Los peruanos Manolo Rojas (centro) y Cindy Diaz (der.) durante el rodaje

La coproducción argentino-peruana cuenta la historia de una estrella de rock argentina venida a menos, que viajará por el río Amazonas, partiendo de Iquitos en dirección a la frontera con Brasil y Colombia. El rockero irá en búsqueda de un chamán ayahuasquero, para que lo ayude a superar la muerte de un hermano, cuyo fantasma lo atormenta.

Diamond Santoro y la soga de los muertos (proyecto conocido anteriormente como “Toxic Jungle”) es el segundo filme de Gianfranco Quattrini, quien antes dirigió “Chicha tu madre”, rodada integramente en Lima.

El reparto estará compuesto principalmente por actores argentinos: Robertino Granados será el protagonista, Diamond Santoro; junto a Camila Perissé, Rafael Ferro y Santiago Pedrero. Por el lado peruano, se anuncia la presencia de Lucho Cáceres (Cielo oscuro) y Magdyel Ugaz (Mariposa negra, El premio), Manolo Rojas (!), y Cindy Diaz (Contracorriente). A ellos se les sumará la participación especial de Andrea Prodan, músico y actor italiano radicado en Argentina.

El rodaje ya se inició en febrero en Buenos Aires, y luego continuará en la calurosa Iquitos en junio, donde se rodarán la mayoría de escenas. Diamond Santoro y la soga de los muertos es una producción de Historias Cinematográficas y Puenzo Hnos., en coproducción con RT Features y Aluzcine (Perú). Se prevé estrenarla el 2013.

Panorámica del rodaje de 'Diamond Santoro'

Ficha técnica

Director: Gianfranco Quattrini
Productor: Pepe Puenzo
Guión: Gianfranco Quattrini, Lucía Puenzo, Leonel D’Agostino
Director de fotografía: Ivan Gierasinchuk
Productor (Perú): Cesar Fajardo
Director de Arte (Argentina): Marcelo Chaves
Director de Arte (Perú): Sandro Angobaldo
Vestuarista: Ludmila Fincic
Director de sonido: Fernando Soldevila
Maquillaje: Fernanda Pérez
Asistente de dirección: Bruno Roberti

Conozcamos más de la historia de la película, vía LatAm Cinema y Cinefreaks:

La historia sigue a Diamond Santoro, quien cuarenta años atrás lideró una mítica banda de rock en el under de Buenos Aires, pero el proyecto quedó trunco con la muerte de Nicky, su hermano y virtuoso compañero musical. Desde entonces, Diamond se derrumbó hacia una existencia extraviada, eligiendo el ostracismo y el exilio en Estados Unidos. Atormentado por el fantasma de Nicky, nunca volvió a componer una canción ni poner su vida sobre rieles.

Pierina fue la novia de Nicky al momento de su muerte. Al enterarse que Diamond tuvo un problema cardíaco, le envía la antigua libreta de artista de su hermano, que tuvo en su poder por demasiados años. Al reencontrarse con la libreta de su hermano, su sensibilidad y el plan de un viaje inconcluso, Diamond emprende un viaje a Iquitos (Perú). Está determinado a encontrar al Maestro Ayahuasquero Solón, al que había planeado visitar su hermano, para participar de su ceremonia, deseando que eso lo limpie definitivamente de su culpa y dolor. Pierina lo ayudará a buscar al chamán, quien vive cerca de la triple frontera.

El viaje se convierte en una experiencia única, llena de contratiempos y aventuras, pero Diamond está decidido a llegar hasta la triple frontera cueste lo que cueste, para hacer lo que su hermano había planeado 12 años antes, pero dejó inconcluso al morir. Durante la ceremonia de Ayahuasca, Diamond revive los últimos días de la vida de su hermano Nicky, cuando la banda ya estaba a punto de desmembrarse por disputas creativas durante la grabación del segundo disco.

Por fin, logra recuperar su paz interior. Y en el río, cuando Diamond emprende el viaje de regreso, descubre que está listo para volver a la música, y junto a Pierina y Fefe, componen una canción. Podría ser el origen de una nueva banda musical.

Yapa: Algunas fotos más del inicio del rodaje en este set de Flickr.

Extra: Anotemos que este año se están rodando tres películas en Iquitos: Cementerio general (Perú), Elefante Blanco (Argentina) y Diamond Santoro (Argentina). Ahí también está próxima a rodarse Sudor (Chile).

El equipo completo durante la primera etapa del rodaje de "Ambición fatal".

Se trata en realidad de la segunda etapa de una difícil filmación que se inició en Juliaca hace exactamente un año y que se suspendió por motivos climáticos y económicos. Pacco Lima no es nuevo en la escena cinematográfica regional, tiene una trayectoria tan significativa como expectante que se inicia como actor de las películas puneñas más importantes de fines del siglo pasado.

Su opera prima Amor en las alturas (2008) se escapa de los moldes tradicionales del cine regional y toca con valentía, desde una combinación de géneros donde predomina el melodrama, varios temas de interés que afectan a la sociedad altiplánica. El autor de esta nota, Carlos Marín(*), estuvo en la primera etapa del rodaje de Ambición fatal y también está ahora, en la segunda, acompañando y apoyando la producción.

A continuación una interesante conversación que tuvo con el director Percy Pacco, realizada en un descanso del rodaje.

Percy, ¿cómo se inicia tu relación con el cine?
Hay dos etapas que marcan mi trayectoria en el cine. La primera es como actor y se inicia en 1998 con la película El abigeo de Flaviano Quispe donde tuve la oportunidad de realizar el papel principal. Fue una experiencia bonita y me sirvió para reafirmarme en mi vocación de actor que ya la venía ejerciendo desde los 14 años en distintas obras de teatro; pero “El abigeo” fue una experiencia distinta y marcó el inicio de mi amor por el cine. Luego vino El huerfanito, también de Flaviano, donde hice el papel antagónico y me sirvió para consolidarme como actor en Puno.

La segunda etapa de mi relación con el cine empieza el 2004, cuando creamos Tayta Producciones con la finalidad de hacer nuestras propias películas y obras de teatro; fue así que al año siguiente empezamos con el proyecto “Amor en las alturas”, mi opera prima, que nos tomó prácticamente dos años terminarla. Lo que pasa es que en el 2006, producto de las propias exigencias de la película, decidí irme a Lima a capacitarme en dirección, producción, iluminación, actuación. Con todo ese conocimiento adquirido, recién me atreví a retomar y culminar la película. Otra dificultad que alargó el rodaje, muy común en las producciones locales, fue el presupuesto. La edición y la posproducción recién empezaron el 2007 y me llevó otro año. Algo novedoso [para el cine local] que hicimos esa vez fue componer la música original de la película.

El director Percy Pacco en Capano, un pueblo en el distrito de Capachica, en Puno.

¿Cómo fue recibida tu ópera prima por el público?
“Amor en las alturas” se terminó a inicios del 2008 y de pronto me asaltó un gran temor, y es que yo era un actor reconocido en la región, y dar el salto a la dirección me pareció un tanto apurado y repentino. Sentía que no iba a tener éxito. Sin embargo, todo este miedo se disipó cuando en el rodaje de “La travesía de Chumpi” realizado en la comunidad nativa ashuar de Chicherta en Loreto, llevé un primer corte de la película al director Fernando Valdivia para que lo viera y le conté mis temores. Entonces me dijo “Si tu quieres saber que tan buen director de cine eres, entonces muestra tu película a esta gente, que no conoce tu idioma ni tus costumbres; si lo entienden entonces quiere decir que estás en buen camino”.

Y lo mostré a los ashuar de Chicherta que no hablan ni castellano ni quechua, y les gustó la película. Fernando me dijo que ahí estaba la prueba de que ya era un director. Lo más espectacular fue que en los días siguientes, de las otras comunidades empezaron a pedirla también, querían verla. La gente no la llamaba “Amor en las alturas” ya que en ese tiempo aún no le había puesto titulo, sino “Santiago”, que es el nombre del personaje principal, “Queremos ver a Santiago” decían. Me sentí muy emocionado, con las ganas y las fuerzas para mostrar la película en Puno y en todo el Perú. Así que al final del rodaje de Chumpi, volví a Juliaca y planificamos el estreno. La recepción de la película fue masiva y el reconocimiento que recibí de parte de la población fue como actor y director. Apreciaban mi capacidad para contar buenas historias, incluso hubo gente que dijo que era la mejor película del momento hecha en Puno.

¿Dónde más han visto tu primera película?
En el 2008 la estrenamos en Moquegua y en Arequipa, en el Primer Festival de Cine Andino; en el 2009 la pasamos en Lima, en el Festival de la PUCP [en la muestra Visiones y Memoria en los Cines Regionales Peruanos]. Fue una experiencia bonita. Además estuvo en diferentes centros culturales y estudiantiles como el CAFAE, en la Charles Chaplin, Centro Cultural de España, entre otras. La mostramos también en la mina Rinconada.

Ya que lo mencionas, la película tiene una secuencia importante en la Rinconada, asentamiento humano casi inexpugnable ubicado a 5,200 metros de altura, y en donde viven -bajo sus propias reglas- mineros informales que explotan la mina de oro del mismo nombre. ¿Cómo fue rodar ahí?
Ahí tuvimos una experiencia desagradable y riesgosa a la vez. Estábamos haciendo una escena nocturna de Santiago con Roberto, mareados en una de las calles del pueblo, y los mineros pensaron que estábamos haciendo un documental donde los hacíamos quedar mal, y entonces comenzaron a rodearnos gente mareada, mineros que venían de sus labores, nos rodearon como 200 personas dispuestas a todo, a quemarnos y lincharnos vivos. ¡Una experiencia terrible! Estaba en juego la seguridad y la integridad, no solo mía sino de todo mi equipo.

Entonces no sé si fue la voz de Dios o de quien que en ese momento difícil me dijo al oído: “Percy, no digas nada, sal de ahí”, y yo le hice caso. Aprovechando una distracción salí de ahí; nadie me vio, era como si me hubiera puesto una manta que me hizo invisible. Salí del tumulto, quería correr pero pensé que si lo hacía, ahí si me verían y me lincharían. Caminé y caminé, rápido y llegue al cuarto donde me esperaban los demás.
Ese suceso nos asusto muchísimo y decidimos volver a Juliaca aun faltando varias escenas por grabar. Nos las ingeniamos para recrear escenarios de interiores y de algunas partes de la mina Rinconada en Juliaca, y creo que nos salieron bien.

Una vez terminada y presentada la película en Puno, quería sacarme el clavo de lo sucedido volviendo y presentando la película en la mina Rinconada. Llegamos e hicimos la convocatoria. Estábamos realmente temerosos porque el personaje de Mario el minero era malo, ambicioso, borracho, no sabíamos como iba a reaccionar la gente de allá. Pasamos la película y para nuestra sorpresa, lejos de criticarla comenzaron a aplaudirla, querían conocer y felicitar a los actores, al director, así que salimos al frente, les conté la terrible experiencia del rodaje y todos los presentes se rieron y me dijeron que tenia carta libre para hacer lo que quisiera allá. Dijeron que efectivamente existían personajes como Mario que viven así, abandonan a su familia, se dedican a la vida fácil, son ambiciosos. La película les hacía pensar y reflexionar en cómo mejorar su propia existencia.

¿Qué significa “Ambición fatal” en tu carrera cinematográfica?
Es un proyecto un poco más complejo y ambicioso. Nos hemos planteado varios retos, el primero es en el aspecto técnico. Quiero trabajar de la mejor manera posible. Por eso he convocado a Fernando Valdivia y a ti para que me apoyen en el guión, el tratamiento visual y la cámara.
A Tania Medina en la producción, a Alex Giraldo en la fotografía y a Ángel Romero en el sonido, quienes me han asesorado y apoyado en la primera etapa del rodaje y han compartido su experiencia con los jóvenes talentos locales con los que cuento aquí. Todos ellos han aprendido de estos maestros y, con tu apoyo, lo están aplicando ahora en esta segunda etapa.

El segundo reto es que hemos querido contar una historia con muchas ramificaciones, que contenga otras historias que se van sumando y armando una compleja trama, historias que reflejan nuestras costumbres pero también los conflictos humanos presentes en todas las culturas. En “Ambición fatal” hay varios géneros, resaltan el drama, la comedia, la acción y el suspenso y hemos tratado de equilibrarlas en un guión sólido e interesante. Queremos que el espectador se involucre en la historia desde un comienzo, que vaya atando cabos a medida que avanza la historia, que la recree con las preguntas que vayan surgiendo en su mente. Eso es lo que buscamos con la película, no queremos espectadores pasivos, esta vez los vamos a retar para que adopten una actitud más activa.

Un tercer reto es contar con actores con experiencia, no todos la tienen pero estamos tratando de apoyarlos para que el nivel de las actuaciones sea bueno, natural y así también mejorar la calidad de la película. Y por último, además de cautivar al público altiplánico y peruano, nos hemos puesto el reto de llevar la película lo más lejos posible, a festivales latinoamericanos y europeos, subir un peldaño más de lo alcanzado por “Amor en las alturas”.

Fiorela Vega, una de las jóvenes actrices que veremos en "Ambición fatal".

¿Cómo estás financiando la película?
El presupuesto es el primer escollo que todos los realizadores tenemos. En la primer parte del rodaje que correspondió a la parte urbana, la más simple en términos de la historia aunque no en la realización porque significó mucha acción, disparos y persecuciones, contamos con los aportes de amigos, familiares y empresas locales que confían en nuestro trabajo.
Nos llevó todo enero del 2011 pero tuvimos que suspenderlo por motivos de clima, pues la parte rural de la historia quería grabarla con el verdor que adquiere el campo en el altiplano en los dos primeros meses del año pero lamentablemente el tiempo nos ganó y ya estábamos entrando a la época de sequía. Tuvimos que esperar todo un año para seguir con el rodaje y además, se acabó el dinero. Todo el 2011 intentamos conseguir auspicios, visitamos varias empresas locales, algunas nos han escuchado, nos han prometido, nos han dicho que no, y muy pocas nos han apoyado. Una de las más importantes y que quiero mencionar su nombre es una empresa individual llamada Claro Dorado, que finalmente si nos ha querido financiar esta segunda etapa.

En un primer momento no quisiste protagonizar la película. Cuéntanos, ¿por qué decidiste hacerlo finalmente?
Siempre pasa en mis películas. Cuando escribí “Amor en las alturas”, nunca pensé actuar. Hicimos un cásting, seleccioné al actor que haría de Santiago, hice un corto con él para prepararlo. Pero justo antes de empezar el rodaje el actor tuvo que irse por trabajo, y entonces me vi obligado a actuar en el papel principal.
Pero ya antes en “El huerfanito” me pasó algo parecido. Yo estaba encargado de la dirección de actores, el antagonista nunca llegó al rodaje y el director me pidió actuar y lo hice. Ahora en “Ambición fatal” sucedió prácticamente lo mismo. Es más, el personaje de Julián ya tenía un actor que lo interpretaba y grabamos varias escenas en Juliaca con él. Pero luego de la suspensión del rodaje, el actor se fue a Lima por motivos personales. Así que tuve que asumir nuevamente el personaje. Pero esta vez, esa no fue la única razón que me animó a actuar. Lo que pasa es que cuando voy a cualquier lugar de Puno la gente me reconoce, me saluda y me dice “Percy cuando es la otra película, queremos verte actuar”. Entonces también hay un compromiso por no fallarle a nuestro público que espera de mi no solo al director sino también al actor.

Han pasado casi cuatro años desde el estreno de “Amor en las alturas”. ¿Qué crees que piensan los seguidores de tus películas?
Cuando reviso mis correos electrónicos siempre me encuentro con gente que se pregunta porqué Percy Pacco se demora tanto en hacer sus películas. Yo les digo simplemente que tenemos una razón, nos gusta hacer bien las cosas, madurar el guión, preparar bien la producción y la parte técnica, cuidar mucho la actuación. Han pasado 4 años desde “Amor en las alturas” es cierto, pero ya estamos metidos de lleno en la segunda película y ya no van a tener que esperar más. Este 2012 van a disfrutar mi nueva película, hecho con mucho esfuerzo y cariño no solo mío sino de mucha gente metida en el proyecto. No me queda más que decirles que vayan a verla porque se van a encontrar con una historia bonita y distinta a la vez.

El equipo completo retomando el rodaje en Capano.

Entrevista: Carlos Marín (*)
Edición: Luis Ramos y Laslo Rojas

(*) Carlos Marín es asistente de dirección y camarógrafo en “Ambición fatal”. Ha sido también asistente de dirección en “Paraíso”, de Héctor Gálvez.

Se trata de un trabajo de largo aliento, que tomó casi diez años en completarse, un filme animado que tendrá un estreno prácticamente sin precedentes para las películas nuestras: será un lanzamiento casi en simultáneo en Uruguay, Argentina, Chile y el Perú. En los países del sur el estreno será el 2 de febrero. A Lima llegará el 9 de febrero, y será todo un acontecimiento.

Para ayudarnos a comprender mejor la magnitud de este evento, de la obra en sí, y de su autor, decidimos conversar, vía Skype, con el maestro Tournier. Don Walter nos contestó con la mejor onda charrúa, y con toda la emoción de un viejo amigo del Perú.

Actualización [9 febrero]: Hoy se estrena “Selkirk” en Lima, revisa los horarios de proyección.

Lean la extensa entrevista a continuación, pero primero vean el tráiler de Selkirk, el verdadero Robinson Crusoe:

Walter, para nosotros es un honor y un gusto entrevistarlo, por ser Ud. parte de la historia del cine de nuestro país. ¿Podría narrarnos cómo inició su carrera y cómo así llegó al Perú?
Bueno, es una historia un poquito larga pero la trataré de resumir. En el año 1973 hice mi primer cortometraje que se llamaba En la selva hay mucho por hacer, un cuento sobre uno de los primeros presos políticos que hubo acá en Uruguay. Al otro año, en 1974, me tuve que ir del país porque justo fue el año del golpe militar. Estuve un año en Argentina y también fue una de las peores épocas que se pudieron haber vivido en ese país. Entonces, en el ’75 me fui a Lima, donde tenía algunos amigos y una revolución que se decía socialista, participacionista y tupacamarista, etc. Me fui con la intención de ver qué pasaba y lo que pasó es que me quedé 10 años en el Perú.

Me integré de alguna manera, me hicieron sentir peruano, y algo que reconozco que tuvo esa revolución fue una Ley de cine que obligaba de alguna manera a que todos los largometrajes exhibieran un cortometraje previo y también había una fuerte presión para que se dieran los largos, había una obligatoriedad de exhibición. Eso hizo que al tiempo de haber estado en el Perú, más o menos a los cinco años, por el año 1980, pude gracias a esa ley empezar a hacer cine en el Perú. Logré hacer unos cortometrajes, constituí una pequeña productora, daba algunos servicios, y ahí conocí mucha gente, muchos amigos que tuve y tengo en el Perú. Hice varios cortometrajes: El cóndor y el zorro, El clavel desobediente, Nuestro pequeño paraíso.

Sobre ese último trabajo, “Nuestro pequeño paraíso”, fue una obra que tuvo mucha repercusión, fue muy importante pues contenía un mensaje poderoso, de crítica a la televisión. ¿Cómo se le ocurrió esa historia, cómo realizó ese cortometraje?
Recuerdo que esa película la hice solo, tenía una mesa de animación, pero esa película no la hice con la mesa de animación, sino la hice con muñecos de plastilina y con una cámara de 35 mm que había adaptado para que anduviera cuadro a cuadro.
Yo vivía en la Av. Arequipa en el edificio de la rampa, ahí cerca de Angamos, vivía en el séptimo piso. La idea se me ocurrió un domingo cuando voy a mi casa y veo por las ventanas que todas las casas de al lado estaban con la televisión prendida y entonces digo: ¿qué estarán viendo? Entro en mi casa, miro los canales que eran cuatro, creo, en aquel momento y que daban cualquier porquería, te lo digo así, ¡era terrible! y entonces digo: ¡No puede ser que todo el mundo esté pendiente de esto que están dando! ¡De esta porquería! Ahí me pongo a pensar y dije: Yo tengo que hacer algo con esto.
Ahí me puse a ponerle cabeza, quedé preocupado. Por eso se me ocurrió esa película que la hice solo en mi departamento, sin ayuda. Sí me ayudó el “Panchito” Adrianzén, él se encargó del sonido y algunos amigos hicieron las locuciones y ese tipo de cosas, pero fue hecha así, en mi casa.

Y le dio muchas satisfacciones, porque se vio en muchos festivales y ganó premios. Caló con su mensaje en mucha gente.
Sí, tuvo una presencia en todos lados, tan es así que en el año 2000, el Festival de Annecy, que es un festival grande de animación en Francia, encargó a Gianalberto Bendazzi, que es un crítico e historiador del cine de animación a nivel mundial, profesor de la Universidad de Animación de Milán y un historiador de la animación, el festival, con motivo de su 40 aniversario, le encargó que eligiera las mejores películas, las más significativas de toda la historia de la animación. Bendazzi eligió 84 películas de todo el mundo y entre esas 84 películas está “Nuestro pequeño paraíso”. Estamos junto a monstruos como Karel Zeman, Walt Disney, Norman McLaren.

“Nuestro pequeño paraíso” está metido entre esas 84 películas, esa es una de las cosas más grandes que me ha pasado en la historia de mi vida, que alguien reconociera que ese pequeño cortito tuviera ese valor internacional. [Pueden ver un avance del corto en el sitio Tournier Animation]

Walter Tournier y una de sus creaciones, en 'Selkirk'

Al ver los trabajos que usted ha hecho en el Perú, veíamos el influjo de la animación de Europa del Este, de la escuela que ha dado a mucha gente importante como Svankmajer y otros. ¿Tiene esa influencia, estudió tal vez ahí?
Nunca estudié nada, y más bien a todos ellos los fui descubriendo después. Al único que había visto antes era al canadiense Norman McLaren, que me había sorprendido sobre todo por la parte experimental que tenía, y eso creo que me ayudó a pensar que la animación no es sólo dibujitos. Te estoy hablando de 40 años atrás, cuando lo único que se veía era Walt Disney. Me acuerdo que McLaren sí hacía cosas con otro tipo de animación, diferente técnica, usando otros materiales, y todo eso me abrió un poco los ojos. Fue por eso que empecé a meterme con otros materiales.
Pero fuera de eso no he tenido otro tipo de influencia. He visto animación, pero a medida que trabajaba más en el tema iba viendo qué hacían los demás en otros lados. Quizás las cosas que hago se parezcan a uno u otro realizador, pero en todo caso es involuntario, no es nada buscado.

En 1985 regresa a su país y ahí continúa su labor en la animación, realizando cortos y series para televisión.
Sí, yo regresé en el ’85 con Mario Jacob que también vivía ahí en Lima, y también se dedicaba al cine pero más al documental. Volvimos y creamos la productora Imágenes y ahí hicimos algunos documentales, cortos de ficción, mediometrajes. Yo también hice algunas cosas en animación, pero eso duró unos 4 ó 5 años, no podía vivir de la animación y abandoné la animación.

Estuve durante 6 años sin hacer nada de animación, vendía muebles y antigüedades, me las rebuscaba. Recién por los años 90 volví a hacer animación y ahí con más fuerza. Me metí con una serie que me encargaron, eso tuvo mucho éxito acá, estuvo 12 años en la televisión…

“Los tatitos”.
Sí, “Los tatitos”. Y a partir de ahí ya me quedé, vinieron algunas películas que hice para Inglaterra, algunas series, los derechos del niño para el Instituto Interamericano del Niño. Ahí empecé, de alguna manera, a consolidarme dentro de la animación, pero me costó mucho, ya te digo, varios años que no hice nada de animación, y desde esa época hasta ahora no he parado.

Ahora tiene un gran proyecto, la historia de Alexander Selkirk, un largometraje de animación. ¿Cómo se dió? ¿Cómo se inició la idea?
Hace unos 10 años, el productor uruguayo Esteban Schroeder tuvo que ir a Santiago de Chile porque estaba produciendo una película. Antes me había planteado las ganas que tenía de hacer un largometraje conmigo. Yo nunca había hecho un largometraje, sólo habíamos planteado un bosquejo, alguna idea de hacer algo. Pero cuando va y lo cuenta en Chile a Fernando Acuña, que es un productor de Nueva Imagen de Chile, le dice: ¿y por qué el flaco no podría hacer el tema de Alexander Selkirk?, que fue el personaje que inspiró a Defoe lo de Robinson Crusoe. Nosotros desconocíamos la existencia de Selkirk, no sabíamos cuál había sido el origen de Robinson Crusoe, entonces investigamos sobre el tema y a mí me pareció maravilloso. Primero, por el tema que eran piratas y segundo por ser un tema bien sudamericano, de nuestros países de acá, del sur.

Entonces le metimos diente, e hicimos lo mismo que de alguna manera hizo Defoe: a partir de lo que vivió Selkirk inventar algo, con ciertos visos de realidad. Hay varias cosas que aparecen en la película que las sacamos de lo que realmente pasó, pero es una cosa de ficción total.

Selkirk en el barco

¿Cuánto tiempo demoró cristalizar el proyecto?
Primero 8 años en tratar de armar el esquema de producción, o sea que una vez que teníamos más o menos la idea hicimos un tráiler, un piloto, una cosa chiquita. Esteban tardó 8 años en armar todo el esquema productivo, o sea involucrar a coproductores. En algún momento estaba España y eso se cayó, y logramos después que entrara Argentina, o sea es una coproducción argentino–chilena–uruguaya.
Y después en noviembre de 2009 empezamos la preproducción de la película y hará un mes que vimos la copia ya saliendo del laboratorio, o sea que nos llevó unos 2 años y 2 meses la producción en sí misma, entre la preproducción, producción y post producción.

¿Cuáles fueron las técnicas empleadas?
Lo que hicimos es una mezcla de stop motion –los muñecos y el entorno inmediato, la escenografía y todo eso– y los fondos que son hechos en 3D, de computadora, no el 3D estereoscópico. Todo el fondo del mar, el cielo y parte de los fondos de la isla es lo que se hizo en Chile, ellos entran en la coproducción haciendo ese trabajo. La película es una mezcla de esas dos técnicas de animación. Yo le tenía cierto miedo, pero hicimos un piloto y vimos que podría funcionar.

Sobre el stop motion, todos los muñecos lo hicimos nosotros, desde la construcción hasta la animación, y el entorno inmediato. Llegamos a construir un barco de 7 metros de largo para poner los muñecos arriba, toda la cubierta, parte del casco, parte del velamen, es un barco enorme. Después hicimos todos los camarotes y otras cosas por separado, y después también toda la parte de la isla en pedazos, son varias maquetas.

Los muñecos tienen una altura de entre 20 y 30 centímetros, están construidos con una estructura interna de metal que la hacemos nosotros, tenemos toda la maquinaria para poder fabricar eso. Están recubiertos con distintos tipos de espuma, espuma esponjosa sobre los cuerpos, luego los cráneos tienen cierta dureza, pero se mueve la cabeza, la mandíbula, las cejas, los pómulos, la nariz. Tienen una estructura y encima se puso una piel de silicona, y las manos son de látex, que tienen el mismo color y texturas similares, no se nota la diferencia entre un material y otro, y después se recubrieron con telas. Las maquetas son con papel, el barco es de madera, y la parte de la isla son bases de madera, con rocas y todo eso hecho con papel, engrudo y distintos materiales, todo muy trabajado.

Y la parte de sonido, ¿cómo se trabajó? ¿Qué vamos a escuchar en la película?
Todo esto se hizo una vez que teníamos el storyboard, se hizo un animatic, con el story y el guión grabamos las voces. Las voces vienen por la parte argentina, es uno de sus aportes. Las voces están hechas en español neutro, con gente que trabaja doblando películas, y el español neutro sirve para que la gente de toda América Latina pueda comprender la película. Primero se grabaron las voces para poder hacer los sincronismos labiales, se grabaron con el animatic. Ya después de haber grabado las voces podíamos filmar teniendo el tiempo preciso de las escenas.

La parte de efectos de sonido también viene de Argentina, el sonidista fue Carlos Abbate, el mejor sonidista para mí, uno de los mejores en Argentina. La composición musical viene de Carlos Villavicencio, que también es un músico argentino, y hay un tema central, que aparece al principio y al final de la película que es una realización de Leonardo Croatto, quien trabaja conmigo en muchas películas, y un coro de murga que canta al final. La película tiene un sonido Dolby 5.1, que es muy bueno, ojalá que las salas que lo proyecten tengan eso y lo puedan apreciar, porque la verdad, el sonido quedó espectacular. Hay una tormenta por el medio, que vas a ver cómo suena.

Sabemos que Selkirk se estrenará de manera simultánea en varios países.
Sí, en cuatro por lo menos, por ahora. Los tres coproductores y el Perú. Es decir, Uruguay, Argentina, Chile y el Perú.

¿Y esa gestión cómo se logró? Es algo difícil para una producción latinoamericana.
Sí, por ese lado yo soy el primer sorprendido. Fue por el lado de Argentina, casi al final de la película que entra la productora Patagonik, y a través de Patagonik entra Buena Vista, o sea la gente de Disney que ven la película y se llega a un acuerdo de distribución en América Latina. Son ellos, los de Buena Vista quienes distribuyen la película en América Latina. Gracias a que se entusiasmaron con la película le están dando un tratamiento que para una película latinoamericana es bastante especial, pues la mayoría de las películas en nuestro continente no lo tienen. Gracias a eso viene el estreno simultáneo en cuatro países y posteriormente también se va a dar, creo, en todos los demás países latinoamericanos. Hay una propaganda tremenda, en los canales Disney están pasando el tráiler y avisos de la película, es algo muy sorprendente.

Quizás sea la señal de algo. Uno quisiera creer que hay un cambio, un interés mayor tal vez. En todo caso, se reconoce el trabajo de Walter Tournier.
Creo que esto marca que es viable entrar en esos circuitos, tenemos que seguir haciendo buena letra todos, hay que seguir con esmero y tenacidad, y ojalá que sirva esto como antecedente para que otras películas funcionen. Los distintos apoyos que puede haber en distintos países hacen que las producciones aumenten. Aquí en Uruguay no había una tradición de cine, recién 10 ó 15 años atrás se empezó a ver una fuerza en la producción y empezaron a aparecer fondos, estatales, fondos mínimos que permitieron que se empiece a hacer cosas. Tan es así que este año no sólo se estrena esta película “Selkirk” de animación en stop motion, sino que se va a estrenar otro largometraje animado en dibujo, o sea que pasamos de no hacer nada a tener dos películas de animación en un año.
Y eso se da gracias a los distintos apoyos que dan los Estados nuestros a las producciones nacionales. Gracias a ello pueden venir los distribuidores, los exhibidores para interesarse por eso y dar una difusión más amplia. Y bienvenidos sean.

¿Ha tenido posibilidad de ver otras producciones de animación del Perú o Argentina, que se han visto con mayor frecuencia en los últimos años?
Sí, aunque no vi lo último que hicieron en el Perú, sí vi Piratas en el Callao. Vi algunas cosas también en Argentina. Me alegro de que existan las producciones, y bienvenidas sean, está muy bien. Algunas tienen determinados valores y todo eso. Pero todas, me parece, van en buen camino. Lo de “Piratas en el Callao” me sorprendió que se haga un largometraje de animación, está muy bien lo que hicieron, que adolece de algunas cosas de animación, pero es un primer intento perfectamente válido. Es un primer escalón de una escalera que van a tener que seguir subiendo.
En el caso de Argentina tienen una producción mucho mayor, muchos más años de hacer películas. Hay buenas cosas, cortos y largos a nivel nacional. Está Juan Pablo Zaramella, que está haciendo unas cosas en stop motion que son impresionantes, incluso estuvo a punto de ser nominada entre los cortos de animación en el Oscar [con su corto "Luminaris"]. Hay cosas que están muy bien y me alegro, espero que continúen en ese camino. Nos falta a todos, a mí también me falta mucho aprender pero hay que seguir haciendo. Al hacer, hacernos.

Y para ir terminando, ¿puede contarnos de los proyectos para el futuro?
Antes de hacer esta película he estado haciendo algunas series para niños chiquitos, es lo que tengo ahora. Por ejemplo, mi próximo trabajo, en los próximos 6 meses, será dedicarme a hacer una serie de 13 capítulos, de minuto y medio cada uno, “Tonky”. Ya vamos 26, y ahora haremos 13 más. Son pequeños trabajos, no tienen la envergadura de “Selkirk”. Así que en realidad no tengo ningún proyecto grande. Fijate que para mí, todo esto [el estreno internacional de "Selkirk"] es una nueva etapa, quiero ver qué es lo que pasa con la película.

Si encaro otro proyecto me gustaría que fuera con mejores condiciones de producción. Con esto no quiero decir que baje los brazos, o que no vaya a hacer nada. Al contrario, tengo deseos de continuar. Pero ahora no tengo ningún proyecto en la cabeza. De todas formas, proyectos uno tiene casi siempre, lo que no se tiene es plata (risas). Entonces, ahora voy a esperar a ver de qué forma se consigue el dinero, y después vendrá el proyecto. Lo que tenemos en la cabeza es siempre lo más barato y es lo que podemos trabajar con mucho ahínco en nuestros países, y eso no me preocupa. Me preocupa más ver de qué manera se puede llegar a producir otra película como “Selkirk”.

Walter, una pregunta más sobre algunos detalles del estreno. Tenemos entendido que éste se realizará en una sala histórica de Uruguay, y que va a contar con la presencia del Presidente de la República.
Sí, vamos a hacer un avant premiere el 1 de febrero en el Teatro Solís, que es un teatro emblemático acá, es un sitio muy especial. Y bueno, el Pepe [el Presidente José Mujica] está invitado… vamos a ver si viene (risas). No, seguro que sí estará, y no solo él, están invitados varios ministros, un montón de gente. Es más, va a venir la directora del INCAA, Instituto de Cine de Argentina. ¡Y va a estar la futura embajadora peruana! Ya le conseguí una entrada a “Mocha” [Aída García Naranjo], así que ella también va a estar presente.

Muchísimas gracias Walter, por tu deferencia con nosotros, y nos gustaría poder volver a conversar contigo, ya con más detalle luego de ver tu película.
Mirá, al Perú lo siento como mi país, no sé si el primero o segundo, no me importa, yo me siento peruano. Así que el agradecido soy yo que ustedes me hagan esta entrevista, y que los peruanos puedan ver la película. Yo le tengo un agradecimiento enorme al Perú, y qué mejor noticia cuando me enteré que esta película se iba a ver ahí. Así que no tienen por qué agradecerme, yo le tengo que agradecer a ustedes, y estoy a disposición de ustedes, llámenme todas las veces que quieran, que gustoso les voy a contestar.

Un abrazo para todos ustedes, para los amigos que tengo ahí y al pueblo peruano que lo quiero mucho.

Entrevista: Luis Ramos, Laslo Rojas y Gabriel Quispe
Transcripción: José Carlos Ramos
Edición: Laslo Rojas
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Vean un video y fotos del Making of “Selkirk”:

La sonidista Rosa María Oliart dirige su primer documental

Si ya de por sí es muy difícil encontrar un documental en cartelera, lo es aún más que sea un documental peruano. Y lo es más todavía, que se trate de una película creada a partir de lo sonoro, más que de lo visual.

Desde el sonido se presenta como un documental de contemplación y descubrimiento de la sonoridad de diferentes espacios naturales y culturales del Perú. La sonidista Oliart lleva al espectador por un viaje sonoro en las diferentes regiones del Perú, mostrando la riqueza sonora del país.

La película participó en la competencia documental del Festival de Lima 2011, y se podrá ver del 19 al 25 de enero, en funciones de las 4:00 pm y las 9:30 pm, en el CCPUCP. Vean el tráiler de Desde el sonido:

Conversamos con la directora a propósito de este estreno:

Rosa María, “Desde el sonido” es un proyecto singular, porque es una película que nace de un acervo sonoro, las imágenes llegaron después. ¿Cómo surge este proyecto?
A partir de los primeros viajes de cacería de sonidos para la colección “Los sonidos del Perú”, hicimos un viaje con cámara para hacer un teaser y conseguir más auspiciadores del proyecto.
Fue entonces que nos dimos cuenta, junto con el director de fotografía, Miguel Piedra, y el editor, Julio Wissar, del potencial que tenía el trabajo de grabaciones que estábamos haciendo, con lugares y situaciones irrepetibles. Así que decidimos registrar en imágenes todos los viajes que faltaban.

¿Cómo pasaste del acopio de sonidos a la creación de imágenes y el armado narrativo?
El registro de las imágenes comenzó a tener una vida propia en el rodaje, para volverse a enganchar con el universo sonoro en la edición.
La estructura del documental se armó en la mesa de montaje. Para el rodaje, teníamos premisas claras para abordar cada locación escogida, sobre todo en el aspecto del tratamiento. Por eso hay mucha cámara fija y planos largos, así como ausencia de extras en los encuadres para conseguir que el espectador disfrute apaciblemente de escuchar.

¿Qué tipo de financiamiento tuvo esta película?
La película tuvo auspiciadores locales importantes como la Universidad de Lima, la PUCP, el Instituto Orson Welles, Lan Perú y Promperú.

¿Desde hace mucho tiempo pensaste convertirte en realizadora? ¿Iba este interés a la par con tu trabajo como sonidista?
No, este documental es mi opera prima y para mí es una obra más como sonidista, es un legado que sentía que debía dejar, mostrar al Perú desde su sonoridad.

¿Tienes algún nuevo proyecto en el que estés trabajando?
Estoy trabajando en la post producción de sonido de la película Cuchillos en el cielo de “Chicho” Durant, y en la dirección de sonido del documental Los sonidos profundos, de Javier Corcuera.

Desde el sonido (2011) – 50 min – Perú
Dirección y guión: Rosa María Oliart
Fotografía: Miguel Piedra
Edición: Julio Wissar
Música: Rosa María Oliart.

Extra: El documentalista Mauricio Godoy también comenta el estreno de “Desde el sonido” en el sitio web Hablando de Documental.

El vestido (2008), Evelyne Pégot-Ogier.
Una niña descubre algunos rincones de la ciudad, en su travesía de Pachacamác a Comas con su vestido nuevo, con un breve y reponedor descanso en el Centro Histórico.

Script (2011), de Rossana Díaz y Enrique Vivar.
En uno de los extremos de la ciudad, en La Punta, Callao, una niña juega a escribir la película de su vida. Siempre escuchamos decir que somos una ciudad que debe mirar al mar. Pues este corto lo hace, ayudándonos a descubrir, a los que aun no lo conocíamos, este apacible y muy cinematográfico balneario chalaco. Empieza la función:

Lima, 2011, de Franco García Becerra.
Un ferretero, amante del rock peruano de los años 60, y sus clientes, personajes solitarios en esta Lima que ya se transformó, enmarcados con el concreto imponente de las estaciones, y el tren que nunca parece llegar.

San Felipe (2011), de Antolín Prieto.
Un trujillano sigue con su cámara a un cusqueño interpretado por un puneño, con la voz en off de un cajamarquino. Todos juntos recorriendo la extensa Lima, de sur a norte. Desde San Isidro a Carabayllo. De la Javier Prado a la Túpac Amaru. En micros, combis, colectivos, en la “era pre Metropolitano”. Todo por una chica. La clásica.

Vine cargando mi arpa, de Carlos Sánchez y Sofía Velásquez (2011).
Documental que nos muestra a la Lima andina, hija de migrantes llegados décadas atrás, su música, y su vida y labores alrededor de este arte que se transmite de generación en generación.

Púrpura (2010), de Jorge Shinno.
La joven y típica clase media baja de Lima, en un viejo y típico barrio de Magdalena del Mar. El invierno es el escenario de este corto de ficción: un antihéroe con ínfulas de escritor y la linda limeñita que lo pone de vueltas.

¡Una carrerita, doctor!, (2011) de Julio O. Ramos.
El taxista limeño, toda una institución de la ciudad. El de esta historia es un médico, un doctor de hospital público que taxea por las calles y cerros de la ciudad para poder llegar al fin de mes, y salvar a su viejita.

Extra: Un corto que me hubiese gustado mucho incluir es Via satélite: en vivo y en directo de don Armando Robles Godoy. Lo pude ver por primera vez recién hace unas semanas y me pareció el homenaje perfecto para esta Lima que ya no es la que se muestra en las imágenes de aquellos años, pero aun así lo sigue siendo, en los rincones, en los detalles. Si miramos con cuidado, uno siempre reconoce su ciudad. Espero que los amigos del Ministerio de Cultura o la Filmoteca PUCP puedan publicar pronto este imprescindible cortometraje.

Yapa: Vean este documental gringo de 1944, Lima Family, dirigido por Julien Bryan. Puras postales turísticas de la época:

Entre los treinta proyectos de largometrajes se incluyen a dos peruanos: Islandia, de Ina Mayushin; y El agua inmóvil, de Fernando Vílchez. Viajarán a la ciudad mexicana los productores de cada proyecto: Eliana Illescas de La Churunga Films; y Francisco Bardales de Audiovisual Films, respectivamente.

Asimismo, el cortometraje peruano Detrás del espejo de Julio O. Ramos, ha sido seleccionado para la competición oficial en la categoría Mejor Cortometraje Iberoamericano. Participan 24 cortos en total.

Detrás del espejo – Sinopsis: Un empleado de telo (hotel) barato, que graba secretamente la intimidad de sus clientes, accidentalmente graba un evento que pondrá en riesgo su negocio ilícito.

Actúan Marcello Rivera, Mayella Lloclla, Carlos Cano y Susan León. Vean el tráiler a continuación:

Actualización [2 feb]: Las malas intenciones de Rosario García-Montero estará en la competición oficial en la categoría Mejor Largometraje Iberoamericano de Ficción, junto a otras 15 películas.

Además, la película Cuchillos en el cielo de Alberto “Chicho” Durant estará participando en la sección Guadalajara Construye 6, junto a otras cinco películas que se encuentran en estado de postproducción. Estas serán presentadas a los profesionales de la industria cinematográfica acreditados al FICG27, buscando lograr su terminación.

También cabe mencionar la participación del documental Nikkei, de Kaori Flores Yonekura, en la competición oficial de esa categoría. Las empresas productoras son AC No Film (Venezuela) y Mullu Producciones (Perú). La película cuenta la historia de los abuelos de la realizadora, su viaje desde Japón a Perú, y su búsqueda de una mejor vida en Venezuela. Vean el tráiler de Nikkei:

Por último, luego de la convocatoria realizada por el MinCul (ver debajo), los siguientes filmes estarán participando en el Mercado de Cine Iberoamericano en Guadalajara: Contracorriente, Lima Bruja: Retratos de la música criolla, Rehenes, Octubre, Coliseo Los Campeones, Lars y el misterio del portal y ¡Una carrerita, doctor!
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La Dirección de Industrias Culturales del Ministerio de Cultura hace la siguiente convocatoria:

Por primera vez el Perú participará como Delegación Nacional en el 10º Mercado de Cine Iberoamericano en Guadalajara, que se realiza del 2 al 8 de marzo.

Tendremos a nuestra disposición un stand ubicado en Expo Guadalajara, sede principal del Festival, con el fin de tener una presencia integral del Cine Peruano y establecer contactos con distribuidores, productores, agentes de venta y profesionales de la Industria Cinematográfica presentes en el evento.

Los productores y realizadores interesados en presentar sus obras podrán entregar el material a la Oficina de DICINE hasta el día 16 de febrero. Asimismo, dicho material deberá contar con:

• Afiche (físico y digital).
• DVD / BLU RAY (con la obra / tráiler/ maqueta audiovisual)
• CD con logo de la Productora.
• Material informativo de contactos.
• Broshure o publicidad impresa o digital.

