Para este, su tercer largometraje, Aguilar se aleja de la temática de violencia política que vimos en sus dos primeros trabajos, Paloma de papel y Tarata, para proponernos lo que parece ser una una historia íntima, de personajes solitarios: un guachimán, una anciana viuda, y una adolescente suicida.

Navideña Kani Hart, en su primer protagónico en el cine

Destacan en el reparto Ubaldo Huamán y Kani Hart -a quienes vimos recientemente en “Las malas intenciones”, aunque no compartiendo escena alguna-, además de la veterana Elide Brero -quien también protagoniza una nueva película que debería estrenarse este 2012, Casadentro de Joanna Lombardi-.

Lima Trece se desarrolla en la Lima actual y contemporánea, en una Navidad particularmente calurosa. El protagonista, un Guachimán, Wachi (Ubaldo Huamán), solo busca que lo dejen tranquilo en la rutina de su trabajo, vigilar un edifico de cuatro pisos en una zona residencial acomodada de la ciudad; y de su casa. Su mecánica laboral consiste en asegurarse que todo este en orden, y Wachi, sin quererlo, se convierte en observador de la vida de los vecinos, incluyendo la de Trini (Elide Brero), una viuda anciana que ha vivido en ese mismo lugar desde hace décadas.

Todo ocurre con normalidad en la vida de Wachi hasta que sucede algo que lo descuadra, es la llegada de Tesla (Kani Hart), una adolescente extraña e impulsiva, que se muda a vivir al edifico donde Wachi trabaja. Tesla, en un intento de llamar la atención, juega al suicidio sobre el tejado del edificio, y Wachi se ve obligado a salvarla. A pesar de que él es incapaz de expresar sus sentimientos, se fragua una particular amistad entre Wachi y la joven.

Ubaldo Huamán y Fabrizio Aguilar hacen un pago a la tierra, antes de iniciar el rodaje

Si bien Aguilar no recurre, para esta nueva película, a los años del terrorismo como en sus largos anteriores, sí parece que mantiene un interés por mostrar las diferencias y roces que se dan entre los diferentes estratos sociales en nuestra ciudad.

Lima Trece se graba en locaciones en Lima, Miraflores y Cercado, entre ellas en el Museo de Arte de Lima, MALI, como podrán ver en las fotos del Facebook de la película.

Ficha artística

Wachi: Ubaldo Huamán
Trini: Elide Brero
Tesla: Kani Hart
Sandra: Liliana Trujillo
Carmen: Norma Martinez
Johnny: Oscar Pacheco

Aquí el director parece recibir las instrucciones de la experimentada Elide Brero

Ficha técnica

Director: Fabrizio Aguilar

Producción general: César Fajardo
Producción ejecutiva: Alvaro De Albertis

Director de Fotografía: César Fajardo
Foquista: Mathias Durán
Script: Susan Rojas
Director de sonido: Omar Pareja

Directora de Arte: Chiara Rizo Patrón
Diseño de maquillaje y peinado: Lucianna Salomón
Vestuarista: Carolina Silva

Kani Hart dirigida por Fabrizio Aguilar

Encontramos a Javier en pleno proceso de montaje, en las oficinas de la RCP. Nos contó de qué va su nueva obra, pero también hablamos de la situación del cine peruano, la exhibición, y la política cultural en relación a la cinematografía en nuestro país.

Camilo Ballumbrosio y Máximo Damián

Javier, ¿puedes contarnos de qué trata la película que estás terminando?
La película es la historia de las vidas de unos personajes que son músicos, que son viejos maestros de la música peruana; de los distintos mundos del Perú, de la amazonía, del mundo andino, de la costa del Perú. Y a través de sus vidas y del viaje por sus vidas, hacemos también un recorrido geográfico por el país y un viaje musical hacia la raíz del a música peruana. Entonces, es a través de esas vidas que la película hace como un viaje por la identidad del Perú, de alguna manera la pregunta de la película es quiénes somos, buscamos ir al origen, a la raíz, a través de la música.

Por eso también los personajes hacen unos viajes de retorno, van a los lugares donde nacieron, donde escucharon los primeros acordes, donde aprendieron a tocar, donde se inspiraron, la casa en que vivieron. Es un viaje también hacia adentro de sus vidas, hacia el inicio de sus vidas.

¿Puedes mencionar algunos de los personajes con los que has trabajado? Sabemos que están Carlos Hayre, Jaime Guardia, Máximo Damián, Susana Baca, Magaly Solier.
Si, y están también Amelia Panduro que es una cantante de ícaros de la amazonía de Pucallpa, el maestro violinista ayacuchano “Chimango” Lares, y también jóvenes como Sara Van, por ejemplo que es una peruana emigrante que vive en España. Está el maestro, fallecido hace poco, Félix Casaverde, el cajonero Manuel Vásquez “Mangué”, el percusionista “Lalo” Izquierdo.

¿Y cómo tomaste la decisión de retratar a estos personajes, de trabajar en ciertas zonas?
He trabajado con “Chano” Díaz Límaco que es el director musical de la película, a la vez he trabajado con asesores musicales como Rafael Santa Cruz, que asesora la parte criolla, con Tito La Rosa que asesora la parte de la amazonía. Pero la elección de músicos y temas es absolutamente personal, son canciones que a mí me gustaban o que yo recordaba. Esta película no es un ensayo sobre la música peruana, no están todos los que deberían estar, es una selección muy personal, en realidad están las cosas que me gustaba que estuvieran en la película.

Música que conocías de antes…
Claro, pero algunas no, la selección no ha sido con el rigor de hacer una película sobre los grandes maestros de la música peruana sino un viaje musical a través de las canciones que a mí me parecían que servían para contar la historia, y también las canciones que a mí me gustaba que estuvieran en la película, porque no es un documental musical estrictamente, son historia de vidas y están envueltas en la música peruana. No se podría decir que es un documental estrictamente musical.

Porque hay que convenir que una cosa abarcadora, que coja toda la música del Perú es algo imposible, ¿no?
Habría que hacer 40 capítulos, y si luego se incluye a los que ya no están vivos, otros 40 capítulos.

Me acuerdo lo que escribieron los hermanos Montoya en su libro “La sangre de los cerros”. Ellos hicieron una antología de la poesía quechua cantada en el Perú, y trabajaron con la música popular peruana, no con la música culta, erudita, porque la música popular tiene una riqueza particular, se basa en la tradición, en la cultura y tiene su propia poesía.
¿Ese ha sido también tu interés al momento de construir el documental?
Sí, es una película sobre la música popular, y busca de alguna manera, a través de esos músicos populares y a través de sus vidas, de las canciones, y de lo que cuentan las canciones, dibujar un poco también la cultura popular del Perú. Su historia, su pasado, su presente y también mirar hacia delante; y los jóvenes que salen en la película, están también por que de alguna manera recogen esa raíz, porque no es una colección de antigüedad sino de música vigente y con relevo generacional.

¿Te parece que, por ejemplo, la música de Jaime Guardia o Máximo Damián, que interpretan música muy tradicional, tiene futuro? ¿Se mantiene vigente? ¿Está siendo continuada por nuevas generaciones?
Sí, yo creo que sí, en el folclore existe relevo pero además la música se transforma, va evolucionando, y por ejemplo hablando de música ayacuchana, de huayno ayacuchano, existen hasta bandas de rock que utilizan el huayno, como “Uchpa”, que canta en quechua y que recoge este género. Y el charango y el arpa están en la música contemporánea que se está haciendo ahora en el Perú.

Andrés 'Chimango' Lares, violinista ayacuchano

¿Qué nos puedes contar de la participación de Magaly Solier?
Yo pienso que Magaly es una gran cantante y una gran actriz, y a mí me gustaba que estuviera en la película porque me encanta como canta, y la idea un poco era incluir gente como ella, gente joven junto con los viejos maestros de la música. Entonces ella sale con el maestro “Chimango” Lares y su arpista, sale cantando una canción tradicional ayacuchana.

¿Esta es una coproducción peruano-española?
Es una producción independiente peruana, de Nakuy Producciones, el productor es Rolando Toledo y es en coproducción con una productora andaluza que se llama La Zanfoña, y con el apoyo de Televisión Española, las ayudas del cine de la Junta de Andalucía y de Ibermedia, y luego ya hay apoyos nacionales como Conacine, la Universidad César Vallejo y un montón de gente que está apoyando la película.

¿Y tu expectativa es terminar pronto? ¿En qué proceso estás?
Estamos en el proceso de finalización del montaje, estamos casi cerrando la película. La idea es terminar la película en los próximos dos o tres meses y estrenar en festivales. La hemos hecho con toda la ilusión de que sea un película de publico peruano, es una película para estrenar en el Perú, hacer una promoción, hacer una buena exhibición aquí, vamos a poner toda la prioridad en eso. La película es para todos los peruanos, para estrenar en salas, esperemos que se pueda hacer un estreno digno.

Porque los problemas que está teniendo el cine peruano son graves en el terreno de la exhibición. Cómo puede ser que películas como “Octubre” por ejemplo, una gran película, o “Las malas intenciones”, hayan tenido tan poco espacio en las salas y las quiten muy rápido. Incluso creo que esta última ha generado gran malestar a los productores y a la directora.

Yo pienso que existe ahí un vacio de apoyo al cine peruano, porque las películas se tienen que hacer y se tienen que ver, porque si existe un apoyo desde la producción, a través de concursos públicos, de nada sirve si luego los exhibidores no permiten que estén en las salas, ahí hay que hacer un cambio importante.

