Ten Skies

Según la ortodoxia teórica, que asimiló los criterios pictóricos para analizar un filme y creyó en el montaje como única “etapa creadora” en el cine, lo que hace James Benning no es arte, pues “solo reproduce la realidad”, no la desvía lo suficiente de su naturaleza como para aceptarlo como una producción, siendo apenas reproducción: resultado del impersonal trabajo de recopilar datos con la cámara, decían. Obviamente, por razones cronológicas, estos pioneros de la teoría cinematográfica (el poeta Vachel Lindsay, el estudioso alemán Rudolph Arnheim y el también documentalista Paul Rotha) no se refirieron al propio Benning sino al estilo que ejecuta, que desatiende la “mística de la imagen”, insistente en que los atributos de la cámara sean empleados expresivamente con el objeto de personalizar el plano (con movimientos, angulaciones, zoom) y hacerlo plástico (con iluminación y otros decorados).

Los conceptos de la también llamada teoría establecida eran incapaces de distinguir lo que hacían los Lumière con lo que posteriormente filmarían o Andy Warhol o Michael Snow o el mismo Benning. Solo subjetividades o excepciones a sus estrictas reglas permitirían valorarlos en una acción amplio contradictoria a sus principios arbitrariamente estudiados. Las décadas pasaron y el debate por la legitimación del cine como arte fue ganada, sin embargo los argumentos de defensa amparados en los dogmas establecidos de las Bellas Artes debían replantearse en pos de concluir otros estrictamente filmológicos, ya no sometidos al contexto que desdeñaba al cine como “teatro encapsulado” y por ende despistaba la discusión a una vindicativa.

Los tiempos que corren permiten a las nuevas generaciones ver cine sin los prejuicios de otrora. Hoy, el espectador entrenado no se molesta en clasificar una producción entre documental o ficción si esta lo reta, pues la respuesta (también arbitraria) no la hace ni mejor ni peor película. Así es el caso del mencionado James Benning, quien dice también ser un narrador, aunque uno no convencional; narrador porque siempre dicta algo tras la sucesión de sus imágenes, las cuales no son tiradas al azar por más que parezcan autónomas una de la otra. Que 13 Lakes (2004) sea una compilado de trece planos de trece lagos norteamericanos de diez minutos de duración cada toma no significa que carezcan de significación como conjunto, quizás sí de una figurativa o lineal, mas no de una intuitiva que propicie reflexiones varias. Lo propio con los cielos de Ten Skies (2004).

Twenty Cigarettes

La duración de cada uno de los veinte planos/tomas de Twenty Cigarettes no la marca el máximo que le permite la bobina de 16mm (que es diez minutos), como en las dos películas antes mencionadas, sino el tiempo que hace durar cada sujeto su cigarrillo. Así, Benning como ‘director’ da espacio a la impro de sus ‘actores’: cada plano/toma/secuencia dura lo que el fumador quiere que dure, solo subordinado por la resistencia del bocado de nicotina una vez encendido. Similar es el caso de su RR (2007), que sujeta la duración de su toma al paso de cada uno de los trenes que filma. En ambas películas, Benning se somete a su materia de rodaje (trenes, cigarrillos) y no a su material de rodaje (bobina) por concesión a lo efímero pero valioso, a lo irrepetible de un acto aparentemente mecánico como el de fumar o de una situación tan redundante como el paso de un tren por la misma vía férrea: el cuadro lo parece mas no es siempre el mismo.

En Tweenty Cigarettes el ejercicio es más dinámico y próspero: el estudio del gesto humano como fin. Cada pose del fumador envía información al espectador acerca de su conducta y manera de sentir el placer; cuales terapeutas, evaluamos cada guiño porque la extensa duración de cada toma nos invita a hacerlo. El cigarrillo funge como cronómetro, marcando el tiempo que nos permita admirar cada gesticulación del ‘actor’ en un plano único mas no inalterable, pues el humo que éste exhala tras cada aspiración densifica el encuadre, lo dota de otra textura. De un solo acto (el de fumar) recibimos y procesamos datos antes de repetir el ejercicio con la siguiente secuencia. El cerebro traquetea tras cada colilla apagada.

Teórica y funcionalmente, Benning no filma ‘primeros planos’ de sus ‘actores’, sí los ‘grandes planos’ definidos por Sergei Eisenstein como oposición a la teoría de los americanos. Dijeron los rusos que el plano de un rostro no sólo representaba el detalle de la expresión sino que sus posibilidades estéticas y emotivas eran importantes. Aunque americano, James Benning así lo entiende: cada rostro hace muchas caras entre humo y ruidos en off que también componen el encuadre. Expresan más de lo que quisieran.

Otra fumadora en Twenty Cigarettes

Dice el crítico Jonathan Rosenbaum que las ‘construcciones’ -ojo, no documentales- de James Benning “abordan todo Norteamérica” (“tackle this country as a whole“); ergo, dicha lógica indicaría que Twenty Cigarettes “aborda todo el globo”. No por la obvia certeza de que en todo el mundo se fuma tabaco ni tampoco porque las expresiones humanas, sin considerar la raza, son similares por cuestiones de especie, pese a que las distintas idiosincrasias mal que bien condicionan ciertas (re)acciones, sino por el simple hecho de que transportara su cámara a distintos continentes para registrar fumadores de Corea y México, de Inglaterra y Tailandia, de Nigeria y Estados Unidos, estructurando un ensayo sobre la significación del gesto y su funcionalidad como narración, a propósito del acto reflexivo de fumar, que es lo que más se parece a hacer algo sin hacer nada.

La mística del montaje, que dominó el desarrollo de la teoría establecida, y que refiere al montaje como la verdadera etapa creadora en el cine, tampoco saludaría el cine de James Benning. Irónicamente, en la primera mitad del siglo XX este cineasta mayor hubiera sido confundido con un tomador de vistas empleado de Pathé.

Necesariamente no todo tiempo pasado fue mejor.

Estéticamente virtuosa pese a rodarse austeramente, Aitá es una película de ribetes místicos, que enfrenta a la fe y al ateísmo en variadas representaciones. La plaza neutra del conflicto es la vieja casa deshabitada, histórico Palacio de Murguía en el País Vasco, a la que no se la presenta ni célebre ni contrariamente marchita: ambigua, no se distingue entre monasterio o residencia fantasmal. Tal palacio funge como un espacio de la “realidad” dispuesto a ser manipulado por los recursos expresivos del cineasta donostiarra.

La cámara reposa sobre espacios de la casona absorbidos por la obscuridad: pasillos, salones y habitaciones que no distinguimos sino hasta el ingreso de la luz natural por ventanales y puertas. Sabemos que estamos dentro de la casona, sobre tal o cual pasillo, porque la luz natural –invasora, según el descreído viejo guardián– venida del exterior del encuadre nos lo aclara, configura la imagen. Sin embargo, De Orbe también aplica ese concepto para el registro auditivo: los planos de los recovecos obscuros del palacio atienden a una impronta fantasmal por los sonidos de los pasos del vigilante impenitente que se oyen y dejan sentir pese a estar él fuera del encuadre. Aquí, el eco de las pisadas invade el espacio que la luz no ocupa. Entonces, es trascendental el espacio off del cuadro (la luz y el eco) por su influencia en la forma y sentido final de los planos.

Así, cada recoveco del palacio defiende desde su naturaleza fantasmagórica o mística, definido por su ubicación en el espacio palaciego, no la conclusión del filme, que se plantea como palestra del debate, sino la de un lugar aviejado y olvidado como los hay a lo ancho del mundo. Es un inmueble deshabitado y añejo, ¿un lugar de culto o un aposento de espíritus? El duelo se hace declamatorio en las tertulias ácidas entre el sacerdote y el guardia del palacio (foto), tratando la muerte, la fe y el tiempo como asuntos de la hora del té. Simpáticos diálogos que redundan lo dicho sutilmente en imágenes. Como moderador de la controversia, De Orbe filma un plano/secuencia de consenso que remata la película, donde el cura y el vigilante, acallados, comparten vino.

Más que sobre la memoria, Aitá reflexiona sobre lo que se lleva consigo el paso del tiempo: gentes, legados, épocas. De ahí el found footage, de fotogramas corroídos de películas soterradas del cine mudo español, proyectado sobre desgastados muros de la casona. El tiempo que lo descompone todo y el silencio de testigo.