Mayor información sobre nuestra presencia en este mercado, comunicarse con DICINE a:

Dirección de Industrias Culturales
Telf: (511) 618 9393 anexo 3500
dicine@mcultura.gob.pe
www.conacine.pe

Av. Javier Prado Este 2465
Lima 41, San Borja
Lima • Perú

El director y sus actores: (de der. a izq.) Dorian Fernández con Leslie Shaw, Nikko Ponce y Jürgen Gomez

La película contará en su reparto con artistas conocidos, sobre todo por sus apariciones televisivas, tales como Marisol Aguirre, Nikko Ponce y Leslie Shaw, además de la novel Airam Galliani -hija del actor Sergio Galliani-, quien tendrá uno de los roles protagónicos.

Conversamos con el realizador Dorian Fernández, cabeza de la productora productora amazónica Audiovisual Films, para que nos dé más detalles de este nuevo filme:

Dorian, leíamos recientemente que “Cementerio general” será un filme de género, de terror, poco usual en el cine peruano. ¿De qué va la historia que cuentas en la película?
Así es, en este caso estamos apostando por el terror, que es un género que me ha interesado mucho, ya anteriormente hemos hecho algunos cortometrajes con ese espíritu. [En el 2007, Dorian Fernández estrenó el corto Chullachaqui, con gran éxito de taquilla en Iquitos].

La historia del filme es una compilación de historias urbanas, con inspiración en la realidad, que sucedieron en Iquitos, y que hemos tratado de condensar en el guión. Es la historia de un grupo de adolescentes de clase media que viven en la ciudad y que, de pronto, empiezan a experimentar una serie de hechos paranormales, que tienen que ver con un sucesos del pasado, algo que retorna como una suerte de maldición. Ellos intentarán escapar de ella, a como dé lugar.

¿Es un guión propio? ¿con quiénes lo trabajaste?
El guión lo coescribí junto con Javier Velásquez, uno de los nuevos valores de Audiovisual Films, quien en esta oportunidad además será el productor general del filme.

¿Cuáles serían tus referentes para esta película?
Buscamos tener un impacto comercial fuerte con un género, el terror, que siempre ha funcionado en los cines peruanos. En ese sentido, estamos trabajando con algunos recursos recientemente vistos en el género, como el caso de la cámara en mano o la idea del falso documental, tal como lo plantean películas como El proyecto de la Bruja de Blair, REC o Cloverfield.
Creemos que esta historia va a enganchar al espectador en todo momento, y además es muy identificable porque le puede suceder a cualquiera.

¿Cuál será el reparto de actores con el que contarás?
Contamos con un elenco que considero es de primer nivel. Estarán acompañándonos en la película, Marisol Aguirre, Nikko Ponce y Leslie Shaw. Además, tendremos el debut actoral de Airam Galliani, que ha mostrado un extraordinaria capacidad para aceptar la fuerte carga de tensión que demanda su papel. También nos acompañará el actor colombiano Jürgen Gömez, muy talentoso, que sé que va a dar que hablar.

Adicionalmente, estamos promoviendo nuevas figuras de la actuación amazónica, con quienes hemos venido trabajando desde hace unos meses en la escuela de actuación que hemos iniciado en Iquitos. Ellos serán una verdadera sorpresa, además, de algunos roles secundarios y más de un centenar de extras.

¿En qué locaciones se grabará la película?
Grabaremos en Iquitos, será básicamente una historia urbana, en diversas locaciones. Una de ellas, la principal, es el famoso y centenario Cementerio General de la ciudad, que es una locación perfecta para grabar.

¿Esta producción es autofinanciada o han conseguido el apoyo de alguna institución privada o del Estado?
La película empezó a gestarse a principios del 2011, ya podemos hablar de una producción de mediano presupuesto, además de un gran despliegue de producción, que ha contado felizmente con el auspicio y el apoyo de todas las instancias públicas y privadas que hemos convocado. Entre ellas, los principales son el Gobierno Regional de Loreto y la Municipalidad de Iquitos además del IPAE, Rústica, Coca-Cola, Hotel Samiria, entre otros.

¿Con qué equipos técnicos estarán realizando las grabaciones?
La parte técnica se está cuidando mucho, será una producción en Alta definición y el sonido será posproducido en 5.1 con Perfo Studio de Guillermo Palacios, entre otros detalles muy cuidados que asegurarán una buena factura técnica.

Extra: Este viernes 13 de enero, a las 11 a.m. se realizará el lanzamiento y conferencia de prensa de “Cementerio general” en el Casino Fiesta de Miraflores.

Actualización [14 enero]: Luego de realizada la conferencia de prensa, el diario La República publica esta nota. Vean además muchas fotos del evento en el facebook de Audiovisual Films.

Paraíso, de Héctor Gálvez

A finales del 2011, publicamos una lista de películas peruanas exhibidas en el circuito alternativo. Ahí figuran una treintena de películas que tuvieron pocos testigos, no solamente por desidia del espectador peruano, también porque no hay un circuito de salas que las albergue, que las luzca como si de una cartelera se tratase.

Muchas de las películas de esa lista se mostraron una sola vez antes de convertirse en estadística para los recuentos anuales. Injusto, tanto para los realizadores del filme, como para el público que no tuvo la chance de hacer su papel de espectador. Incluso para la crítica, para quien también estas producciones fueron escurridizas. Cine involuntariamente invisible.

Precisamente, esa situación es la que queremos corregir con esta nueva iniciativa: la coordinación de una cartelera alternativa -y exclusiva- para el cine peruano, en una red de salas alternas al usual circuito comercial.

Empezaremos esta labor en el Cineclub Pueblo Libre, la sala Ventana Indiscreta y la sala Luis Miró Quesada Garland (LMQG). La programación que arranca este mes de enero es la siguiente, todas las funciones inician 7.30 p.m, y recuerden que el ingreso es gratuito para todas las salas:

• Paraíso: lunes 16 (LMQG) y jueves 19 (C. Pueblo Libre)
• Octubre: lunes 23 (LMQG) y jueves 26 (C. Pueblo Libre)
• Las malas intenciones: lunes 30 (LMQG), jueves 2 feb. (C. Pueblo Libre) y viernes 3 feb. (Ventana Indiscreta)

Sala Ventana Indiscreta Cine Arte U. Lima:
Av. Javier Prado Este s/n, Monterrico, Lima 33.
Pabellón E-1 tercer piso

Sala Luis Miró Quesada Garland:
Av. Larco 400 – Palacio Municipal de Miraflores, Lima 18.
Twitter: @SalaLMQG

Cineclub Pueblo Libre
Av. Cipiriano Dulanto 949 (Ex La Mar), Pueblo Libre, Lima 21.
Twitter: @cineclubpb
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Así, Paraíso, de Héctor Gálvez, se proyectará dos veces la semana próxima. Primero, en la sala LMQG en el marco de la exposición “El último lustro”, una muestra panorámica de la producción artística en los últimos cinco años de Cusco, Arequipa, Iquitos y Lima.

Sin dudas meritorio, sin embargo no es la única película que ha sido curada para esa abarcadora muestra de arte peruano contemporáneo. Además estarán las óperas primas de los hermanos Daniel y Diego Vega, y de Rosario García-Montero, Octubre y Las malas intenciones, respectivamente, que podrán verse de nuevo los lunes subsiguientes.

Dos noches después de la pasada en Miraflores, el querible Cineclub Pueblo Libre tomará la posta, concluyendo este primer, pequeño pero significativo ciclo, en la sala Ventana Indiscreta, de la Universidad de Lima.

Octubre, de los hermanos Vega

Si bien inauguramos con este trío de películas que en su momento se exhibieron ante miles de personas, la vocación de esta red será darle reflectores al cine peruano más desatendido, al que no cuenta con una maquinaria detrás para hacerlo masivo, al escaso de recursos desde su gestación.

El público podrá juzgar las películas cuando las vea, pero que las vea primero. Que todo esfuerzo de esta red sirva para que superemos el prejuicio del “cine de calatas” y otros calificativos malsonantes. Creemos una ilusión para quizás ser desilusionados, no seamos escépticos y ateos voluntarios, mejor formémonos como tales. Eso indicará que hemos aprendido, que hemos cursado un sendero.

Para este, su tercer largometraje, Aguilar se aleja de la temática de violencia política que vimos en sus dos primeros trabajos, Paloma de papel y Tarata, para proponernos lo que parece ser una una historia íntima, de personajes solitarios: un guachimán, una anciana viuda, y una adolescente suicida.

Navideña Kani Hart, en su primer protagónico en el cine

Destacan en el reparto Ubaldo Huamán y Kani Hart -a quienes vimos recientemente en “Las malas intenciones”, aunque no compartiendo escena alguna-, además de la veterana Elide Brero -quien también protagoniza una nueva película que debería estrenarse este 2012, Casadentro de Joanna Lombardi-.

Lima Trece se desarrolla en la Lima actual y contemporánea, en una Navidad particularmente calurosa. El protagonista, un Guachimán, Wachi (Ubaldo Huamán), solo busca que lo dejen tranquilo en la rutina de su trabajo, vigilar un edifico de cuatro pisos en una zona residencial acomodada de la ciudad; y de su casa. Su mecánica laboral consiste en asegurarse que todo este en orden, y Wachi, sin quererlo, se convierte en observador de la vida de los vecinos, incluyendo la de Trini (Elide Brero), una viuda anciana que ha vivido en ese mismo lugar desde hace décadas.

Todo ocurre con normalidad en la vida de Wachi hasta que sucede algo que lo descuadra, es la llegada de Tesla (Kani Hart), una adolescente extraña e impulsiva, que se muda a vivir al edifico donde Wachi trabaja. Tesla, en un intento de llamar la atención, juega al suicidio sobre el tejado del edificio, y Wachi se ve obligado a salvarla. A pesar de que él es incapaz de expresar sus sentimientos, se fragua una particular amistad entre Wachi y la joven.

Ubaldo Huamán y Fabrizio Aguilar hacen un pago a la tierra, antes de iniciar el rodaje

Si bien Aguilar no recurre, para esta nueva película, a los años del terrorismo como en sus largos anteriores, sí parece que mantiene un interés por mostrar las diferencias y roces que se dan entre los diferentes estratos sociales en nuestra ciudad.

Lima Trece se graba en locaciones en Lima, Miraflores y Cercado, entre ellas en el Museo de Arte de Lima, MALI, como podrán ver en las fotos del Facebook de la película.

Ficha artística

Wachi: Ubaldo Huamán
Trini: Elide Brero
Tesla: Kani Hart
Sandra: Liliana Trujillo
Carmen: Norma Martinez
Johnny: Oscar Pacheco

Aquí el director parece recibir las instrucciones de la experimentada Elide Brero

Ficha técnica

Director: Fabrizio Aguilar

Producción general: César Fajardo
Producción ejecutiva: Alvaro De Albertis

Director de Fotografía: César Fajardo
Foquista: Mathias Durán
Script: Susan Rojas
Director de sonido: Omar Pareja

Directora de Arte: Chiara Rizo Patrón
Diseño de maquillaje y peinado: Lucianna Salomón
Vestuarista: Carolina Silva

Kani Hart dirigida por Fabrizio Aguilar

Primero, debo reconocer que no he visto las siguientes películas: “Hugo”, “Tinker Tailor Soldier Spy” y “Shame”, que quedaron entre las 15 películas del 2011 votadas por los bloggers de YAM Magazine, así como Take Shelter, The Artist, The Descendants, y otras varias películas que están dando que hablar en la temporada de premios y aún no han llegado a nuestras carteleras… u otros medios alternos ;)

Por lo pronto, estas son mis once películas del 2011:

11. Source Code

Michelle Monaghan y Jake Gyllenhaal. Source Code.

Un “Groundhog Day” de ciencia ficción. Una fórmula poco ortodoxa que ya trató de realizarse con menor éxito en “The Adjustment Bureau”. Source Code viene de la mano de Duncan Jones, quien le dio al mundo la aclamada Moon. Con actuaciones sólidas de Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan y Vera Farmiga, así como con concepto innovador que va a la par de “Inception”. ¿La única diferencia? El final feliz. LOL

10. Rise of the Planet of the Apes
La sorpresa del 2011 se la lleva El planeta de los simios: (R)evolución. Después de una campaña de marketing terrible, fue salvada por las buenas críticas y las opiniones de boca en boca. O de blog en blog.

9. Melancholia

El fin del universo, al alcance de la mano. Melancholia.

Cuando Lars Von Trier nos prometió “una película hermosa del fin del mundo” no nos mintió. Si mañana fuese nuestro último día en la tierra, tendríamos suerte de presenciarlo de esta forma. Por supuesto, Melancholia es super deprimente con grandes actuaciones de Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg y Kiefer Sutherland, y no se trata del fin del mundo. Sin embargo, esos primeros y últimos diez minutos lo valen todo.

8. Incendies
Parte drama político, parte drama familiar y mucha telenovela. Cuando me refiero a “telenovelas” hablo de cosas que uno no puede imaginar que pueden pasar, con una gran actuación de Lubna Azabal. Coproducción franco-canadiense, nominada al Oscar como Mejor filme extranjero del 2010.

7. Winnie the Pooh

Eeyore, Kanga, Roo, Owl, Rabbit, Piglet, Tigger, Christopher Robin. Winnie the Pooh.

En la épocas de las películas animadas CGI, donde todos parecen morir por “Rango”, la pequeña película de Winnie the Pooh se llevó parte de mi corazón. Con sencillos gráficos en 2D, fondos bastante detallados con cierto estilo acuarela, este cortísimo film animado destacó como una gota de tinta en papel blanco.

6. 50/50
¿Quién podría creer que el cáncer es tema de comedias? Siguiendo el estilo de esa serie con Laura Linney, “The Big C”, 50/50 nos presenta a un recién diagnosticado Joseph Gordon-Levitt junto a su pata del alma Seth Rogen.
Está bien, 50/50 no es un comedia hilarante sobre el cáncer, más bien una de esas películas que los americanos llaman dramedy, donde el libreto trata de balancear los momentos cómicos con el drama medio llorón que al final siempre llega.

5. We Need to Talk About Kevin
Tengo que admitir que sin saber absolutamente nada de este film, los primeros minutos me parecieron bastante graciosos, aunque tal vez esté “proyectándome”. La idea de una inadecuada madre -Tilda Swinton- se convierte en algo más cuando vemos la evolución de Kevin. Y luego dicen que una buena zurra no nos cae bien.

4. Chico & Rita

En el Hotel Nacional de La Habana. Chico & Rita.

Música, estilo y pasión latina se unen en esta película animada española sobre una pareja de cubanos que se separan cuando les llega el éxito. Al mejor estilo de las películas de Hollywood de antaño.

3. Drive
Parte persecución en auto, parte heist film, parte mafia, parte historia de amor y todo lo que se necesita para un drama, Drive nos lo da todo, con Nicolas Winding Refn, Ryan Gosling y Albert Brooks.

2. Midnight in Paris
Todos somos soñadores y cuando Woody Allen nos dio la oportunidad de no solo viajar a París, sino también de viajar en el tiempo, nos dimos cuenta que Midnight in Paris era una película mágica sobre amores que no pueden ser, y épocas que ya pasaron… pero sobre todo, un poema para la ciudad de las luces.

1. Sunny

Let's party like it's 1985! Sunny.

Quien iba a pensar que, en solo un par de meses, esta sorpresa coreana se convertiria en mi película favorita del 2011. Luego de su estreno a comienzos de mayo, Sunny triplicó su venta de entradas en su segunda semana en cartelera, y se volvió al número 1 en su octava semana, terminando su recorrido en las salas con una venta de mas de 7 millones de tickets, convirtiéndose en la 11° película coreana en la historia de la taquilla del país. ¿Por qué? Nostalgia, música ochentera, amistad y mucho humor. Véanla completa en YouTube, mientras puedan:

'La vida se combate no solo en los rings'. The Fighter.

El peleador (The Fighter). Mark Wahlberg y Christian Bale protagonizan una película entrañable, en el cual el boxeo es protagonista, pero lo son también las relaciones familiares y el retrato inmisericorde de la frustración humana y el poder de la superación. Frente a la resignación de Bale y la ambición de Wahlberg, se contraponen un par de actuaciones femeninas contenidas, las de Amy Adams y Melissa Leo. Emocionalmente, “El peleador” duele y conmueve, no solo por los golpes que se dan y reciben, sino también por los que se perciben y sienten en el alma de sus protagonistas. La vida se combate no solo en los rings.

Triste San Valentín (Blue Valentine). En cualquier otra circunstancia, esta película me caería espesa. Esas tribulaciones permanentes, cansinas, esas peleas depresivas y deprimentes; todo parece venirse abajo, pero siempre hay más dolor, más problemas, más porno sentimental. Si esta cinta clínicamente enferma se convierte en memorable es únicamente por dos aspectos: las actuaciones y la forma como el director Derek Cianfrance filma esas actuaciones. Ryan Gossling, capo, se hace una de las performances actorales de su vida. Se ve que necesita, por un lado, que le den una buena pateadura y, por otro, que lo abracen muy fuerte. Michelle Williams, la viuda de Heath Ledger, está loca, es inestable, es mala mujer, es víctima, es madre sufrida y es tan frágilmente bella que dan ganas de rescartarla y prometerle que todo estará bien. Ante tamaño dúo de actores, esos tonos azules, esa sequedad expresiva visual no pueden ser más #foreveralone y precisas.

Con temple de acero (True Grit). No había visto el clásico en el que se basa este remake hasta hace poco. Pero los hermanos Joel y Ethan Coen no pudieron elegir mejor cinta para dar rienda suelta a su talento. Un justiciero borracho, antihéroe crepuscular (Jeff Bridges, maestro), se une a la cruzada de una niña (sorprendente Hailee Steinfeld) que le promete un pago con fin de vengar la muerte de su padre. En el camino se les une el buen Matt Damon y se desata la coboyada. Pero hay algo mucho más allá: hay nostalgia a forro. Hay dureza y masculinidad, pero también honor y un sentido innato de la justicia, esa que se resume en la Ley del Talión. Hay una tristeza contenida que se puede atisbar en medio de tanto sudor, tanto desierto, tanta sangre y tanta sed.

'Talk to the hand'. X-Men.

X-Men: primera generación (X-Men: First Class). La franquicia de los mutantes se anota un golazo con esta adaptación, que sitúa el encuentro de sus más conspicuos representantes, Magneto y el Profesor Xavier, aún jóvenes, en medio de la crisis de los misiles de 1962. De más está decir que la adaptación no tiene pierde, no solo porque explora un poco la mitología del grupo, sino también se adentra profundamente en las historias personales de quienes más adelante son enemigos, pero en algún momento fueron buenos amigos, luchando en el mismo bando. Inmejorables James McAvoy y Michael Fassbender, tratando de evitar la guerra nuclear, además de la presencia del injustamente subvalorado Kevin Bacon, actor mayor de su generación.

El escritor oculto (The Ghost Writer). Roman Polanski construye una película histérica, neurótica, al estilo de los mejores thrillers, en los que se mezclan los elementos clásicos del género y la intriga política. Una biografía de un ex Primer Ministro une al narrador Ewan McGregor con el poderoso y calculador Pierce Brosnan, protagonistas que van mutando paulatinamente en perseguidos, en potenciales víctimas de una maquinaria que se basa no solo en la manipulación de la verdad, sino también en métodos muchos más siniestros. Sólida, alucinada y visualmente impecable, en la mejor tradición de Polanski.

El planeta de los simios: (R)evolución (Rise of the Planet of the Apes). Uno se imaginaba a la franquicia derrotada, luego del fracaso de la cinta de Tim Burton. Lo cierto es que la franquicia juega inteligentemente a rebobinar, a volver al pasado. Narrando la historia de cómo experimentos científicos destinados a curar a los humanos de la degeneración de células cerebrales van creando una especie de simios inteligentes muy por encima del promedio, liderados por uno particularmente notable, con emociones equiparables a las de las personas, pero enfocadas en su concepto de la supervivencia y la fiereza animal. Gran trabajo de producción (entre ellos de los efectos especiales), un guión inteligente que aprovecha con propiedad cada vuelta de tuerca de la leyenda, así como el rol inolvidable de Andy Serkis como César, el gran jefe mono, forman parte de uno de los aciertos de uno de los blockbusters más interesantes del 2011.

Enterrado (Buried). Sorpresa que pudimos ver a inicios de este año. Dirigida por Rodrigo Cortés, esta producción española nos dio ejemplo de que el cine se puede armar a partir de cualquier cosa, con imaginación, con un buen guión y un lenguaje visual contundente. Ryan Reynolds al borde de la hiperventilación y la asfixia (demostrando lo muy buen actor que es), un ataúd, un Blackberry y una trama que se aprovecha de todos los temores y toda la claustrofobia posibles. Una sola locación (¡y qué locación!) bastan para alcanzar, con astucia, el supremo fin: mantener al espectador alerta e interesado por una película que quizás con otras manos y otro actor se hubiese desbarrancado clamorosamente.

Ouija time. Insidious.

La noche del demonio (Insidious). Ese título en castellano puede atarantarte. El hecho que su director sea James Wan, quien alguna vez inicio la saga “Saw” te puede hacer dudar (aunque sea el mismo creador de “Sentencia de muerte”, ese clásico de culto protagonizado por Kevin Bacon). Pero, vamos, no seas prejuicioso, cinéfilo. “Insidious” es una de esas raras cosas que pasan en cartelera: una película de terror plagada de detalles, de estilo y de momentos memorables, que no sucumbe solamente a la edición ni a los efectos especiales, sino te hace recordar por qué el género puede reivindicarse sin alejarse de su tradición. Efectiva y efectista, nostálgica y usando impecablemente sus recursos para asustar, teatral y friki (una de las escenas más memorables del 2011 es la de la sesión médium del climax de la cinta), acá hay material para seguir insistiendo en meter susto con propiedad e inteligencia.

Rito diabólico (Thirst). Chan-wook Park es uno de los cineastas contemporáneos más alucinados del mundo (su filmografía lo delata). En esta oportunidad, el coreano filma un producto extraño, bizarro, gore y chocante en el más amplio sentido del término. Un cura católico desea hacer el bien a la humanidad y se somete a un extraño experimento que lo convierte en un ser que necesita beber sangre para sobrevivir. En ese camino, va rompiendo poco a poco su contención religiosa y se entrega al desenfreno, la pasión y el descubrimiento del sexo. El amor llega de la mano de una mosquita muerta que poco a poco se convierte en una arpía que troca parafilias a cambio de una libertad insuperable que la lleva al crimen y la locura. Park hace lo que quiere y nos muestra un cosmos donde prevalece, sin duda, una historia de amor bastante peculiar, coherente con una de las filmografías más alucinante de la actualidad.