¿Tú crees que los distribuidores no permiten que se vean las películas peruanas? ¿O es que el público se distanció?
Yo creo que todo es complejo, hay películas que pueden ser de más público y hay películas que pueden ser de menos público. Cuando estrenas nunca sabes muy bien lo que va a pasar. Pero lo que si tengo muy claro es que en la situación de mercado actual aunque a tu película esté yendo gente, te la sacan de las salas.

Además no es un problema de Perú, es un problema de América Latina. En América Latina no vemos cine latinoamericano, pero no porque no tenga publico sino porque existen trabas para la exhibición. En todos los países que protegen de alguna manera su cine existe una legislación que obliga a exhibir el cine de ese país. En España, por ejemplo, por cada tantas películas norteamericanas están obligados a estrenar un porcentaje de españolas, y hay países mas proteccionistas, Francia es más proteccionista con su cine por ejemplo.

Aquí tiene que haber una protección porque sino, aunque esté yendo gente a tu película, la retiran porque están en cola las películas estadounidenses, y así sacan tu película o la ponen en un horario en el que es imposible sostenerla.

Javier Corcuera, en el Bar Queirolo, en un alto del rodaje de su nuevo documental

Hay gente que argumenta que las películas deberían ser tratadas como cualquier producto, como parte de un mecanismo industrial y de esa manera no debería haber ningún nivel de protección, no se ve el cine como un valor cultural.
Pero eso es como decir que la educación debe ser un producto más, que la salud debe ser un producto más, en fin. Además el cine peruano no es un producto más, porque las condiciones de mercado en las que tiene que competir no son favorables, no son iguales que las del cine norteamericano, no tiene el poder que tiene ese cine para competir en igualdad de condiciones. Una cosa es que si no va gente a ver tu película no debe estar en la sala, lógicamente, si la sala esta vacía hay que retirar la película; pero otra cosa es que solamente ponen tu película una o dos semanas, pase lo que pase, que es lo que sucede, porque existe una presión para sacar las películas porque hay cola para poner las películas que no son de producción nacional. Y pedir protección no es nada del otro mundo, porque en otros países eso está completamente regulado.

El Estado invierte con los premios de Conacine para que se puedan hacer las películas, es dinero público de todos los peruanos, para que exista un cine que además está dando resultados. Pienso que en los últimos años se han hecho películas importantísimas para el cine peruano, hay un relevo generacional, ha sucedido lo que no ha sucedido nunca que tengamos una película nominada al Oscar, y creo que se han hecho películas muy buenas.

Invertir ese dinero y luego no protegerlas para que se vean es un dinero mal invertido, es absurdo. Y tampoco se ven en la televisión pública, también hay varias cosas que hacer ahí porque en otros países como en España, la televisión española (TVE) tiene que gastar un dinero para coproducir el cine que se hace en España, aquí debería haber una cosa similar, la televisión pública también debería estar enganchada con las ayudas para el cine peruano, para que tengan los derechos de exhibición, para que se pueda ver el cine peruano en horarios atractivos.

¿Cuáles son tus expectativas frente a la actual gestión del Ministerio de Cultura, respecto al cine?
Yo creo que ese trabajo, en estos últimos años, ha dado muy buenos resultados, porque los resultados son las películas y nadie puede negar que las películas están ahí y son buenas, hay que continuar trabajando eso y hay que corregir todo lo que hemos estado comentando antes, sobre todo en el tema de exhibición y también seguir aumentando las posibilidades de financiar mas películas, no solamente en el cine de ficción y documental, también hay que apoyar la animación, las óperas primas. Pero me parece que el problema fundamental es la exhibición.
También debería haber en Perú el equivalente de lo que hay en Argentina, es decir salas de cine peruanas gestionadas por el ministerio, así por lo menos tendríamos la garantía que en esas salas, estén las películas peruanas hasta que no vaya un solo espectador.

Para terminar, ¿puedes mencionar algunos documentales peruanos que todos deberíamos ver?
Estos son algunos documentales cortos y largos peruanos que me gustan:

• Metal y melancolía, de Heddy Honigmann
• Radio Belén, de Gianfranco Anichinni
• Encuentro de hombrecitos, de Alejandro Legaspi
• Solo un cargador, de Juan Alejandro Ramírez
• Choropampa, de Ernesto Cabellos
• Es Amador, de César Calvo, Miki Gonzáles, Roberto Bonilla

Conversamos con Javier Corcuera el 9 de noviembre, en la RCP

Entrevista: Luis Ramos
Edición y fotografía: Laslo Rojas

Conversamos con los directores de esta coproducción chileno-peruana, que se suma a la creciente actividad fílmica en el norte chileno:

Rodaje de 'Chañaral', en una caleta de pescadores en Atacama

¿Cómo nace este proyecto “Chañaral”?
Surge tras años de viajes de Pato Fuster a la pequeña provincia de Chañaral, en el desértico norte chileno, donde conoció a Juan León, “El Colo” (buzo mariscador y actor protagónico de la película). Es recién luego de más de 12 años de espera, que podemos exponer en el cine el resultado de un encuentro entre la ficción y la realidad como procesos creadores.

¿De qué va la película?
La película relata la historia de un buzo (“El Colo”), quien en uno de sus días de trabajo bajo el mar pierde a su hijo. Despues de esta pérdida, “El Colo” se ve inmerso en un mundo que ha perdido su significación. Se descubre el frágil velo que cubría su soledad. La muerte, y lo que queda tras ella, habitan ahora en una realidad que se revela hostil e inexpugnable, a medida que intenta de manera frustrante escapar de sí mismo.

¿En qué locaciones se ha filmado?
La película está rodada integramente en la región de Atacama, a mil kilometros al norte de Santiago de Chile. Las locaciones fueron Pan de Azúcar, una caleta de pescadores ubicada dentro del Parque Nacional del mismo nombre, y Chañaral una pequeña ciudad portuaria de 15 mil habitantes, situada a 30 kms. de Pan de Azúcar.
El rodaje se llevó a cabo en el mes de octubre y los primeros dias noviembre del 2011. Grabamos en formato digital con una Red One, y una óptica Carl Zeiss.

¿Cómo han financiado la realización de esta película?
La película esta financiada, en esta primera etapa, por los dos directores, y por el aporte de Mónica Gómez, amiga empresaria colombiana, Supermercados Zamora de Chañaral, Juan Claramunt Cine y Bebeto Producciones. Hemos contado con el auspicio de la Municipalidad de Chañaral, y Conaf (Corporacion Nacional Forestal de Chile) administradora del Parque Nacional Pan de Azúcar. Con la colaboración del Sindicato de buzos y pescadores de Pan de Azúcar, y de toda la comunidad de Chañaral.

¿Qué experiencia previa tienen ustedes en el audiovisual?
La trayectoria de Pato Fuster en cine ha sido hasta ahora como director de fotografia. Trabajó como asistente de cámara en “Anda, corre vuela” (1995) de Augusto Tamayo. Luego participó en otros largos en Chile, como asistente de cámara y foquista.
Como fotógrafo ha trabajado en documentales como “Dharamsala”, de Tatiana Gaviola, rodado en la India, y “Antofagasta, el Hollywood de Sudamérica” de Adriana Zuanic. Trabajó en los filmes peruanos “Condominio” y “La gran sangre”, ambos dirigidos por Jorge Carmona. Su segundo largometraje como director y guionista será “El buen hijo”, este se encuentra en proceso de preproducción.

Victor Manuel Checa Belaunde ha dirigido cortos experimentales como “Las palabras no suenan” (2007) y “Salvador” (2008). “Jauregui” (2009) es su primer proyecto narrativo, este cortometraje compitió en el Festival de La Habana y en el Festival Latino de Chicago, además participó en el Festival de Montreal. “La ciudad invisible” será su segundo largometraje como director, este proyecto se encuentra en etapa de financiamiento.

El peruano Amador del Solar registró el sonido directo de 'Chañaral'. Él ha realizado el diseño de sonido para cerca de 20 largometrajes, en México

Ficha técnica

Direccion y produccion: Pato Fuster, Victor Manuel Checa
Asistente de Direccion: Alberto Gutierrez Spelucin
Asistente de Produccion: Sebastian Rodriguez-Larrain
Guion: Pato Fuster, Victor Manuel Checa
Direccion de Fotografia: Pato Fuster
Sonido: Amador del Solar
Postproduccion: Eduardo Arriagada Wawin

Intérpretes: Juan Leon Fibla, Sergio Mercado Muños, Maillku Portilla Andaur

Luego de Detrás del mar (2005), y mientras mantiene en standby su proyecto de ‘Las cenizas’, Del Busto decide dejar de esperar, y se lanza a grabar. Su nueva película fue la respuesta a, lo que él llama, “la necesidad de hacer cine”, un cine de sensaciones, de emociones, de experimentación.

El espacio entre las cosas se grabó episódicamente, entre el 2008 e inicios del 2011, en diversas locaciones, desde Iquitos y alrededores, pasando por Cusco hasta Lima, México D.F., Barcelona y Buenos Aires; y con un presupuesto mínimo de US$10,000 aproximadamente.

Lean la entrevista con el director, a continuación:

Cuéntanos Raúl, ¿de qué va “El espacio entre las cosas”?
“El espacio entre las cosas” trata acerca de un director que recorre posibles locaciones y afina el guión de su nueva película, un policial.
El personaje principal es un detective de la división de narcóticos, que enfrenta una serie de sucesos extraños tanto en su vida personal como profesional.
A manera de ensayo, o libreta de apuntes, el narrador y el protagonista se funden, y la realidad y la ficción son parte de un mismo universo.

¿De dónde nace la idea de hacer esta película?
La idea nace por la necesidad de filmar, esperar más de 4 o 5 años para realizar una película es realmente angustiante. Estaba harto de dedicarme gran parte del tiempo a “armar proyectos” en papel y pasar muy poco tiempo en filmación. Es así que en plena preparación para “Las cenizas” comienzo a filmar todo lo que puedo.

¿Cómo ubicas esta película en relación a tus anteriores trabajos?
Pues no lo sé, porque su propia gestación fue más abrupta, surgió más que de la necesidad de contar algo, como una respuesta natural a la necesidad de seguir haciendo cine.

Percibo que es una película más libre, ya que desde su inicio pretendí construir algo que se ampare en la inefabilidad, que su punto más sólido se encuentre en la articulación expresiva de imágenes y sonidos y que la palabra sea sólo una capa más, y que no sea dependiente de una rígida estructura dramática.

Quise filmar una película que flote, que se fusione y que se maneje desde distintos puntos de lectura, que no se someta fácilmente a la clasificación o se ampare en el suceso explícito, que me permita dejar en sus imágenes, en sus intentos de narrativa o de mero registro, en sus sonidos, o sus frases -aspectos de mi persona fusionados con la recreación o la manipulación- con la finalidad de generar sensaciones/emociones y sin renunciar a la premisa de lo lúdico, de la construcción amparada en la experimentación en la puesta en escena más que subordinar todo a una narrativa lineal y controlada.

Mi intención fue eliminar puntos específicos, hacer borrosos los límites, desde la identidad o la alternancia del narrador, pasando por la elaboración de la ficción y el registro documental, hasta el intento de elaborar un ensayo, un híbrido.

¿Con qué equipo trabajaron durante el rodaje?
Trabajamos con equipo mínimo, tanto humana como técnicamente, muchas veces por asuntos presupuestales tuve que filmar sólo.
Se usaron distintas cámaras digitales de 3 CCDs y a 24 cuadros progresivo.

¿Cómo han financiado la produccion de esta película?
Todo ha sido financiado con recursos propios, ahorros y favores de amigos.
Si tomamos en cuenta la logística de filmar en lugares fuera de Lima o del Perú, incrementa muchísimo los costos.
Aproximadamente habremos gastado unos 10 mil dólares, pero a eso debería sumársele la ayuda desinteresada de amigos que aportaron desde la música, hasta el transporte, así como también darnos la facilidad para filmar algunas locaciones.
Ha sido una producción bastante singular por lo episódica y por lo larga en el tiempo de construcción (casi 3 años).

¿Qué nos puedes contar de “Las cenizas”? Que incluso contaba con el apoyo de la productora ‘Mantarraya’ de Carlos Reygadas.
“Las cenizas”, por asuntos presupuestales, tuvo que quedarse congelado, pero es un proyecto que espero en poco tiempo pueda retomarse y concluirlo.

¿Hubo alguna ayuda similar para “El espacio entre las cosas”?
No ha habido ayuda hasta el momento. Pero si me siento muy agradecido con Lita Stantic y con Ilse Hughan a quienes tuve oportunidad de mostrarles el primer corte de “El espacio entre las cosas” y me dieron importantísimos consejos luego de su visionado.

¿Qué planes tienen a continuación con la película, luego de terminarla?
La intención, antes que nada, es esperar hasta dónde puede llegarse con la película en esta instancia de postproducción, si es que hay posibilidad de un transfer, si se pueden refinar detalles técnicos, luego de todo eso pienso que será mejor centrarse en las posibilidades para presentarla.

Extra: Lean también esta extensa entrevista con Raúl del Busto, publicada el 2007 en La cinefilia no es patriota.

Carlos Álvarez deja las risas en la pantalla chica

El Comercio ha publicado algunas fotos del rodaje de El buen Pedro, destacando la presencia por primera vez en el cine de Carlos Álvarez, en el papel de un jefe de policía corrupto.

En la trama de la película él, junto a su subalterno Gabriel (Roger del Águila), irán tras los pasos del Pedro del título (Miguel Torres-Böhl), un empleado público común y corriente que por las noches se torna en un violento asesino en serie, las prostitutas de la madrugadas limeñas serán sus víctimas.

El director explica un poco más sobre el que será su segundo largometraje:

“Siempre he tenido esa fijación por saber qué hace el vecino. Cuando se ve en televisión que un hombre asesina a su esposa, siempre está la vecina que dice que fue un buen tipo. Esa dualidad me interesaba”, señala el director, que quería mostrar la cotidianidad del asesino. “Quería retratar su monotonía: para él, la vida es su trabajo, cocinar, comer y matar”, explica Ventura.

Completan el reparto de la película Adriana Quevedo, Adolfo Aguilar, Sofía Bogani, Laura Del Busto, Catherine Díaz, Lizeth Campano, Mayra Goñi, Jazmín Pinedo, entre otros actores.

El buen Pedro se encuentra actualmente en proceso de postproducción, y se estrenará en el 2012.

Extra: Sigan al director en Twitter, @Sandro_Ventura, donde ha compartido algunas fotos durante los ensayos previos al rodaje. Y este es el Facebook oficial de “El buen Pedro”.

Un nuevo estreno peruano tendremos este mes de octubre: el realizador Eduardo Schuldt anuncia la llegada de Lars y el misterio del portal, una cinta animada dirigida al público infantil, que se suma a su creciente filmografía, conformada por los títulos Piratas en el Callao, Dragones: destino de fuego y El delfín.

Sinopsis: “Cuando Lars llega a su nuevo colegio no sólo encuentra grandes amigos, sino también un misterio que deberá resolver para salvarnos a todos.”

Schuldt nos cuenta algunos detalles sobre su nueva película, que se lanzará en formato 2D: “se trata de un proyecto bastante personal, iniciado con guión que terminé hace 3 años”. La producción, que costó más de 1 millón de dólares, fue realizada completamente en Perú, con excepción del doblaje de las voces, el cual se hizo con actores mexicanos, con el fin de facilitar su distribución en el mercado latinoamericano.

Andes Films será la encargada de distribuir la película, que se estrenaría el 6 o el 13 de octubre próximo en Perú. Luego se verá en los cines de Chile, Ecuador y Bolivia.

Algunos recordarán el otro proyecto animado de Schuldt, Los ilusionautas. Esa película se estrenará aun el 26 de enero del 2012.

Vean más imágenes de Lars y el misterio del portal en su página de Facebook.

Director y guionista: Eduardo Schuldt
Productor ejecutivo: Diego Quijano Landaeta, Gerente General de Dreams & Entertainment
Director de sonido y producción: Jan Alvarez-Guerra
Producción: Gloria Quiñones
Productora: Dreams & Entertainment

Extra: Octubre volverá a ser mes de estrenos peruanos. Al igual que en el 2010, este mes morado tendrá por lo menos dos películas peruanas en cartelera. Coincidentemente, Las malas intenciones de Rosario García-Montero también se estrenará el 6 de octubre.

Celos oscuros en la pareja protagonista

La ópera prima del director limeño Joel Calero anuncia su lanzamiento para el 2012. Se trata del drama Cielo oscuro, protagonizado por Lucho Cáceres y Sofía Humala, actores conocidos por sus trabajos en televisión y teatro. Ellos interpretan a la pareja principal del filme, en una historia marcada por los celos y la tensión de alcoba. Así la resumen los productores: “La inusual y hermosa relación entre un empresario textil de Gamarra y una joven actriz de teatro se convertirá en un “cielo oscuro” cuando él conozca a una antigua pareja de ella”.

La película estrenó hace poco su página en Facebook, y ahí publican las primeras imágenes de esta nueva producción peruana. Pueden ver más fotos en este sitio.

Sinopsis: Toño (42) es un comerciante divorciado que pasa los días detrás del mostrador de su pequeña tienda-taller de confección textil ubicada en el Emporio Comercial de Gamarra. Un día, llega a su negocio Natalia (23), una estudiante de teatro que le encarga la confección del vestuario para su obra de graduación como actriz.

Pese a las diferencias que los separan, el azar terminará entrelazando sus vidas. Natalia encuentra en él ese calor y protección que le estaban faltando a su vida. Toño descubre con ella un universo fresco y sensorial que lo revitaliza, pero cuando conozca a un joven actor -antigua pareja de Natalia- su felicidad empezará a resquebrajarse. El temor inicial deviene pronto en miedo, obsesión y paranoia que terminarán convirtiendo su relación e intimidad en un peligroso cielo oscuro.

Aquí se ha publicado un tráiler provisional, donde se puede avizorar el tono agridulce que tendría la película.

Por acá pueden ver algo un poco más revelador sobre la pareja y sus conflictos.

Este es el debut cinematográfico de Sofía Humala

Además, en el reparto destacan la aun más popular Mariella Zanetti, junto a Roberto Moll, Norka Ramírez, Pold Gastello, Sebastian Rubio, entre otros.

Cielo oscuro ganó varios premios durante estos años: el 2005 Joel Calero obtuvo una beca de la Fundación Carolina para el Curso de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos Iberoamericanos, el 2006 logró la ansiada ayuda de Ibermedia para coproducción, el 2007 ganó una ayuda del CNAC de Venezuela, y el 2008 ganó el concurso de su par en Perú, el Conacine.

Ficha artística
Lucho Cáceres: Toño
Sofia Humala: Natalia
Roberto Moll: Mauricio
Mariella Zanetti: Betty
Pold Gastello: Arturo
Norka Ramirez: Cecilia
Tania Ruiz: Lorena
Sebastián Rubio: Tato
Flor de María Andrade: Mamá

Lucho Cáceres y Mariella Zanetti. Antes ya estuvieron juntos en La Gran Sangre

Ficha técnica
Título: Cielo oscuro
Guión y dirección: Joel Calero
Duración 78 minutos
Formato de proyección 35 mm Dolby – Color
Producción: Factoria Sur e Imagyc (Perú), Rodando Films (Venezuela)
Productores ejecutivos: Joel Calero, Lucho Cáceres, Carlos Solano
Coproductor: Carlos Malavé
Director de fotografía: Mario Bassino
Directora de arte: Gisella Ramirez
Productora de arte: Gloria Quiñones
Sonido directo: Guillermo Palacios
Postproductor de sonido: Francisco Adrianzén
Edición: Roberto Benavides
Asistente de dirección: Nelson Aguilar
Jefe de producción: Rafael Cabellos
Casting: Basilio Soraluz y Jorge Tito
Vestuario: Elizabet Bernal
Maquillaje: Marleny Blancas

Extra: En abril del 2009 estuvimos en el rodaje de “Cielo oscuro”, esto fue lo que vimos.

Mientras tanto, en una galaxia más cercana…

Chicha tu madre. “Me confundieron con Alain Delon”. JC, el papá, pronto abuelo, que cura sus heridas junto a su hija:

Compadre. “Es que a veces estoy cansado de todo”. Daniel, el papá que nunca se va a cansar de ser papá:

Madeinusa. “Papito, tu caldo de gallina”. Don Cayo, el papá que está a punto de tomar su última cena:

Dioses. “Mujer que piensa es hombre. ¿Qué buena es esa, no? ¡Ríete pues, huevón!”. Agustín, el papá que instruye al hijo:

Octubre. “¿Es verdad que la madre de la niña es una una puta?”. Clemente, el papá que no estuvo ahí:

El primer largometraje de Lombardi entra ahora a la etapa de edición, esperando ser estrenado a mediados del 2012. Esto y más fue lo que nos contó la novel directora, hija del también cineasta Francisco Lombardi, y de la escritora Giovanna Pollarolo. Lean la entrevista a continuación:

Joanna Lombardi detrás de la cámara. Se usó una Red One.

¿Podrías contarnos de qué va tu película? ¿Cuál fue la motivación que tuviste para hacerla?
Es un guión propio que escribí entre el 2007 y el 2010. La motivación fue la maternidad. El tener una hija me hizo pensar mucho en cómo van cambiando las relaciones entre madres e hijos a medida que la vida avanza. En la película hay una nueva mamá, Anneliese Fiedler, con su bebé. La mamá de Anne que es Graciela Paola, ‘Grapa’, una mujer de unos 55 años y la mamá de Grapa, Elide Brero de 80 años. La película cuenta las relaciones entre estas mujeres. El otro foco de la película tiene que ver con la vejez, con el final de la vida, la soledad. Por último, he trabajado un tipo de relación muy peculiar pero que ocurre con bastante frecuencia en el Perú: la empleada que vivió en la casa durante toda su vida, que nunca tuvo hijos, que dedicó su vida a otra familia.

Cuéntanos un poco sobre tu trabajo previo a este primer largometraje.
En el 2010 terminé un corto llamado Una mujer que estuvo seleccionado en el Festival de La Habana. También he trabajado en varias obras de teatro como asistente de dirección. La verdad es que estas experiencias han sido fundamentales para la filmación de “Casa dentro”. Me he sentido tranquila en el rodaje y segura con la manera de trabajar.
[N.E.: Joanna ha sido además asistente de dirección y guionista de las últimas películas de su padre, "Un cuerpo desnudo" y "Ella". Su corto "De noche" ganó el concurso de Conacine 2009.]

¿Qué influencias haz tenido durante la realización de “Casa dentro”?
Creo que influencias hay por todos lados, no solo del cine. Por ejemplo, hay un libro de [Orhan] Pamuk que se llama “La casa del silencio” que me sirvió un montón para terminar de retocar el guión. Si hablamos de directores, definitivamente tengo que mencionar a Nuri Ceylan que es mi actual favorito.

Leo que Inti Briones es el director de fotografía. A pesar de ser peruano, su trabajo probablemente sea más conocido en Chile que en Perú. ¿Cómo así se da el trabajo de colaboración con él?
No habíamos trabajado juntos antes, pero Inti ha estado en el mismo colegio que yo, “Los reyes rojos”. Vi su trabajo en “Huacho”, me encantó y me comuniqué con él. Ha sido una suerte para mí trabajar con Inti. No solo es un director de foto espectacular, si no un amigo increíble y una ayuda enorme en todo el proceso.

Extra: “Casa adentro” ha sido financiado con el premio del Concurso de Conacine del 2010, que asciende a S/.470,000. Ahora buscan lograr alguna ayuda adicional para el proceso de postproducción. La película se grabó en cine digital con la cámara Red One, en el formato anamórfico 2.35:1

Stephanie Orúe y Delfina Paredes hacen de las empleadas de la casa

Bonus: Vean más fotos del rodaje, publicadas en Facebook. Lean la nota que publicó El Comercio la semana pasada durante el rodaje de la película.

Actualización [21 nov]: Se ha publicado el primer afiche de la película:

Luego de la primera semana de rodaje, el productor de la película, Héctor Gálvez, nos trae noticias de esta película que se realiza gracias al premio obtenido en el Concurso Regional de Conacine 2010.

Las imágenes que vemos aquí corresponden a las locaciones ubicadas en el distrito de Cascas, en la provincia de Gran Chimú. Las siguientes dos semanas de rodaje se realizarán un poco más al norte, en Contumazá, distrito que corresponde a la región Cajamarca. Ahí se desarrollará el centro de la historia, que narra los días de un joven profesor de la sierra que debe viajar a un pequeño poblado de las alturas para trabajar en un colegio de la zona.

La cuarta y última semana de rodaje está programada para realizarse en la ciudad de Trujillo.

El equipo de producción de Chicama es más bien reducido, y está conformado en su mayoría por profesionales trujillanos: además de Omar Forero y Antolín Prieto, su asistente en la dirección, se cuenta a la jefa de producción, y a los asistentes de cámara y arte. Asimismo, el actor principal, José Sopan, y una actriz secundaria.

En el Río Chicama (de der. a izq.): Héctor Gálvez, Antolín Prieto, Luis Cateriano, Omar Forero (en cuclillas), Mario Bassino (detrás de la cámara), Pedro Rebatta y Christian Cruz.

Completando la imagen anterior, con la escena a filmar, el protagonista en el Río Chicama. Willy Lizarbe registra el sonido.

Primera luz del día en los alrededores de la Plaza de Armas de Cascas, en La Libertad.

El director de fotografía, Mario Bassino (sentado) y su asistente preparan la escena, en la casa de la mamá del protagonista.

Equipo técnico
Director y guionista: Omar Forero
Productor general: Héctor Gálvez
Director de fotografía: Mario Bassino
Asistente de dirección: Antolín Prieto
1er asistente de cámara: Luis Cateriano
2do asistente de cámara: Christian Cruz
Director de arte: Ronald Garcia
Asistente de arte: Sisi Narvaez
Director de sonido: Willy Lizarbe
Iluminación: Pedro Rebatta
Productora: Carolina Denegri
Jefa de producción: Nirvana Diaz
Asistente de producción: Araseli Dávila
Empresa productora: X Comunicación Alternativa SRL

Actor principal (profesor César): José Sopan
Actriz secundaria: Ana Paula Ganoza

Se ha publicado el póster oficial de la edición 59 del Festival de San Sebastián, a realizarse del 16 al 24 de setiembre próximo, empleando la imagen de una vieja maleta, “una invitación al viaje que representa un festival de cine, punto de encuentro de público y profesionales de todo el mundo, y punto de partida de tantos viajes imaginarios como mundos nos ofrecen cada una de las películas participantes”, que es como lo describe la organización del festival español.

Una de las secciones que en esta ocasión presentará el certamen, coorganizada con el Basque Culinary Center, tiene que ver con un asunto que nos interesa siempre a los peruanos, Cine y gastronomía, en la que se exhibirán películas y se realizarán eventos sobre esa deliciosa temática. En estreno mundial, la primera será el documental Mugaritz BSO, dirigido por Felipe Ugarte y Juantxo Sardon.

Se trata de un proyecto gastronómico–musical que busca crear un mundo sonoro a partir de la experiencia culinaria que suponen algunos platos del prestigioso restaurante Mugaritz. La premisa es que el conocimiento integral de cada plato, en los aspectos histórico, técnico, filosófico, y de insumos y acabado, se transforma en composiciones musicales y refleja las mismas sensaciones gustativas. El trabajo cuenta con la producción musical de Ugarte y el productor Juan Hernández.

Contrará con “la participación de más de 40 músicos como el tenor Carlos Mena o Suso Saiz, Alos Quartet, Tanya Tagaq (Inui), Wafir (Sudán), Ramz (Palestina), Carlos Miranda (Perú), entre otros y la captación de paisajes sonoros en el País Vasco, Galicia, Extremadura, Etiopía y Perú”. Ojo a este documental entonces.

Entre los otros materiales publicitarios del Festival de San Sebastián, destacamos el afiche de la importante sección Horizontes Latinos. El año pasado estuvo ahí Octubre, el 2009 le tocó a Contracorriente, Dioses estuvo el 2008, así que estaremos atentos para conocer los filmes seleccionados este 2011:

Extra: A propósito de nuestra comida en imágenes, vean este extenso spot del lanzamiento de Marca Perú, dirigido por Ricardo Maldonado de Cine70 Films:

Sergio Wolf, Tina Fischer y Violeta Bava

Violeta Bava, programadora del BAFICI

Ilse Hughan, directora del BAL

Cameron Bailey, Codirector Festival de Toronto

La noche anterior, en el “Drink and empanadas”, el lente de Renzo Alva (todos saluden a Renzo, nuestro fotógrafo en el Bafici) captó la contagiosa risa del caleño.

Esta nueva edición del Festival de Tribeca será el marco para la premiere mundial de la película española Blackthorn de Mateo Gil, la cual causa especial atención por estos lares ya que cuenta con la participación de Magaly Solier en su reparto. El filme rodado en Bolivia estará en la sección World Narrative Competition, junto a otros once filmes internacionales.

Un par de imágenes más de Blackthorn, publicadas en el sitio web del Tribeca Film Festival:

Entre los largometrajes en competencia se encuentra la mexicana “Paraísos artificiales”, el primer filme de ficción de Yulene Olaizola, directora del fantástico documental Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo. En otra sección paralela llamada Cinemania se presentará la española “Carne de neón”, de Paco Cabezas.

Los otros trabajos iberoamericanos que participan en Tribeca este año son el corto peruano Último recurso, el largometraje chileno “Mi último round” de Julio Jorquera; y el corto español “Picnic” de Gerardo Herrero.

La realizadora, incluida en el 2009 en un grupo de diez prometedoras directoras peruanas, se refirió al rodaje de esta cinta como “larguísimo y complicadísimo, en el mar, en los cerros, en los carros” en recientes declaraciones a El Comercio. “Uno se pone mal, piensa que el proceso creativo no existe en un rodaje tan apretado. Pero a pesar de los problemas, se hizo un trabajo excelente y además estaba tranquila con mis actores, pues habíamos ensayado por meses”, se animó a revelar García–Montero.

A continuación, cinco fotos que van adelantando el clima de la cinta.

Debido a que estamos hablando de producciones independientes, en lugar de sugerir tipos de fuentes que se compran, sugeriremos – si es que sugerimos algo – fuentes gratis en línea. Además, como hablamos de películas independientes, no tengo idea de qué tratan o dónde puedo verlas.

2

La película 2 toma y estiliza “dos” de forma numérica en lo que parece ser Frutiger, y aunque no hay error alguno con éste, pienso que pudieron haber utilizado los créditos como elementos de texto extra. Además de encontrar un “2” de forma más interesante, algo así como los diferentes pesos de Lane o Cleanvertising.

La composición de la imagen sigue la regla de tercios, pero el tratamiento de ésta parece un poco aburrida. La paleta de colores es opaca. Como resultado, la imagen necesita contraste, y tal vez un plano más cercano.

Podemos notar, también, que la sombra fue modificada para encajar en el tercio izquierdo, pero parece haber sido trabajada descuidadamente ya que la línea se ve algo temblorosa, mientras el círculo perfecto de la sombra debajo parece haber sido modificada con el “smudge” que ha cambiado la textura “ruidosa” de la pared por un color homogéneo.

3

La película 3 estiliza “tres” en forma numérica en lo que parece ser algún tipo de letra digital. El resultado del tratamiento de la imagen parece de aficionado –también podemos ver esa calidad de ruido del ISO de la cámara– y es obviamente una imagen compuesta. Se puede notar las lineas limpias de corte que separan los rostros del fondo ligeramente borroso, que crea demasiado con todas las ramas, las luces, y la calle.

Kasa Okupada

El afiche de Kasa Okupada es casi tan ofensivo en su diseño como lo es el póster de Rehenes, utilizando efectos como el “glow” en todo sus textos, incluyendo el título estilizado con “K”s en lugar de “C”s. La imagen incluso esta tratada de manera similar a la de Rehenes con esas líneas, a pesar del concepto de ver a través de las paredes, que supongo es por eso que tienen los stills sobre la casa.

La fuente parece ser una versión aplastada de Bell Gothic, o eso es lo más cercano que pude ubicar. Con todo eso, si Kasa Okupada es un filme de terror, lo único que veo en el afiche son los colores rojo y azul.

El Niño del Cusco

Éste es tal vez el poster visualmente más interesante, y no porque nos venda la película. En realidad no tengo idea de que se trata de un documental hasta que leo los créditos, pero llama la atención. El título utiliza Rosewood Regular tratado con los populares colores incaicos del “arco iris,” obviamente vinculando el filme a la ciudad del Cuzco –sorry, no puedo escribirlo con “s”.

La composición del afiche es buena e interesante en su nuevo formato, concentrando sus elementos en el tercio derecho, mientras que el “horizonte” se sienta cómodamente en el tercio inferior.

Es posible que la clonación del gráfico de la ciudad no funcione bien, y que el diseño se hubiera beneficiado de un formato tradicional de afiche para evitar la repetición de casas. Pero de todas maneras, bien ejecutado.

El último piso

El título de El último piso parece estar utilizando Myriad Pro-Regular, y deciden alejarse de una composición centrada. El personaje está ubicado en el tercio derecho, mientras que el título se sienta sobre la línea del tercio inferior.

El tratamiento a la imagen es algo raro, no tengo entendido cual es la fuente de luz, ya que vemos luz golpeando al personaje por la izquierda, pero vemos un halo alrededor de su cabeza.

El tono azul nos hace pensar que el film tiene un final triste. ¿Se suicida en el último piso?

Vivir

A primera vista, el póster de Vivir nos hace pensar que podría ser uno de esos filmes de antología con varios cortos sobre gente. Esa gente que nos sonríe –la mayoría– nos dan una idea de un filme feliz, de esos que te alegran el día. ¡Por supuesto! La película se llama ¡Vivir! “Nacer, Amar, Morir… Ser feliz”, sin embargo, los colores me deprimen. Lo único que tiene de “esperanzador” es ese glow en el título, mientras usan tres diferentes tipos de letra. Una de ellas alguna fuente de esas a “mano” junto con Times New Roman, e Impact.

Ninguna de las fotos ha sido procesada, así que todas parecen ser fotos de diferentes películas. No sabemos si es una colección de cortos, o si es una sola película con múltiples historias dentro.

El afiche de una película llamada Vivir debería ser vibrante y lleno de vida.

–

Llegamos al final de la reseña de afiches peruanos del 2010. El equipo de Cinencuentro me dijo que hay algunas películas que se nos escaparon el pasado 2009, ¡así que las haremos de bonus!

Lucanamarca

El afiche de Lucanamarca con el camino de ataúdes es una imagen que llama la atención. Su composición crea una fluidez desde la parte superior del póster hasta donde está ubicado el título, aunque la imagen necesita contraste considerando el tipo de rojo utilizado en el título, que está tratado con un tipo de letra estampada. Queda un poco fuera de lugar, tan fuera de lugar como ese degradé negro para hacer el texto legible. Debieron haber utilizado solo el color entero y evitar que quede ese pedazo de foto debajo del título.

El otro afiche de Lucanamarca es una historia distinta. La foto utilizada sigue siendo una imagen llamativa con los ataúdes creando un diseño, mientras la mujer está parada frente a la cámara. Unos pequeños ajustes para que el ojo de la mujer se posicione en el tercio inferior derecho hubiera sido un buen toque, además de conseguir que la mujer mire directamente a la cámara para crear una imagen que entablará una relación con quién vea el póster. Y aún no me gusta ese tono de rojo.

De Ollas y Sueños

Cuando veo el poster de De Ollas y Sueños, lo único que veo es un problema con el ego. ¿Por qué? Lo primero que veo –además del título– es Guarango y TAL. Luego vemos el logo de Guarango una vez más en el sector de la imagen principal, nuevamente los dos logos al final, y como último el logo de TAL con la pila de sponsors. Toda mi atención se va al número de sponsors que tiene el filme, y le presto poca atención al solitario ceviche, que además tiene esas elegantes figuras geométricas encima.

La ilustración debajo del ceviche tiene problemas de clonación, puedo ver seis cabezas calvas –no clavas.

Si el documental es como dicen las citas “Maravilloso” y una “Sabrosa Reflexión,” estoy segura que podían haber transmitido esa sensación de “se me hace agua la boca” de la comida peruana con una fotografía. Si bien el tema de “comida” sea difícil de llevar en un afiche de película, pueden contratar a una de mis fotógrafas favoritas de comida~~~ ¡Veronika Studer! Ella tiene fotografías que son una belleza.

***

¡Eso es todo, amigos! Mucho trabajo, pero espero ayude a muchos a hacer mejores afiches (y películas) para el 2011.

Este año ha habido un aumento en el número de estrenos peruanos en el mercado nacional, que incluyen producciones independientes netamente peruanas, así como coproducciones con otros países. Gracias a esto, ha habido un mayor interés en las campañas de márketing que incluyen páginas web, uso de redes sociales, y sí, también posters, para hacer que sus filmes sobresalgan del montón. La cultura del póster de películas en Perú no ha estallado –ni en cantidad o calidad– ya que mucha gente en márketing aún le teme demasiado a mucho espacio en blanco, o a conceptos muy abstractos que podrían -o no- confundir a su audiencia.

Aún estamos lejos del concepto de “menos es más” que se ve seguido en posters en Europa o Japón, y estamos aún más lejos de la producción en masa que se ve en el rubro de diseño de posters en Estados Unidos, pero estamos dando pequeños pasos con más gente joven interesada en estudiar diseño, y nuevos diseñadores entrando al mercado.

Debido al número de posters este año, decidí dividirlos en dos grupos, el primero con las producciones “más grandes” o estrenos comerciales, y el segundo con las producciones así llamadas “independientes”, o de menor presupuesto y exhibición limitada. Todas serán listadas en orden alfabético.

Contracorriente

La coproducción de Contracorriente, que incluye a Perú, Colombia, Francia y Alemania, utiliza una simple pero aún así efectiva composición centrada. Esta efectividad se debe a la fotografía tomada específicamente para el póster, en lugar de utilizar un still del filme. Esto le permite a la producción contar una simple historia por medio de gestos simples, como es tener a Tatiana Astengo apoyada en Cristian Mercado quien interpreta a su esposo, quien a su vez extiende el brazo para agarrar la mano de Manolo Cardona, quien interpreta a su amante. Ni siquiera necesitamos ver el tráiler para entender de qué trata el filme.

El título es tratado simplemente con Helvetica Compressed, con la pequeña modificación de una de las “R” invertida, algo sencillo que no se pudo llevar al poster en inglés que solo tiene la “R” de Undertow.

Incluso la composición deja que los personajes se sienten cómodamente en la última línea de tercios del poster. Tal vez no será coleccionable, pero muy bien ejecutado.

Ella

La reciente producción del director Francisco Lombardi, Ella, tiene un afiche sencillo y agradable a primera vista. No está lleno de elementos, la imagen bajo el agua tiene un cierto misterio, bastante artístico para ser una mujer en bikini, y como póster colgado en una pared del cine, demanda cierta atención, aunque sea por una sola vez. Sin embargo, tras inspeccionar la imagen principal, sorprende ver que hayan usado el “pincel de clonar” sin cuidado alguno. Podemos ver muy detalladamente como las líneas de los azulejos no se alinean correctamente, así como los resplandores del agua que se repiten en ciertos sectores. También podemos observar una terrible línea que quiebra la continuidad de la imagen, como si los créditos hubieran sido añadidos como cualquier cosa.

Y a pesar de la utilización de American Gothic para seguir el brand en el póster y el tráiler, puede ser un problema al no ver la película. American Gothic parece ser un estilo serio, más utilizado para bancos y finanzas, no un filme sobre la soledad de un artista. Para una imagen tan sencilla, tal vez algo de líneas rectas, pero no tanta rigidez, tal vez algo como Archive Atlantique para el título.

En el tema de la composición, parece que quieren alejarse del centro, pero dejan flotando al título en el tercio inferior, y a la mujer flotando en lo que podría ser el centro. Un poco fuera de lugar.

Illary

El afiche de Illary es todo un problema para analizar ya que contamos solo con un ejemplar de tamaño pequeño. El texto parece utilizar Comic Sans en rojo, mientras que del título, lo más cercano que pude encontrar en una búsqueda rápida fue Longhand, pero estoy segura que es uno de esos tipos de letra a mano que se encuentra en la base de datos de 1001Fonts.com, porque sé que he visto ese tipo de letra antes.

El tratamiento de la imagen también amateur, con lo poco que se puede ver en esta versión agrandada con líneas guía. Podemos apreciar las fuertes líneas de corte de las chicas que las hace resaltar de su fondo, además de estar colocadas ligeramente fuera de los tercios. La frase de “Ana cree… etc.” está flotando por ahí, sin alinearse a nada. La segunda línea de texto se alinea con la segunda letra de la primera línea, pero la tercera línea se alinea a la tercera letra de la segunda línea.

Inclusive podemos ver una “Z” imaginaria que comienza con el eslogan, se dirige al pelo de la chica, baja por él hacia el cabello de la otra, pasa por su brazo, y se va del poster.

La Vigilia

El título de La Vigilia parece ser un versión de Baskerville mal utilizada, con la “L” y “V” en mayúscula junto a el resto de letras en versales, lo que genera un gran abismo entra la “L” y la “A”. El tratamiento del título es tan deficiente, que hace que Baskerville, un tipo que se ve perfectamente normal sin ningún cambio, se vea mal.

El uso de los stills tampoco ayudan. La segunda imagen fue tomada de tal manera que uno se da cuenta que se ve borroso por la falta de luz, lo cual evitó que se pueda congelar la imagen. Podemos ver también que ambas imágenes colocas a los personajes en los tercios precisos, pero al mostrarlos dos veces es innecesario. Podrían haber usado la imagen de Gianfranco Brero con Stephanie Orué con el encendedor, con un plano lo más cercano posible. Se pudo haber utilizado el encendedor a manera de teaser. La llama contra la madera, y las sombras. No usar las texturas parece ser una oportunidad perdida.

Octubre

El primer poster lanzado para Octubre incluye una ilustración inusual. Los peruanos no usamos ilustraciones en los afiches de películas, esto inmediatamente sobresale. Evidentemente, el afiche no escapa de la composición centrada, pero al menos nos brinda la ilustración, así como el tratamiento al título que parece ser pintado con dedos. Hasta ahí el póster tiene elementos interesantes, sin embargo, la utilización de lo que parece ser Parry Pro Normal o algún tipo de máquina de escribir no cabe en el concepto de “hecho a mano.” Tal vez se debió escoger un tipo de letra que parezca eso, hecho a mano.

Incluso la composición del afiche sigue la línea de tercios de manera efectiva con el sofá en el tercio final, los personajes al medio, y el gráfico de Cannes con “Un Certain Regard” en el primer tercio.

El poster en inglés desecha la pintura con dedos por lo que parece ser Courier, o alguna máquina de escribir utilizada en todo el texto. Desechan la ilustración a favor de uno de los stills tratado con un naranja saturado. No es efectivo como el primer póster, pero mantiene algo de claridad con su composición, empujando al título al primer tercio, y la base roja de la pared en el tercio inferior.

El segundo poster en español confirma que Octubre tiene un pésimo branding, con el título utilizando otro tipo de letra (¿Bauer Bodoni?). Utilizando uno de los stills con los actores, algún tratamiento de color en los créditos del póster, y nuevamente centrado. El peor póster en esta no-serie de pósters debido a su débil composición.

Algo notable es la inclusión de todos los logos de las casas productoras con sus respectivos logos en un solo color, lo que no malogra la paleta de colores.

Rehenes

El afiche de Rehenes es simplemente un desastre de diseño. No solo centran todo su contenido, pero también se atreven a texturizar el título con efectos baratos. Es imposible saber que hay dentro de este título… ¿Humo? ¿Textura barata de roca digital? ¿Y la textura en esos stills de la película?

Es el perfecto ejemplo de “demasiado”.

No se pierdan la segunda parte de este artículo, que incluirá: El Niño del Cuzco, Vivir, Kasa Okupada, El Último Piso, 2 y 3.

Como bonus, aquí están mis posters favoritos de lo que va del 2010:

• The Art of Steal
• Joan Rivers: A Piece of Work
• La serie de posters de Kick-Ass (esp. Hit Girl)
• El teaser de Inception
• El set de personajes de From Paris with Love

La serie de posters de For Colored Girls

• Los teaser de Let Me In, poster 1 y poster 2
• La serie de posters de Athlete
• Todo el marketing de posters y motion poster de Buried
• La serie de posters de edición limitada de Black Swan

¡Y propaganda!: también estoy lanzando yam-mag.com pronto, así que siguenos en Twitter o únete al grupo en Facebook.

El 23 de setiembre se realizará el estreno primaveral en Lima de Ella, la última película de Francisco Lombardi. El filme, una coproducción peruano-mexicana, se acaba de presentar el pasado 2 de setiembre, fuera de competencia, en el World Film Festival de Montreal.

En el afiche podemos apreciar a la bella actriz mexicana Patricia Garza, quien junto a los peruanos Paul Vega y Rómulo Assereto formarán el triángulo amoroso de la historia: Alfredo (Vega) es un reconocido pintor que se encuentra en un momento de profunda crisis creativa. Su joven esposa es Luna (Garza), ella había sido su musa durante los últimos años, pero con el tiempo algo se ha perdido entre ambos. Al mismo tiempo que Luna desaparece repentinamente de su vida, Alfredo descubre un oscuro secreto en el pasado de ella: una relación oculta con un hombre joven (Assereto). A pesar del dolor sufrido, esto llevará a Alfredo ha reconciliarse consigo mismo y con su trabajo creativo.

El guión viene firmado por Eduardo Mendoza y Joanna Lombardi, hija del director. La fotografía corre por cuenta de Juan Durán, y la edición estuvo a cargo de Eric Williams (Paraíso, Un cuerpo desnudo)

Ella es la segunda de tres películas que tenían un punto de partida común: el descubrimiento del cuerpo inerte de una mujer desnuda y que comenzó en el 2009 con Un cuerpo desnudo. Esperemos que esta cinta tenga el vuelo necesario que le hacía falta a la primera. Vean el tráiler, y más fotos a continuación:

Como verán, estos primeros 20 segundos no adelantan demasiado de lo que podrá ser la historia -de suspenso, según la sinopsis oficial. Más nos sirve como presentación de la pareja protagonista, disímiles, en aparente y constante atracción/conflicto: el veterano y experimentado Gianfranco Brero es Edgardo Chocano, un intelectual peruano occidentalizado de clase alta, frente a la novel Stephanie Orúe, que hace de Jessica, una chica violenta e instintiva, que busca esconderse del acoso de una pandilla de delincuentes que la persigue. Par de dos.

Actualización [8 setiembre]: Ya hay un tráiler de 1 minuto. Véanlo en Facebook. Y también ya está en YouTube.

(Gracias al dato de @gartiligio)

A continuación más imágenes de La vigilia, una realización de Argos Producciones Audiovisuales (tomadas de su Facebook):

Luego de su paso por el 14° Festival de Lima, donde obtuvo cuatro nuevos reconocimientos del público, con los que ya supera la veintena de premios en certámenes de diferentes países del mundo, ayer martes 24 se presentó oficialmente a la prensa, en el cine UVK Larcomar, la coproducción peruano-colombiana Contracorriente, de Javier Fuentes-León.

Naturalmente, destacó la presencia del realizador y buena parte de su elenco, como dos de sus tres protagonistas, el actor boliviano Cristian Mercado y nuestra compatriota Tatiana Astengo, junto a Attilia Boschetti y Germán Gonzales, entre otros. El tercer pilar de la historia, el colombiano Manolo Cardona, actualmente está filmando en su patria El cartel de los sapos, en el rol múltiple de actor, productor y director, por lo que no pudo viajar y envió un saludo por video.

Así, queda todo listo para el estreno de mañana jueves 26 de agosto en 22 salas de Lima. Hablamos unos minutos con Javier y nos comentó el ingreso a los cines del resto del país dentro de un par de semanas y la posibilidad de representar al Perú en la competencia por el Oscar al Mejor Filme Extranjero. Vean el video de Miguel Piscoya:

Más fotos de la presentación, tomadas por Rolando Jurado:

Fotos: Rolando Jurado

Max Plack Video Imágenes, empresa encargada de la producción de la nueva película de Nilo Inga Huamán, Con nervios de toro, nos hace llegar algunas imágenes del rodaje de la cinta ganadora del Concurso de proyectos de largometrajes regionales Conacine 2009.

Nos detallan que la preproducción se realizó desde octubre de 2009 hasta febrero de 2010, en locaciones del valle del Mantaro, en los pueblos de Antapampa, Huáchac y Manzanares, comunidades ubicadas al noroeste de la ciudad de Huancayo.

Desde abril de este año se comenzó la grabación de la película, completando hasta el momento un 95% del plan de rodaje. Las últimas escenas se grabarán a finales de junio.

El equipo artístico está conformado por 7 actores principales, 3 actores de la capital y 4 huancaínos. Se contó además con 320 figurantes y extras.

La historia de Con nervios de toro se ubica en el marco de la fiesta patronal Santa Clara de una comunidad campesina del Valle del Mantaro, definiéndose claramente tres partes: La víspera, día central y la corrida de toros. En el filme se intenta remarcar el espíritu comunal como oposición al individualismo que genera ambición, egoísmo, y donde la tradición es usualmente desafiada por la modernidad.

Sinopsis:
Lucero retorna a su pueblo después de muchos años, para cumplir el Carguyoc (cargo) de realizar la fiesta del pueblo de Llacuas Huáchac.

La presencia de Lucero cambiara totalmente la estructura de las festividades por la influencia modernista que trae. Le dará un matiz diferente a las costumbres y tradiciones, sembrando enfrentamientos y contradicciones en la comunidad.

Ficha técnica:
Título: Con nervios de toro
Genero: Drama
Duracion: 90 minutos
Formato: Digital Pro HD
Productora de realización: Max Planck Video-Imágenes
Director general: Nilo Inga Huamán
Productor general : Richard Huarcaya
Jefa de producción: Jaqueline Riveros
Dirección de fotografía y camaras: Henry Outen
Luces y sonido: Alfieri Pino
Vestuario: Erika Bailbin
Asistente técnico: Oscar Ayala
Asistente de dirección: Augusto Cáceres
Asistente de luces: Alex Barsola
Asistente de sonido: Guillmer Koris
Script: Yuliana Sánchez
Maquillaje: Betzabe Bendezú
Making of: Marcio Rolando
Transporte: George Hilario
Catering: Ida Huamán
Utilería: Jhon Poma y Marisol Mosquera

Ficha artistica
Cristina Urueta: Lucero
Italo Cáceres: Jacinto
Reynaldo Arenas: Alcalde
Liliana Alegria: Florinda
Alex Tomas Villa: Gobernador
Oscar Ayala : Tucho
Remigio Poma: Sacerdote

Como verán, esta nueva cinta, al igual que la anterior de Lombardi, Un cuerpo desnudo, toma como punto inicial la imagen del cuerpo femenino. En este caso el protagonista es Alfredo (Paul Vega), un veterano pintor que acaba de perder a su musa, la bella Luna (interpretada por la mexicana Patricia Garza). Tras su muerte, el artista se entera que ella lo engañó con un hombre más joven que él (interpretado por el peruano Rómulo Assereto).

Lombardi la describió así en su momento: “Los personajes tienen poco diálogo y es un filme sobre todo visual. Es una reflexión sobre la relación del artista y su obra en la dimensión de la dificultad de crear y de su objeto amoroso. Está contada a manera de “thriller” y de historia de amor”.

Vean el tráiler de Ella:

También encontramos algunas fotos del rodaje de la película:

Lejos de la (aparente) modernidad que invade sus arterias, Cusco alberga también muchas tradiciones y ritos que se niegan a desaparecer. Como el culto hacia una imagen extraña y macabra: El niño compadrito, que es una pequeña calavera vestida con finos ropajes, depositada en una urna y convertida en objeto de devoción al margen de la fe católica.

Sobre este culto se ocupa El niño del Cusco, un documental de Carla García y Ricardo “Anti” Ayala, que probablemente buscará echar luz en los recovecos de una historia que tiene muchas facetas oscuras por revelar. El origen de la imagen se hunde en las brumas de inicios del siglo pasado. Se le ha increpado una entidad no humana (sería una calavera de simio). Sus seguidores aseguran que se presenta constantemente en sueños, de esa manera comunica sus deseos. Siempre estuvo alojado en casas particulares, nunca en un recinto consagrado. A finales de los 70 fue víctima de una singular persecución religiosa, siendo proscrita por el arzobispo Luis Vallejos Santoni, por ello tuvo que pasar a la clandestinidad por seis años y solo reapareció después de la muerte trágica del arzobispo, este hecho se atribuyó a un castigo del niño. Misterio y controversia, ¿ingredientes de por sí interesantes no creen?

El avance del filme muestra a los propios realizadores como fieles de la imagen (o casi), y también a feligreses que son en su mayoría personas de raíz andina que se afanan por narrar los milagros y virtudes del niño, pero entre los testimonios va emergiendo una característica siniestra: el don castigador de la deidad. Es usual pedir al niño que otorgue la gracia de eliminar o hacer caer en desgracia a un enemigo. Muchos fieles aseguran que el niño se aplica muy bien en cumplir estos encargos. Estamos entonces frente a un culto sincrético, que conserva un barniz católico pero se ubica más cerca del rito pagano.

Para precisar el sentido del documental presentamos algunas palabras de Carla García sobre el origen de “El niño del Cusco”:

El proyecto nació hace tres años cuando, por un asunto de trabajo, viajamos al Cusco y descubrimos que nos quedábamos en un hotel a diez metros de la capilla de El niño compadrito, imagen de culto que yo intentaba investigar desde el año 1994, en que leí una crónica que hablaba del tema.

Dada la casualidad, “El Anti” me propuso hacer un documental juntos sobre el tema y desde entonces viajamos varias veces a lo largo de 3 años (con nuestra propia plata, por lo que las visitas no eran largas ni tan frecuentes) y nos fuimos acercando a la familia que guarda la imagen y a los fieles.

De cerca de 40 horas de registro, el documental final tiene 55 minutos de duración y está grabado en MiniDV. Cuenta con música grabada en vivo y otra compuesta especialmente para la película.
El proceso de postproducción termina éste fin de semana y el primer concurso al que lo presentaremos será el Festival de Lima. Estamos conversando con el ICPNA de Cusco para presentarlo allá antes de fines de mayo.

Sinopsis: “Una pareja encuentra casualmente una particular imagen de devoción en el Cusco y emprenden juntos la tarea de contar su historia. Poco a poco ellos se van envolviendo en la vida cotidiana del culto y desarrollan una relación con los fieles y la imagen que les va revelando nuevas facetas progresivamente.”

Ficha técnica:
El Niño del Cusco, 2010
Directores: Carla García y Ricardo Ayala
Producción: Carla García
Cámara: Ricardo Ayala
Sonido: David Romero
Asistentes de cámara: Ángel Romero, Orestes Santander
Post Producción de imagen: Carlos Zúñiga
Edición: Carla García, Ricardo Ayala
Musicalización: Ale Hop y Rafo de la Cuba

Extra: Este es el blog del Anti. Y quizá hayan leído a Carla García en su blog Queloide. Por cierto, ella es hija del actual presidente de la República, claro que ésto nada tiene que ver con su faceta creativa.

Octubre, mes especialmente tradicional para Lima, es el escenario elegido para la historia que presentan los hermanos Vega, en su opera prima, recientemente seleccionada para Un certain regard, del Festival de Cannes 2010.

En una entrevista reciente en el programa “El placer de los ojos”, de Ricardo Bedoya, Diego y Daniel mencionaron algunos de sus referentes cinematográficos, se habló de “El dinero” de Robert Bresson, pero sobre todo del cine de Aki Kaurismaki, y unos de los mejores trabajos de la región influenciados por el finlandés, la uruguaya Whisky. Seguramente más de uno encontrará algo de eso en el tráiler que aquí publicamos.

Vean el tráiler de Octubre. En los próximos días publicaremos una entrevista con los directores.

Extra: Gracias Comme au cinema, aquí un set de fotogramas de la película:

En el cine regional peruano, no todo es películas de género, melodramas, terror o fantástico, también hay espacio para explorar las nuevas tendencias de un cine alternativo, más de autor si se quiere. Es lo que propuso el trujillano Omar Forero con Los actores, el primer largometraje de ficción proveniente de esas tierras, y es lo que promete su siguiente proyecto.

Luego de leer esta nota en El Comercio, conversamos con Forero para que nos cuente más detalles del que será su segundo largometraje, titulado Chicama, el cual ha presentado al concurso de proyectos de Conacine, y espera rodar en el transcurso del 2010:

Cuéntanos Omar, ¿de qué va tu nueva película, cómo la resumirías?
La película trata de un joven serrano, profesor de primaria, cuyo dilema es, migrar a la costa y trabajar como obrero, o, ejercer su profesión en un pueblito perdido en los Andes, mucho más lejano aun que su ciudad natal. El opta por lo segundo pero sin abandonar totalmente su sueño de migrar a la costa.

¿De dónde nace la idea para esta historia?
Queríamos hacer una historia de la juventud de nuestra ciudad, y una de los cosas comunes a la mayoría de ellos es su origen serrano. Hicimos varios viajes por la Sierra norte, siguiendo el camino de la migración: la cuenca del río Chicama. Allí tuvimos contacto la juventud y su vida cotidiana, sus preocupaciones y los mitos que manejan sobre la vida en la costa.

¿Ya tienes listo el reparto de actores?
Los actores serán no profesionales, gente de la zona en su mayoría. Ya hicimos talleres de actuación básicos en dos ciudades de la sierra y tenemos una preselección de los protagonistas.

¿Con qué equipo técnico trabajaras en esta cinta?
La producción de Chicama sale un poco del standard que se maneja generalmente: nosotros usaremos un equipo mínimo, trabajaremos con un lenguaje documental, probablemente filmando en 2 temporadas distintas del año. Por eso el equipo técnico no esta definido aun. Solo sabemos que serán profesionales con mucha experiencia en cine.

¿Cuándo planean rodar?
Eso depende del financiamiento que logremos. Por ahora hemos postulado a Conacine, a ver qué pasa. El formato será en cine super 16, y la fotografía en blanco y negro.

¿Cómo así Héctor Gálvez se convierte en productor de la pelicula?
A Héctor lo conozco desde el año 98 cuando edité su primer corto en la productora Guarango. El leyó la historia de Chicama y se interesó en colaborar con el proyecto. Su experiencia en la realización de sus dos largos (uno de ellos documental, Lucanamarca) va a ser de gran ayuda. Él va a ser el productor ejecutivo.

*Las imagenes que acompañan esta nota se tomaron durante el scouting de “Chicama”.

En las últimas semanas los medios locales ya han venido realizando notas informativas sobre la ópera prima de los peruanos Daniel y Diego Vega, filme que tendrá su estreno mundial por todo lo alto en mayo de este año, en la sección Una Cierta Mirada, del Festival de Cannes. Aquí les presentamos la información oficial de Octubre, junto con imágenes del rodaje de la película.

Sinopsis:
Clemente, un prestamista poco comunicativo, es la nueva esperanza para Sofía, vecina, soltera y devota del culto de octubre al Señor de los Milagros. Los une una bebé recién nacida, fruto de la relación de Clemente con una prostituta desaparecida. Mientras Clemente busca a la madre de la niña, Sofía cuida de la bebé y se hace cargo de la casa del prestamista. Con la llegada de estos dos seres a su vida, Clemente tiene la oportunidad de reconsiderar sus lazos emocionales con la gente.

Recorrido del proyecto:
Octubre, una producción de Maretazo Cine/Lucas Creative Co SAC, obtuvo el apoyo del Programa Ibermedia para desarrollo el 2007 y coproducción el 2008; The Global Film Initiative el 2008 (EE.UU.); Fondo EED & EZEF (Alemania); Concurso de Proyectos de Largometraje de ficción Conacine del 2009 (Perú).

Fue invitado a los Mannheim Meetings el 2007 (Alemania); III Encuentro de Coproducción Iberoamericano del 2007 (México); IBERTALENT (España).

Fue seleccionado para la Beca de la Fundación Carolina-Casa América (2006, este fue el primer apoyo obtenido) y el Instituto Cervantes (Brasil); Laboratorio de Escritura de la Fundación Toscano y el Instituto Sundance (México); IV Beca de Desarrollo de Proyectos de la Fundación Carolina y Casa América (España).
Obtuvieron el premio “En construcción” convocado por Cinecolor y Conacine durante el Festival de Cine de Lima del 2009.

Actores
Clemente: Bruno Odar
Sofía: Gabriela Velásquez
Don Fico: Carlos Gasols
Juanita: María Carbajal
Milagritos: Sheryl Sánchez Mesco (bebé)
Julián Gómez: Víctor Prada
Sabrina: Sofía Palacios
Rosa: Norma Francisca Villarreal
Julia: Humberta Trujillo

Directores, guionistas y productores: Daniel y Diego Vega
Director de Producción: Carla Sousa Garrido
Director de Sonido: Guillermo Palacios Pareja, Daniel Thiessen
Director de Arte: Guillermo Palacios Pomareda
Director de Fotografía: Fergan Chávez-Ferrer
Edición: Gianfranco Annichini
Asistente de Dirección: Valentina Viso Rojas
Maquillaje: Soledad Dibós
Asistente de Cámara: Luis Cateriano
Productora Arte y Utilería: Karla Lorenzzetti
Script : Mabel Patri
Directores de Casting: Ricardo Valverde, Gretty Sarmiento
Jefe de Producción: Dante Castro
Productor Técnico: Jean Carlos Tizón, Jesús Gallegos

Regreso de la presentación a la prensa de Paraíso, de Héctor Gálvez, el primer filme peruano que se estrenará este año. Por lo visto, y en breve, les puedo adelantar que la cinta está a la altura de las expectativas generadas por su presentación previa en festivales internacionales de prestigio (está aun en competencia en el BAFICI en este momento).

La cinta, a diferencia de La teta asustada para usar el más reciente referente de aquello llamado “nuevo cine peruano”, lleva la historia en un ritmo y cadencia que, espero, permitirá al público grande dejarse llevar por las imágenes sin mayores dificultades, e identificarse con los personajes principales. Además, a diferencia del filme de la Llosa, Paraíso no presenta una mirada estilizada de la Lima marginal, al contrario, a lo largo de toda la cinta se respira un atmósfera sencilla y realista, con referentes a nuestra historia política y social reciente, que sin embargo puede aplicarse a cualquier realidad que presente un nivel de vida similar a una barriada de nuestro país.

Triste y dolorosa, y a la vez, entrañable y con cierto nivel de esperanza, en Paraíso vemos que la vida, como él terco árbol del afiche, surge y se mantiene en pie ahí donde las condiciones parecen ser especialmente difíciles.

Esta presentación se realizó hoy en el cine Alcázar, con presencia del director, y los actores Joaquín Ventura, quien se roba varias escenas con su ruda pero noble presencia, y quien en varios momentos lleva sobre sus hombros todo peso de la historia; Yiliana Chong, un rostro ya conocido en el cine peruano reciente, quiza la ubicarán como la hermana de Madeinusa; ellos estuvieron acompañados por los noveles José Luis García, Gabriela Tello y William Gómez, quienes tampoco desentonan y mantienen el nivel de sus pares.

Mañana se realizará el acostumbrado avant premiere, y el jueves 15 el esperado estreno exclusivamente en los Cineplanet de Lima.

Aprovecho finalmente para mencionar también que Héctor ha sido y es un colaborador de este blog, y desde ya nos alegra muchísimo ver en pantalla grande un proyecto que él ha venido desarrollando con mucho esfuerzo en los últimos años. ¡Felicitaciones Héctor, y mucha suerte!

Más fotos del pase de prensa:

Yiliana Chong y Gabriela Tello

José Luis García, William Gómez, Joaquín Ventura

El equipo de Paraíso

Pero, ¿qué relaciona esto con la beneficencia? Pues que la agencia de marketing SA Studios Global en colaboración con el cineasta y la productora The Weinstein Company auspiciaron una “recaudación artística” en pos de ayudar a las víctimas del terremoto de Haití.

The Lost Art of Inglorious Basterds fue la exposición de una colección de carteles en la galería Upper Playground del centro de Los Angeles en la que participaron 11 artistas para plasmar su propia visión de la película en cuestión.

De los ejemplares expuestos sólo se hicieron seis copias de cada uno para su venta a 300 dólares, todas numeradas y firmadas por Quentin. El pasado 18 de febrero se expusieron y vendieron. El dinero ya debe estar en Haití, los compradores felices y los artistas con algo más de fama.

Aprecien, cliqueen, véanlos más grande, imprímanlos y falsifiquen la firma de Tarantino.

Alex Pardee y su estilo comic en su afiche.

David Choe con un estilo impresionista muy pop.

Dora Drimalas, de un sólo salpicón de muerte.

Nada grotesco el de Grotesk. Muy soso el Hitler como blanco.

El cartel “a lo Cedro” de Estevan Oriol

Amante de los animales y de la sangre: Jeremy Fish

El más lóbrego del grupo: N8 Van Dyke

Un terminator con kepí el de Rene Almanza

Morning Breath al estilo Family Values Tour.

Patrick Martinez odia los saludos. Mi favorito.

Munk One inmediatamente me recuerda una marca deportiva.

Pueden leer la nota completa a continuación (click para agrandar las imágenes. Fotos de Vanessa Montero)

Y como yapa, una pequeña nota a la productora Enid “Pinky” Campos, que estuvo en los últimos días participando en el Talent Campus de la Berlinale 2010: