¿Una película sobre Gastón Acurio? No tanto así. Es un documental, dedicado no un chef en particular sino a toda nuestra generosa gastronomía, en general. De ollas y sueños, el nuevo documental realizado por Ernesto “Tito” Cabellos y la gente de Guarango, viene terminando su fase de postproducción, y confirma su participación en el ya cercano Festival de Lima 2009. Se convierte además en la primera producción local que mete su cuchara en el mundo gastronómico peruano, deteniéndose en sus actores principales, los chefs y sus creaciones, pasando por la gente y su comida de todos los días, con imágenes recogidas en las tres regiones, y en el extranjero, ahí donde haya un peruano dándole a los choclos y a los ajíes. A partir de esos testimonios, la cinta reflexionará en temas que van más allá de la mesa y la cocina, que nos incluyen a todos como parte de esta nación: identidad, diversidad, mestizaje, integración.

En palabras del director: “Siempre me ha intrigado que en medio de tantas diferencias que puedes encontrar en un país, exista un espacio único, afortunado, donde toda una nación se siente armoniosamente integrada. En mi país, Perú, este espacio no es el fútbol, ni la música, menos la política, este espacio es la cocina. En la cocina, en la olla, se confrontan, luchan, se negocian, se concilian sabores, aromas y colores. Cada uno busca su sitio y convive con el otro.”

Antolín, quien viene trabajando en el proceso de edición del documental, me comentó hace unas semanas que habían programado la grabación de una escena que quedó pendiente durante el rodaje principal. Hoy veo que “Somos” estuvo presente, es una secuencia de importancia, en la que se reúnen los más renombrados cocineros peruanos, Gastón, Schiaffino, Flavio Solórzano, doña Teresa Izquierdo, Bernardo Roca Rey, entre otros. A lo largo del documental también veremos a los destacados chefs españoles Juan María Arzak, Ferrán Adriá, e Ignacio Medina, el “xenófobo” que más ama este país.

El trailer, la jamancia va a sobrar »

A partir de la presencia de Natalia Ames, presidenta de APRECI, y Enrique Vivar, gestor de Ver o no Ver, en el recién culminado Festival de Cannes, nos hemos enterado de la interesante iniciativa que impulsa la red NISI MASA en el campo de la crítica y el periodismo cinematográfico.

NISI MASA es una red de asociaciones gestada en Europa con presencia en 19 países, e integrada por jóvenes profesionales, estudiantes y aficionados que tienen en común su interés por el cine de la Unión Europea. Entre sus tareas, se encuentra la realización de talleres de periodismo que consiste en invitar a jóvenes críticos, fotógrafos y video bloggers a hacer la cobertura de un festival de cine.

Este año Natalia y Enrique fueron seleccionados para integrar el equipo que tuvo a su cargo la edición del boletín ‘Nisimazine Cannes‘. Junto a ocho jóvenes entre 18 y 30 años, de Europa y América Latina, formaron parte del grupo multicultural que cubrió para esta publicación las proyecciones, eventos y demás incidencias del Festival.

Por cuarto año consecutivo, NISI MASA ha organizado esta actividad en Cannes, la que igualmente ha desarrollado en el marco de otros festivales europeos y asiáticos como Torino, Alba, Helsinki, Kars y Teherán. La buena noticia es que en el 2009 el proyecto incluirá por primera vez a dos festivales latinoamericanos: Rio y Lima.

Para la cobertura del próximo Festival de Lima - 13 Encuentro Latinoamericano de Cine, NISI MASA está convocando a ocho jóvenes críticos, un fotógrafo y un video blogger, de los cuales 4 serán participantes europeos y 6 de países latinoamericanos (2 de Perú y 4 de Bolivia, Colombia, Ecuador y Venezuela).

Las postulaciones están abiertas hasta el 31 de mayo. Los interesados pueden consultar y descargar las bases desde el web de NISI MASA.

Extra: También desde aquí pueden descargar las entregas diarias del Nisimazine Cannes, y aquí acceder a los artículos publicados por Natalia que incluyen sus entrevistas a los directores Brillante Mendoza y Cristian Mungiu.

El cine como arte y manifestación cultural es un fenómeno único e integral, y puede ser analizado y comentado a partir de los elementos constitutivos del lenguaje audiovisual. En ese sentido, coincido con el siguiente comment a mi crítica de Tropa de elite: “Opino que elementos como una historia bien contada, unos hechos sólidamente narrados, los actos de los protagonistas, incluso los diálogos, y una estética visual… forman una coherencia armoniosa cuando una película es buena. Hasta allí llega el arte cinematográfico”. Ya que, añadía por mi parte, los elementos citados constituyen los componentes más o menos objetivos para evaluar un filme. Los temas políticos e ideológicos –que plantea esta cinta brasileña– son eminentemente subjetivos y abiertos al debate, y películas como ésta invitan abiertamente a tal discusión; es por ello que es muy difícil dejar de opinar al respecto. En otros casos, se nos ofrecerán (o incitará a comentar o discutir) –adicionalmente– temas estéticos, culturales, de género, etc. Todo ello en nombre de un enfoque integral de la película.

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El gran homenajeado y presidente del jurado oficial del último Festival de Lima fue nuestra primera pluma nacional Mario Vargas Llosa. Como no podía ser de otra manera, el evento en el que compartió sus impresiones sobre el cine, la literatura y su obra, fue bastante especial. En la Sala Roja, y junto al resto del jurado oficial, María de Medeiros, Marcelo Piñeyro, Silvio Caiozzi y Edouard Waintrop, y del director Francisco Lombardi, se encargó de contarnos sus impresiones sobre las películas, a las que divide entre las que le aburren y las que no. O sobre su traumática relación con la dirección cinematográfica, que bien podría formar parte de la trama de algún futuro libro del novelista.

Sobre la adaptación de sus narraciones a la gran pantalla, Vargas Llosa recalcó que prefiere no intervenir, porque la libertad del cineasta para plasmar su visión de la obra es lo preponderante a la hora de abordar toda historia en el cine, u otro arte.

Cerrando el festival, les mostramos -gracias a utero.tv- el relato de la (graciosa) gesta fílmica de Pantaleón y las visitadoras de la mano de su propio escritor. Ahora, les entregamos la charla completa, para que escuchen en línea, o la descarguen (a su PC, su iPod, o a donde quieran). Disfruten de MVLL y compañía.

Fotos: Antolín Prieto

Una de las actividades más interesantes, y nueva dentro de la dinámica del Festival de Lima, fue la charla en la que participaron todos los documentalistas que presentaban trabajos en la respectiva sección del certamen. Estuvieron presentes: Alejo Hoijman (Unidad 25), Delia Ackerman (Volviendo a la luz), Yulene Olaizola (Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo), Luis Ospina (Un tigre de papel), Lucía Gajá (Mi vida dentro) y Néstor Frenkel (Construcción de una ciudad). Todos hablando sobre sus búsquedas expresivas en el campo de la no ficción, y de la manera en la que encaran el trabajo de retratar la realidad a través de sus cámaras y sensibilidad.

La verdad es que el tiempo se quedó corto (más de una hora en realidad) para profundizar en el tema. Y algunos de ellos, como Ospina o Olaizola, la ganadora a la postre, merecían un espacio tan igual como los directores de ficción. Quizá para el próximo año. Aquí les presentamos el audio de la conferencia sobre los límites y posibilidades del documental.

También, puedes descargar toda la presentación.

Leonera fue la absoluta ganadora de la última edición del Festival de Lima, llevándose los premios a Mejor Guión, Mejor Fotografía, Mejor Actriz y Mejor Película. Antes de conocerse los resultados y con toda la expectativa alrededor de su reciente trabajo, el director Pablo Trapero conversó con Luis Ramos y Antolín Prieto, acerca del proceso de creación e idea original de Leonera y todo lo que involucró llevarla a la pantalla grande. También respondió diversas inquietudes sobre su ópera prima Mundo Grúa y su paso por Festivales como el BAFICI y Cannes, su experiencia como productor con su casa Matanza Cine, los problemas respecto a la taquilla y la piratería, además de sus próximos proyectos.

Agradecemos a Luis Montoya de Cortometrajistas por el vídeo.

En la interna de Cinencuentro se arman dinámicas particulares donde muchas veces se discuten temas de cine que después terminan convirtiéndose en textos o posts, ideas de nuevas secciones o simple conversaciones. A raíz de La mujer sin cabeza, que gustó a la mitad del grupo, y a la otra desagradó, se instauró un interesante intercambio de puntos de vista, que esta vez queremos compartir con ustedes, para que también puedan participar con nosotros de ella, si les apetece. Esta es la correspondencia.

Estimados,

He leído sus críticas.

Gabriel: hablas de una sensación de mareo y vértigo, pero omites que la señora se dio un golpe en la cabeza. Y, luego, nadie dice nada sobre alguna redención. Esa es una interpretación absolutamente personal tuya. Por otro lado, si ella, en el fondo, quiere ser castigada por algún oscuro motivo, todo, todo eso se resuelve con unos pocos diálogos, por ejemplo, con su confesor, ya que según tú ella es católica. Todas estas incidencias dan para un cortometraje, ya que todo gira en torno a las paltas, reales o imaginadas, de la protagonista.

¿Cuál es su conflicto principal? ¿Qué obstáculo enfrenta la protagonista? ¿Qué acciones toma para resolverlos? Nada de esto se presenta en la película, salvo lo obvio: que atropelló y mató y está triste. Y esto no basta para hacer un largometraje. Además, si el origen del drama de esta mujer -que, según tú (porque eso tampoco lo dice nadie) es anterior- no se nos lo dice nunca, entonces ¿para qué enfatizar esa omisión?

Antolín, si el objetivo es mostrar los síntomas y evitar el diagnóstico, pues eso también da para un corto. Además, hablamos en esencia de un sólo personaje y de una sola acción (el atropello), las otras dos acciones -el descubrimiento y el encubrimiento- también están sugeridas. Por más que insinúes lo que quieras, todo gira en torno a una persona y una acción.

En mi crítica comparo esta cinta con otras que sí tienen los componentes básicos de un largometraje, y también trabajan con sugerencias. Alargar un corto para mostrar la habilidad de la directora para dar indicios y no mostrar las verdaderas motivaciones de un personaje (en la lectura de ustedes) no justifican un largometraje. Ahora, en mi opinión, está bien claro que la directora sí da un motivo: la culpa por haber matado al niño. Y eso es todo.

Dénme la película y la convierto en un corto de 12 ó 15 minutos y van a ver cómo queda mejor.

Sls. JJB.

Juan José:

Es curioso pero las películas que parecen ser las más atractivas del festival, desde mi punto de vista, son las que han obviado las obviedades y dejan las cosas sugeridas: La mujer si cabeza, Lake Tahoe, El cielo, la tierra y la lluvia; y un poquito más atrás Liverpool no conceden en explicaciones y son exigentes con el espectadores, pide que completen los baches, que llenen los espacios.

Creo que tanto Gabriel como yo, hemos caído en el juego para con La mujer de Martel. La completamos con nuestras lecturas; como Gabriel, creo en ese castigo buscado por Verónica, sabrá Dios por qué. Creo que por una cuestión de búsqueda de afecto y atención (como el encuentro con el amante). Y en ese sentido es reveladora la escena en que pregunta por su estancia en el hotel, y corrobora los datos borrados, ella encuentra que ha sido atendida, que discretamente se han preocupado por ella, y tras eso se integra a la laxitud de su grupo nuevamente, afirmada en sus dudas.

Hay otra opción para con estas películas, reducir sus tiempos muertos, despreciarlos, comprimir los baches, y sí, probablemente de esa manera tendríamos un cortometraje, pero me parece la forma menos atractiva de mirarlo. Es cuestión de gustos.

Lo que también sucede es que mirándolo así, películas como Muerte en Venecia, El sabor de la cereza, por poner dos, o mucho de Antonioni se pueden comprimir a cortometrajes. Aunque esto último quizá ya sea una exageración.

Antolín

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Dir. Lisandro Alonso| 84 min. | Argentina - España - Francia - Alemania

Intérpretes: Juan Fernández (Farrel), Giselle Irrazabal y Nieves Cabrera.

Liverpool tiene algunas características que van a modificar aspectos sustanciales del cine. El primero es la desaparición del concepto “spoiler”, es decir, el adelantar datos básicos del relato antes de ver una película, o sea, contar el argumento completo, incluyendo el final. Pero hay una segunda característica: Liverpool es dos películas en una. Es decir, que el protagonista se presenta en poco más de dos tercios de la película y en los veinte minutos restantes sólo aparecen la coprotagonista y su abuelo. Es decir, dos películas en una, pero con la particularidad que en ninguna de las dos se cuenta historia alguna. Lo cual también es toda una innovación.

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