Siempre es un placer poder conocer las sabias y experimentadas opiniones de buenos cineastas. Más aún tratándose de aquellos que se dedicaron al terror entre las décadas de los 70 y 80, labrando su fama brindándonos las intrigas más sobrecogedoras y como no, haciéndose de un estilo y una personalidad en el camino.

Aquí podemos ver a David Cronenberg, John Carpenter y John Landis en una interesante charla en el programa Take One, allá por 1982. Era el preciso momento en el que Landis gozaba del éxito de An American Werewolf in London, mientras que Carpenter y Cronenberg se disponían ultimar detalles para atacarnos con The Thing y Videodrome, respectivamente.

Durante esta conversación, inteligente y amena, como pocas, podemos ver como estos tres directores comentan sus puntos de vista sobre los posibles límites de la presentación de los actos más transgresores en el género; la dualidad entre la censura y la atracción que el público tiene sobre el género de los monstruos y los salpicones de sangre; y cómo no, sobre los mecanismo de promoción y marketing que muchas veces los desconciertan hasta el punto en que, como dice David:“parece que son los efectos especiales, los diseños de los afiches y los monstruos, los que se venden antes que la película misma”.

También vean cómo interactúan los invitados que rápidamente toman la confianza y naturalidad gracias a las ocurrentes impertinencias de Landis que se convierte por momentos en el entrevistador.

La segunda y tercera parte tras el salto »

En FilmsPerú, suerte de portal sobre el mundo publicitario y audiovisual en el Perú , encontramos una conversa extensa e interesante con la actual Presidente de Conacine Rosa María Oliart. La entrevista se extiende a través de diversos temas, algunos espinosos - como la piratería o la cuota de pantalla -; otros esperanzadores -como los resultados de su gestión-. Los dejamos con algunos extractos de esta entrevista que recomendamos sobremanera:

Sobre los resultados de los esfuerzos emprendidos por Conacine en estos dos últimos años, Rosa María habla así:

Calculo que en el 2010 debemos tener ese incremento de películas ya en pantalla; en este momento las películas están en pre producción, las que ganaron el concurso de 2008. Se viene el concurso de post producción que premia a cuatro largos que ya están rodados; entre el 2009 y 2010 debemos ver el efecto de nuestra gestión en nuestras pantallas y a nivel mundial, a través de los festivales; ése será el tiempo de cosecha. Mientras tanto seguimos avanzando para que esto agarre una continuidad; hay un cambio significativo en la energía y proyección de CONACINE con respecto a la representación que hace de todo un gremio de personas que trabajamos en el área audiovisual.

(…)

Eres una suerte de productora ejecutiva del cine nacional.

Sí, de alguna manera es un poco la manera porque en realidad mi cargo significa representar al estado ante los cineastas y a los cineastas frente al Estado, entonces hay una carga política inherente, de ahí que sea un cargo de confianza en el Ministerio.

Bucles habla de cine peruano y el Festival de Lima, por aquí »

Foto: FilmsPeru

Fernando Birri y Gabriel García Márquez

A sus 83 años ha sido testigo y protagonista privilegiado de algunos momentos claves en la historia del cine. Por la vida de Fernando Birri (Santa Fe, 1925) -colmada de pasión, películas y vivencias- han pasado los forjadores del neorrealismo italiano (Zavatinni, De Sica, Rossellini) y del llamado Nuevo Cine Latinoamericano (Gutiérrez Alea, Glauber Rocha, García Márquez). Maestro de generaciones de cineastas en las aulas de la Escuela Documental de Santa Fe y la Escuela de Santiago de los Baños -centros de formación audiovisual que fundó y condujo-, ha dirigido clásicos del cine latinoamericano como Tire Dié (1958) y Los inundados (1961), contundentes retratos de denuncia sobre la marginación social que perfilaron toda una tendencia dentro del cine latinoamericano. El año pasado lanzó “Soñar con los ojos abiertos” libro que reúne los treinta seminarios que dictó en la Universidad de Stanford (EE.UU.) y se mantiene en actividad a través de una fundación que lleva su nombre. A su extensa trayectoria cabe agregar que Fernando Birri es todo un personaje. Aprovechando su paso por el Festival de Cine Latinoamericano de Providence, el director de Días de Santiago, Josué Mendez sostuvo una extensa y estimulante conversa con el legendario cineasta argentino, que aquí reproducimos en su integridad. Toda una lección de cine para ustedes.

