador del concurso de documentales 2007, con “El requecho”. También recibió la ayuda de Ibermedia 2010-1 para el Desarrollo de su proyecto “Pallpa Chaki, el que tiene 6 dedos”.
• Asociación Emergencia Audiovisual fue ganador del concurso de documentales 2008.
• TV Cultura fue ganador del concurso de documentales 2009.
• Tramas Producciones recibió la ayuda de Ibermedia 2009-2 para el Desarrollo del proyecto “Siguiendo a Kina”.
• “Los sonidos profundos” de Javier Corcuera ganó la ayuda de Ibermedia 2010-1, para coproducción.
• Alejandro Legaspi recibió la ayuda de Ibermedia 2009-2, para el Desarrollo de su proyecto de ficción “El regreso”.
• Ernesto Cabellos fue uno de los ganadores del concurso de cortos Conacine 2008, con la película “El antifaz”.
• Sofía Velasquez ganó por partida doble en el concurso de cortos Conacine 2010, producidos por la Asociación Cultural Mercado Central.
• Álvaro Mejía obtuvo la ayuda de Ibermedia 2008-1 para el Desarrollo de su proyecto de ficción “De Arequipa a la luna”.
• Arnaldo Soriano ganó el concurso para las regiones Conacine 2007, con “Don Melcho, amigo o enemigo”.

Disclaimer: TV Cultura es la casa productora en la cual trabajamos algunos colaboradores de este blog. Luis Ramos es miembro fundador de Cinencuentro. Antolín Prieto es colaborador y exeditor de este blog. A todos ellos y a todos los concursantes, mucha suerte.

Tal como la fabulosa cinta Océanos, estrenada a fines del 2010, en la cartelera peruana se puede encontrar, algo desapercibido en medio de la predominante oferta de ficción, un bello documental de la factoría Disney: Felinos de África (African Cats), una realización de dos especialistas en la temática de la naturaleza y la biodiversidad que han trabajado en series de TV y otras películas. Son Keith Scholey, cuya carrera principalmente ha sido como productor televisivo y ahora debuta en la dirección, y Alastair Fothergill, director, productor y guionista que antes ya había firmado en coautoría Deep Blue (2003) y Earth (2007).

En los 89 minutos de duración, apreciamos el proceso de adaptación en la sabana africana de diferentes animales, principalmente felinos, a su entorno conformado por congéneres, ejemplares de otras especies y las características de su hábitat, amplio, lozano, panorámico, peligroso, alimenticio. Mayoritariamente, recae el protagonismo en un conjunto de leones y guepardos, pero también alcanza a jabalíes, hipopótamos, cocodrilos, venados y cebras, entre otros.

Puntos centrales de este trabajo son la belleza infinita del paisaje, la sensación de permanente cercanía a los animales por el uso de lentes especiales que permiten planos muy cerrados, y la dramatización de sus movimientos y conductas, que crea personajes muy carismáticos y coherentes, con nombre propio: Sita, una guepardo que acaba de alumbrar a cinco crías y que busca refugio; Mara, la hija de una malherida leona; y Kali, un león proscrito que regresa con sus cachorros para reclamar lo que era suyo. Apreciamos sus temores, cálculos y emprendimientos, al estilo de un drama interfamiliar e intergeneracional, que traza su evolución entre la carencia y el peligro, y la búsqueda y el aprovechamiento de oportunidades.

La narración en off, que en la versión original corre a cargo de Samuel L. Jackson, acompaña todo el relato y de modo profuso, pero es lo suficientemente cálida y respetuosa de las imponentes imágenes de la lucha por la supervivencia, por lo que se hace grata y plenamente complementaria. En suma, un imprescindible documental de consumo familiar que desintoxica brevemente las salas y nos devuelve la pureza de la flora y fauna que aún están intactas en el mundo.

African Cats

Dir.: Alastair Fothergill y Keith Scholey | 89 min. | EE.UU.

Narrador: Samuel L. Jackson