Medianoche en París (Midnight in Paris). Woody Allen vuelve, pero no con cualquier película (en verdad ninguna película que haga Woody puede calificarse como tal, sino en comparación consigo mismo), este es un filme mayor dentro de su tan vasta y apreciable cinematografía. Una comedia romántica es el pretexto del director para adentrarnos, una vez más, dentro de su mente, de eternos resplandores. De pronto, la luna de miel de un escritor bohemio se convierte en una cita con los años veinte y con personajes tan disímiles como F. Scott Fitzgerald, Picasso, Cole Porter, Dali y Buñuel. Reparto de primera (como es usual), donde destacan Owen Wilson, Tom Hiddleston, Rachel Adams y Adrien Brody. “Medianoche en París” es una gran película alleniana, que se ve con humor, alegría y melancolía.

'Attack it! Attack it!'. Black Swan.

Cisne negro (Black Swan). Darren Aronofsky es un cineasta que no entra en vainas ni medias tintas. Se lanza con todo en cada proyecto, y lo hace con un sentido de la pasión que no admite discusión (aunque en el camino sus productos puedan, o no, ser perfectos). “Cisne negro” es una de sus mejores películas, en las que se mezclan Tchaikovsky, la devoción del creador por el universo de Satoshi Kon y el deseo por plasmar una radiografía del perfeccionismo más obseso y demente, afincado en el mundo de la danza. Lo real del filme de Aronofsky no reside en sus efectos o en su guión, sino en lo fácil que podemos, por momentos, identificarnos con cada una de esas partes que encarna la insuperable Natalie Portman/Nina Sayers (un papel que ha elevado a la gloria a su protagonista). Un reparto donde lucen además Mila Kunis (ángel perverso y objeto de deseo), Vincent Cassel y la siempre notoria Winona Ryder. “Cisne negro” es un cuento de hadas macabro, digno de la más pintada antología de la cultura popular cinematográfica de nuestros tiempos.

• Saicomanía (69 mins.), de Héctor Chávez. Este documental sobre los venerados “Saicos” fue el primer estreno del año, se presentó un caluroso 19 de febrero en el Cine Julieta, en el corazón de Miraflores.
• El epitafio no me importa, (78 mins.), de Alberto Angulo y Manuel Sosa. Documental experimental presentado el 15 de marzo en el Cineclub de la Cayetano Heredia, también en Miraflores.
• Cada viernes sangre (61 mins.), de Fernando Montenegro. Acaba de ser elegida como la película peruana del año por la revista Godard! Todo un logro. La película se estrenó el 24 de marzo en la Cayetano Heredia.
• Código urbano (80 mins.), de Walter Canchanya. Se presentó en marzo en el CC. España, otro espacio afín al nuevo cine peruano.
• La Cantuta en la boca del diablo (130 mins.), de Amanda Gonzales. Este documental sobre un hecho de la violencia política vivida en el Perú, se presentó en abril en CAFAE-SE, y luego se publicó completo en su sitio web.
• 4 (70 mins.), de Eduardo Quispe y Jim Marcelo. La cuarta película de la dupla de realizadores limeños se presentó a fines de junio, durante el 1er Festival Lima Independiente.
• Objetos (92 mins.), de Rafael Arévalo. Esta serie de cinco cortos también se presentó durante el mencionado festival de cine indie.
• Coliseo (92 mins.), de Alejandro Rossi. Estuvo en la competencia de ficción del Festival de Lima, en agosto. Aun falta verla estrenada en salas comerciales.
• Alfredo Torero: cuatro estaciones de un hombre total, documental de Federico García Hurtado. Presentado el 25 de agosto en la Universidad Nacional José Faustino Sánchez Carrión, en Huacho.
• Ruido vulgar: extremos sonoros en Lima (85 mins.), de Luis Alvarado. El documental sobre la movida noise limeña se presentó en octubre, en Surquillo.
• Divas y fantasmas sobre una alfombra (60 mins.), de Manuel Siles. Documental sobre la obra “El último ensayo” de Yuyachkani, en realidad se presentó por primera vez el 2009, pero este año tuvo un nuevo estreno.
• Demo (61 mins.), de Miguel Vargas: A inicios de diciembre se presentó este nuevo aporte al cine urbano de Lima. El estreno fue en el CAFAE-SE.
• Fragmentos (75 mins.) Este experimento universitario, firmado por 15 estudiantes de la Escuela de Comunicación Social de la Universidad San Marcos, cerró el año cinematográfico, con su presentación el 12 de diciembre en el auditorio de dicha escuela.

Asimismo, se estrenaron las siguientes películas del llamado cine regional:

• Macario: El sentir de los pobres, de Rondolfo Mamani Mogrovejo. Estrenada en Juliaca el 22 de enero.
• Encuentro pendiente, de Lenin Salinas. Esta producción proveniente de Cajabamba, en Cajamarca, se presentó en Lima en febrero
• La leyenda del condenado (105 mins), de Francisco Torres. Estrenada en Juliaca en marzo de este año.
• Alegría, la fiesta de Cajamarca (60 mins.), de Andrés Llanos. Este documental producido por la Asociación Ruhasun se presentó a inicios de julio en la Universidad Nacional de Cajamarca.
• En las venas de Santana, de León Cáceres. Estrenada en Huancayo el 17 de julio.
• Panchito, de Roberto Villantoy Quispe. Estrenada en Ayacucho el 19 de julio.
• Sobrevivir en los Andes. Jacinto, de Flaviano Quispe, estrenada en Juliaca en agosto. Esta es la película que ganó el primer Concurso de Conacine para las regiones, el 2006. Presentó una primera versión en abril del 2010.
• Jarjacha vs. Pishtaco, la batalla final, de Nilo Escriba Palomino. Estrenada en Ayaucho el 3 de setiembre.
• El hijo pródigo, de Daniel Núñez Durand. Estrenada el 15 de octubre en Huancayo.
• El atardecer de los inocentes, de Héctor Marreros. Se estrenó en Lima en febrero, en la muestra de Cine Cajamarquino, en el CC CAFAE-SE.
• Trata de blancas en la sierra, de Héctor Marreros. El prolífico director cajamarquino con éste suma ya 17 16 largometrajes en su haber, todo un récord nacional. Su última película se estrenó en noviembre.
• La magia del Succha, de Andrés Llanos. La segunda producción documental de Ruhasun, fue presentada en noviembre en Cajamarca.
• Tiembla el corazón, de Christian Herrera, de Cerro de Pasco. Si quieren ver la película completa, pasen por YouTube, con confianza.

También queremos mencionar otras producciones presentadas este año, y que técnicamente serían consideradas mediometrajes, es decir, no superan los 60 minutos de duración:

• Shipibo, la película de nuestra memoria (52 mins.), de Fernando Valdivia. Documental amazónico, que se estrenó en julio en Pucallpa. Se anuncia una presentación para enero 2012 en Lima.
• Desde el sonido (50 mins.), de Rosa María Oliart. Documental que se presentó en el Festival de Lima, en agosto.
• Esas voces que curan (45 mins.), de Delia Ackerman y Heather Greer. Otro documental presentado en la competencia del Festival de Lima.
• Mistura: The Power of Food (38 mins), de Julia Pérez. Documental gastronómico se estrenó de manera limitada a fines de junio.
• En el 93 (47 mins.), de Carlos Benvenuto. Filme de corte documental experimental, se presentó en setiembre en Pueblo Libre
• Errante aberrante (42 mins.), de Rafael Arévalo. Se presentó en junio en Pueblo Libre.
• Autorretrato sonoro (45 mins.), de Manongo Mujica. Este documental se presentó en abril en el Bafici, y luego tuvo algunas presentaciones en nuestra ciudad, incluyendo el Festival de Lima.

El rodaje de El limpiador acabó a finales de noviembre, luego de 20 días de trabajo. A punto de empezar el proceso de edición, conversamos con el director sobre la que será su opera prima.

Adrián Saba dirigiendo a su actor Víctor Prada, 'El limpiador'

Adrián, leí que la idea de “El limpiador” nace a partir de un documental sobre limpiadores forenses. Cuéntanos un poco del origen de tu película.
“El limpiador” nace de una idea que tenía sobre una epidemia mortal e inexplicable que surge en Lima, donde la gente se comienza a morir sin saber porqué. Es increíble pero, investigando un poco más sobre el tema, en la historia de la humanidad han habido casos de epidemias inexplicables, donde poblaciones enteras fueron arrasadas de manera fulminante. Me encantan esas realidades que superan la ficción. Entonces, tenía esta idea, durante un buen tiempo, pero me faltaba contextualizarla en una historia.

Un día por Discovery Channel o NatGeo, creo, vi un reportaje sobre limpiadores forenses y me pareció el complemento perfecto para el guión. Una vez que encontré a mi personaje principal, un limpiador forense, la historia se comenzó a desarrollar sola en mi cabeza. Así apareció Joaquín, un niño huérfano que encuentra Eusebio (el limpiador) en una casa que está limpiando. Me dejé llevar, me pregunté qué haría Eusebio, y simplemente escribí la historia en base a acción y reacción. Así que la película cuenta la búsqueda de Eusebio de algún familiar del niño. La epidemia es solo un contexto que lleva a estos dos personajes totalmente opuestos a convivir juntos y aprender a comprenderse.

¿Cómo fue el proceso de preproducción y rodaje?
El guión se escribió en junio y julio, la preproducción en agosto y septiembre, y la producción en octubre y noviembre. Desde un comienzo escribí el guión pensando en trabajar con bajo presupuesto, algo muy factible de hacer a nivel económico y logístico. Tener solo dos personajes principales, la mitad de la película pasa en una locación, planos mínimos, no hay dollys, ni jibs. Además nuestro plan de producción, en el que solo filmábamos miércoles, sábados, y domingos, nos permitía trabajar cosas de producción durante el mismo tiempo de rodaje. Todas las locaciones “más difíciles” de conseguir fueron pospuestas para el último día, el cual terminó siendo, como nosotros lo llamábamos, “el día épico”. Fueron 21 días de rodaje en total repartidos en un periodo de 8 semanas.

¿Cómo elegiste a tus actores, y cómo fue el trabajo previo con ellos?
Desde que comencé a escribir el guión ya sabía que Victor Prada tenía que ser el personaje de Eusebio. Nunca me imaginé a otra persona. Me acerqué a él después de una función de teatro en la que actuaba y le dije que quería hacer una película con él. Le di una copia del guión, conversamos y prácticamente fue un “sí” en el momento. A Adrián Du Bois, que hace el personaje del niño Joaquín, lo había visto en una obra de teatro hace un par de años. Después de un tiempo mi mamá se encontró nuevamente con él y me dijo “oye ese chiquito podría actuar en tu peli”. Lo llamé, conversamos, le conté sobre la historia, creo que jugamos “play”, y quedamos.

Ensayamos unas ocho veces en mi casa. Hacíamos escenas específicas de la película, lo cual nos daba mucho de qué hablar con respecto a los personajes, y en otros momentos simplemente pasábamos el rato juntos, conociéndonos.

En una entrevista con El Comercio mencionas que “no te gusta el cine de contemplación”. ¿Qué es lo que no te agrada de ese tipo de cine?
Yo creo que el cine es un arte que tiene tiempo y espacio. Así como las artes plásticas tienen solo espacio y la música solo tiempo. Uno puede pararse frente a un cuadro y mirarlo por el tiempo que quiera. Una canción se acaba después de un par de minutos. El cine tiene los dos, por eso también es tan maravilloso.

Yo sí creo que hay que ser conscientes de que el cine tiene tiempo, y que el público está enteramente sujeto a tus parámetros. A menos que decidan irse de la función, el público estará sentado a lo largo de toda la duración que le has dado a tu película. Entonces, sí creo que hay que tener consideración con el público, hacer que tu película valga la pena a un nivel emotivo e intelectual. Personalmente, no entiendo una película que obvia el tiempo, porque es inevitable, el cine es tiempo, desde que se proyectan 24 cuadros por segundo es tiempo. Y lo más natural es que en ese tiempo se cuente una historia. Si no, uno puede pintar un cuadro o tomar una foto. Para mi ese es el cine, digamos, de “contemplación”, el que intenta ignorar el tiempo. Que la película sea rápida o lenta no tiene mucho que ver. Yo creo que el tiempo no se mide en cuánto dura una escena, si no en qué pasa en esa escena.

El director dando indicaciones al pequeño Adrián Du Bois

Recién voy a comenzar a editar mi película. Tiene todo el material para ser una película de “contemplación”, planos largos, escenas repetitivas, actuaciones sutiles. No sé cómo va a acabar, pero sí sé que me voy a esforzar en que las acciones de los personajes sean claras e intentar cumplir con las expectativas creadas por la historia, porque es muy importante resolver las expectativas que uno plantea.

En esa entrevista también mencionas a “Octubre” y “El custodio” ¿Podríamos considerar esas películas como influencia en tu trabajo?
No sé si “Octubre” y “El custodio” fueron influencias directas, no me di cuenta a la hora de escribir el guión. Son películas que me gustan, y que en esa entrevista surgieron en la conversación. Yo creo que todas las películas que me gustan afectan mi trabajo de cierta forma. Por ejemplo, “El custodio” tiene semejanzas a nivel de personaje. Desde el concepto; personajes que en la vida real pasan desapercibidos pero que también tienen todo un mundo detrás. Sus profundos silencios. Son personas que guardan todas sus emociones, o que tal vez no tienen la oportunidad de expresarse como ellos quisieran (o se imaginan que pudieran). Por otro lado “El custodio” es un personaje explosivo, un personaje que ha sido muy reprimido. En cambio, Eusebio lleva consigo una dosis de melancolía. No tiene desenfreno, capacidad de agredir, probablemente porque es un ser olvidado, incluso por él mismo.

Cuéntanos algo más sobre ti. Eres muy joven y ya estás por terminar tu primer largometraje.
Terminé el colegio a los 17 años, estudié un ciclo de Estudios Generales en la Católica y después me fui a estudiar cine, cuatro años en la Hofstra University en Nueva York, gracias al apoyo de esta misma universidad y la beca Fulbright. Me gradué en mayo del 2010 con “El río” como mi cortometraje tesis. Después de eso he estado completamente concentrado en hacer un largometraje. Por otro lado hago publicidad con La Gris Films.

Ficha técnica de “El limpiador”

Intérpretes: Víctor Prada, Adrián Du Bois

Director: Adrián Saba
Productora: Carolina Denegri
Director de Fotografía: César Fe
Director de Arte: Aaron Rojas
1er Asistente de Cámara: Iván Perleche
2do Asistente de Cámara: José Rivas
Data Manager: Arturo Ludeña
Gaffer: Wilder Ludeña
Sonido directo: Percy Soto
Editor: Justin Beach
Asistente de Producción: Katy Muñoz
Asistentes de Arte: Jazmín Malpartida, Débora Silva-Arrieta

César Fe, director de foto, y Adrián Saba, durante el rodaje de 'El limpiador'

Trivia: Adrián es el hijo mayor de Edgar Saba, reconocido director y actor de teatro, quien tuvo su debut en el cine en “Dioses” de Josué Méndez.

Yapa: Vean también esta entrevista de Filmsperu con la gente de La Gris Films, Adrián Saba, César Fe, y Brian Jacobs. Este último dirigió el spot de Cineplanet que seguramente mucho aquí hemos visto infinitas veces.

Sinopsis

“Lima Bruja. Retratos de la música criolla” empieza con una singular celebración: un delicioso platillo a base de gato es compartido por los mejores amigos del finado músico “Papeo” Abán en memoria de su cumpleaños. Luego, vendrá una sesión de canto, guitarra y cajón donde se interpretan canciones que nadie en Lima conoce, sólo estos músicos y sus familias. Desde el inicio, este documental explora la paradoja de ser un limeño de nacimiento y al mismo tiempo ignorar una de las tradiciones más antiguas que encierran sus callejones: la real música criolla. Volteando la mirada de lo que los medios imponen como “el criollismo oficial”, la película retrata en profundidad a este puñado de músicos veteranos que nadie conoce para así no sólo preservar su legado sino mostrarnos con admiración esta otra Lima a punto de desaparecer. Vean el tráiler de Lima Bruja:

-Conversamos en extenso con el director Rafael Polar, quien espera estrenar su película en Lima el próximo año. Que así sea:

Rafael, leí que el documental nace a partir de un video promocional que hiciste para un sello discográfico. ¿En qué momento decides pasar del videoclip al largometraje documental?
Efectivamente, el documental nace a partir del registro de un disco de música criolla que estaba grabando mi amigo Fernando Urquiaga con su productora musical Sayariy Producciones. Esto fue en julio del 2007. Yo ya le había hecho un trabajo parecido, tipo video promocional o EPK, para el primer disco que editó, y ahora me volvió a llamar.

Como cuento en el documental, yo llego a registrarlos al estudio solamente con esa intención. De pronto me encuentro con este grupo de señores, todos peinando canas hace mucho, que eran cantores de barrio a los que obviamente no conocía. La conexión fue inmediata. Estaban cantando valses y polcas que nunca había escuchado y que eran muy lindas. La calidad de sus interpretaciones y la belleza de la música fue algo que realmente me sorprendió. Eran canciones que nunca había escuchado a pesar que guardo cierta afinidad con la música criolla tradicional.

Semanas después, viendo el material grabado es que decidimos, Fernando y yo, grabar más material de ellos, no solo en el estudio sino también en sus casas, entrevistarlos y, por supuesto, escucharlos cantar. En ese momento es que vimos que todo se ponía cada vez más interesante y decidimos que el registro apuntaría a un documental eventualmente.

¿Cómo esta estructurado tu documental? ¿Gira alrededor del día de la canción criolla?
El documental tiene una estructura narrativa de episodios, dividida en capítulos, no necesariamente contados de forma cronológica. Después de varias reescrituras vimos que la mejor manera de contar la historia era a través de mi experiencia al momento de registrarlos. Mi narración aparece en determinados momentos de la película, contextualizando un poco la situación y presentando a los personajes. De alguna forma lo que cuento en el documental es realmente lo que pasó y cómo me sentía en la medida que iba conociendo a los personajes y sus talentos.

Por otra parte, se estructura en forma de retratos contando un poco de la vida de los protagonistas, centrándonos en su relación con la música y con el criollismo más elemental. Esto se debe a la idea que tuvimos siempre, de no hacer una película que contara la historia de la música criolla sino la de retratar lo que más nos gusta de ella por medio de un grupo de viejos cantantes de barrio. Como cuento en el filme: “Decidimos hacer un documental que retratara a la música criolla. Al menos una parte. Esa parte que más nos gusta”. Y eso no es gratuito. Mantiene la misma filosofía que tiene la discografía criolla editada por Sayariy, coproductora de la película. Ellos tienen editados ya cinco discos de música criolla con esta misma línea de rescatar un criollismo puro, barrial, íntimo, tradicional.

¿Además de estos registros utilizaste imágenes de archivo?
El único video de archivo que utilicé fue una joya que encontró el editor de la película, Javier Becerra, casi por casualidad. Era un video de un programa de televisión que Rubén Blades grabó hace unos 25 años en donde canta “Todos vuelven” a dúo con uno de nuestros personajes, Lorenzo “Lencho” Pedraza. Es una de las escenas cumbres de la película que hasta ahora no deja de emocionarme. Quitando las fotos personales de cada personaje, no hay más material de archivo.

¿Qué músicos y personajes de la cultura criolla veremos en tu documental?
Para la película siempre tuvimos clara una cosa: Alejarla de lo que podríamos llamar la música criolla oficial o comercial, esa de las peñas turísticas, de Eva Ayllón y Lucía De La Cruz. La película te dice sutilmente que para el verdadero criollo el día de la canción criolla no interesa. Es un invento para llenar locales comerciales. El verdadero criollo tiene muchos pretextos para armar una jarana: cumpleaños, matrimonios, bautizos, etc. Es porque lo tienen en el ADN, es totalmente natural reunirse y cantar las viejas canciones que conocen desde siempre. Y lo más increíble es que la mayoría de ellos nunca quisieron ser cantantes profesionales o hacer de la música una carrera, sino que lo hacen porque es algo que heredaron de su entorno.

Así encontramos personajes increíbles, de gran talento y carisma, como Walter Goyburu, Carlos Curay, Lorenzo Pedraza, Cesar Oliva, Manolo Castillo, Genaro Falcón y Francisco “Chiquito” Rodríguez. En todo caso, los únicos personajes que sí tienen una trayectoria más comprometida en el medio musical criollo son Willy Terry, gran guitarrista e investigador musical, y Eduardo “Papeo” Abán, joven talento de la percusión criolla. Ellos me ayudaron mucho en el proceso de investigación y en llegar a cada uno de los personajes. Además está la participación especial de Lucy Avilés, excelente cantante e hija de don Oscar Avilés.

¿Dirías entonces que es una película musical, o es más de personajes o historias personales?
Diría que, en primer lugar, es una película musical pero matizada con historias de vida. Hay al menos 16 canciones, entre fragmentos y completas, que la hacen un documento importante sobre este tipo de música. Hay temas de Felipe Pinglo, La Guardia Vieja, Buenaventura Muñoz, Luis Dean, entre otros. La intención era capturar lo menos conocido del repertorio criollo y creo que se logró.

Pero también es importante contextualizar por medio de estos retratos porqué es que se cantaba, qué cosas cantaban y donde lo hacían. Cada personaje cuenta un poco de su infancia, su primer contacto con la música, como era su familia y además como era la ciudad de Lima en esa época. No olvidemos que las edades de los protagonistas están entre los 70 y 85 años, así que tienen muchas cosas para contar de cómo era Lima hace 50 años atrás.

¿En qué festivales se ha presentado hasta ahora la película? ¿Tienes planes de una presentación en Lima?
En el 2008, el proyecto que en ese momento se llamaba “La Gran Reunión”, haciendo referencia al disco de música criolla que le dio origen, ganó un premio de pitching en el Doc Buenos Aires de ese año. Ya con su título final, “Lima Bruja. Retratos de la música criolla” fue exhibida este año en el Doc Buenos Aires y en el Boston Latino International Film Festival. Ahora lo estoy enviando a más festivales para su selección.
El 2012 será el año de estreno en Lima, aunque aún no tenemos distribuidor para su exhibición comercial. Aprovechamos este medio para ofrecerla a cualquier interesado en distribuirla comercialmente.

¿En qué formato y con qué equipo se grabó la película?
El formato inicial fue SD capturado con la Panasonic DVX100 24p. Luego de decidir que se convertiría en un largo documental se cambió de formato por HD grabado con la Panasonic P2. Quisiera agradecer al equipo técnico por su apoyo y talento a lo largo de proceso.

Cuéntanos un poco sobre ti Rafael, ¿cuál es tu formación profesional, y tu experiencia previa en el audiovisual?
Mi formación es en las artes plásticas. Me gradué en 1998 como pintor en la Universidad Católica. Luego de cuatro años desarrollando mi pintura me fui a São Paulo para hacer una maestría en artes visuales en la USP. Allá fue donde realmente comencé a probar otros medios y soportes y donde terminé convenciéndome que lo que quería era hacer audiovisuales. En São Paulo hay un festival de documentales llamado É tudo verdade (Todo es verdad), que además es gratuito. Qué mejor pretexto para tener una sobredosis de cine documental.

Después de esos años me interesó mucho más el formato documental. Cuando volví a Lima, en el 2005, había visto mucho cine y leído bastante pero había tenido poca práctica. Así que entré de practicante a una casa realizadora de comerciales (Inca Films). Creo indudablemente que la mejor escuela es la práctica y entrar en el medio de realización de comerciales me enseñó y enseña muchísimo en el ámbito técnico por la frecuencia con la que se filma. Actualmente me muevo entre la publicidad –ahora como director de arte-, el documental y el videoarte.

“Lima Bruja” fue un proyecto que nació conversando con mi amigo y productor Fernando Urquiaga. Él ofreció ayudarme con la producción de la película y simplemente acepté porque me moría de ganas de hacer un largo. Para mí hacerla fue como un postgrado en cine documental. Nos divertimos mucho.

Finalmente, ¿qué nos puedes contar sobre tu equipo técnico y la experiencia de trabajar con ellos?
Un punto clave de la película es el sonido directo. Nos preocupamos de trabajarlo con sonidistas de primer nivel como Frank Cebreros, Omar Pareja y Javier Becerra. La post de audio estuvo a cargo de Bruno Canale que recientemente volvió al Perú y que tiene mucha experiencia mezclando películas. Otro puesto clave que me ayudó mucho fue tener a Javier Becerra como editor quien acompañó el proyecto desde el inicio y me apoyó muchísimo en la elaboración del guión final. Agradecer a la cámara de Carlos Sánchez Giraldo, Carlos De La Cadena y Cristopher Luna Victoria por su disposición y buena onda siempre.

Rafael Polar, director de 'Lima Bruja', con dos personajes de su documental

Ficha técnica

Dirección: Rafael Polar
Duración: 82 mins.
Formato: DV/HD. 16:9 Color/B&N
Productoras: Sayariy Producciones / Tamare Films
Producción Ejecutiva: Rafael Polar, Fernando Urquiaga Heineberg
Guión: Rafael Polar, Javier Becerra Heraud
Producción de campo: Daniela Rotalde, Mariana Olaechea
Sonido directo: Javier Becerra Heraud, Omar Pareja, Frank Cebreros
Dirección de fotografía: Carlos De La Cadena
Cámara: Carlos De La Cadena, Cristopher Luna Victoria, Carlos Sánchez Giraldo, Rafael Polar
Edición: Rafael Polar, Javier Becerra Heraud
Post Producción de video y Gráfica: Gabriel Acevedo Velarde
Post Producción de sonido: Bruno Canale
Foto Fija: Renzo Giraldo
Participantes: Willy Terry, Eduardo Abán, Lorenzo Pedraza, Walter Goyburu, Carlos Curay, Francisco Rodriguez, Cesar Oliva, Manolo Castillo, Lucy Avilés, Genaro Falcón.

'Sed de sangre', es como se conoce la última película de Park

El coreano Chan-wook Park es probablemente uno de los mejores cineastas asiáticos en la actualidad, así como un referente mundial ineludible. Famoso por películas como Oldboy o Sympathy for Lady Vengeance (parte de la imprescindible Trilogía de la Venganza que inició con Sympathy for Mr. Vengeance), presenta una obra caracterizada por la construcción de personajes marcados por tormentos de la conciencia, en medio de situaciones límite, con escenarios alucinantes o desconcertantes.

Thirst (titulada en español como “Sed de sangre” y en Lima con el ridículo nombre de “Rito diabólico”) narra la historia de Sang-hyeon (interpretado por un convincente Kang-ho Song), atormentado por el dolor de la humanidad, quien decide ofrecerse como voluntario para una prueba experimental destinada a curar un virus mortal. Por extrañas circunstancias, es contagiado por algún tipo de mal que lo dota de poderes físicos sobrenaturales, así como un desaforado apetito sexual y –oh, sorpresa– una necesidad básica por consumir sangre para sobrevivir. El guión (a cargo de Jeong Seo-gyeong, habitual colaborador del director), está inspirado en “Thérese Raquin”, novela del gran escritor francés Emile Zola, publicada originalmente en 1867.

Una vez más, volvemos al tema de los vampiros, mitología que ha sido desnaturalizada y desprestigiada hasta el hartazgo por la serie Twilight (yo no entiendo para qué se siguen gastando tantos millones de dólares en producir esos bodrios, pero eso supongo será material para otra columna). No obstante, Park, inspirado claro está en su propia tradición cinéfila, sabe que eso solo es, si se quiere, un pretexto para volver a plantearse un relato a su manera, con personajes desaforados, mezclando géneros que van desde el terror, la fantasía, el drama romántico y el cine negro norteamericano y una puesta en escena marcada por el desquicio barroco que se dispara por múltiples vías.

La transformación paulatina del cura, que lleva con estoicismo su enfermedad y por encima de todas las cosas se niega a lastimar a la gente para poder alimentarse. El dolor físico y los cambios en el cuerpo se sienten muy reales y al espectador también lo afectan. Sin embargo, los tormentos de conciencia van de la mano del descubrimiento de la voracidad y, por cierto, del hedonismo, el placer, la libertad, la ansiedad depredadora y animal, filmados sin sentimentalismos de ningún tipo.

En esa transformación, se produce el encuentro del sacerdote con Tae-ju (Kim-ok Bin), una muchacha que vive en la casa de su madrina, tratada con cierta hostilidad paternalista, al servicio del enfermizo hijo de la familia. Tae-ju se siente infeliz, y procura desesperadamente abandonar su vida habitual.
Este deseo manifiesto le da a la historia un impresionante arsenal de puntos de apoyo. El cura preocupado por sobrevivir y no lastimar a nadie acompaña a Tae Ju en la búsqueda del amor y el placer carnal. A cambio, ella busca en él el secreto para abandonar lo que considera una existencia miserable y aburrida.

En este momento, el cineasta empieza a divertirse con furia, no solo apelando a un humor bastante peculiar, sino también porque despliega la retórica visual que lo han hecho tan famoso. Por ejemplo, las parafilias sexuales presentes en la película son tan marcadas que por algún momento provocan en el espectador promedio lo mismo sonrisas nerviosas, compenetración o desconcierto. Tae-ju le chupa los dedos de los pies a Sang-hyeon y la gente no sabe qué hacer.

El escenario, en todo caso, cargado y tenso, en donde se genera este festín de divertimentos, sin embargo tiene un mensaje implícito: la progresiva transformación de Tae-ju, mosquita muerta con aureola de víctima, en una verdadera arpía, sedienta de sangre, decidida a vivir sin ningún límite. Una femme fatale perturbadora, por su carácter manipulador, insaciable, violento, que va llevando su transformación contracorriente del sacerdote. “Ahora somos bestias caníbales”, le dice ella. El amor se vuelva bestia y se enmarca en estos dos polos, en los cuales él por primera vez está dispuesto a traicionar su fe y sus principios por ella. La actriz Kim-ok Bin retrata así una de las antiheroínas más sorprendentes del cine contemporáneo.

En medio de esta metamorfosis, Chan-wook Park ya nos escupe su locura en la cara y se traslada feliz por diversos tópicos. A partir del final de la primera hora, uno empieza incluso a pensar que el propio cineasta ha sucumbido a su propio delirio, que va lo mismo de la mitología popular al romanticismo dramático del siglo XIX como si de juguetitos se tratara, dilatando el tiempo a su antojo, sembrado imágenes hipnóticas por doquier. Evidentemente, esto no es así, pues su obsesión por retratar la irracionalidad humana lo lleva a plantearlo claramente no solo en sus personajes sino en el desarrollo mismo de la película.

A partir de eso, el onírico balbuceo narrativo empieza a adoptar un tono exacto e implacable. De un momento a otro, vemos vampiros volando por la ciudad, siendo parte de un juego de cortejos muy intenso. Empieza a cerrarse un círculo, en el cual ambos personajes se atraen, pero al mismo tiempo van sintiendo repulsión por sus respectivos temperamentos. Los efectos especiales convincentes, son más austeros pero más persuasivos que los gringos, en casos como éste.

La violencia no es gratuita en Thirst. Tiene que ver con la forma en que todos nos movemos en el mundo. Nadie es inocente, ni los miembros de la familia de Tae-ju que empezaron más bien siendo caricaturas esperpénticas del abuso y terminan como víctimas.

Entonces todo vuelve a encontrar sentido. Los últimos treinta minutos la película son como una gran maquinaria donde todas las piezas que planteó el director, algunas en apariencia caótica, empiezan a calzar perfectamente. Ya no hay inocentes ni victimarios, solo seres que deben hacer lo que su naturaleza e instinto señalan. La violencia se convierte en modo de vida y ante ello el cura empieza a preguntarse si su súperhumanidad (o extrahumanidad) no lo ha despojado de su esencia culposa.

El final, extremadamente sobrio y conmovedor, sintetiza de modo muy claro lo que el director quiso mostrar: un cuento fantástico y demente, pero también una historia sin tapujos sobre la pareja, sobre los deseos, la culpa y, claro está, sobre el amour fou, práctica en que a veces los seres humanos incurrimos: sucumbir a la pasión sin límites ni tapujos.

Filme inolvidable, Thirst es uno de los mejores estrenos del año en nuestra cartelera y una muestra de que Chan-wook Park es uno de los cineastas mundiales imprescindibles a los que hay que seguir en la actualidad.

Bakjwi. Dir. Chan-wook Park | 133 min. | Corea del sur
Guión: Seo-Gyeong Jeong, Chan-wook Park

Intérpretes: Kang-ho Song, Ok-bin Kim, Hae-sook Kim, Ha-kyun Shin

Estreno en Perú: 1 de diciembre de 2011

La película presenta detalles y hechos poco difundidos de los operativos policiales llevados a cabo por el Grupo Especial de Inteligencia (GEIN) para lograr la captura de Abimael Guzmán Reynoso, líder del grupo terrorista Sendero Luminoso, a inicios de los años 90. Con buen ritmo, en la narración y edición, y una cuidada recreación ficcionada en ciertas escenas clave, la película de 58 minutos de duración logra mantener la atención y el interés del espectador.

La película, financiada enteramente por la empresa Bliss Producciones, con un presupuesto de US$95,000, se realizó a lo largo de 15 meses: tres meses de investigación, y doce de producción. Conversamos con la directora Judith Vélez, quien nos da más luces sobre su nueva incursión en el documental:

Judith, ¿cómo se inicia el proyecto de “1509 Operación Victoria”?
El proyecto se inicia a partir de una invitación que me hace la productora Bliss Producciones. El periodista Gustavo Gorriti había entregado a Abraham Vurnbrand, productor de Bliss, un artículo dedicado a la captura de Abimael Guzmán. Quedó impactado por este texto, decidió hacer realidad el proyecto en un documental y empezó a buscar director. [N.E.: Vurnbrand también es productor de otra película peruana próxima a estrenarse.]

¿De donde parte el interés por recordar este episodio de nuestra historia reciente?
El interés de Abraham fue dar a conocer un episodio de la historia del Perú que se ha difundido poco, y dar crédito a los verdaderos héroes de la captura del líder senderista Abimael Guzmán que se habían mantenido en la sombra.

¿Cómo se realizó el trabajo con el archivo y la investigación?
La investigación consistió, en una primera etapa, en hacer una ronda de entrevistas a miembros del GEIN. Entrevistamos a oficiales que en su momento fueron los detectives de a pie, a los responsables del área de audio y video encargados de las fotos y grabaciones, a los responsables de las interceptaciones telefónicas y a los oficiales responsables del grupo: al Crnel. PNP Benedicto Jiménez y al Gral. PNP Marco Miyashiro. Estas entrevistas nos surtieron de una rica información que nos permitió identificar las operaciones que nos iban a servir para contar nuestra historia, así como tomar contacto con su metodología de trabajo, tanto en las calles como el trabajo de inteligencia propiamente dicho.

Cmdte. (r) Benedicto Jiménez, el artífice de la captura de Abimael Guzmán

Además de las entrevista leí varios libros: “Sendero: La historia de una guerra milenaria” de Gustavo Gorriti; “La cuarta espada” de Santiago Roncagliolo; “Un lugar llamado Oreja de Perro” de Ivan Thays; “Hatun Willakuy”, versión abreviada del informe de la Comisión de la Verdad; “Inicio, desarrollo y ocaso del terrorismo en el Perú” del Crnel. Benedicto Jiménez, entre otras lecturas.

Mi interés al inicio fue conocer a fondo la historia de Abimael Guzmán y el origen del PCP-Sendero Luminoso, su desarrollo, expansión y decadencia. Y sobre ese conocimiento montar la historia de la captura, pero a partir de una perspectiva histórica que me daba la tranquilidad y seguridad de poder manejar el tema con soltura -a pesar que en el documental esta solo la punta del iceberg de lo aprendido-.

¿Qué tan complicado fue conseguir las imágenes de archivo que vemos en el documental?
Una vez que decidimos producir el documental, que nos tomó 6 meses de búsqueda de financiación, retomamos el contacto con los oficiales que entrevistamos en la primera etapa, ellos nos fueron brindando poco a poco imágenes de sus archivos de seguimiento durante los años 1990 y 1992. Al mismo tiempo Antoinette Otero, que se encargó de hacer la investigación en medios, revisó mucho material de archivo de televisión existente principalmente en Panamericana Televisión y en Frecuencia Latina, así como material de archivo fotográfico en medios escritos como La República y el Archivo de la Comisión de la Verdad.

En general trabajar con material de archivo de los años 80 es un problema porque los archivos no están digitalizados aún, hay que verlos en su formato original y las máquinas lanzadoras de la época están, en muchos casos, en muy mal estado. Siempre es un dolor de cabeza el tema del archivo pero vale la pena.

También compramos material de archivo a ITN que es la compañía inglesa que tiene los derechos del documental “The People of the Shining Path” (La gente del sendero luminoso) de donde sacamos las imágenes de la marcha de senderistas dentro de la prisión y las imágenes del pueblo que da vivas a Sendero Luminoso. Estas imágenes son realmente muy potentes y fue el único proyecto documental de esos años que pudo acceder a la organización senderista tanto en las prisiones como en el campo, de allí el gran valor de esas imágenes. [El documental inglés está disponible para descargar en Internet Archive, y también en YouTube, en inglés]:

Para mi uno de los grandes aciertos de mi documental es la música. Para el tema de “Zorba el griego”, tuvimos que comprar los derechos a EMI Music de Chile quienes tienen los derechos del compositor griego Mikis Theodorakis, quien esta aún vivo. A partir de tener los derechos tuvimos que realizar la interpretación del tema en Lima pues los derechos solo nos daba permiso para usar el tema. Y fue el compositor del score musical del documental, Kevin Norris -un compositor norteamericano afincado en Perú desde hace muchos años- quien hizo una maravillosa interpretación de “Zorba el griego”, además de componer los otros temas del documental. Creo que sin su música el documental sería otra cosa, realmente colabora en la construcción del suspenso y la tensión dramática, fue un acierto.

¿Qué nos puedes contar del proceso de recreación de escenas?
Cuando tuve la historia clara supe que había que recrear. Había trabajado este formato, con recreaciones en documentales de encargo para National Geographic y Discovery Channel, donde principalmente me había desempeñado como asistente de dirección. Tenía muchas ganar de probar el formato en un proyecto mío, y la historia de la captura con todo su potencial de historia policial se prestaba para algo así.

Desde el principio sabíamos que haríamos recreaciones, si queríamos vender el proyecto a la televisión por cable internacional, había que hacerlo. Aunque en nuestro caso, nuestras recreaciones no se quedaron en lo ilustrativo como ocurre con la mayoría de programas de cable. Mi intención fue borrar por momentos esa línea imaginaria entre ficción y documental, y creo que lo logramos, la sensación que hay por momentos es estar viendo una película [de ficción]. El espectador es atrapado por la intriga y las recreaciones toman vida propia y conduce al espectador a una experiencia de ficción. Ese fue para mí el mayor desafío como realizadora.

Por lo mismo que se recogen diversas fuentes para las imágenes, se usaron múltiples formatos de video digital. ¿Cómo trabajaste esto para presentarlo de manera uniforme en tu documental?
El problema que tenemos que enfrentar hoy en día que trabajamos en Alta Definición es como darle unidad a un proyecto cuando hay que combinarlo con materiales de archivo de diferentes calidades, como el Betacam o el Video 8. Lo que hicimos fue marcar un estandar mínimo de calidad que fue el Betacam para los materiales que provenían de archivos periodísticos de los canales de televisión, y para el material en Video 8 que provenía del GEIN había que hacer un tratamiento especial para no perder calidad. Felizmente Luis Parreño, encargado de la corrección de color, hizo un excelente trabajo y el resultado es muy bueno. A pesar de que existen varias texturas hay una armonía que es parte de la propuesta visual.

Un personaje principal de esta historia, tal como la conocimos muchos a través de los medios de la época, fue el Gral. Ketin Vidal, quien en tu película solo aparece unos instantes. ¿Su participación en la captura de Abimael Guzmán fue realmente así de minima?
En un momento pensamos entrevistar al Gral. Ketín Vidal y conocer su punto de vista sobre la captura pero si abríamos esa puerta por lo menos tendríamos que darle entre 6 y 7 minutos que no teníamos. En medio de las dudas nos preguntamos sobre la motivación primera del documental, y era el de contar la verdadera historia. En todas las entrevistas hechas a casi una decena de oficiales, ninguno de ellos dijo nada sobre el Gral. Ketín Vidal.

Hay que entender que el GEIN fue una isla super blindada, ajena a los servicios de inteligencia que controlaba Vladimiro Montesinos, y el Crnel. Benedicto Jiménez fue quien daba las órdenes más importantes y las pautas de investigación y todos los oficiales entrevistados coinciden en ello, y lo dice el Gral. Marco Miyashiro muy claramente en el documental.
Así que decidimos incluir al Gral. Ketín Vidal al final del documental, tal como ocurrió en la vida real. Para ello tuvimos que trabajar con un abogado quien leyó el guión, vió el corte final y recomendó algunos ajustes para no correr riesgos legales de ningún tipo.

¿Qué proyectos tienes a continuación?
Siento que estoy cerrando una etapa que empecé con “Seis con ocho”, y siguió con ¡Libérenlos ya!, que son documentales de investigación de encargo. Ahora estoy en una etapa de digerir todo lo leído y lo aprendido, he regresado a la docencia que me nutre mucho, y el próximo año estaré recién pensando regresar a la ficción.

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Extra: Visiten la página de facebook “1509 Operación Victoria”, y revisen los horarios de proyección, la película se presenta solo en el CCPUCP hasta el 16 de diciembre:

- Viernes 9 de diciembre: 4:00pm y 5:30pm
- Sábado 10 de diciembre: 6:00pm
- Del 11 al 16 de diciembre: 6:00pm y 8:00pm

Yapa: Vean también la completa entrevista que le hicieron a Judith Vélez en el programa “El placer de los ojos”:

El Festival de Huelva, que este año va del 19 al 26 de noviembre, presentará 115 títulos provenientes de 20 países. Los representantes peruanos serán: Islandia, de Ina Mayushin; ¡Una carrerita, doctor!, de Julio Ramos; Operación Victoria: la caída de Sendero Luminoso, de Judith Vélez; y Caídos del cielo, de Francisco Lombardi.

El proyecto Islandia, de la pucallpina Ina Mayushin participará en el Foro de Coproducción, que propicia “el negocio en coproducción de proyectos cinematográficos de habla hispana o portuguesa”. El proyecto de Ina fue uno de los 12 seleccionados de un total de 153 postulantes. Este proyecto ya ganó algunos premios en Bolivia Lab 2011.

En la Sección Fuera de Concurso, Rábida, se presentará el cortometraje ¡Una carrerita, doctor!, de Julio Ramos, joven realizador peruano radicado en EE.UU. Esta película ganó un premio en el Filmocorto 2011.

En la Sección Fuera de Concurso, Documental, se presentará Operación Victoria: la caída de Sendero Luminoso, filme dirigido por Judith Vélez, que fue presentado en el último Festival de Lima.

Por último, en la Sección Premio Ciudad de Huelva: A la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, se ha incluido al filme Caídos del cielo (1990), de Francisco Lombardi. Esta sección incluye películas a las “que el Festival rinda especial atención y le concede su galardón Ciudad de Huelva”.

Sigan también el festival en twitter: @Festicinehuelva y Facebook: facebook.com/festicinehuelva.

Extra: Recordemos que el 2009, Paraíso ganó el premio a Mejor Guión en Huelva.

Conversamos con los directores de esta coproducción chileno-peruana, que se suma a la creciente actividad fílmica en el norte chileno:

Rodaje de 'Chañaral', en una caleta de pescadores en Atacama

¿Cómo nace este proyecto “Chañaral”?
Surge tras años de viajes de Pato Fuster a la pequeña provincia de Chañaral, en el desértico norte chileno, donde conoció a Juan León, “El Colo” (buzo mariscador y actor protagónico de la película). Es recién luego de más de 12 años de espera, que podemos exponer en el cine el resultado de un encuentro entre la ficción y la realidad como procesos creadores.

¿De qué va la película?
La película relata la historia de un buzo (“El Colo”), quien en uno de sus días de trabajo bajo el mar pierde a su hijo. Despues de esta pérdida, “El Colo” se ve inmerso en un mundo que ha perdido su significación. Se descubre el frágil velo que cubría su soledad. La muerte, y lo que queda tras ella, habitan ahora en una realidad que se revela hostil e inexpugnable, a medida que intenta de manera frustrante escapar de sí mismo.

¿En qué locaciones se ha filmado?
La película está rodada integramente en la región de Atacama, a mil kilometros al norte de Santiago de Chile. Las locaciones fueron Pan de Azúcar, una caleta de pescadores ubicada dentro del Parque Nacional del mismo nombre, y Chañaral una pequeña ciudad portuaria de 15 mil habitantes, situada a 30 kms. de Pan de Azúcar.
El rodaje se llevó a cabo en el mes de octubre y los primeros dias noviembre del 2011. Grabamos en formato digital con una Red One, y una óptica Carl Zeiss.

¿Cómo han financiado la realización de esta película?
La película esta financiada, en esta primera etapa, por los dos directores, y por el aporte de Mónica Gómez, amiga empresaria colombiana, Supermercados Zamora de Chañaral, Juan Claramunt Cine y Bebeto Producciones. Hemos contado con el auspicio de la Municipalidad de Chañaral, y Conaf (Corporacion Nacional Forestal de Chile) administradora del Parque Nacional Pan de Azúcar. Con la colaboración del Sindicato de buzos y pescadores de Pan de Azúcar, y de toda la comunidad de Chañaral.

¿Qué experiencia previa tienen ustedes en el audiovisual?
La trayectoria de Pato Fuster en cine ha sido hasta ahora como director de fotografia. Trabajó como asistente de cámara en “Anda, corre vuela” (1995) de Augusto Tamayo. Luego participó en otros largos en Chile, como asistente de cámara y foquista.
Como fotógrafo ha trabajado en documentales como “Dharamsala”, de Tatiana Gaviola, rodado en la India, y “Antofagasta, el Hollywood de Sudamérica” de Adriana Zuanic. Trabajó en los filmes peruanos “Condominio” y “La gran sangre”, ambos dirigidos por Jorge Carmona. Su segundo largometraje como director y guionista será “El buen hijo”, este se encuentra en proceso de preproducción.

Victor Manuel Checa Belaunde ha dirigido cortos experimentales como “Las palabras no suenan” (2007) y “Salvador” (2008). “Jauregui” (2009) es su primer proyecto narrativo, este cortometraje compitió en el Festival de La Habana y en el Festival Latino de Chicago, además participó en el Festival de Montreal. “La ciudad invisible” será su segundo largometraje como director, este proyecto se encuentra en etapa de financiamiento.

El peruano Amador del Solar registró el sonido directo de 'Chañaral'. Él ha realizado el diseño de sonido para cerca de 20 largometrajes, en México

Ficha técnica

Direccion y produccion: Pato Fuster, Victor Manuel Checa
Asistente de Direccion: Alberto Gutierrez Spelucin
Asistente de Produccion: Sebastian Rodriguez-Larrain
Guion: Pato Fuster, Victor Manuel Checa
Direccion de Fotografia: Pato Fuster
Sonido: Amador del Solar
Postproduccion: Eduardo Arriagada Wawin

Intérpretes: Juan Leon Fibla, Sergio Mercado Muños, Maillku Portilla Andaur

Rosario García-Montero en el 26 Festival de Mar del Plata

Anoche se anunciaron las películas ganadoras en las diferentes categorías del 26 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, entre las que figura la peruana Las malas intenciones que ha recibido el premio al mejor largometraje de la Competencia Latinoamericana de este certamen.

Así lo decidió por unanimidad el jurado de la Competencia Latinoamericana, compuesto por Eliseo Subiela (Argentina), Alice de Andrade (Brasil) y Luis Elbert (Uruguay), que también otorgó Menciones Especiales a los filmes “Girimunho” y “El lugar más pequeño”.

La ópera prima de Rosario García-Montero se impuso en esta sección a otras nueve películas del continente, como “El campo” (Argentina) de Hernan Belón, “Porfirio” (Colombia) de Alejandro Landes, “El velador” (México) de Natalia Almada, “Girimunho” (Brasil) de Helvécio Marins Jr. y Clarissa Campolina, “Trabajar cansa” (Brasil) de Juliana Rojas y Marcos Dutra, “Todos tus muertos” (Colombia) de Carlos Moreno, “El lugar más pequeño” (México) de Tatiana Huezo, “Tiempos menos modernos” (Argentina) de Simón Franco, y “El chico que miente” (Venezuela/Perú) de Marité Ugás.

Durante su paso por Mar del Plata, el filme peruano cosechó buenos comentarios de la prensa especializada. Citamos algunos, como el de Josefina Sartora (Otros Cines) que compara la interpretación de Fátima Búntinx con la de la protagonista de “El premio”, película ganadora del último Festival de Lima:

Las malas intenciones es un relato centrado en el punto de vista de una chica de unos 9 años (Fátima Búntinx, una actriz casi tan buena como Paula Galinelli Hertzog, la niña de El premio). Hija de una familia de la alta burguesía limeña, ella crece casi en soledad, rodeada de los empleados domésticos de la familia, ya que sus padres, separados, están casi ausentes de su vida. Ante el anuncio de un futuro hermanito, siente crecer dentro de sí un mundo lúgubre, pesimista, con anuncios de muerte. Que tal vez no sean otros que los del mundo del afuera de esa casa amurallada, en un Perú convulsionado por una violencia que se le trata de ocultar. Al mismo tiempo, hay una creativa recreación de los mitos históricos peruanos, con sus héroes máximos que sirven como modelo. Una historia que seguramente debe de tener mucho de autobiográfico: elocuente y vital.

Horacio Bernades (Página/12) prefiere destacar el trabajo de la dirección:

En su descripción del mundo de la infancia, García Montero demuestra tener tanta gracia, precisión y poder de observación como a la hora de retratar a la burguesía limeña de tiempos de Sendero.

En tanto que Juan Pablo Cinelli (Diario Tiempo Argentino) reseña logros y desaciertos de la cinta:

La película peruana elige la ironía y una situación más compleja, para retratar el intenso clima político de aquel país en la década del ’80. Cayetana es una niña de diez años bastante especial. Hija de una familia de clase alta, criada más por las sirvientas que por su madre, Cayetana transita su soledad como muchos otros chicos: entre el sarcasmo y el sadismo. Cuando su madre regresa embarazada de un largo viaje de trabajo, Cayetana comenzará a sacar secreta pero peligrosamente toda su agresividad contenida. A pesar de algunas metáforas sobrecargadas, un guión por momentos sentencioso y los escenarios oníricos que la propia niña genera a partir de su propia versión de los próceres peruanos, Las malas intenciones y su protagonista pueden resultar cautivantes para un público amplio.

Martín Morales (MMCríticas) le otorga una calificación de 7/10:

Es una película diferente, muy rica en sentimientos y en planteos sobre una vida mirada desde un punto de vista inocente y pesimista. Una cinta que desarrolla un humor negro que se va repitiendo continuamente (el punto más flojo del film), pero que, con una actuación protagónica muy buena, y con la creación de climas muy detallista, se convierte en una entretenida, profunda y sentida propuesta. Una buena cinta para descubrir a una interesante y talentosa directora.

Aparte de la competencia fílmica, la participación peruana en el festival se dio a nivel de uno de sus jurados. Gabriel Quispe, crítico de esta casa y miembro de la Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica – APRECI, formó parte del jurado de la Federación Internacional de Prensa Cinematográfica (FIPRESCI). Junto con Juan Pablo Cinelli (Argentina) y Leopoldo Muñoz (Chile) decidieron premiar a la mexicana “El lugar más pequeño”. Además estuvo de ponente de las “Jornadas sobre cine, el foco de la crítica, la crítica en foco“, ciclo de conferencias que organizó la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina en el marco de actividades de Mar del Plata 2011.

En esta edición del festival, único con categoría A en Latinoamérica, la visita del actor Willem Dafoe fue una de las notas más destacadas. También despertaron entusiasmo en el público las presencias del actor y cineasta inglés Alex Cox y la del estadounidense Joe Dante, creador de los Gremlins. Se presentaron 193 títulos -entre largos y cortos- procedentes de 32 países, con presencia mayoritaria de producciones latinoamericanas y estadounidenses. A continuación la lista completa de ganadores:

Premios Oficiales

Premios Astor – Competencia Internacional
Astor de Oro a la Mejor Película: Abrir puertas y ventanas, de Milagros Mumenthaler (Argentina/Suiza/Holanda)
Astor de Plata a la Mejor Dirección: Milagros Mumenthaler, por Abrir puertas y ventanas (Argentina/Suiza/Holanda)
Astor de Plata al Mejor Guión: Tyrannosaur, de Paddy Considine (Reino Unido)
Astor de Plata al Mejor Actor: Olivier Gourmet, por su trabajo en el film L’Exercice de L’État (Francia)
Astor de Plata a la Mejor Actriz: Joslyn Jensen, por su trabajo en Without (Estados Unidos)
Premio Especial del Jurado: Tyrannosaur, de Paddy Considine (Reino Unido)

Premios Competencia Latinoamericana
Mejor Largometraje: Las malas intenciones, de Rosario García-Montero (Perú/Argentina/ Alemania/Francia).
Menciones Especiales: Girimunho, de Helvécio Marins Jr. y Clarissa Campolina (Brasil/España/Alemania), y El lugar más pequeño, de Tatiana Huezo Sánchez (México).
Mejor Cortometraje: L, de Thais Fujinaga (Brasil).

Competencia Argentina
Mejor Largometraje: Diablo, de Nicanor Loreti.
Mejor Cortometraje: Lo que haría, de Natural Arpajou.

Premio WIP (Work in Progress)
Mejor Work In Progress: Los quiero a todos, de Luciano Quilici.
Mención Especial: Mujer lobo, de Tamae Garateguy.

Premios No Oficiales

Premio Cinecolor Voto del Público: In Darkness, de Agnieszka Holland (Canadá/Alemania/Polonia).
Premio SICA: El velador, de Natalia Almada (México/EEUU).
Premio FEISAL: El Campo, de Hernán Belón (Argentina/Italia/Francia). Menciones especiales: El velador, de Natalia Almada (México/EEUU), y Girimunho de Clarissa Campolina y Helvécio Marins Jr. (Brasil/España/Alemania).
Premio ACCA (Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina): Tyrannosaur, de Paddy Considine (Reino Unido).
Premio SIGNIS (Asociación Católica Mundial para la Comunicación): El premio, de Paula Markovitch. (México, Francia, Polonia, Alemania). Mención: Tyrannosaur, de Paddy Considine (Reino Unido).
Premio MOVIECITY a la mejor película argentina en competencia: Dulce de Leche, de Marcelo Galperín.
Premio FIPRESCI: El lugar más pequeño, de Tatiana Huezo Sánchez (México).

Extra: Hasta el martes 8 “Las malas intenciones” llevó cerca de 19 mil espectadores a las salas. Este domingo 13 de noviembre pueden verla por el “Día del Cine” en Cineplanet y UVK (aquí las funciones)

Mayella Lloclla es Reshinn

Tal como se anunció, el jueves 10 de noviembre se estrenó en Lima Reshinn, sangre de anaconda, primera película peruana hablada completamente en idioma asháninka.

Sin embargo, la opera prima de Rogger Asto de León no llegó a las salas de cine sin contratiempos. En las primeras horas del día de ayer, el director y sus compañeros se acercaron a la sede del Ministerio del Cultura a reclamar por las condiciones en que se ha estrenado su película.

Reshinn, sangre de anaconda se puede ver solo en 7 salas, y en la mayoría de los casos, en horarios poco atractivos -como los que le dieron a “Las malas intenciones” en su segunda semana en cartelera.

Nos comunicamos con los productores de “Reshinn”, quienes nos adelantaron algunos detalles de su reclamo. El conflicto principal sería con los Multicines Cinestar, con quienes los productores afirman tener un acuerdo verbal para estrenar su película en 9 de sus salas, y en varios horarios. Pero ayer se dieron con la sorpresa de ver su película solo en 2 salas de los Cinestar, y en un único horario de las 10 de la noche.

Al respecto, Rogger Asto ha declarado lo siguiente a RPP:

Yo no pensaba que con mi película iba a pasar eso. A mi película la han sacado, no es que le hayan dado pocos horarios. No sé qué ha pasado. Y si hasta el viernes no ponen mi película, voy a seguir. Voy a seguir hasta las últimas consecuencias, porque todos tienen derecho a ver la película.

Si bien la película tiene más y mejores horarios en dos salas importantes de Cinemark, en UVK y Cineplanet tan solo se proyecta en una sala, y solo en dos funciones al día.

Adicionalmente, el Cine Plaza Jesus María también había ofrecido a los productores exhibir su película, pero ayer les comunicaron que no iba más. En este caso los productores de “Reshinn” incluso tuvieron que invertir en la compra de un proyector, pues esa era la condición para pasar la pelicula. Al final esto no sirvió de nada.

Ayer se comentaba que el Ministerio de Cultura emitiría un comunicado sobre este caso, pero hasta el momento las autoridades no se han pronunciado.

Actualización [12 nov]: Aman Kumar, gerente de Cinestar confirma que tiene un acuerdo firmado con Rogger Asto, sin embargo este no detalla el número de salas en que se presentaría la película. Además, Kumar afirma que le propuso a Asto mover la fecha de estreno de “Reshinn”. El director niega haber recibido tal propuesta. (via El Comercio).

Se ha publicado además un nuevo Detrás de cámaras del rodaje de “Reshinn”:

Extra: Comenzaron a aparecer las primeras cifras de taquilla de Reshinn, y no son muy alentadoras. Esperemos que mejore el fin de semana, que incluye el Dia del Cine el domingo 13.

Actualización [14 nov]: El Ministerio de Cultura ha emitido el siguiente comunicado, el énfasis es nuestro:

Sobre el estreno de “Reshinn, sangre de Anaconda”, queremos precisar lo siguiente. La actual gestión de la Dirección de Industrias Culturales del Ministerio de Cultura ha venido dando todo el apoyo posible, dentro de lo solicitado, por los realizadores de la película para su estreno en salas comerciales. De esta manera, por ejemplo, se le entregó hace unos días un certificado de interés cultural para que la producción pueda gestionar la exoneración del pago del impuesto a los espectáculos públicos no deportivos.

La negociaciones con los exhibidores para la proyección de la película fue realizada directamente por los productores de la cinta, y al parecer algunas empresas -no todas- incumplieron el ofrecimiento verbal de salas y pantallas de exhibición para la fecha de estreno. Pero los responsables de la cinta, lejos de buscar una intermediación con el Ministerio de Cultura para propiciar una solución rápida a este impasse, como se hizo semanas atrás, optaron por presentarse en la puerta del Ministerio de Cultura en son de protesta, como si esta institución fuera la causante de esta acción, cuando ni siquiera estaba informado de la misma.

Queremos dejar en claro que es política de esta administración apoyar a todas las películas peruanas por igual, sean ganadoras de los concursos de cine de la Ley o no, de Lima o las regiones, u operas primas o de realizadores experimentados; y especialmente para ser difundidas en condiciones adecuadas y dignas, tal cual se produce con las películas extranjeras. Sin embargo, y como es obvio, este apoyo no puede ser indiscriminado y genérico, sino requiere un conocimiento previo de cada caso y circunstancia, lo que pasa por un mínimo diálogo con el sector y no tratar de imponerse por la fuerza de los hechos o la presión mediática.

Lamentablemente, estos últimos hechos revelan, una vez más, la necesidad de cambios urgentes en la actual legislación cinematográfica en el campo de la distribución y exhibición, y que los cineastas peruanos conozcan y sepan manejar el complejo mundo comercial de las películas, más aún ahora que con las nuevas tecnologías, esta actividad también vive cambios sustanciales en sus formas de negociación y alcance al público.

Reiteramos nuestro apoyo a “Reshinn, sangre de Anaconda”, e invitamos a toda la comunidad cinematográfica a apoyarla con nuestra asistencia y la de nuestros conocidos, que es el mejor argumento para asegurar su permanencia en la cartelera.

Dirección de Industrias Culturales
Ministerio de Cultura

Luego de Detrás del mar (2005), y mientras mantiene en standby su proyecto de ‘Las cenizas’, Del Busto decide dejar de esperar, y se lanza a grabar. Su nueva película fue la respuesta a, lo que él llama, “la necesidad de hacer cine”, un cine de sensaciones, de emociones, de experimentación.

El espacio entre las cosas se grabó episódicamente, entre el 2008 e inicios del 2011, en diversas locaciones, desde Iquitos y alrededores, pasando por Cusco hasta Lima, México D.F., Barcelona y Buenos Aires; y con un presupuesto mínimo de US$10,000 aproximadamente.

Lean la entrevista con el director, a continuación:

Cuéntanos Raúl, ¿de qué va “El espacio entre las cosas”?
“El espacio entre las cosas” trata acerca de un director que recorre posibles locaciones y afina el guión de su nueva película, un policial.
El personaje principal es un detective de la división de narcóticos, que enfrenta una serie de sucesos extraños tanto en su vida personal como profesional.
A manera de ensayo, o libreta de apuntes, el narrador y el protagonista se funden, y la realidad y la ficción son parte de un mismo universo.

¿De dónde nace la idea de hacer esta película?
La idea nace por la necesidad de filmar, esperar más de 4 o 5 años para realizar una película es realmente angustiante. Estaba harto de dedicarme gran parte del tiempo a “armar proyectos” en papel y pasar muy poco tiempo en filmación. Es así que en plena preparación para “Las cenizas” comienzo a filmar todo lo que puedo.

¿Cómo ubicas esta película en relación a tus anteriores trabajos?
Pues no lo sé, porque su propia gestación fue más abrupta, surgió más que de la necesidad de contar algo, como una respuesta natural a la necesidad de seguir haciendo cine.

Percibo que es una película más libre, ya que desde su inicio pretendí construir algo que se ampare en la inefabilidad, que su punto más sólido se encuentre en la articulación expresiva de imágenes y sonidos y que la palabra sea sólo una capa más, y que no sea dependiente de una rígida estructura dramática.

Quise filmar una película que flote, que se fusione y que se maneje desde distintos puntos de lectura, que no se someta fácilmente a la clasificación o se ampare en el suceso explícito, que me permita dejar en sus imágenes, en sus intentos de narrativa o de mero registro, en sus sonidos, o sus frases -aspectos de mi persona fusionados con la recreación o la manipulación- con la finalidad de generar sensaciones/emociones y sin renunciar a la premisa de lo lúdico, de la construcción amparada en la experimentación en la puesta en escena más que subordinar todo a una narrativa lineal y controlada.

Mi intención fue eliminar puntos específicos, hacer borrosos los límites, desde la identidad o la alternancia del narrador, pasando por la elaboración de la ficción y el registro documental, hasta el intento de elaborar un ensayo, un híbrido.

¿Con qué equipo trabajaron durante el rodaje?
Trabajamos con equipo mínimo, tanto humana como técnicamente, muchas veces por asuntos presupuestales tuve que filmar sólo.
Se usaron distintas cámaras digitales de 3 CCDs y a 24 cuadros progresivo.

¿Cómo han financiado la produccion de esta película?
Todo ha sido financiado con recursos propios, ahorros y favores de amigos.
Si tomamos en cuenta la logística de filmar en lugares fuera de Lima o del Perú, incrementa muchísimo los costos.
Aproximadamente habremos gastado unos 10 mil dólares, pero a eso debería sumársele la ayuda desinteresada de amigos que aportaron desde la música, hasta el transporte, así como también darnos la facilidad para filmar algunas locaciones.
Ha sido una producción bastante singular por lo episódica y por lo larga en el tiempo de construcción (casi 3 años).

¿Qué nos puedes contar de “Las cenizas”? Que incluso contaba con el apoyo de la productora ‘Mantarraya’ de Carlos Reygadas.
“Las cenizas”, por asuntos presupuestales, tuvo que quedarse congelado, pero es un proyecto que espero en poco tiempo pueda retomarse y concluirlo.

¿Hubo alguna ayuda similar para “El espacio entre las cosas”?
No ha habido ayuda hasta el momento. Pero si me siento muy agradecido con Lita Stantic y con Ilse Hughan a quienes tuve oportunidad de mostrarles el primer corte de “El espacio entre las cosas” y me dieron importantísimos consejos luego de su visionado.

¿Qué planes tienen a continuación con la película, luego de terminarla?
La intención, antes que nada, es esperar hasta dónde puede llegarse con la película en esta instancia de postproducción, si es que hay posibilidad de un transfer, si se pueden refinar detalles técnicos, luego de todo eso pienso que será mejor centrarse en las posibilidades para presentarla.

Extra: Lean también esta extensa entrevista con Raúl del Busto, publicada el 2007 en La cinefilia no es patriota.

La Dirección General de Industrias Culturales y Artes del Ministerio de Cultura (Mincul) informa sobre los proyectos inscritos en el Concurso de Proyectos de Obras de Largometraje para Post Producción – 2011, que cerró su inscripción al mediodía del miércoles 2 de noviembre.

Son las siguientes cuatro producciones, que pugnan por un premio de S/. 210,000:

• Cuchillos en el cielo, de Alberto Durant, Agua Dulce Films EIRL. Ficción. 90 min.
• El buen Pedro, de Sandro Ventura, 1405 Comunicaciones SAC. Ficción. 103 min.
• El espacio entre las cosas, de Raúl del Busto, Intro Films SRL. Ficción. 90 min.
• Código urbano, de Walter Canchanya, Portavoz Perú. Ficción. 80 min. Opera prima. 

El jurado, integrado por Julia Gamarra (productora), Eric Williams (editor) y Efraín Agüero (gestor cultural), dará a conocer el fallo final el 17 de noviembre. 

Este concurso está dirigido a los proyectos de largometraje que ya han sido filmados y están en proceso de edición. Recordemos lo que indican las bases:

Artículo 11°.- Pueden presentarse al concurso los proyectos con las siguientes características:
a. Proyectos que tengan primer corte con sonido directo.
b. Proyectos que estén en etapa final de edición pero que aún no tengan copia final ni ampliación a 35 mm (blow up) ni sonido óptico terminado.

Datos: Notamos la inclusión de la película de Walter Canchanya como “opera prima”, sin embargo el director ya cuenta con un largometraje previo, Qué vida fue la mia, película realizada el 2005, y que fue estrenada el 2007 en el Cinematógrafo de Barranco.

Mencionamos esto ya que en estos concursos las operas primas tienen cierta preferencia, según indican las bases:

Artículo 20º.- En caso de que más de dos (2) proyectos merezcan obtener el premio, a criterio del jurado, y uno de ellos sea una ópera prima, esta última tendrá preferencia.

Actualización [18 nov]: El ganador del concurso ha sido El espacio entre las cosas, de Raúl del Busto. Este es el Acta del Jurado:

De conformidad con el documento de convocatoria y a la Ley de Cinematografía Peruana Nº 26370 y su Reglamento Decreto Supremo Nº 42-95-ED, en la ciudad de Lima, el jueves 17 de noviembre de 2011, se reunió el jurado del Concurso de Proyectos de Obras de Largometraje para Postproducción 2011, integrado por la productora Julia Gamarra Hinostroza (Presidente), el jefe de área Efraín Agüero Solórzano y el jefe de área Eric Williams Albites, tras el análisis y complejo proceso de deliberación entre los cuatro proyectos presentados a concurso, declaran como película ganadora a:

El espacio entre las cosas, Raúl del Busto, Intro Films S.R.L.

Porque logra complementar el argumento de la obra con una propuesta estética y audiovisual expresiva, sumada a su viabilidad de finalización y exhibición en diversos soportes.

Saludamos la participación de los cuatro proyectos y confiamos en su próxima finalización y exhibición en el circuito nacional.

Aun sigue en cartelera “Las malas intenciones” (en un par de mejores horarios, logrados luego de cierto revuelo mediático), y hoy se le suma El guachimán, una comedia que apunta al público masivo, estrenándose en 44 salas de todo el Perú. Vean el listín con los horarios.

Conversamos brevemente con su director Gastón Vizcarra, para conocer algo más de su ópera prima, filmada a inicios de este año:

Shirley Arica y Guillermo Castañeda debutan en 'El guachiman'

¿Cómo nace el proyecto de “El guachimán”?
El proyecto nació de Gustavo Sánchez [el productor de la película]. Él me pasó la voz, inicialmente para adaptar la novela (que yo aún no había leído) y mientras conversábamos surgió la idea de dirigirla también. Entonces, digamos que es un proyecto adoptado, pero a estas alturas es mi hijo también.

El guion está basado en el cuento de Luis Nieto. ¿Cómo trabajaron esta adaptación?
Yo no he tenido la suerte de conocer a Luis Nieto aún. Mi contacto ha sido con la novela. La he leído tres veces, dos antes de adaptarla y una luego de hacerlo. Para ser sincero, si bien he respetado el espíritu de la novela, siempre tuve la idea de adaptarla o cambiarla lo necesario para cuidar las diferencias de formato (literatura versus audiovisual) y el género que habíamos elegido: Comedia. Así que el resultado es un 60-40 o quizás 50-50 entre el relato de la novela y el relato cinematográfico resultante. Por ejemplo, en la novela no hay un claro perseguidor de el guachimán, cosa que yo sentí indispensable para la película y generó la presencia del personaje de César Ritter, que se volvió fundamental. Espero sinceramente que [la película] sea del agrado de Luis.

Tras haber realizado trabajos en corto, ¿qué tal fue la experiencia de dirigir un largometraje? Además de contar con un reparto bastante joven y tambien con varios actores en su primera participación en una película.
Para mi, dirigir un largometraje ha sido como un orgasmo prolongado, no sé describirlo de otra manera. Nunca en mi vida la he pasado tan bien, filmando. Con eso no digo que no haya problemas, contratiempos, como en todo rodaje, pero yo estaba con la adrenalina a mil, 25/8, literalmente sentía la sangre fluir más rápido por mis venas. Nunca había sentido algo así durante cuatro semanas sin parar.

En cuanto al reparto, han sido un regalo, una joya, la cereza del pastel. A mi me encanta dirigir actores, y estos son tremendos actores. Mi agradecimiento a cada uno de ellos por todo lo que trajeron al rodaje y a la película. Cada uno sumó y sumó. Cualquier problema que puedan ver en su trabajo, será mi culpa porque –creo- confiaron en mi y se entregaron al vacilón. No se puede pedir más.

¿Qué expectativas tienen con la película? ¿Con cuántas copias salen?
Creo que nadie hace una película sin expectativas de algún tipo de éxito. En mi caso personal, quiero que la gente la vea, mientras más gente mejor, para eso la hemos hecho. Salimos con 42 copias entre digital DCP y fílmico. Y estrenamos a nivel nacional.

Sinopsis: Alex es un joven que pasa desapercibido en la gran Lima, no parece ser nadie en quien fijarse. Se dedica a trabajar en lo que se le presenta, con tal de poder subsistir con pocos recursos y trata de llevar adelante una relación con su novia, a pesar de que ella quiere más comodidades materiales. Pero cuando a Alex se le presenta la posibilidad de acceder a una gran cantidad de dinero, él toma la oportunidad a pesar de los riesgos porque cree que al fin tendrá la vida que siempre soñó. Así comienza la aventura de un hombre que al fin tiene el dinero necesario para hacer realidad todos sus sueños; pero lo irónico es que ese dinero no hace otra cosa que enredarle más el camino hacia su felicidad. A lo largo de la película, Alex aprenderá que el dinero no lo puede comprar todo y deberá huir de la policía que lo persigue por toda la ciudad; mientras que los pobladores comienzan a considerarlo un héroe moderno, un paladín de todos aquellos que no están contentos con la suerte que les tocó. ¿Logrará Alex salir bien librado?

Ficha artística de “El Guachiman”
Género: Comedia
Duración: 93 min
Director: Gastón Vizcarra
Producción: Star Films y La Soga Producciones

Intérpretes:
Guillermo Castañeda: El Guachiman / Alex
Stephanie Orue: Laurita
Shirley Arica: Laurita 2
Sol: Anahi de Cárdenas
Vidaurre: Cesar Ritter
Zavala: Diego Lombardi
Supervisor: Sergio Paris
Sotomayor: Paúl Ramirez
Veneno: Emilram Cossio

Gringa es una singular coproducción peruano-sueca realizada en Cusco, dirigida por César Galindo. Se trata de una película de bajo presupuesto que utiliza la figura del ‘brichero’, personaje usual en el paisaje cosmopolita del Cusco de nuestros días.

Sinopsis: Manuel es muy pobre y su única forma de salir del Perú es viajar en gringa. La ciudad del Cusco esta llena de gringas, pero no son tan fáciles de seducir. Cuando Manuel conoce a Lena, el piensa que su suerte ha llegado, pero ella tiene su propio plan.

La película está basada en el cuento “Cazador de gringas” de Mario Guevara, quien afirma ser el creador del término ‘brichero’. Los protagonistas de la película son la actriz sueca Gunilla Röör y el actor y músico cusqueño Nivardo Carillo. “Gringa” se estrenó el 4 de junio de 2010 en Estocolmo, y se presentó en marzo de este año en Cusco.

Vean el tráiler de Gringa, the movie:

El director de fotografía fue el experimentado Juan Durán, quien también aparece haciendo de un gánster en la película.

Luego de su presentación en Suecia, Gringa fue reseñada por sendos diarios locales: el Svenska Dagbladet, y el Dagens Nyheter. Y si te conectas desde Suecia, podrás ver la película completa en el sitio Voddler.com.

La película participó en el Concurso de Postproducción de Conacine del 2008 y del 2009, con el título de “Viajar en gringa”.

Ficha técnica
Duración: 75 mins.
Director: César Galindo
Guion: Mario Guevara y Cesar Galindo
Intérpretes: Gunilla Röör, Nivardo Carillo, Per Sandberg, Raúl Brosovich, Teresa Lastarria, Jhon Padovani
Fotografía: Juan Durán
Producción: Anna G. Magnúsdóttir
Edición: Edgar Lostaunau, Tomas Holewa
Postproducción: Edgar Lostaunau, Bernt Eklund, CinePost Studios AB
Es una producción de LittleBig Productions (Suecia), en coproducción con Runa Film (Perú)
Sitio web oficial: www.gringathemovie.com

(Nota: Llegamos a esta película gracias al dato enviado por el colega Héctor Turco. También apareció una nota en el diario “La Razón”).

Extra: Revisen las producciones anteriores de César Galindo y Runa Film, destacan el corto “Cholo soy” (1992), y el documental “Uratarimanta” (2005), entre otros trabajos. Ahora viene trabajando en un documental sobre Yma Sumac, ni más ni menos:

Yapa: César Galindo además participó en el BAL – Buenos Aires LAB del BAFICI, con el proyecto de largometraje “The Bird Girl”, otra producción sueca.

Se podrán ver filmes de Jorge Suárez, Mary Jímenez, el Grupo Chaski, Antonio Wong, Javier Corcuera, Juan Alejandro Ramírez, entre otros trabajos representativos de la historia del documental peruano. Se estarán proyectando en estas dos salas en los siguientes horarios. El ingreso es libre:

- A las 8 pm. Cine Club de Pueblo Libre – Av. Cipriano Dulanto 949 (Ex La Mar) Pueblo Libre
- A las 7:30 pm Centro Cultural CAFAE – Av Arequipa 2985. San Isidro

Esta es la programación completa:

Miércoles 12 de Octubre

Cine Club de Pueblo Libre

Muy lejos de aquí, Dir. Juan Alejandro Ramirez
Fiesta, Dir. Mary Jiménez

Miércoles 19 de Octubre

Cine Club de Pueblo Libre
Un Héroe Inmortal Dir. Fernando Gutierrez “Huanchaco” y Emergencia Audiovisual
Diario del Fin Dir.Juan Alejandro Ramirez
Un Dia Dir. Leonardo Sagastegui
En la Ruta Perochena de Miguel Villalobos
Viernes 21 de Octubre

Centro Cultural CAFAE
“Checkpoint Rock: canciones de Palestina” de Javier Corcuera

Viernes 28 de Octubre

Centro Cultural CAFAE
Prohibido pintar las paredes de Adrián Portugal
Entre vivos y plebeyos (12) de Matías Vega
Mi cine de barrio (20′) de Danny Céspedes
Mi lugar (7′) de Isabel Madueño
Conversation II (17′) de Marianela Vega
Ciudad manjar (11′) de Mauricio Godoy

Miércoles 2 de noviembre

Cine Club de Pueblo Libre
Retrospectiva Grupo Chaski. Invitados: Alejandro Legaspi, Susana Pastor, Stefan Kaspar.
Encuentro de Hombrecitos
Perú, ni leche ni gloria.
Crisanto, el Haitiano

Miércoles 9 de Noviembre

Cine Club de Pueblo Libre
Loreto, Dir. Antonio Wong Rengifo
Corpus del Cuzco Dir. Manuel Chambi
Toros y Condor Dir. Manuel Chambi
En la orilla dir. Jorge Suárez
Ashaningas del Cutivireni Dir. Jorge Suárez

Mi chacra cuenta la historia de Feliciano, un joven cusqueño que ha pasado casi toda su vida en su pequeña chacra, en la comunidad de Mullacas, Urubamba, en las alturas del Valle Sagrado. A lo largo de las cuatro estaciones, Burlage sigue a Feliciano en su trabajo con la tierra, desde la siembra hasta la cosecha, y también en su trabajo como cargador en el Camino Inca hacia Machu Picchu. A través de Feliciano, el director presenta el ciclo de vida de un campesino -quizás un arquetipo de los indígenas que habitan los andes-, el de su comunidad, y el conflicto entre el cariño que sienten por su tierra y las labores aprendidas por sus ancestros, y el deseo de una mejor vida para sus hijos en la ciudad.

Vean el tráiler de Mi chacra:

El documental fue grabado en Cusco entre setiembre y noviembre del 2007, y abril y junio del 2008. La voz en off y la mayoría de los diálogos son en quechua. La música incidental está compuesta por temas tradicionales de la zona.

Mi chacra, elegida como Mejor película del Inkafest – Festival de Cine de Montaña 2011, se presentará este martes 27 de setiembre a las 8:00 p.m. en el Centro Cultural de España.

Visiten el sitio web del documental, está muy completo. También pueden comprar la película, en DVD, a 22 dólares.

Eduardo Mendoza nos entrega su cuarto largometraje que supera a sus anteriores películas en el acabado técnico. La dirección de arte y la fotografía son los factores que más aportan a Bolero de noche, sin embargo, no son suficientes para concretar una historia de atmósferas verosímiles, que nos permita creernos por completo un romance concebido por la gracia del diablo.

Trovador es un aburrido oficinista que pasa el día sellando sobres. Su escape y pasión es el bolero. Ante la falta de inspiración para escribir uno, recibe la mano amiga del diablo y un trato para encontrar inspiración. Algo así como el trato de los músicos bluseros de Crossroads. A Trovador le llega la oportunidad de amar y sufrir con la llegada de Gitana, una musa de espíritu libre que lo guiará a su bolero inmortal.

La película se disfruta por el clima cálido del bolero, por esos planos usados para presentarnos con delicadeza a un grupo de gente que vive detenida en el tiempo, que viste a la antigua y que escucha música en rocola. Cualquiera hubiera pensado que Bolero de noche es una película de época. Pero no. Irrumpe luego Vanessa Terkes en una fiesta electrónica. Irrumpe un camión de basura en Chorrillos. Irrumpe la fantasía de la mano del Coco (o el Diablo).

¿Cuál es el problema? Bolero de noche parte de una gran idea: Entregarse a una pasión, y esta pasión está representada tanto por el bolero como por el amor. Pero faltó darle equilibrio a cada una de las atmósferas planteadas, ya que no terminan de cuajar. La historia de amor entre Trovador y Gitana es el punto más débil. La relación de ambos está centrada en lo físico, y aunque Gitana hace gentiles intentos de brindarle inspiración a su pareja, no hay un clímax sentimental en donde quedemos convencidos de ver a una pareja enamorada. Esto es importante, porque debemos ver destrozado el corazón del personaje de Giovanni Ciccia para que pueda emanar su espíritu creador. Hay sólo un atisbo de ello, quizá porque las actuaciones de la pareja son las que no llegan a convencer.

El guión debió desarrollar más el interior de Trovador. El tratamiento que le da el filme es superficial, y no puede explicarse la vida de un personaje sólo porque su habitación está llena de radios viejos y goteras. No se desarrolla por completo la motivación de un personaje al que no vemos sufrir. Es por ello que la frase de Teddy Guzmán queda muy grande para toda la historia: “Para escribir un bolero hay que amar primero, para sufrir después”. En realidad, la idea en general de la película es muy grande para lo que hizo el elenco actoral. El papel de Leonardo Torres como el Diablo (o el Coco), es caricaturesco y su teatralidad al hablar es comparable a esa pomposa y ceremonial voz de Teddy Guzmán. Por otro lado, todavía sigo preguntándome qué significó Marco Zunino en su personaje de travesti. Bien pudo no haber estado y no cambiaba nada en la historia.

A pesar de todo, es rescatable la musicalización que se da en toda la película. Buena opción la de elegir a “Los Morunos”, sin embargo hay un quiebre de música electrónica en la secuencia de imágenes que explican el desarrollo de la relación de Trovador y Gitana. Si se quiso dar a entender que Gitana es la simbolización de la modernidad en la vida de Trovador, debió buscarse otro recurso, ya que la música electrónica queda fuera de lugar en comparación con todo el ritmo que se plantea desde un principio.

Bolero de noche es una película que se deja ver porque el ritmo del bolero y la melancolía de sus letras han tocado a todos alguna vez. Así lo explican las miradas de todos aquellos personajes que concurren al bar de La Barona, en donde brota la nostalgia, los recuerdos de quienes no olvidan, las heridas que nunca sanaron. Pero no hay una historia que comprometa al espectador; no hay sentimientos que estén al nivel de la historia que cuenta un bolero cualquiera.

Trovador se queda sin alma, sin un corazón capaz de amar, pero eso sólo es una línea en el guión. Las imágenes previas de Bolero de noche no están a la altura de su final. Trovador se deja llevar por las letras pequeñas de su trato con el diablo, pero yo como espectador, no me dejé llevar por una historia a la que le faltó lo mismo que buscaba su protagonista: inspiración.

Dir. Eduardo Mendoza | 95 mins. | Perú

Intérpretes: Giovanni Ciccia, Vanessa Terkes, Leonardo Torres Vilar, Teddy Guzmán, Maya Zapata

Estreno en Perú: 15 de setiembre de 2011.

Estamos seguros que esta extensa entrevista será de gran interés para la comunidad local, e incluso para los profesionales de otros países:

Christian Wiener, con la ministra Susana Baca, en la presentación 'Propuestas para la Cinematografía Peruana' (Foto: Visor Perú)

¿En qué situación se encuentra la Comisión Consultiva de Cinematografía? ¿Cuál es la figura que asumirá esta comisión en su gestión?
La Comisión Consultiva Nacional de Cinematografía fue creada por la anterior administración para tratar de esconder un poco la disolución del Conacine, por eso se convocó a los mismos integrantes que formaban parte de la última Junta Directiva de ese organismo, pero sin las atribuciones resolutivas que la Ley 26370 les permitía cuando era Consejo. Ahora ha quedado como organismo asesor pero que depende de la voluntad del Ejecutivo para existir. El problema es ¿cuál es su representatividad? Porque más allá de que existan por resolución oficial, lo cierto es que no encuentro mayor vínculo de sus miembros con sus representados, ya que las pocas veces que se han comunicado de forma pública han sido por iniciativa de uno de ellos y más por requerimiento de la comunidad en las listas de interés, antes que por cuenta propia. En ese sentido, considero, a título personal, y se lo he expuesto a los propios miembros de la Comisión, que interlocutores más representativos son, en estos momentos, los gremios, aun cuando no estuviesen totalmente formalizados. Eso no ha impedido que nuestra administración trabaje con ellos algunos temas puntuales, como la prenominación de la película peruana para los premios Oscares, o el cronograma de concursos para el próximo año.

Por la propia ley de creación, la Comisión es una institución que depende totalmente del Ministerio, y cuyos cargos son de confianza, por tanto no pueden ser elegidos ni modificarse sin previa decisión del titular del sector. Es indispensable por ello volver, con la nueva ley, a una estructura autónoma del sector cinematográfico, que nos asegure, además, un presupuesto y manejo autónomo del mismo.

¿Qué medidas se están tomando para lograr completo el presupuesto 2012?
Estamos haciendo todos los esfuerzos para asegurar tener, por primera vez, todo el dinero fijado en la Ley 26370, que asciende a 2008 UIT. El presupuesto del 2012 fue elaborado por la anterior administración del Ministro Ossio, y como ha sido informado, se diluyó el presupuesto de los concursos en la partida presupuestal general de mi Dirección, donde también tengo que atender una serie de otros requerimientos, incluyendo a los diferentes elencos nacionales, además de Ibermedia, Iberscena, etc. Por eso, estamos gestionando con el MEF y la Comisión de Presupuesto del Congreso que nos otorgue la partida íntegra para los concursos, explicándoles el carácter inclusivo y democratizador que queremos darle este próximo año a las convocatorias.

Para elaborar el nuevo proyecto de ley, ¿qué representatividad se espera recibir de los sectores y gremios? Los no agremiados, que conforman un amplio sector de la comunidad, ¿podrán participar también?
Se va a convocar la participación de representantes de los gremios existentes, como la APCP, la UCP y el nuevo gremio de los cineastas regionales e independientes, la ACRIP. También la participación del Sindicato de Actores (SAIP), técnicos cinematográficos (ATC), la asociación de documentalistas y de los docentes de las facultades de comunicación, agrupados en la APFACOM; junto a los representantes del Estado. Es cierto que existen también muchos no agremiados, ajenos a estos grupos, pero resulta muy difícil determinar su participación por su no representatividad. De todas maneras, el proyecto terminado será prepublicado, antes de ser entregado al Ejecutivo, para que todas las personas y todos los sectores puedan opinar y proponer con total libertad.

¿Cómo van a interactuar con el Ministerio de Cultura los colegas argentinos y colombianos que tienen experiencia en las leyes de cine de sus países?
Estamos coordinando para que puedan venir a Lima especialistas argentinos, colombianos y posiblemente también de España, en legislación cinematográfica y gestión de recursos y fondos. Ellos dictarían unos breves talleres para los integrantes del Grupo de Trabajo de la Ley, así como compartir experiencias y documentos alusivos al tema. Lo importante es aprender de lo que otros ya avanzaron, porque aquí no se trata de inventar nada sino ver lo que pueda ser más adecuado e interesante para nuestra realidad.

En una cinematografía desarrollada existen instituciones emblemáticas que la peruana no tiene. Tres básicas son Cinemateca, Escuela Nacional, Film Commission. A mediano o largo plazo, ¿podrían existir en este gobierno?
Son instituciones por construir, tal vez en el marco de la Ley o más adelante, cuando sean posibles y haya el presupuesto necesario para echarlas andar. Sobre la Cinemateca, hay la intención de echarla a andar lo más pronto posible, empezando por recuperar el material propio de lo que fue Conacine. La Film Comission es una propuesta avanzada en Mincetur, que habría que ver cómo la interrelacionamos con nuestro sector, porque compromete a ambos sectores, aunque no siempre con los mismos objetivos. Y la Escuela es un tema más complejo, porque más allá de la voluntad habría que darle verdadera sostenibilidad, ya que la infraestructura para esta profesión es siempre costosa, y no quisiéramos repetir los problemas y contratiempos de las otras escuelas de arte en el país.

¿Se estudia la aplicación de una “cuota de pantalla” o de alguna propuesta similar para abrir salas a más películas que no vengan únicamente de Hollywood, como ha ocurrido en Argentina con la aplicación de un gravamen al cine extranjero?
Eso será materia de quienes elaboren la nueva ley, porque en el marco legislativo actual es inviable. Allí se analizará cuáles son los pros y contras de esa medida, sus implicancias y posibilidades, habida cuenta los tratados internacionales en materia comercial que ha suscrito el Perú con varios países. En ese, como en otros temas de implicancias legales, no se trata de ser principista o dogmático sino evaluar lo más conveniente para nuestros intereses en los diferentes espacios de difusión, teniendo en cuenta, por supuesto, la muy escasa participación del cine nacional en el mercado fílmico y la predominancia de una oferta fílmica de manera cuasi oligopólica en las pantallas comerciales.

Si bien se propone cambiar los concursos de Conacine para aceptar que compitan películas en formato digital, ¿qué se hará para que los exhibidores las pasen, si sólo una multisala proyecta en ese formato y de modo limitado? ¿Y volverán los cortos a las salas de cine, como señala la ley actual?
En realidad, todos los complejos de exhibición comercial en el país tienen salas con formato digital DCP. Lo que sucede es que la gran mayoría de esas salas están ocupadas por las películas en 3D. Pero éste es un proceso de adecuación tecnológica inevitable en este negocio, y surgirán más salas conforme crezca la demanda. Es además la gran posibilidad para las salas alternativas, sean municipales, institucionales o privadas, de poder ingresar al mercado con películas de menor costo de producción y por tanto mayor accesibilidad que las de celuloide.

En cuanto al retorno de los cortos a las salas, es cierto que la ley actual lo menciona pero de una manera no muy clara ni taxativa, a diferencia de la ley anterior, la 19327, lo que la hace difícilmente aplicable. La distribución y exhibición de cortos debería formar parte de los temas a debatirse en el Grupo de Trabajo de la Ley, porque es imprescindible encontrarles una llegada al espectador, pero para ello sería bueno escuchar también la voz de los cortometrajistas, que no existe lamentablemente de manera orgánica ni representativa.

¿Va a haber suficiente capacidad técnica y material para recuperar el archivo fílmico nacional que ha estado administrado desde hace varios años por la Filmoteca PUCP?
Las capacidades se construyen, así como la experticia técnica y disponibilidad material, es lo mismo que hizo en su momento la ahora Filmoteca PUCP. Por supuesto que no vamos a ser tan irresponsables de reclamar un material que le pertenece al Estado peruano, pero sin contar con las posibilidades físicas y económicas para mantenerlo. Por ello, en un primer momento vamos a recurrir a la cooperación internacional para hacer viable la Cinemateca Nacional, y confiar que con la nueva Ley se puedan determinar fondos permanentes para su viabilidad posterior. Lo importante es reivindicar el derecho del Estado peruano a preservar su patrimonio audiovisual para las futuras generaciones, sin desmerecer ni antagonizar con iniciativas privadas como la de la PUCP, que no sólo es perfectamente legítima sino altamente elogiable.

¿Este proyecto de ley contemplará Internet y la Televisión Digital Terrestre (TDT) como espacios a trabajar oficialmente?
La nueva ley obviamente debe contemplar las nuevas tecnologías, no sólo para producción sino en distribución y exhibición, si no quedará irremediablemente obsoleta antes de nacer. Uno de los grandes vacíos que constábamos en el cine nacional es la escasa articulación entre el mundo del cine y la televisión, que en otros lugares están mucho más relacionados, incluso en el campo del fomento a la producción, además del más obvio de la difusión.

¿Habrá presupuesto para instalar stands del cine peruano en las principales ferias de locaciones y los festivales más prestigiosos del mundo? ¿Se seguirá apoyando Ibermedia o DOCTV?
Lo de los stands y ferias audiovisuales es un tema que habría que coordinarlo con Promperú, tal vez en la misma línea de la campaña “Marca Perú”. Ellos tienen experiencia en el tema y sobre todo presupuesto, que siempre es escaso en Cultura. El Ministerio y los gremios podrían ayudar en la parte organizativa y de gestión de la misma.

Por supuesto que se seguirá apoyando Ibermedia, DOCTV o cualquier otro futuro programa de ayudas intergubernamentales a la producción y exhibición, como el que existe en el Mercosur con la RECAM o lo que se viene organizando en la CAN. Creo que es importante que esos programas atiendan con más fuerza el impulso a la distribución y exhibición, porque si nuestros productos no circulan y se muestran, de muy poco servirá todo ese esfuerzo presupuestal.

¿Qué tipo de apoyo podría dar el Ministerio de Cultura a las películas peruanas estrenadas comercialmente, al margen de que hayan ganado o no los concursos que organiza?
En el marco legal actual, sólo la posibilidad de participar en los concursos de Distribución, donde se presentan obras terminadas, independientemente de si fueron financiadas o no por los otros concursos de la Ley o Ibermedia. Otro beneficio podría ser, esperamos que se concrete, la exoneración del IGV para la exhibición de las películas peruanas en general, lo que significará un ahorro del 18% en la taquilla en beneficio del productor y los exhibidores.

Respecto a las bases de los concursos. ¿Cuándo serán uniformes, con las mismas exigencias a los participantes en todas las categorías?
Las bases de los concursos no pueden ser uniformes porque los formatos no son los mismos, ni por ende sus características y requisitos. Pero sí estamos buscando ser más formales en algunos aspectos puntuales a nivel de las inscripciones. Por ejemplo, se ha establecido que la prohibición para participar empresas y realizadores que tengan trabajos pendientes de anteriores concursos, rija para todas las convocatorias por igual, y no en unos casos sí y otras no como fue antes.

Un ejemplo, en las bases del concurso de cortos indican que se “destinará no menos de cuatro (4) [premios] para ser entregados, preferentemente, a las empresas productoras de las regiones del país”. La redacción no deja claro si podrían premiarse más de 4. ¿Puedes precisar el espíritu de la norma?
Es una disposición general, no obligatoria, que busca promover, como dice el texto, “preferentemente” a los trabajos regionales. Algo así como lo que se aplica con las llamadas operas primas, que tampoco la ley impone que sean premiadas, pero sí estimula a que los jurados la puedan tomar en cuenta y no sólo a los realizadores con trayectoria previa.

Un concurso que probablemente se organice a partir del 2012 es el del llamado cine independiente, alternativo o experimental. ¿Cómo se definiría qué proyecto es “independiente”? ¿Cuáles serán los criterios o parámetros para definir esto?
Hay diversos criterios y posiciones para definir el llamado cine “independiente”, y que varían según el contexto y aplicación. Pero aquí no buscamos enfrascarnos desde el Estado en un debate teórico al respecto, sería inútil e improductivo por donde se le mire. Lo único que se busca es reconocer una línea de producción, la mayoría de veces de bajo presupuesto y con recursos mínimos, al margen de las convenciones y parámetros oficiales y/o comerciales, lo que le permite grandes posibilidades de innovación estética y formal, y que se practica en el Perú como en muchos otros países, pero que todavía no había sido visibilizada por el Estado. Como se trata de algo tan difícil de definir y juzgar a priori, será un concurso de obras terminadas, como en los cortometrajes, y sin duda también habrá que pensar en un jurado ad hoc para el género.

¿Se hará algún estudio para conocer mejor la realidad –en taquilla, número de producciones, nivel de capacidad técnica, etc.– del cine de regiones?
Se necesita hacer estudios no sólo sobre el cine regional sino de toda la actividad cinematográfica en el Perú, y audiovisual en general. Nuestro país, a diferencia de otros de la región, tiene un grave déficit en este campo y es escasa la estadística confiable de Industrias Culturales. Pero los estudios requieren gente, logística y por ende dinero. En la Dirección General de Industrias Culturales y Artes del Ministerio venimos impulsando la creación del Sistema de Información Cultural (SIC), que será una primera herramienta general de sistematización de la información cultural en el país, pero resulta insuficiente para las enormes necesidades informativas que se requiere. Quienes podrían empezar a asumir esta tarea son las Universidades y Facultades de Comunicación, que en alianza con el Ministerio así como las instancias regionales y locales, mapeen y monitoreen esta vital información cultural en todo el país, de forma permanente.

¿Se seguirán convocando concursos exclusivos para las regiones? ¿No sería mejor que todos compitan por igual, sin acciones afirmativas, para no decir discriminación positiva? ¿Una medida así no elevaría más el nivel de las propuestas en conjunto, que con un concurso aparte?
El Perú es un país de un aplastante centralismo, donde más del 80% de los servicios y profesionales audiovisuales se concentran en Lima. Los concursos exclusivos para regiones son efectivamente una forma de discriminación positiva, que parte de constatar esta desigualdad económica, social y cultural y como sucede en el caso de la cuota de género para los partidos políticos, se busca con la norma promocional tratar de compensar en algo las diferencias existentes. No puede haber competencia “por igual” si unos tienen más ventajas que otros, y difícilmente vamos a elevar el nivel si no afrontamos la brecha y permitimos un mayor acceso a los premios del Estado. Por este motivo, en esta administración tenemos el claro compromiso de no sólo mantener sino ampliar las partidas descentralizadas para llegar, por lo menos, a un 30% del total del presupuesto, en las diversas categorías, destinado al interior del país.

¿Se seguirá trabajando con jurados internacionales? ¿Será sólo para el concurso de ficción nacional, o también para los demás?
Sí, en la medida de lo posible se seguirá trabajando con Jurados Internacionales porque la experiencia ha sido positiva y da una mayor garantía de imparcialidad a los fallos. No en todas las categorías, porque la inversión es costosa, pero cuando menos en el de largos de ficción, que tiene los montos mayores en los premios.

¿Los pitchings de los distintos concursos serán públicos? ¿O seguirán siendo a puerta cerrada?
Es un tema que no he analizado, pero en principio me parece que deberían ser públicos, no veo razón alguna para que no lo sean. Creo que alguna vez un jurado observó esa posibilidad y por ello no se insistió en ese procedimiento, pero la verdad no encuentro razones para que los pitchings no sean abiertos al público. Por supuesto, previa inscripción.

Por último, ¿habrá algún tipo de investigación o auditoría a lo realizado por la última administración del Conacine? ¿Habrá sanciones si se encuentran irregularidades?
La auditoría de una gestión es un trámite siempre necesario en la administración pública, ya que se trata de velar por el uso correcto de recursos de todos los peruanos. No se busca acusar a priori a nadie, pero sí permitir que la investigación del ex Conacine se realice por los organismos pertinentes de control interno del Ministerio y la Contraloría de la manera más pulcra e imparcial posible. Y si se descubrieran irregularidades o manejos inadecuados, que sean estas mismas instancias y las que fijan las leyes, las que apliquen las sanciones a que hubiera lugar para los responsables, porque con la corrupción no puede haber tolerancia.

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Entrevista: Rodrigo Portales, Laslo Rojas y Gabriel Quispe.

Owen Wilson, el nuevo alterego de Woody Allen, vive su sueño cada noche en París

Antes de empezar a escribir acerca de esta película es preciso contar las circunstancias en las que la vi. Era mi último día en un lejano país del norte y, al no estar segura de que esta película la iban a estrenar en el Perú, opté por ir al cine con la maleta lista para realizar el viaje de regreso. Todo esfuerzo valía la pena si se trataba de ver la última película de Woody. También, antes de empezar a escribir acerca de esta película, es preciso decir que yo me declaro fan incondicional de este cineasta, al que le tengo un cariño especial, casi como si fuera un miembro de mi familia. Woody es alguien a quien sigo desde mi adolescencia cuando descubrí sus primeras películas de los ochenta, y luego, fascinada con ellas, hice el camino de regreso a los setenta, para finalmente seguirlo hasta la fecha en la que me encuentro en aquel cine alemán con una maleta enorme que incomoda a todos. Por último, y antes de empezar a escribir acerca de esta película, he de decir que uno de los momentos más emocionantes de mi vida fue el día en el que conocí a Woody. Sí, lo conocí en España, cuando se sacó el premio Príncipe de Asturias, y pude conversar con él unos minutos, tomarme la obligada foto y pedirle el obligado autógrafo, que quedó plasmado en el guión de “Manhattan” (edición Tusquets) y que es uno de los más preciados tesoros de mi biblioteca.

Ahora sí. Es el momento de empezar a escribir acerca de esta maravillosa película que me ha hecho feliz. Feliz, porque encontramos en este filme a un Woody que ya nos hizo felices antes, en entrañables películas como “Todos dicen te quiero”, en la cual también hay secuencias en París que pueden contarse como memorables en la historia del cine (al río Sena vuelve en esta ocasión con Owen Wilson, pero ahí, en ese mismo lugar, ya vimos volar a Goldie Hawn); feliz, porque nuevamente nos expone su visión del mundo, en la cual la fantasía se impone por sobre la realidad, para escapar de nuestras vidas grises, para poder ser capaces de todo, y encontramos, entonces, aquel espíritu que alguna vez estuvo en filmes como “La Rosa Púrpura del Cairo”; y feliz, porque descubrimos a un nuevo alter ego del gran Woody, un Owen Wilson a quien hemos visto antes pero nunca así, personaje con el cual nos identificamos inmediatamente y con quien queremos viajar a ese París del pasado. Y así, en medio de estos sentimientos, nos enfrentamos a un filme acerca de la búsqueda de la felicidad en este mundo confuso donde las apariencias engañan, pero, por sobre todo, este es un filme acerca de la ilusión, la creación y la nostalgia, y todo esto con ternura y sarcasmo al mismo tiempo, como en sus mejores películas.

Y mientras Owen Wilson camina por las calles de París pensando en aquella mujer que acaba de conocer en sus fantasías parisinas que empiezan a la medianoche (convirtiéndose casi en una Cenicienta revisitada, ya que a las doce no se acaba la magia sino que esta empieza), y mientras también vemos cómo se enfrenta a su frívola novia de la realidad gris para poder escribir, crear y ser feliz, (inspirado por el encuentro nocturno con Hemingway, Dalí, Picasso, Buñuel y tantos otros genios que se dieron cita en el París de los años veinte), nos transportamos a la magia de la mano de nuestro personaje, viajamos con él al pasado y nos enamoramos de él y con él: nos enamoramos de la calidez de los años veinte, de la genialidad de los años veinte, y queremos vivir en la ficción permanente a partir de este momento. Por eso, cuando se acaba la película, sentimos la indignación del fin de la ficción, y deseamos que por favor nos apaguen la luz nuevamente y que empiece otra vez Owen Wilson a viajar en el tiempo, para viajar nosotros también y seguir siendo felices.

Con esta película, Woody Allen no solo ha demostrado que sigue siendo joven y el gran cineasta que ya nos ofreció varias obras maestras a lo largo de cuatro décadas. Con esta película, nos ha demostrado, una vez más, que gracias a la ficción es que podemos vivir y ser capaces de soportar nuestra realidad muchas veces. Por eso, en medio de una cartelera gris, esta película es como una luz entre las tinieblas a la cual no podemos dejar pasar, o sea que vayan rápido a verla y sean felices también durante dos horas o más, si es que siguen soñando, como yo, que aún no me despierto y sigo, creo, sentada en la butaca de aquel país del norte, claro está, con una enorme sonrisa.

Midnight in Paris. Dir. y guion: Woody Allen | 94 mins | España y EE.UU. | 2011

Intérpretes: Owen Wilson (Gil), Marion Cotillard (Adriana), Rachel McAdams (Inez), Kathy Bates (Gert), Michael Sheen (Paul), Adrien Brody (Salvador), Nina Arianda (Carol), Mimi Kennedy (Wendy), Kurt Fuller (John), Carla Bruni (guía del museo), Léa Seydoux (Gabrielle), Tom Hiddleston.

Estreno en España: 13 de mayo de 2011.
Estreno en Perú: 8 de setiembre de 2011.

En 'Crazy, Stupid, Love', Julianne Moore destroza a Steve Carell. Mala mujer, mala.

Aunque en los últimos tiempos parece haberse convertido en una fiebre, la comedia romántica con múltiples puntos de vista y variados personajes (estilo película coral) no ha tenido afortunados resultados (Realmente amor, Día de San Valentín, etc.)

Loco y estúpido amor intenta darle una vuelta de tuerca a la fórmula y plantea sus propias reglas. Dirigida por Glenn Ficarra y John Requa -responsables de “Una pareja despareja” (I Love You Phillip Morris (2009)-, narra la historia de Cal (Steve Carell) y Emily (Julianne Moore), pareja con casi 25 años juntos que decide separarse luego de que ella, en medio de una cena, confiesa una infidelidad con un compañero de trabajo (Kevin Bacon).

Adicionalmente, se cuentan las historias del mujeriego Jacob (Ryan Gosling) y la entusiasta Hannah (Emma Stone), quienes se encuentran en un bar y luego, aparentemente, tienen existencias separadas. Finalmente, se narran los despertares adolescentes de Robbie (Jonah Bobo) y la niñera, Jessica (Analeigh Tipton), quienes tratan de seguir con sus sentimientos a flote, aunque con destinatarios distintos. Los personajes tienen más coincidencias en común de lo que parece, como ya es clásico en este tipo de filmes.

Esta rápida y muy apretada síntesis permite descubrir dos virtudes muy interesantes, que desde el principio abonan a favor de Loco y estúpido amor. La primera es sin duda ese carácter ácido y sarcástico, esa dosis de ironía y humor negro que la constituyen en su mejor arma contra las predecibles rivales que le tocan. Ese afán por empezar derribando mitos que no deben tocarse en el cine para grandes masas (la mujer infiel, la adolescente que fantasea sexualmente con moldes adultos, el fracasado sin charm, el pendejito sin remordimientos) le imprimen una voz fresca, cercana al cine independiente estadounidense.

Evidentemente eso se manifiesta en la primera hora de la película, en la que las historias se van alineando de modo coherente, impecable. La narración es adecuada y encontramos a los personajes en su mundo, con sus particulares dilemas y su esquema de vida. La forma cómo se van descubriendo a sí mismos tiene guiños de primera línea. Es como un ajedrez que procura jugarse y armar sus piezas fina y elegantemente.
Pero adicionalmente al feeling, lo segundo que impresiona en la pela es el elenco actoral, uno de los más increíbles que se haya encontrado en esta oportunidad (a los que se incluye la magnífica Marisa Tomei, en un breve pero desternillante papel).

Steve Carell, ya sabemos, debe ser en la actualidad uno de los mejores comediantes de su generación. Lo demuestra en este personaje (variante del loser de “Virgen a los 40″ y del hombre común y silvestre envuelto en situaciones desconcertantes de “Una noche fuera de serie”), taciturno, desolado, nostálgico, pero desaliñado, torpe, en busca de un lugar dentro de los encajados. Carell hace su papel de freak con una soltura que contagia y provoca sonrisas cómplices. Descubrirse ingenuo y sin conocimiento de la vida social, luego de un largo matrimonio, tratando de cambiar a la prepo, torpe pero entusiastamente, es como para celebrarlo sinceramente.

Su contraparte en esta búsqueda es el personaje de Ryan Gosling, que se encuentra con una nota muy diferente a lo último que ha hecho (léase, por ejemplo, “My Blue Valentine”). Los mejores momentos de Gosling son los que contrapuntea sus conocimientos de playboy con el desconcertado Carell, en los que se encuentra realmente una empatía que hace crecer a la película.

Emma Stone, the perfect combination of sexy and cute

No podemos decir menos de las actrices femeninas. Julianne Moore es una de las más importantes protagonistas de Hollywood y su registro de giros discursivos, de sonrisas histéricas, de lágrimas que generan risas es inacabable. Da gusto verla mover sus mejores gags frente a Carell. Otro tanto podríamos decir de Emma Stone, quien saca sus mejores recursos de “Easy A” y los refuerza con guiños bastante convincentes. Escenas como la primera cita romántica con Gosling son memorables, en parte, por la performance de Stone, sexy y tierna a la vez. Sin duda, estamos vislumbrando el ascenso de una estrella de las características de la Julia Roberts de sus inicios, aunque obviamente con más actitud y recursos.

Escribo bastante del elenco de actores porque, precisamente son ellos los que permiten que sea creíble un guión que empezó bueno y luego se convierte en una sucesión de fórmulas muy manidas que buscan contentar a todos, forzando a más no poder un happy ending que claramente es complaciente con las audiencias más despistadas y contradictorio, incluso, con su planteamiento inicial. Sin contar que en la segunda hora, la cinta se contagia de una verborragia chocante, donde todo se quiere “contar” en el afán de cerrar la trama. Lo que es crítica y hedonismo, lo que es inefable y cínico en ese punto se torna sentimental (sensiblero, a veces), demagógico, alegre. Es decir, se vuelve “familiar”, en el peor sentido cinematográfico del término.

Pero, para creerle parte (o todo) y salir con algunas –o varias– sonrisas del cine al ver Loco y estúpido amor están sus protagonistas. No solo los ya mencionados, sino también fenómenos como Kevin Bacon (desperdiciado en un papel menor, pero, sin embargo, soberbio en su ejecución) o Marisa Tomei (adorable como siempre, aun cuando haga el papel de una profesora insoportable). Ese duelo histriónico, donde parecen pasarla bien pero al mismo tiempo luciendo sus mejores momentos (algunos diálogos agudos, la inteligencia palpable de un puñado de escenas), ayudan a darle a esta película la cuota de simpatía y calidad que hacen, por un momento, tolerar sus lugares comunes, sus clichés o sus carencias.

Crazy, Stupid, Love. Dir. Glenn Ficarra y John Requa | 118 min. | EE.UU | 2011

Intérpretes: Steve Carell, Ryan Gosling, Julianne Moore, Emma Stone, Marisa Tomei, Kevin Bacon, Josh Groban, Analeigh Tipton, John Carroll Lynch, Joey King, Crystal Reed.
Guion: Dan Fogelman.
Producción: Steve Carell y Denise Di Novi.

Estreno en Perú: 1 de setiembre de 2011.
Estreno en España: 7 de octubre de 2011.