Abril es temporada de caza para los cinéfilos de Latinoamérica. Durante los días del Bafici no hay quien no cace buena presa. Y es que la oferta es tanta que es prácticamente imposible volver con las manos vacías o con decepciones inconsolables. De las notables hay varias y tendrán su espacio, no obstante ahora me ocupa Aitá, del español José María de Orbe, injustamente refundida en la sección Diálogos. Sin embargo, no sería tan placentero el descubrimiento si hubiese sido anunciada con pompa. Las cualidades de esta modesta gran película no permitieron tal parafernalia.

Aitá es un díptico dividido en Padre y Carta al hijo –largo y cortometraje, respectivamente-; la que ahora nos ocupa es la versión corta, la reeditaba bajo otro concepto. Los planos fijos sobre los diferentes espacios de la desolada casa –nada menos que el Palacio de Murguía- no connotan precisamente despojo y soledad porque los pasos del cuidador impenitente de la misma se oyen y dejan sentir desde cada rincón. Así, damos cuenta de una presencia que si bien muchas veces no se ve, ahí está, dejando la sensación de una casa con vida o cuidada por las vidas que otrora la ocuparan.

En diferentes pasajes de la película, el director nos lee (voz en off) las líneas de una carta que recibió junto con la herencia del castillo. Esa carta, de texto reflexivo y cursi, otorga un tono solemne a la propuesta, la hace elegante y nostálgica; no es una gran pluma la que la escribió aunque sí una muy apasionada. Pareciera un recital sobre los tiempos que ya se fueron, los cuales la casa representa perfectamente.

Creemos a Carta al hijo una hermosa película de fantasmas; invisibles y silenciosos no los vemos, pero los sentimos en cada plano. El Palacio de Murguía está desolado para quienes solo miran con los ojos.

De izq a der: Los tres jurados del BAL, el ítalo-alemán Vincenzo Bugno, la catalana Marta Andreu y el argentino Andrés Di Tella. Junto a las responsables del BAL, Violeta Bava e Ilse Hughan (Fundación TyPA), y el director artístico del BAFICI, Sergio Wolf.

Premio ARTE, 5 mil euros: Sombie, de Santiago Fillol.

1er Premio Cinecolor-Kodak, para revelado y material fílmico: Carlos Leiva (director) y Dominga Sotomayor (productora), ganadores por El primero de la familia.

2° Premio Cinecolor-Kodak: Los hongos, de Oscar Ruiz Navia (Colombia). Producido por Diana Bustamante (Colombia).

Premio FIDMarseille - FIDLab: La guerra submarina, de Alejo Moguillansky (Argentina). Producido por Laura Citarella e Iván Granovsky.

Premio Binger Filmlab: A mémoria é o músculo da imaginacao, de Flavia Castro (Brasil). Producido por Flavia Castro, Gisela Camara y Gabriel Durán.

Premio CPH:DOX - CPH:LAB: Me perdí hace una semana, de Iván Fund (Argentino). Producido por Iván Eibuszyc.

Work in Progress

Premio Mantarraya y Premio NCP-Holland: De jueves a domingo, de Dominga Sotomayor (Chile-Argentina-Holanda). Producido por Benjamín Domenech (Argentina).

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Premio Estudio Ñandú: El ojo del tiburón, de Alejo Hoijman (Argentina). Producido por Gema Juárez Allen y Luis Ángel Ramírez.

Premio Tauro Digital y Premio Lahaye: Aurora, de Nele Wohlatz (Argentina). Producido por Gerardo Naumann.

Viejo conocido de los festivales de Rotterdam y Pusán, Corea del Sur, el tailandés formado en el documental y objeto favorito de la censura Thunska Pansittivorakul, presentó -no la polémica sino la desconcertante- The Terrorists, quinto largo con el que se adentra a la masacre de Bangkok perpetrada en mayo del 2010. Este ensayo documental se sirve de distinto material de archivo que evidencia principalmente al ejército como el autor de la masacre, ayudado de bárbaros asesinos a sueldo; éste es de una contundencia visual impactante, que supera cualquier valor crítico sobre su estética más bien motivando la indignación y terror hacia la especie misma. El humano como monstruo. La sala quedó enlutada tras su final.

Thunsa sabe que las pantallas tailandesas no lo reciben, por eso construye su película para público del exterior, que supo del atentado solo por breves líneas de las secciones internacionales de los diarios. Acápite aparte son las escenas eróticas -con eyaculación explícita- que motivaron la repulsión del público que no la pudo soportar. Es una película atrevida que obliga a reflexiones varias. En un próximo texto a modo de balance ampliaremos el comentario.

En Argentina se percibe un disgusto hacia el cine de su propio país, nada gratuito, por cierto. Es por eso que la Competencia de Cine Argentino se presenta como la menos atractiva del amplio programa del festival. Muchos jóvenes cineastas están cayendo en la repetición y en la más pura monotonía. La falta de talento se nota cuando no se tiene nada qué decir, anclando la cámara y no sugiriendo nada más que quietud. Aunque igual de malos, también hay de los otros casos, de los increíblemente pretenciosos, que derrochan academicismo como si fuera como derrochar erudición. Ese es el caso de Matías Piñeiro con Rosalinda, que reflexiona sobre la actuación como aspecto teatral al hacer interpretar a sus personajes pasajes de “Como les guste” de William Shakespeare en una ribera pantanosa.

Piñeiro pretende contrastar la artificialidad de la actuación con lo natural del contexto, haciendo un juego “cinematográfico muy original y sugerente”. Cuando los personajes no recitan los parlamentos de Shakespeare divagan en lagos, cabañas y hacen el amor. Otra cosa es El estudiante, de Santiago Mitre, cinta política estudiantil que será motivo de un próximo texto. Debería estar en el Festival de Lima. Digo nomás.

Sergio Wolf, Tina Fischer y Violeta Bava

Violeta Bava, programadora del BAFICI

Ilse Hughan, directora del BAL

Cameron Bailey, Codirector Festival de Toronto

La noche anterior, en el “Drink and empanadas”, el lente de Renzo Alva (todos saluden a Renzo, nuestro fotógrafo en el Bafici) captó la contagiosa risa del caleño.

Todos nos podemos relacionar con una banda como Café Tacvba, ya sea personalmente, con sus temas más conocidos, populares y fiesteros; o a través de algún conocido, muy cercano o no tanto, alguien que se conoce toda la discografía y biografía de los cuatro de México.

Mi caso pertenece un poco a ambos grupos: siempre escuché la banda, o mejor dicho escuché sobre la banda, de su existencia y su fama, y conocía sus canciones más radiales. Fue recién con los últimos discos que le presté la atención debida, y bien merecida, como luego comprobé. Pude hacer mías varias de sus canciones y disfrutar sus conciertos como un fan más. Cuando conocí ciertas personas que tienen a los Cafeta como algo realmente muy, muy especial, ese respeto y cariño que tenía por los mexicanos creció aun más.

Siento algo de orgullo, no sé si tonto o provinciano, pero orgullo compartido al fin, cuando escucho en este documental Seguir siendo a diversas personas que saben de lo que hablan cuando se trata de música, referirse tan bien y tan alto de Café Tacvba: “están al nivel de artistas como The Beatles, U2, Radiohead”, “están entre las mejores bandas de la historia, y punto”. Así de rotundo.

Esta película está llena de momentos así de entrañables, es un detrás de cámaras de la vida de la banda, una mirada íntima a sus giras, su chamba diaria, su proceso creativo, y sus problemas, que los tienen. El tour por Japón es el climax de la expresión de una fanaticada y reconocimiento realmente global. La película además toma prestado el título de la sentida, oscura canción que escribió Quique. Quizá este haya sido un dato de trivia que algunos fans ya conocían, pero para los que no, la revelación que se registra en este documental, el momento en que el bajista confiesa que “Seguir Siendo soy yo”, cala profundo, y hace que uno escuche esta canción con otros oídos, pensando a partir de ahora en el tipo parado allá al fondo, detrás del cantante.

En las imágenes utilizadas para este documental no aparecen sus conciertos en Lima, pero sí uno en Buenos Aires, además de una aparición fugaz de Cerati, en otro momento. Eso le dió un toque especial a su presentación anoche en el BAFICI. (Con el entusiasmo cargado luego de esta función me animo a sugerir a los fans de Cafeta en Perú que organizen una proyección oficial del documental en Lima. Si ya lo han hecho, o lo piensan hacer, por favor avísennos).

Para poder disfrutar y emocionarse con esta película no hace falta ser fanático ni gran conocedor de “Rubén y los Tiesos”, que es como Meme llama a la banda, en plan de joda. Basta querer la música y a sus creadores, unos tipos, que si no los terminas queriendo, te meten un par de balazos pa’ que te duela!

Véanlo el viernes 8 a las 23:45 en el Cosmos; sábado 9 a las 20:30 en el Malba; viernes 15 a las 15:30 en el Atlas Santa Fe.

En su más reciente película, Abbas Kiarostami realiza su propio Viaggio in Italia. Más que una copia fiel del clásico de Rossellini, esta Copie conforme es una obra original, moderna, en la línea de dicha película, y de otras más recientes, con las cuales encontrarán muchas similitudes. Me referiré a dos en particular: Before Sunrise y Before Sunset, uno de mis dípticos favoritos.

La cada vez más hermosa y deliciosa Juliette Binoche bien podría ser nuestra querida Céline, unos 15 años después que le advirtiera you are gonna miss that plane a Jesse. Ahora ella tiene un hijo, aun tiene un gato, siempre sabe disfrutar del buen arte, y continúa siendo algo histérica, siempre bella, pero medio loca. Él, por su parte, sigue siendo un escritor popular, solo habla inglés, ahora ya no es un norteamericano sino un refinado británico (interpretado por el cantante de ópera William Shimell), no se lleva muy bien con su pareja, y siempre tiene que regresar a la hora señalada para tomar, ya no un avión, sino el tren.

Pocos como Kiarostami para filmar con tal maestría la belleza y frescura de los caminos al natural, la campiña italiana en Toscana se presta como escenario ideal para los intercambios y diálogos entre Binoche y Shimell, piloto y copiloto en otro escenario preferido del iraní: los automóviles. Conversaciones que saltan del francés al inglés, con toques de italiano, todos igualmente disfrutables para el oído.

Entre flirteos y desaires, reflexiones que pueden ser filosóficas o cotidianas, esta pareja juega con nosotros los espectadores y nuestra sensación de lo que es real y lo que no. Ambos nos miran directamente a los ojos y nos engañan, o no. La pasión que comparten el uno por el otro, sus recuerdos de un amor que ha cambiado para bien o para mal, sus errores y perdones, todas esas sensaciones traspasan la pantalla a veces solo con un ligero abrazo de él, o una lágrima que cae en el rostro de ella. Si es una relación original o una copia de algo que ya fue, eso no importa demasiado. Es el camino, el recorrido, las arrugas, las canas, los años vividos lo que queda al final de cada pareja.

Véanla el sábado 9, a las 14hrs, en el Atlas Santa Fe.

En esta 13 edición del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires se han programado 427 películas, de las cuales 325 son largometrajes y 102 cortos. Argentina, jugando de local, participa con un vendaval de producciones, 101 filmes en total (42 largos y 59 cortos), incluyendo el filme de apertura, Vaquero, de Juan Minujín. Destacable, ya que desde el 2001 el Bafici no abría con una opera prima local.

Perú por su parte, tiene una modesta participación con 3 cintas: Reminiscencias, de Juan Daniel Fernández, quien fuera nuestro corresponsal y compañero de andadas en el Bafici en años pasados, y ahora regresa por todo lo alto como parte de la programación oficial del festival. La película de JD estará en la sección “Flashback”. Otra película peruana incluida en el festival es Autorretrato sonoro, un corto documental dirigido por el reconocido músico limeño Manongo Mujica, estará en la sección “Arte y Aparte”. Además figura el cortometraje Fishing in Esperanza, del noruego Anders Flatlandsmo, una coproducción peruano-argentina que se presentará en la sección dedicada a los cortos argentinos. Rarezas que uno encuentra en el Bafici.

Otras delegaciones a destacar son las de Chile, con 15 filmes, que incluyen lo último de Fuguet, Larraín, Torres Leiva, Guzmán, entre otros. Uruguay participa con 9 películas, destacan el trabajo de Hendler, Garay, Veiroj. México, con 14 filmes, entre producciones propias y varias coproducciones, incluyendo el documental sobre Café Tacvba, que ya vi y espero volver a ver en pantalla grande.

España cruza el charco con una generosa delegación conformada por 20 cintas, destacan la ganadora de Rotterdam, Finisterrae; lo nuevo de Mercedes Alvarez, ganadora del BAFICI 2005; y el regreso de Torrente (que se presentará en 3D para mayor gloria del pelado Santiago Segura).

Brasil aporta 10 filmes, Colombia viaja con 4 películas, Venezuela llega con 2 filmes (uno de ellos una producción del chileno Patricio Guzmán, de 1992), Bolivia aporta 3 filmes (uno de ellos un clásico de 1930).

Cierran la tabla de posiciones, Paraguay que llega con 2 cintas, y Ecuador que llevará un documental, coproducción con Chile.

Como de costumbre, estaremos en Buenos Aires cubriendo el festival en el Abasto, esta vez acompañando a Juan Daniel en la presentación de su película, a John Campos que estará en el Talent Campus para prensa, a Mauricio Godoy, también en el Talent para realizadores, y a otros peruanos que no este abril no elegirán presidente pero sí películas por ver.

A continuación la lista completa de películas, gracias a Otros Cines (revisen también las 40 recomendadas por Diego Lerer):

APERTURA
-Vaquero (Argentina, 2011, 87’), de Juan Minujín, con Guillermo Arengo, Daniel Fanego, Pilar Gamboa, Juan Minujín, Esmeralda Mitre y Leonardo Sbaraglia

CLAUSURA
-Nader and Simin, a Separation (Irán, 2011, 117’), de Asghar Farhadi

COMPETENCIA INTERNACIONAL
-At Ellen’s Age / Im Alter von Ellen (Alemania, 2010, 95’), de Pia Marais
-El estudiante (Argentina, 2011, 124’), de Santiago Mitre, con Esteban Lamothe y Romina Paula
-Yatasto (Argentina, 2011, 95’), de Hermes Paralluelo
-Os monstros (Brasil, 2011, 81’), de Guto Parente, Luiz Pretti y Pedro Diogenes
-Shelter / Podslon (Bulgaria, 2010, 88’), de Dragomir Sholev
-Mercado de futuros (España, 2010, 113’), de Mercedes Álvarez (documental)
-The Ballad of Genesis and Lady Jaye (Estados Unidos, 2011, 72’), de Marie Losier (documental)
-La Lisière (Francia-Alemania), de Géraldine Bajard, con Melvil Poupaud, Audrey Marnay, Hippolyte Girardot
-Qu’ils reposent en révolte (Des figures des guerres) (Francia, 2010, 175’), de Sylvain George
-Attenberg (Grecia, 2010, 95’), de Athina Rachel Tsangari
-Wasted Youth (Grecia, 2011, 98’), de Argyris Papadimitropoulos y Jan Vogel
-Las Marimbas del Infierno (Guatemala-Francia-México, 2010, 73’), de Julio Hernández Cordón
-Le quattro volte (Italia, 2010, 88’), de Michelangelo Frammartino (documental)
-Household X / Kazoku X (Japón, 2010, 90’), de Kôki Yoshida
-A espada e a rosa (Portugal-Francia, 2010, 140’), de João Nicolau
-Morgen (Rumania-Francia-Hungría, 2010, 100’), de Marian Crisan
-Tilva Rosh (Serbia, 2010, 99’), de Nikola Lezaic
-Norberto apenas tarde (Uruguay-Argentina, 2010, 88’), de Daniel Hendler
-La vida útil (Uruguay-España, 2010, 67’), de Federico Veiroj

COMPETENCIA ARGENTINA
-Amateur, de Néstor Frenkel (76’), con Jorge Mario y Ofelia Graziano de Mario
-La carrera del animal (73’), de Nicolás Grosso, con Julián Tello y Lautaro Vilo
-En el futuro (62’), de Mauro Andrizzi, con Luis Machín y Sergio Boris
-Enero (70’), de Cynthia Grabenja y Marcelo Scoccia, con Emiliano Portino y Flora Gró
-Hoy no tuve miedo (120’), de Iván Fund, con Araceli Castellano y Belén Werbach
-Novias – Madrinas – 15 años (60’), de Diego Levy y Pablo Levy, con José Antonio Espido y Héctor Alberto Pasalaqua
-Ostende (85’), de Laura Citarella, con Laura Paredes y Julián Tello
-Las piedras (75’), de Román Cárdenas, con Román Cárdenas y Mariana Padial
-La pileta (63’), de Matías Bringeri, con Alfredo Brezina y Diego Pujol
-Sipo’hi – El lugar del manduré (70’), de Sebastián Lingiardi, con Gustavo Salvatierra y Félix Segundo
-Un mundo misterioso (Argentina-Alemania, 107’), de Rodrigo Moreno, con Esteban Bigliardi, Cecilia Rainero y Rosario Bléfari

-Fuera de competencia: Rosalinda (Argentina-Corea del Sur, 40’, de Matías Piñeiro, con María Villar y Agustina Muñoz

-Función especial: Los Marziano (90’), de Ana Katz, con Guillermo Francella, Mercedes Morán, Arturo Puig y Rita Cortese
-Función especial: Medianeras (Argentina-Alemania-España, 90’), de Gustavo Taretto, con Pilar López de Ayala, Javier Drolas, Inés Efron y Rafael Ferro

COMPETENCIA CINE DEL FUTURO
-Canción de amor (Argentina, 65’), de Karin Idelson
-El fantástico mundo del cropogo (Argentina, 63’), de Wenceslao Bonelli
-Mensajero (Argentina-España-Alemania, 85’), de Martín Solá
-Teoría de cuerdas (Argentina, 70’), de Luján Montes, Gabriel González Carreño, Clara Frías, Laura Focarazzo, Oscar Maio, Luciana Foglio, Eugenia De Rossi, Sergio Brauer, Juan Tancredi, Antonio González Mediondo y Amado Casal.
-True Love (España), de Ion de Soaa
-Finisterrae (España, 80’), de Sergio Caballero
-La vida sublime (España, 90’), de Daniel V. Villamediana
-Aardvark / Cerdo hormiguero (Estados Unidos, 80’), de Kitao Sakurai
-Música campesina (Estados Unidos.Chile, 100’), de Alberto Fuguet
-Silver Bullets (Estados Unidos, 70’), de Joe Swanberg
-Fading (Francia, 65’), de Olivier Zabat
-Fleurs du mal (Francia, 98’), de David Dusa
-Snap (Irlanda, 86’), de Carmel Winters
-Good Morning to the World!! (Japón, 81’), de Satoru Hirohara
-Verano de Goliat (México-Canadá, 76’), de Nicolás Pereda
-The Arbor (Reino Unido, 90’), de Clio Barnard
-Separado! (Reino Unido-Argentina-Brasil, 84’), de Gruff Rhys y Dylan Goch
-Day Is Done (Suiza, 111’), de Thomas Imbach
-The Terrorists/Poo kor karn rai (Tailandia-Alemania, 103’), de Thunska Pansittivorakul
-Year without a Summer (Malasia, 90’), de Chui Mui Tan

BAFICITO
-A pas de loup (Bélgica-Francia, 77’), de Olivier Ringer
-31 minutos, la película (Chile, 87’), de Álvaro Díaz y Pedro Peirano
-The Apple and the Worm (Dinamarca, 75’), de Anders Morgenthaler
-The Great Bear (Dinamarca, 73’), de Esben Toft Jacobsen
-Allez raconte! (The Storytelling Show) (Francia-Luxemburgo-Bélgica, 77’), de Jean-Christophe Roger
-Eep!/¡Pío pío! (Holanda / Bélgica, 81’), de Ellen Smith

TRAYECTORIAS
-American Passages (Francia, 2011, 120’), de Ruth Beckermann
-Anti Gas Skin (Corea del Sur, 2010, 123’), de Kim Gok y Kim Sun
-Aurora (Rumania-Francia, 2010, 181’), de Cristi Puiu
-La Belle endormie (Francia, 2010, 82’), de Catherine Breillat
-Caterpillar (Japón, 2010, 85’), de Kôji Wakamatsu
-Cave of Forgotten Dreams (Francia, 2010 , 90’), de Werner Herzog. EN 3D.
-Copie conforme (Francia-Italia, 2010, 106’), de Abbas Kiarostami
-Curling (Canadá, 2010, 92’), de Denis Côté
-Dharma Guns (Francia-Portugal, 2010, 93’), de F.J. Ossang
-Essential Killing (Polonia-Noruega-Irlanda-Hungría, 2010, 83’), de Jerzy Skolimowski.
-Get Out of the Car (Estados Unidos, 2010, 34’), de Thom Andersen
-Hahaha (Corea del Sur, 2010, 116’), de Hong Sang-soo
-Oki’s Movie (Corea del Sur, 2010, 80’), de Hong Sang-soo
-Haru’s Journey (Japón, 2010, 134’), de Masahiro Kobayashi
-Katka (República Checa, 2010, 90’), de Helena Trestíková
-The Last Revenge (Alemania Occidental, 1981, 85’), de Rainer Kirberg
-The Sleeping Girl (Alemania, 2011, 105’), de Rainer Kirberg
-Mammuth (Francia, 2010, 90’), de Benoît Delépine y Gustave Kervern
-Meek’s Cutoff (Estados Unidos, 2010, 104’), de Kelly Reichardt
-Mistérios de Lisboa (Portugal, 2010, 266’), de Raúl Ruiz
-La muerte de Pinochet (Chile, 2011, 70’), de Bettina Perut e Iván Osnovikoff
-Nostalgia de la luz (Chile-Francia, 2010, 90’), de Patricio Guzmán
-O somma luce (Francia , 2009, 17’), de Jean-Marie Straub
-On Rubik’s Road (Letonia, 2010, 30’), de Laila Pakálnina
-Peace (Japón-Estados Unidos-Corea del Sur, 2010, 75’), de Kazuhiro Soda
-Pink Saris (Reino Unido, 2010, 96’), de Kim Longinotto
-Poetry (Corea del Sur, 2010, 139’), de Lee Chang-dong
-Rent Boys/Die Jungs vom Bahnhof Zoo (Alemania, 2011, 83’), de Rosa von Praunheim
-Road to Nowhere (Estados Unidos, 2010, 121′), de Monte Hellman
-Sleeping Sickness (Alemania-Francia-Holanda, 2011, 91’), de Ulrich Köhler
-Solar System (Alemania, 2011, 100’), de Thomas Heise
-Tournée (Francia, 2010, 111’), de Mathieu Amalric
-The Turin Horse (Hungría-Francia-Alemania, 2010, 146’), de Béla Tarr
-Twenty Cigarettes (Estados Unidos, 2011, 99’), de James Benning
-El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (Tío Boonme)/Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (Reino Unido-Tailandia-Alemania-Francia-España, 2010, 114’), de Apichatpong Weerasethakul
-Señorita candidata (Uruguay, 2010, 34’), de Aldo Garay
-La gloria de Hércules (Uruguay, 2010, 20’), de Aldo Garay
-Un encuentro con Beti Faría (Uruguay, 2010, 24’), de Aldo Garay
-El casamiento (Uruguay-Argentina), de Aldo Garay

-Función especial: Torrente 4: Crisis letal (España, 2011, 93’), de Santiago Segura. EN 3D

PANORAMA
-Amor robot (Uruguay, 2010, 50’), de Nicolás Branca
-Belle épine (Francia, 2010, 80’), de Rebecca Zlotowski
-Bi, Don’t Be Afraid! (Vietnam-Francia-Alemania, 2010, 90’), de Dang Di Phan
-Burrowing (Suecia, 2009, 76’), de Henrik Hellström y Fredri Wenzel
-Cat Effekt (Rusia-Alemania-Lituania-Brasil), de Gustavo Jahn y Melissa Dullius
-O céu sobre os ombros (Brasil, 2010, 61’), de Sérgio Borges
-Copacabana (Francia, 2010, 105’), de Marc Fitoussi
-The Christening (Polonia, 2010, 86’), de Marcin Wrona
-Dad/Oca (Eslovenia, 2010, 71’), de Vlado Skafar
-Letter to a Child (Eslovenia, 2008, 100’), de Vlado Skafar
-The Fatherless (Austria, 2011, 104’), de Marie Kreutzer
-Headshots (Alemania-Austria, 2010, 92’), de Lawrence Tooley
-The Happy Poet (Estados Unidos, 2010, 85), de Paul Gordon
-Je suis un Man’s Land/Unplugged (Francia, 2010 , 92), de Thierry Jousse
-Jean Gentil (República Dominicana-México-Alemania, 2010, 85’), de Israel Cárdenas y Laura Amelia Guzmán
-John’s Gone (Estados Unidos, 2010, 22’), de Josh Safdie y Benny Safdie
-Luz nas trevas – A volta do bandido da luz vermelha (Brasil, 2010, 83’), de Ícaro C. Martins y Helena Ignez
-M/F Remix (Estados Unidos, 2010, 78’), de Jy-ah Min
-Majority/Cogunluk (Turquía, 2010, 102’), de Seren Yüce
-Mitómana (Chile, 2011, 100’), de José Luis Sepúlveda y Carolina Adriazola
-Ocaso (Chile-México-República Dominicana, 2010, 80’), de Théo Court
-Paraísos artificiales (México, 2011, 83’), de Yulene Olaizola
-Perro muerto (Chile, 2010, 97’), de Camilo Becerra
-Post Mortem (Chile-México-Alemania, 2010, 98), de Pablo Larraín
-Run Sister Run!/Sisko tahtoisin jäädä (Finlandia, 2010, 112’), de Marja Pyykkö
-Self Referential Traverse: Zeitgeist and Engagement (Corea del Sur, 2010, 73’), de Sun Kim
-Septien (Estados Unidos, 2011, 79’), de Michael Tully
-She Monkeys/Apflickorna (Suecia, 2011, 84’), de Lisa Aschan
-Silver Forest (Suiza, 2011, 90’), de Christine Repond
-Un homme qui crie (Francia-Bélgica-Chad, 2010, 92’), de Haroun Mahamat-Saleh
-Un poison violent (Francia, 2010, 92’), de Katell Quillévéré
-La Vie au Ranch (Francia, 2010, 91’), de Sophie Letourneur
-The Wanderer/Ha’Meshotet (Israel, 2010, 86’), de Avishai Sivan

LA TIERRA TIEMBLA
-Los abrazos del río (Bélgica, 2010, 73’), de Nicolás Rincón Gille
-Agnus Dei, cordero de Dios (México, 2011, 90’), de Alejandra Sánchez
-Aisheen (Still Alive in Gaza) (Suiza-Qatar, 2010, 86’), de Nicolas Wadimoff
-The Black Power Mixtape 1967-1975 (Suecia, 2010, 94’), de Göran Hugo Olsson
-Détroit ville sauvage (Francia, 2010, 80’), de Florent Tillon
-Diário de uma busca (Brasil-Francia, 2010, 105’), de Flávia Castro
-Fantasia lusitana (Portugal, 2010, 65’), de João Canijo
-The Forgotten Space (Holanda-Austria, 2010, 112’), de Allan Sekula y Noël Burch
-Notre poison quotidien (Francia, 2010, 110’), de Marie-Monique Robin
-Palazzo delle Aquile (Francia-Italia, 2011, 129’), de Stefano Savona, Alessia Porto y Ester Sparatore
-Pequeñas voces (Colombia, 2010, 75’), de Jairo Eduardo Carrillo y Oscar Andrade. EN 3D.
-Ríos de hombres (México-Bolivia, 2011, 76’), de Tin Dirdamal
-Robinson in Ruins (Reino Unido, 2010, 101’), de Patrick Keiller
-We Were Communists (Líbano / Francia, 2010, 85’), de Maher Abi Samra
-When the World Breaks (Estados Unidos, 2010, 84’), de Hans Fjellestad
-Windfall (Estados Unidos, 2010, 83’), de Laura Israel

MÚSICA
-A Simple Rhythm (Canadá, 2010, 52’), de Tess Girard
-Creo que te amo (Argentina, 2011, 70’), de Germán Greco
-Everybody Says Long Live Bobby Holly/Todo el mundo dice larga vida a Bobby Holly (Uruguay, 2010, 28’), de Leo Lagos
-Herbert de perto (Brasil , 2009, 98’), de Roberto Berliner y Pedro Bronz
-Welcome to Rae Town (España-Jamaica, 2011, 9’), de Miquel Galofré
-Hit Me with Music (España-Jamaica, 2011, 80’), de Miquel Galofré
-Look at What the Light Did Now (Canadá, 2010, 87’), de Anthony Seck
-El misterio de las lagunas: Fragmentos andinos (Venezuela, 2011, 92’), de Atahualpa Lichy
-Moacir (Argentina, 2011, 75’), de Tomás Lipgot
-¿Qué sois ahora?, un documental sobre Pequeña Orquesta Reincidentes (Argentina, 2011 , 62’), de Mariano Goldgrob y Gustavo Galuppo
-Seguir siendo (México, 2010, 80’), de Ernesto Contreras y José Manuel Cravioto
-Upside Down: The Creation Records Story (Reino Unido, 2010, 101’), de Danny O’Connor
-Who Is Harry Nilsson (And Why Is Everybody Talkin’ About Him?) (Estados Unidos, 2010, 116’), de John Scheinfeld

NOCTURNA
-13 Assassins (Japón, 2010, 121’), de Takashi Miike
-Atroz (México-España, 2010, 75’), de Fernando Barreda Luna
-Blame (Australia, 2010, 89’), de Michael Henry
-Cold Fish (Japón, 2010, 150’), de Sono Sion
-The Day of Ants in the Sky (Japón, 2011, 120’), de Akira Nobi
-Easy Money (Suecia, 2010, 124’), de Daniél Espinosa
-FUBAR: Gods of Blunder (Canadá, 2010, 86’), de Michael Dowse
-La Meute (Francia-Bélgica), de Franck Richard
-Norwegian Ninja (Noruega, 2010, 77’), de Thomas Cappelen Malling
-Sex Equo (Sex in the Foreground) (Italia, 2011, 63’), de Werther Germondari y Maria Laura Spagnoli
-Un ovni sobre mi cama (Argentina, 2011, 120’), de Pablo Oliverio

PERSONAS Y PERSONAJES
-9 Lives (Alemania, 2010, 105’), de Maria Speth
-Corsino, por Cole Kivlin (España, 2010, 65’), de Luis Argeo
-El destello (Uruguay-España, 2011, 80’), de Gabriel Szollosy
-Fix ME (Palestina-Suiza, 2009, 98’), de Raed Andoni
-Free Land (Estados Unidos, 2010, 63’), de Minda Martin
-The Good Life (Dinamarca, 2010, 86’), de Eva Mulvad
-Hoy como ayer (Argentina-Holanda, 2011, 70’), de Bernie Ijdis
-Love History (Austria, 2010, 98’), de Klub Zwei
-La peli de Batato (Argentina, 2011, 150’), de Goyo Anchou y Peter Pank
-Robot World – A Meeting with Your Alternate Double (Alemania, 2010, 61’), de Martin Hans Schmitt
-Soi Cumbio (Argentina, 2010, 75’), de Andrea Yannino
-Son of God (Dinamarca-Filipinas, 2010, 80’), de Khavn De La Cruz y Michael Noer
-El último hombre (Argentina, 2010, 80’), de Marcelo Rest
-Vigias (Brasil, 2010, 71’), de Marcelo Lordello

CORAZONES
-18 cigarrillos y medio (Paraguay-México-España), de Marcelo Tolces
-Ausente (Argentina, 2011, 90’), de Marco Berger
-Blue Valentine, una historia de amor (Estados Unidos, 2010, 120’), de Derek Cianfrance
-Breakfast Lunch (Singapur, 2010, 87’), de Jing Wang y Anocha Suwichakornpong y Kaz Cai
-brilliantlove (Reino Unido, 2010, 97’), de Ashley Horner
-Gabi on the Roof in July (Estados Unidos, 2010, 102’), de Lawrence Michael Levine
-Guerra civil (Portugal, 2010, 94’), de Pedro Caldas
-Harisma (Grecia, 2010, 83’), de Christina Ioakeimidi
-La infinita distancia (Argentina, 2010, 95’), de Florencia Castagnani
-Lao wai (China, 2010, 91’), de Fabien Gaillard
-Matchmaking Mayor (República Checa-Eslovaquia, 2010, 72’), de Erika Hniková
-Mi último round (Chile-Argentina, 2011, 90’), de Julio Jorquera Arriagada
-Seesaw (Japón, 2010, 70’), de Keihiro Kanyama
-Truth About Men (Dinamarca, 2010, 91’), de Nikolaj Arcel
-Weekend (Reino Unido , 2011, 96’), de Andrew Haigh

ARTE Y APARTE
-L’Art d’être Arrabal (Francia, 2010, 61’), de Bernard Léonard y Pierre Alexis de Potestad
-Autorretrato sonoro (Perú, 2010, 45’), de Manongo Mujica
-Les Avatars de la mort d’Empédocle (Francia, 2009, 53’), de Jean-Paul Toraille
-Beatriz González ¿Por qué llora si ya reí? (Colombia, 2010, 77’), de Diego García Moreno
-El Bulli – Cooking in Progress (Alemania, 2010, 108’), de Gereon Wetzel
-…but Film Is My Mistress (Suecia, 2010, 66’), de Stig Björkman
-La ciudad blanca (Argentina, 1958, 12’), de Nicolás Rubió
-Del punto a la forma (Argentina, 1953, 15’), de Martin Blaszko
-Construcción de un mundo (Argentina, 2010, 80’), de Guillermo Costanzo
-¿Cuánto pesa su edificio, Sr. Foster? (Reino Unido-España, 2010 , 74’), de Norberto López Amado y Carlos Carcas
-El hombre que baila (Argentina, 2010, 70’), de Sergio Aisenstein y Pablo Pintor
-How Are You (Dinamarca, 2011, 70’), de Jannik Splidsboel
-In the Wake of the Flood (Canadá, 2010, 47’), de Ron Mann
-Martin Blaszco III (Argentina, 2011, 80’), de Ignacio Masllorens
-Negative History of Hungarian Cinema (Hungría, 2010, 47’), de Gyula Nemes
-Of the Salamander’s Espousal with the Green Snake (Alemania, 2010, 94’), de René Frölke
-Peter Weibel – My Life (Alemania, 2010, 52’), de Marco Wilms
-Resampling the Past (Taiwán, 2010, 16’), de Marco Wilms
-El provocador, primeiro filme en portuñol (Argentina-Brasil, 2011, 86’), de Silvia Maturana, Marcel Gonnet Wainmayer y Pablo Navarro Espejo
-Too Much Pussy! (Francia-Alemania, 2010, 98’), de Emilie Jouvet
-William S. Burroughs: A Man Within (Estados Unidos, 2010, 87’), de Yony Leyser
-The World According to Ion B. (Rumania, 2010, 61’), de Alexander Nanau

LUGARES
-Behind the Red Motel Door (Estados Unidos-México, 2011, 92’), de Evel Natanas
-Blue Meridian (Bélgica, 2010, 80’), de Sofie Benoot
-Eye over Prague (República Checa, 2010, 78’), de Olga Spatova
-Foreign Parts (Estados Unidos-Francia, 2010, 80’), de Véréna Paravel y J.P. Sniadecki
-Hell Roaring Creek (Estados Unidos, 2010, 20′.), de Lucien Castaing-Taylor
-Highway World – Living, Changing, Growing (Alemania, 2007, 81’), de Martin Hans Schmitt
-The Last Buffalo Hunt (Estados Unidos, 2011, 75′), de Lee Anne Schmitt
-Novembre (Suiza-Francia, 2010, 99’), de Abel Davoine
-The Old Donkey (China, 2010, 112’), de Ruijun Li
-Parto (Portugal, 2010, 80), de António Borges Correia
-Pasajes (Argentina-Brasil, 2010, 42’), de Gabriela Golder
-Quality Control (Estados Unidos, 2011, 71’), de Kevin Jerome Everson
-San Antonio (Bolivia-Argentina, 2011, 80’), de Álvaro Olmos
-El silencio del puente (Argentina, 2010, 95’), de Eduardo Schellemberg
-Tres semanas después (Chile, 2010, 60’), de José Luis Torres Leiva
-La última calle (Alemania, 2011, 60’), de Rasmus Sievers y Marina Monsonís
-Under Control (Alemania, 2011, 98’), de Volker Sattel
-Vete más lejos, Alicia (México, 2010, 67’), de Elisa Miller
-Adormecidos (Brasil, 2010, 7’), de Clarissa Campolina

ELEGANTE SPORT (THIS SPORTING LIFE)
-Cracks de nácar (Argentina, 2011, 80’), de Daniel Casabé y Edgardo Dieleke
-Football Is God (Dinamarca, 2010, 53’), de Ole Bendtzen
-La guerrera (México, 2011, 87’), de Paulina del Paso
-Kick in Iran (Alemania, 2010, 82’), de Fatima Geza Abdollahyan
-Ivory Tower (Canadá, 2010, 75’), de Adam Traynor
-Montando al Zorro (Argentina, 2010 , 78’), de Juan Ignacio Domínguez
-World Champion-Maailmameister (Estonia, 2009, 36’), de Moonika Siimets

FLASHBACK
-Abuelos (Ecuador-Chile, 2010, 93’), de Carla Valencia Dávila
-La Dernière Année (Francia, 2010, 78’), de Peter Hoffmann
-El eco de las canciones (Chile, 2010, 71’), de Antonia Rossi
-Gravity Was Everywhere Back Then (Estados Unidos, 2010, 75’), de Brent Green
-Memory Lane (Francia, 2010, 98’), de Mikhaël Hers
-Morir de día (España, 2010, 97’), de Laia Manresa y Sergi Díes
-Reminiscencias (Perú, 2010, 82’), de Juan Daniel
-Rivers and My Father (China-Canadá, 2010, 75’), de Luo Li
-Tren Paraguay (Argentina-Paraguay, 2011, 64’), de Mauricio Rial Banti

DIÁLOGOS
-A Letter to Elia (Estados Unidos, 2010, 60’), de Kent Jones y Martin Scorsese
-América América (Estados Unidos, 1963, 164’), de Elia Kazan
-The Advocate for Fagdom (Francia, 2011, 92’), de Angélique Bosio
-L.A. Zombie (Alemania-Estados Unidos-Francia , 2010, 62’), de Bruce LaBruce
-Aita (España, 2010, 85’), de Jose María de Orbe
-Aita: Carta al hijo (España, 2010, 50’), de Jose María de Orbe
-Noche sin fortuna (Argentina-Colombia, 2010, 86’), de Francisco Forbes y Álvaro Cifuentes
-Un ángel del pantano (Colombia, 1999, 50’), de Oscar Campo

CLÁSICOS MODERNOS
-The Bowler and the Bunnet (Reino Unido, 1967, 47’), de Sean Connery
-La Campagne de Cicéron (Francia, 1989, 110’), de Jacques Davila
-En el balcón vacío (México, 1961, 70’), de José Miguel García Ascott
-Facundo, el tigre de los llanos (Argentina, 1952, 74’), de Miguel Paulino Tato
-El gatopardo (Italia-Francia, 1963, 187’), de Luchino Visconti
-Metrópolis (Alemania, 1927, 147’), de Fritz Lang
-Nuremberg: Its Lesson for Today (The Schulberg/Waletzky Restoration) (Estados Unidos-Alemania, 1948, 78’), de Stuart Schulberg
-Redes (México, 1936, 61’), de Emilio Gómez Muriel y Fred Zinnemann
-La terraza (Argentina, 1963, 90’), de Leopoldo Torre Nilsson
-Voulez-vous coucher avec God? (Canadá, 1972, 69’), de Michael Hirsh y Jack Christie
-Wara Wara (Bolivia, 1930, 60’), de José María Velasco Maidana
-Watership Down (Reino Unido, 1978, 92’), de Martin Rosen

FOCO JACQUES DOILLON
-La Femme qui pleure (Francia, 1979, 90’), de Jacques Doillon
-La Drôlesse (Francia, 1979, 90’), de Jacques Doillon
-La Vie de famille (Francia, 1985, 95 ‘), de Jacques Doillon
-La Vengeance d’une femme (Francia, 1990, 133’), de Jacques Doillon
-Le Petit Criminel (Francia, 1990, 100’), de Jacques Doillon
-Ponette (Francia, 1995, 97’), de Jacques Doillon
-Carrément à l’Ouest (Francia, 2001, 97’), de Jacques Doillon
-Raja (Francia / Marruecos, 2003, 112’,), de Jacques Doillon
-Le Premier Venu (Francia, 2007, 123’), de Jacques Doillon
-Le Mariage à trois (Francia, 2010, 100’), de Jacques Doillon

FOCO KIJÛ YOSHIDA
-Good for Nothing (Japón, 1960, 88’), de Kijû Yoshida
-Love Affair at Akitsu Spa (Japón, 1962, 107’), de Kijû Yoshida
-18 Roughs (Japón, 1963, 108’), de Kijû Yoshida
-A Story Written in Water (Japón, 1965, 121’), de Kijû Yoshida
-The Affair (Japón, 1967, 101’), de Kijû Yoshida
-Eros + Massacre (Japón, 1969, 167’), de Kijû Yoshida
-Coup d’État (Japón, 1973, 105’), de Kijû Yoshida
-The Women in the Mirror (Japón, 2002, 124’), de Kijû Yoshida

FOCO PATRICIO GUZMÁN
-La batalla de Chile I: La insurrección de la burguesía (Chile, 1975, 100’), de Patricio Guzmán
-La batalla de Chile II: El golpe de estado (Chile, 1975, 90’), de Patricio Guzmán
-La batalla de Chile III: El poder popular (Chile, 1975, 82’), de Patricio Guzmán
-La cruz del sur (España-Venezuela, 1992, 80’), de Patricio Guzmán
-Patricio Guzmán, une histoire chilienne (Francia, 2001, 52’), de Catalina Villar

FOCO JEAN-LUC GODARD
-Godard, l’amour, la poésie… (Francia, 2007, 53’), de Luc Lagier
-Une catastrophe (Austria, 2008, 1’), de Jean-Luc Godard
-Two American Audiences: La Chinoise – A Film in the Making (Estados Unidos, 1968, 40’), de Mark Woodcock
-1PM (Estados Unidos, 1971, 95’), de D.A. Pennebaker
-Passion (Francia-Suiza, 1982, 87’), de Jean-Luc Godard
-Scénario du film ‘Passion’ (Francia-Suiza, 1982, 54’), de Jean-Luc Godard
-Le Livre de Marie (Francia-Suiza, 1984, 27’), de Anne-Marie Miéville
-Carmen, pasión y muerte/Prénom Carmen (Francia/1983, 85’), de Jean-Luc Godard
-Yo te saludo, María/Je vous salue, Marie (Francia-Suiza-Reino Unido, 1985, 72’), de Jean-Luc Godard
-Détective (Francia-Suiza, 1985, 95`), de Jean-Luc Godard
-Contre l’oubli: Pour Thomas Wainggai, Indonésie (Francia, 1991, 3’), de Jean-Luc Godard y Anne-Marie Miéville
-Deux fois cinquante ans de cinéma français (Suiza-Reino Unido-Francia, 1995, 51’), de Jean-Luc Godard y Anne-Marie Miéville
-Film Socialisme (Suiza, 2010, 101’), de Jean-Luc Godard

FOCO DANIEL SCHMID
-La Paloma (Suiza-Francia, 1974, 110’), de Daniel Schmid
-Notre Dame de La Croisette (Suiza, 1981, 56’), de Daniel Schmid
-Les Amateurs (Suiza, 1991, 26’), de Daniel Schmid
-Hécate (Francia-Suiza, 1982, 105’), de Daniel Schmid
-Il bacio di Tosca (Italia-Suiza, 1984, 87’), de Daniel Schmid
-Jenatsch (Suiza-Francia-Alemania Occidental, 1987, 97’), de Daniel Schmid
-Hors saison (Francia-Suiza-Alemania, 1992, 95’), de Daniel Schmid
-Daniel Schmid, le chat qui pense (Suiza, 2010, 83’), de Pascal Hofmann y Benny Jaberg

FOCO ANDREI UJICA
-Videogramas de una revolución (Alemania, 1992, 106’), de Harun Farocki y Andrei Ujica
-Out of the Present (Alemania-Rusia-Francia, 1995, 92’), de Andrei Ujica
-The Autobiography of Nicolae Ceausescu (Rumania, 2010, 187’), de Andrei Ujica

FOCO GARY BURNS
-The Suburbanators (Canadá, 1995, 87’), de Gary Burns
-Kitchen Party (Canadá, 1997, 92’), de Gary Burns
-Waydowntown (Canadá, 2000, 83’), de Gary Burns
-A Problem with Fear (Canadá, 2003, 92’), de Gary Burns
-Radiant City (Canadá, 2006, 85’), de Gary Burns
-The Future Is Now! (Canadá, 2010, 92’), de Gary Burns

FOCO ALBERTO YACCELINI
-Single – Un ejercicio incompleto (Argentina, 1967, 14’), de Alberto Yaccelini
-Señor personalidad (Argentina, 1968, 8’), de Alberto Yaccelini
-Le Péril rampant (Francia, 1982, 25’), de Alberto Yaccelini
-Gombrowicz, la Argentina y yo (Francia-Argentina, 2000, 84’), de Alberto Yaccelini
-Volvoreta (Francia, 2002, 58’), de Alberto Yaccelini
-Final con foto (Argentina-Francia, 2003, 56’), de Alberto Yaccelini
-Los de Saladillo (Francia-Argentina, 2005, 90’), de Alberto Yaccelini
-El fabricante de cepillos (Francia, 2011, 82’), de Alberto Yaccelini

FOCO DAVID O’REILLY
-Animal (Irlanda, 2002, 3’), de David O’Reilly
-WOFL 2106 (Italia, 2006, 4’), de David O’Reilly
-RGB XYZ (Reino Unido-Alemania-Irlanda, 2008, 13’), de David O’Reilly
-Octocat Adventures (Alemania-Irlanda, 2008, 5’), de David O’Reilly
-????? (Alemania-Irlanda, 2009, 1’), de David O`Reilly
-Please Say Something (Alemania-Irlanda, 2009, 10’), de David O’Reilly
-Floaters (Alemania-Irlanda, 2009, 3’), de David O’Reilly
-When You’re Smiling… (Alemania-Irlanda, 2009, 1’), de David O’Reilly
-Black Lake (Alemania-Irlanda, 2010, 3’), de David O’Reilly
-The External World (Alemania-Irlanda, 2011, 17’), de David O’Reilly

FOCO EMMANUELLE DEMORIS (OBRA MAFROUZA)
-Mafrouza – Oh la nuit! (Francia, 2007, 138’), de Emmanuelle Demoris
-Mafrouza / Coeur (Francia, 2007, 159’), de Emmanuelle Demoris
-Que faire? What Is to Be Done? (Francia, 2010, 152’), de Emmanuelle Demoris
-La Main du papillon (Francia, 2010, 140’), de Emmanuelle Demoris
-Paraboles (Francia, 2010, 155’), de Emanuelle Demoris

FOCO SANDRO AGUILAR
-Corpo e meio (Portugal, 2001, 25’), de Sandro Aguilar
-A serpente (Portugal, 2005, 15’), de Sandro Aguilar
-Arquivo (Portugal, 2007, 17’), de Sandro Aguilar
-Mercúrio (Portugal, 2010, 19’), de Sandro Aguilar
-Voodoo (Portugal, 2010, 31’), de Sandro Aguilar
-A zona (Portugal, 2008, 99’), de Sandro Aguilar

FOCO THOMAS IMBACH
-Well Done (Suiza, 1994, 73’), de Thomas Imbach
-Happiness Is a Warm Gun (Suiza, 2001, 90’), de Thomas Imbach
-Lenz (Suiza, 2006, 96’), de Thomas Imbach
-I Was A Swiss Banker (Suiza, 2007, 75’), de Thomas Imbach

FOCO SUPER 8
-Programa 1 (Argentina, 2011, 64’), de Ernesto Baca
-Programa 2 – Foco Julio César Otero Mancini (80’)
-Programa 3 – Ficciones amateurs / Uzi Sabah
-Programa 4 – Archivo expandido (55’)
-Programa 5 – Huérfanos (55’)

SESIÓN PUNTO DE VISTA
-Notas de lo efímero (España, 24’), de Chus Domínguez
-Crossing Paths With Luce Vigo-Cruzando caminos con Luce Vigo (España, 2010, 11’), de Jem Cohen
-Opus Luminis et Hominis (Works of Light and Man)-Obras de la luz y del hombre (España, 2010, 13’), de Jem Cohen

COMPETENCIA DE CORTOS ARGENTINOS
-Cálida tarde de verano, de Mateo Kesselman
-Cocorocó, de Rocío Dalmau
-Cómo contar hasta veinte, de Mariano Jorge Arellano
-Los crímenes, de Santiago Esteves
-Felisa, de Marí Alessandrini
-La fiesta de casamiento, de Gastón Margolin y Martín Morgenfeld
-La gallina degollada, de Paulo Pécora
-Hogar, de Rocío Pérez Belarra y Tomás Martínez
-Invernario, de Maximiliano Schonfeld
-El juego, de Benjamín Naishtat
-Kuan yin, de Yasmin Malanca y Juan Nanio
-Lego, de Pablo Martín Guerezta
-Lo-fi, de Milton Secchi
-Papá, de Sergio Quatraro
-Pichuko, de Daniel Elías
-Rastros, de Jeymer Gamboa y Franco Castro
-Soy tan feliz, de Vladimir Durán
-Tokwaj, el tío travieso, de Ariel Di Marco

MUESTRA DE CORTOS ARGENTINOS
-Altoverde, de Alejandro Carreras, Juan Pablo Arroyo y Gastón Del Porto
-Audiovisiontes, de Andrés Fernández
-Aurora austral, de Florencia Tolchinsky, Valentina Pensa y Marina Padovani
-El bosque, de Ange Potier
-Champaquí, de Paulo Pécora
-Enjambre, de Luis Migliavacca
-Epecuén, de Sofía Brockenshire y Verena Kuri
-Los extranjeros, de Jorge Márquez
-Fishing in Esperanza, de AndersFlatlandsmo
-Fotos sueltas, de Constanza María Petrera
-La inviolabilidad del domicilio se basa en el hombre que aparece empuñando un hacha en la puerta de su casa, de Alex Piperno
-Mi vida… Feliz Bicentenario, de Martín Mainoli
-Los murales, de Jonathan Perel
-La pesca del cangrejo, de Miguel Baratta
-La providencia, de Nadina Marquisio
-Rincón de López, de Natalia Garagiola
-Sucede que me canso, de Victoria Maffía
-Tan atentos, de Eduardo Williams
-Toque de queda, de Iván Granovsky
-Un largo camino al museo, de Andrés Llugany
-Untiteled5, de Belén Blanco
-Vine solo, de Martín Boggiano
-Zainichi, de Federico Pintos

BAFICITO – CORTOS
-Agua de juguete (Argentina), de Carolina Ruiz
-Al mar lo que es del mar (Argentina), de Matías Guillermo Morelli
-The Break Up (Argentina), de Martín Piana
-Galería de arte (Argentina), de Walter Cáceres
-Napur Star (Argentina-Italia), de Amelia Eguia y Julián Mantel
-Yellow Heart (Argentina-Italia), de Amelia Eguia y Julián Mantel
-La ollera (Argentina), de Juan Manuel Costa
-Programa de cortos Taller de Cine El Mate

CORTOS INSTITUCIONALES
-Traslación humana en rotación terrestre, de Grupo Humus
-Pibes, de Raúl Perrone
-Screen Tests #1, de Martín Rejtman
-Screen Tests #2, de Martín Rejtman

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Selección Oficial Internacional

- Mejor película: Alamar, de Pedro González-Rubio (México).
- Mejor Director: Corneliu Poromboiu por Police, Adjective (Rumania).
- Premio Especial del Jurado: La bocca del lupo, de Pietro Marcello (Italia).
- Distinción a Mejor Película Argentina: Lo que más quiero, de Delfina Castagnino.
- Mejor Actor: Dragos Bucur por “Police, Adjective” (Rumania).
- Mejor Actriz: compartido para Pilar Gamboa y María Villar por “Lo que más quiero” (Argentina).

Selección Oficial Argentina

- Mejor Película: Invernadero, de Gonzalo Castro.
- Mejor Director: Iván Fund y Santiago Loza por “Los labios”.
- Premio Especial del Jurado: Somos nosotros, de Mariano Blanco.
- Distinción Mejor Fotografía: Las pistas – Lanhoyij- Nmitaxanaxac, de Sebastián Lingiardi.

Competencia Oficial de Cortometrajes

- Mejor Cortometraje: “Sábado uno”, de Ignacio Rogers (Argentina).
- Mejor Cortometraje: “Mientras paseo en cisne”, de Lara Arellano (Argentina).
- Mejor Cortometraje: “La mia casa”, de Marcelo Scoccia (Argentina).
- Mención: “Los árboles se mueven, Sergio. Sí, Christian”, de Christian Nunclares y Sergio Subero (Argentina).

Premio FEISAL (Federación Iberoamericana de Escuelas de la Imagen y el Sonido).
- Mención: “El vuelco del Cangrejo”, de Oscar Ruíz Navia (Colombia).
- Premio: “Los labios”, de Santiago Loza e Iván Fund (Argentina).

Premio Asociación Cronistas Cinematográficos Argentinos
- Premio: “Los labios”, de Santiago Loza e Iván Fund (Argentina).

Premio ADF (Asociación Argentina de Autores de Fotografía Cinematográfica)
- Director de Fotografía: Mauro Pinheiro Jr. por “Os famosos e os duendes da morte”, de Esmir Filho.

Premio SIGNIS (Asociación Católica Mundial para la Comunicación)
- Premio: “La Bocca del lupo”, de Pietro Marcello (Italia).
- Mención especial: “Alamar”, de Pedro González-Rubio (México).

Premio FIPRESCI (Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica)
- Premio: “Lo que más quiero”, de Delfina Castagnino (Argentina).

Premio UNICEF
- Mención para la película Alamar, de Pedro González-Rubio
- Premio para La Pivellina, de Tizza Covi y Rainer Frimmel

Competencia Derechos Humanos
- Mejor película: Cuchillo de palo, de Renate Costa (España-Paraguay).
- Mención: Octubre Pilagá, relatos sobre el silencio, de Valeria Mapelman (Argentina).
- Mención: “Petition”, de Zhao Liang (China-Francia).
- Mención: “El Rati Horror Show”, de Enrique Piñeyro (Argentina).

Cine del Futuro
- Mejor Película: “Morrer como un homem”, de João Pedro Rodriguez (Francia-Portugal).
- Mención: “Sewer”, de Sherad Anthony Sanchez (Filipinas).

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“Pero Juan José, Alamar es una película de ficción, ¡¡no es un documental!!”

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Actualización: Luego de publicar esta nota recibimos un mensaje de Margarita Emilia Manriquez Bustamante, quien sería la madre del director René Ballesteros:

El 16 de abril de 2010 a las 7:31
Asunto: hola ……es usted periodista…..
es por casualidad usted periodista……y ha comentado sobre la pelicula o mas bien documental la quemadura de rene ballesteros…..actualmente exibiendola en argentina……yo soy la madre de ellos …..figurece es mi vida y yo no tengo mayor informacion sobre el contenido….critican verdad… pero ellos me demuestran ser tal cual a la persona q los crio doña nena…..egoistas…actuan igual todo lo ocultan…..realmente rene siendo sicologo no veo en el el profecionalismo…..solo veo odio y maldad rencor……a mi se me grabo sin yo saberlo a la vez ello interpetan a su manera…..vinieron a venezuela con una camarografo no se en realidad si mi inmagen esta revelada en ese pelicula….a mi me contaron ellos q era para una tesis de grado no para tal enbergadura….
Mi vida ha sido muy dificil estube mucho tiempo inducumentada…me ocurrieron miles de cosas …ayuda de parte de mi familia inmediata nunca la tube aunque suplique volver a mi patria junto a mis hijos….me escondieron como si yo hubiese cometido lo peor de los crimenes…me tacharon de guerrillera … me dieron por muerta …. …..son tantas las cosas por contar me gustaria saber como yo podria obtenerla …le llevo seguimiento de casi 4 meses….se lo agradeceria ….espero me responda …….margarita emilia

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“Este documental toma como pretexto las famosas naranjas Jaffa para contar toda la historia de Palestina e Israel, porque hay que hablar ya de dos países. La película se centra en mostrar cómo el cultivo de estas naranjas era parte del patrimonio de los palestinos, y no solo de ellos, sino de los cristianos y de los judíos. Después de mostrar abundantes testimonios de que las naranjas existieron y que esta tierra fue muy cultivada por esta sociedad multicultural, viene la intervención del sionismo y del orientalismo, que es la visión occidentalizada de todo lo oriental. En base a esto se creó toda una mitología según la cual antes de su llegada a Israel esos eran territorios áridos sin progreso, sin cultura, y sobre todo deshabitados, yermos, vacíos.

El documental abunda en imágenes del pasado, pero no de manera gratuita, son para contrarrestar esa idea sionista que los judíos fueron expulsados y estaban regresando, cuando en realidad simplemente se marcharon a Europa. Luego del Holocausto regresaron, pero con una idea de “expulsión” y de creación de un estado religioso. Ese es el punto más radical, más fuerte de todo el documental, pues muestra algo que fue profusamente ocultado con una campaña fabulosa por todo Occidente, tratando de mostrar que estas famosas naranjas Jaffa eran realmente israelíes.”

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Sinopsis: No es que Eyal Sivan se haya convertido en un tardío pintor impresionista obsesionado con las naranjas sino que sus naranjas son las de Jaffa, y devienen uno de los puntos de partida más extraordinarios para hablar de la relación entre israelíes y palestinos. Sivan demuestra una vez más su maestría ya no para trabajar con los materiales del pasado –como en las notables The Specialist y Pour l´amour du peuple–, sino para discutirlo, yendo y viniendo desde la fundación del estado de Israel hasta hoy, a través de planos discursivos y estéticos múltiples y de la más amplia e insólita gama de símbolos mitológicos y tecnológicos hermanados. Así, es difícil medir el alcance artístico y político de Jaffa, the Orange’s Clockwork porque funciona en distintos niveles, ya como una genealogía de la imagen y la representación –a través de pinturas, home movies, propagandas, testimonios– o ya como una crónica de la contemporaneidad. Más que una película, una experiencia insoslayable.