1. Las primeras imágenes y el nacimiento de una vocación
2. Memorias del Neorrealismo
3. Zavatinni - De Sica
4. Una promoción de cineastas latinos

Las primeras imágenes y el nacimiento de una vocación

Quería para empezar que me cuentes un poco de tu formación. ¿En tu época cómo sale la idea de estudiar cine o hacer cine? ¿Cómo decides formarte, qué camino decides tomar en tu juventud?

Bueno, es una buena pregunta que me obliga a mirar para atrás y me doy cuenta que parte de todo lo que pude hacer después nació, como pasa casi siempre, de una carencia, justamente por cómo aprender a hacer cine. Yo ya había hecho fundamentalmente teatro, pero un teatro de títeres, desde los 10 años trabajé en eso. Aparte de ese arte de titiritería también escribía y pintaba. Porque yo vengo de una familia de pintores, mi papá y mis tíos eran pintores. Después todo esto me llevó a fundar el primer teatro universitario en la Universidad del Litoral, cuando ya estudiaba abogacía. De ahí, ya casi como una secuencia obligada, formando parte de un movimiento de intelectuales y artistas que estaban bastante a la vanguardia para la época, estoy hablando de los años 40 más o menos, apareció el cine como una necesidad.

¿Había cine clubes? ¿Cómo era el acceso al cine?

Había un cine club, el cual lo fundé yo, que se llamaba Cine Club Santa Fe. Lo fundé con un grupo de amigos y compañeros de la Universidad del Litoral, y fue el primer cine club de la ciudad.

Pero antes de eso, ¿ya habías visto mucho cine?

Sí, muchas películas. Mira, la primera película que recuerdo es El cantor de jazz con Al Jolson, qué cosa increíble, la vi en las rodillas de mi padre. Los domingos la familia iba al cine, era un rito, a mi padre le gustaba mucho el cine, era muy cinéfilo, invitaba a los actores a la casa a almorzar y sabía los nombres de todos los actores norteamericanos. Fundamentalmente todo el cine que veíamos era norteamericano, con un agregado que todavía tengo presente, que es que había como un cierto desprecio por el cine argentino. Nosotros éramos una familia pequeño-burguesa de orígenes proletarios. Mi abuelo era un campesino anárquico que salió expulsado de Italia con las manos esposadas, lo pusieron en un barco y lo mandaron fuera y el barco resultó ser argentino. Mi familia, de una condición campesina en Italia, pasó a una condición de obrero-ciudadana en Santa Fe, porque mi abuelo había sido molinero en Italia, tenía un campo de trigo y hacía harina. Pasa a la Argentina y forma parte de un proletariado urbano, es decir es albañil, y su hijo, que es mi padre, en cambio, hace el famoso salto que existe en América del Sur: va a la universidad y forma parte de la primera promoción de doctores en Ciencias Económicas y Políticas de Santa Fe, lo cual en Europa hubiera sido absolutamente imposible. Era increíble, siendo hijo de campesinos.

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Entrevista: Josué Mendez
Transcripción: Mary Panta
Edición: Rodrigo Portales
Realizada durante el XV Festival de Cine Latinoamericano de Providence, Rhode Island, Mayo 2006.

Con este cortometraje, Alejandra Bernuy, alumna de la Univesidad Santo Toribio de Mogrovejo, ganó en el Festival Cortos de Vista vol.II. La historia de violencia y abuso infantil fue sin duda de lo mejor que pudimos ver en el festival. Conversamos con su directora, que empezó sus estudios atraída por el periodismo de investigación pero que terminó orientándose hacia la producción audiovisual con muy buenos resultados.

Reciente adicta a las películas de Takashi Miike, Alejandra nos cuenta que quiere concentrarse en la comunicación organizacional y que los cortometrajes son ahora un hobbie que no quiere dejar de lado.

¿Cómo nació la idea de tratar un tema espinoso como éste en un cortometraje?
La idea de este cortometraje nació hace dos años después de un curso de cinematografía, en el que ya conocía el lenguaje audiovisual. Sin embargo, por la falta de tiempo y por requerir de personajes que se involucren del todo en la historia del corto no se llevó a cabo. Hasta que se dio la oportunidad en el curso de Lenguaje de Medios.

La idea de plasmar el tema del incesto y el abuso sexual nace de la realidad, de ver a diario como este problema acapara los titulares de las noticias, y del que se habla tan normal, porque se ha convertido en un tema de todos los días; sin embargo, es considerado un tabú en nuestra sociedad.

Lee más de las sábanas y muñecas de Alejandra »

La primera escena de esta sesión se rueda con extremo cuidado. Es un día totalmente soleado y caluroso. En la avioneta, además del piloto, se encuentran un par de asistentes de edición, un encargado de producción, el director de cámara. Encaramado en su posición, de perfil, el protagonista dirige su mirada hacia el horizonte. La pequeña avioneta que ha sido fletada para la ocasión (500 dólares por hora) sobrevuela la ciudad de Iquitos, buscando los puntos más espectaculares, esos que rompen ojo y afinan la faena. Pero, también en la vida en imagen audiovisual, el blanco pájaro de acero va llevando a Nico rumbo hacia la ciudad de Pucallpa. Éste, distraído, mira los estertores de una ciudad que lo ha adoptado como si fuera suyo. Le brillan los ojos de emoción. Aunque no puede tocar los cristales con sus dos manos (carece de ambas), igual se encarama sobre el asiento, y trata de usar lo que le queda de sus piernas. Mira el mediodía cayendo sobre el barrio de Belén, en una toma panorámica que lo abarca todo. Desde el aire, el mundo parece chiquitito, inalterable, pacífico. El equipo se congratula internamente al ver en el monitor la extraña belleza captada en varios minutos de grabación.

Nico, uno de los personajes más populares que habitan en la selvática metrópoli, es conocido como “El Cortadito” (apelativo que no tiene nada de irrespetuoso, sobre todo si es que el protagonista lo usa como signo de distinción). Su pronunciada discapacidad – fruto de esas azarosas infamias del destino que nadie quisiera enfrentar – no le ha impedido agenciarse de unos buenos soles fungiendo de animador frenético de informales espectáculos al aire libre, en los cuales demuestra su talento innato para el baile. Aunque suene increíble, Nico ha despuntado entre decenas de diferentes actores de la calle, debido a sus extraordinarias dotes para moverse al ritmo de los diferentes ritmos musicales, en particular los que se encuentran de moda. No puede pasar desapercibido. Su entusiasmo contagia, alegra y genera admiración. Siguiéndolo, detrás de él, en su diario trajinar, o en la búsqueda de reencontrarse con su mujer y su hijo, una cámara oficia de mudo pero omnipresente testigo. He ahí como se empieza a dar un rostro diferente a uno de los símbolos de la bizarra cosmogonía urbana iquiteña.

El renacimiento del cine amazónico ha adquirido un agresivo entusiasmo. La compañía Audiovisual Films pretende exhibir a finales de este año el primer largometraje de ficción producido y financiado con fondos y logística local desde Bajo el sol de Loreto (dirigida por Antonio Wong Rengifo en 1936). Sin embargo, marcando una pauta, dentro de muy breve se estrenará Amazónico Soy, un documental de 90 minutos que retrata vivamente personajes y lugares de Iquitos, desde la mirada de un grupo de niños y adolescentes que se dedican a la realización de reportajes, cada cual con sus particulares vivencias e ilusiones.
Sigue leyendo la crónica sobre Amazónico soy »

Entrevista en video: Francisco Bardales
Cámara: Henry Pilares
Edición: Luis Ramos
Fotos: Equipo de producción del documental y María Panta

Hace dos semanas anunciamos la llegada al Perú de la muestra internacional Project 20/20, conjunto de películas de diversas culturas seleccionadas por el American Film Institute (AFI), en colaboración con dependencias del gobierno norteamericano, como el Departamento de Estado y entidades culturales. En esos días conversamos con Frances Hardin, consultora del AFI, que dio luces sobre la labor de dicha institución y en particular acerca de esta oportunidad abierta para las cinematografías de todo el mundo, en la que pueden y deberían participar los cineastas peruanos. De hecho, Hardin tomó conocimiento sobre la movida del cine regional y recibió DVDs de algunos de sus filmes.

La muestra, auspiciada por la Embajada de los Estados Unidos, empezará este lunes 30 de junio y terminará el lunes 7 de julio, tres días después de lo previsto. Contiene seis películas que se proyectarán en la Filmoteca PUCP, el campus de la Universidad Católica, la sala La Ventana Indiscreta de la Universidad de Lima, el Centro Cultural de España y el Instituto Cultural Peruano Norteamericano (ICPNA). Se verán las ficciones Desapariciones de Jay Craven, Cyrano Fernández de Alberto Arvelo, y los documentales Sin sudor de Amie Williams, y Please vote for me de Weijun Chen.

Además, visitarán nuestro país dos operaprimistas también presentes en el ciclo. Son el norteamericano Chris Bowman (American Fork), ganador de numerosos premios por su corto The Wrong Brother y habitual guionista de animaciones, que prepara el guión de su nuevo largo, Loudermilk; y el pakistaní, nacido en Canadá y criado en Estados Unidos, Mohammed Naqvi (Vergüenza), autor de los cortos Time, Night y Hide, y del documental Terror’s Children. Ellos compartirán su experiencia con el público en charlas y conversatorios durante la muestra.

Programación Project 20/20
Sinopsis de las películas

Diálogo con Frances Hardin

Mira el reel de la muestra
Videos y fotos: María Panta.

Javier Fuentes, flamante ganador del último concurso para largometrajes de Conacine, conversó con José Puga de El Comercio sobre Contracorriente, proyecto por el que fue premiado por el ente estatal y que viene empujando desde hace algún tiempo, reuniendo apoyos en Francia, Alemania y Colombia.

Aún sin reparto confirmado, Fuentes ya tiene la certeza de utilizar como locación de su película el puerto norteño de Cabo Blanco. Él comparte algunas impresiones de lo que será su opera prima; y de lo que ha visto del cine peruano. Aquí reproducimos tres fragmentos:

¿De qué trata “Contracorriente”?
La historia habla de un pescador que es un hombre ejemplar en su pueblo: está casado, tiene hijos y participa en todas las ceremonias religiosas que organiza su iglesia. Sin embargo, este se enamorará de un pintor que no es de su comunidad y vivirá un romance homosexual a escondidas. El tema de fondo es el conflicto interno que generan estas dos facetas en la identidad del personaje.

Cambiando de tema, después de haber vivido tantos años afuera, ¿cómo ve el cine peruano?
No nos falta talento, pero primero debemos creer que lo tenemos. Segundo: necesitamos la oportunidad de poder desarrollarlo. La distribución también es difícil, porque obviamente es un mercado que depende de la competencia en las salas de cine con el monstruo que es Hollywood.

¿Cree que las producciones sobre relaciones homosexuales son todavía un tema tabú en el Perú?
No he visto mucha producción peruana porque vivo en el extranjero, pero creo que aquí se toca el tema más para la burla y la chacota. No se ha hecho una reflexión seria sobre esto. En la televisión estadounidense, por ejemplo, existen series importantes que tocan el tema, como “Brothers & Sisters” y “Will & Grace”. Igual creo que Estados Unidos es un país dividido donde las urbes grandes son más abiertas al tema, pero otros pueblos son mucho más conservadores y religiosos. Sucede en todos lados.

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(Foto: El Comercio)

El cielo, la tierra y la lluvia fue, sin lugar a dudas, la película más interesante que vi en la Competencia Internacional del último BAFICI, pero como ya nos lamentamos, no ganó ni un solo premio. Sin embargo, su director José Luis Torres Leiva ya recibió el debido reconocimiento por su película en otros festivales, como en Rotterdam, donde también recibió el premio de fundación Hubert Bals. Horas antes de que sea la ceremonia de premiación del BAFICI, mi amiga eslovena Sabina Dogic y yo nos encontramos con José Luis para hacer una pequeña entrevista en la que, entre otros aspectos, se menciona la notable dirección fotográfica de El cielo, la tierra y la lluvia, que estuvo a cargo de Inti Briones, reconocido profesional peruano que trabaja regularmente con autores de la talla del cineasta chileno Raúl Ruiz. Al finalizar el diálogo, le comenté acerca de este blog a un sorprendido José Luis, que reconoció ser asiduo lector de Cinencuentro. Vean la conversa a continuación: