Esta semana, exactamente el 29 de julio, se han cumplido 25 años de la muerte de Luis Buñuel. Y aunque muchas de sus lecciones hayan permanecido más bien como una influencia sutil en el cine de los últimos años, queremos rendirle un pequeño espacio a su cine irrespetuoso, cómico y transgresor a pesar de la discreción personal que lo caracterizó cada vez que se le veía, en las épocas en las que era ya una figura venerada y admirada incluso por otros colegas mucho más publicitados como Alfred Hitchcock, o más recientemente David Lynch (a quien no le creo cuando dice que casi no ha visto el cine del español).

Buñuel es definido por su cine como un auténtico moralista, como alguien cuyas reflexiones sobre la condición humana solamente pueden llevarlo por dos caminos: la amargura, o la jocosa aceptación que su temperamento latino manejó con maestría. La mejor manera que encontró para representar las contradicciones de la civilización, sus dogmas y preceptos, fue la burla provocadora, la deformación de sus apariencias concretas para llegar a su esencia en los confines de lo abstracto. La vulgaridad o promiscuidad no se encuentran reñidas con el verdadero concepto de la libertad, ni la devoción religiosa o los preceptos de la justicia que la acompañan tampoco se libran de los fantasmas o conceptos más autodestructivos y pervertidos.

Aquí les mostramos algunos momentos en los que se define muy bien su estilo surrealista, el mejor camino que encontró para mirar al mundo con lucidez:

La edad de oro: La historia de un amor, o mejor dicho, de una pasión, se encuentra presente en casi todo el cine de don Luis. De todos sus tanteos por la conflictiva y ardorosa ilusión carnal, ésta es la más espectacular. Un escenario de ensueño o de cuentos de hadas con nobleza y patio palaciegos, se convierte en un testigo más de este combate irreflexivo entre dos amantes, como fieros leones o más bien como escorpiones.

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María Vaner en Sin Intervalo (2002)

María Aleandro, más conocida como María Vaner, ha fallecido este 21 de julio en Buenos Aires a la edad de 73 años. Perteneciente a una familia de actores, en la cual se cuenta a Norma Aleandro, su hermana; María fue una actriz característica del cine, y sobre todo, el teatro argentino de los años 60. En aquellos años se la pudo ver en algunos títulos importantes de una cinematografía que, como todas las de la región, luchaba por encontrar una identidad y recuperar parte del esplendor de su era dorada.

Precisamente una de sus primeras películas fue El secuestrador, de Leopoldo Torre Nilsson, hombre clave del cine argentino de los 50 y que fuera mentor de Leonardo Favio (acaso el nombre mayor del cine argentino), quien también aparecía actuando en el film. Vaner y Favio se convirtieron en pareja y colaboraron en los primeros films dirigidos por él: Crónica de un niño solo y El romance del Aniceto y la Francisca, dos de las más insólitas experiencias cinematográficas de la región. Especialmente memorable es el caso de la segunda, en la cual la actriz asumía el papel de Lucía, la presencia seductora que turba la armonía de la pareja protagónica.

Durante los 70, Vaner tuvo que emigrar a España ante la arremetida de la dictadura peronista, y a su regreso en los 80 supo conservarse como una presencia distinguida en el cine gaucho. Todavía nos queda por apreciar su papel final de la mano de Lucrecia Martel en La mujer sin cabeza, próxima a verse en el Festival de Lima.

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(Vía La nación)

Casi coincidiendo con el primer año de su muerte, acaecida el 30 de julio de 2007, se ha dado a conocer que próximamente será subastada la mítica residencia de Ingmar Bergman en la isla báltica de Fårö, de acuerdo a su última voluntad expresada de puño y letra.

“En el testamento consta que hay que vender todo al mejor postor, preferiblemente en una subasta, para evitar un procedimiento irregular. Y estamos de acuerdo en seguirlo al pie de la letra”, declaró su hijo Daniel Bergman, uno de los nueve herederos del artista.

El cineasta compró la propiedad en los años ‘60, cuando ya era uno de los grandes autores del mundo, y poco después realizó varias construcciones, como casas y bosques, y una sala privada de cine. Incluso, sirvió de locación para la extraordinaria Persona, una de sus obras mayores.

En una subasta no hay mayor control del destino de las joyas, y de eso es consciente Daniel Bergman. “Sería una pena que todo fuera a parar a un particular”, comentó, y agregó que el archivo de su padre constituye “parte imprescindible” de la cultura sueca. Démosle un vistazo a la residencia en este corto sobre el maestro, en sueco y sin subtítulos:

(Vía The Guardian)

El 9 de julio dejó de existir, al borde de los 79 años, una de las más respetables figuras del showbiz norteamericano. Charles H. Joffe fue durante los años 60 y 70, un agente y promotor de espectáculos a quien figuras como Lenny Bruce, Billy Crystal, Robin Williams o David Letterman le deben el norte de sus carreras.

Pero principalmente, a Joffe se le recordará por haber sido uno de los más leales colaboradores de Woody Allen, su productor de cabecera (al lado de su socio Jack Rollins) a lo largo de toda su carrera en el cine e incluso antes. Fueron varias décadas en las que tuvieron que sobrellevar de todo, tanto el éxito como los naturales reveses en un ambiente tan mercenariamente definido por las modas. El último título en el que participó fue, justamente, Vicky Cristina Barcelona.

Acá los dejamos con un pequeño fragmento de una de aquellas creaciones: Stardust Memories, la película en la que Allen reniega de su faceta de bufón en una crisis creativa que intentó emular al Ocho y medio felliniano. Así lo vemos rodeado de la infaltable corte de managers, asesores, productores y demás saltimbancos. Todos tratando de hacer entrar en razón y calma a la estrella.

“Human suffering doesn’t sell tickets in Kansas City”.

(Vía NY Times)

Ingmar Bergman releyendo un guión durante un ensayo

Siempre habrá ocasión para hablar sobre Ingmar Bergman, ese investigador de mundos abstractos y dolientes. Como tales, sus películas son espectáculos dramáticos y tesis filosóficas a partes iguales. Para este cineasta no había mejor método para alcanzar las dimensiones del alma que despegarse de la representación realista, aquella cuna en que los imperativos concretos no dejan que los ecos del ánima se dejen sentir con claridad.

Bergman podía claramente remitirse a una geografía o determinado contexto social e histórico, pero su extraña intromisión dentro de las fantasías y los temores de sus personajes rápidamente era el motor de los ritmos contemplativos y las insidiosas conclusiones de sus obras. Rostros y andares, palabras y silencios, hombres y fantasmas. Todos aquí tienen un valor, una idea, un sentimiento, que puede resultar aún desconcertante todavía (la partida de ajedrez del cruzado y la muerte), como insólitamente conmovedor en sus frías exposiciones (el encuentro del doctor Isaak Borg y su hijo). Pero también hubo lugar para el más exacerbado barroquismo como el recordado inicio de Persona y el laberíntico descenso en La hora del lobo.

Pena, soledad, desesperación, aburrimiento. Son, más que temas, presencias siempre acechando. Pocos quisieran someterse a semejantes conceptos a la vista del resto. Pero como lo concebía el autor sueco, son parte de la extraña alquimia de la vida. No por casualidad, sus criaturas terminaban encarándolos en el momento preciso de una comunión personal. La mayor confrontación se suscita en tu propia habitación, en las cuatro paredes de tu espíritu.

Hoy, 14 de julio, estaría cumpliendo 90, pero dentro de dos semanas también se conmemorará el primer aniversario de su partida. Motivo preciso para un breve repaso a algunos momentos de su intransigente y obsesiva carrera.

Smultronstället (Las fresas salvajes)

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Si, no está nada mal, ¡pero ahora que estás aquí podemos hacer algo verdaderamente genial!
Sólo que esta vez sin republicanos.

El dibujante Mike Hussein Stanfill construye un apunte genial sobre el maestro Stan Winston, creador a su modo de seres fantásticos que llenaron de terror y fantasía nuestras pantallas.
Visto en Microsiervos

Hace unas horas dejó de existir a los 87 años, otra figura de la era dorada del cine norteamericano. Cyd Charisse fue una de las más caracteristicas actrices del musical especialmente en los años 50. En ese momento cumbre del género pasó por un puñado de memorables realizaciones al lado de los emblemáticos Gene Kelly y Fred Astaire, y directores como el no menos genial Vincente Minnelli. Para conseguirlo, esta chica de origen texano y vocación por el ballet, tuvo que pasar por un buen tiempo en diversos roles, algunos con baile, otros no.

Fue gracias a Cantando bajo la lluvia que obtuvo la atención de todos, a pesar de que su participación era breve. Eran escasos, pero formidables minutos en los que el camino del éxito y la sombra de la desilusión se pulseaban en este filme frenético a más no poder, mientras se contoneaba a la perfección con el gran Gene y mientras se ganaba fama por sus no menos portentosas extremidades inferiores. El camino abierto tras esa película continuarían con otras películas extraordinarias como The Band Wagon (con Astaire), la bellísima Brigadoon y la también dirigida por Kelly, It’s Always Fair Weather. Lo que vino después fue un rápido repliegue hacia la televisión tras el progresivo ocaso de los bailes cinematográficos.

Finalmente, Tula Ellice Finklea (su verdadera identidad), añadió su nombre a la leyenda este día a causa de un paro cardiaco. Pero como todos sus compañeros, la bellísima Cyd continuará perteneciendo a esa constelación colorida que apreciamos cada vez más. Aquí les dejamos con parte de su trabajo:

Baila por última vez con Cyd en otras cintas »

(Vía AFP)

Este 15 de junio, los miembros de la comunidad hollywoodense volvieron a presenciar la partida de otro de sus más respetados camaradas. Stan Winston fue el hombre clave en la evolución de los efectos especiales en la industria del cine de los últimos 30 años. Por su carrera pasan varios de los momentos más significativos y colaboraciones importantes dentro del gran espectáculo. Curiosamente, el futuro especialista de las fantasías hechas realidad, llegó a Hollywood para convertirse en actor tras su paso por las Bellas Artes en la Universidad de su natal Virginia.

Rápidamente, el tozudo Winston no se desanimó ante los reveses y fue ganado poco a poco por los entretelones de la ilusión en pantalla. A partir de la fiebre desatada por Star Wars, la compañía de Winston comenzaría a inmiscuirse en esas posibilidades mayores. Así fue como se hizo de un nombre en Hollywood gracias a filmes como The Thing y especialmente The Terminator, (el diseño del recordado cyborg es suyo). Trabajó con Steven Spielberg, James Cameron, Tim Burton, en proyectos como Aliens, Depredador, Edward Scissorhands, Batman Returns, Jurassic Park (la entrada rotunda de la era infográfica), Inteligencia artificial, y más recientemente en Iron Man. Incluso llegó a probar la dirección, siendo la primera de estas ocasionales experiencias el filme de horror Pumpkinhead en 1988.

Como el recientemente desaparecido Sydney Pollack, venía batallando algunos años contra el cáncer. Con él compartió un profesionalismo y una vocación de artesano a la que muchos deberían prestar bastante atención, aún incluso en las más pequeñas cinematografías.