También actúan en la película Graciela Cristina “Grapa”, Stephanie Orúe, Anneliese Fiedler y Giovanni Ciccia.
Casadentro fue ganador del Concurso de Largometrajes Conacine 2010, y de la ayuda del Programa Ibermedia del 2009.

Sinopsis: A sus ochenta años, la señora Pilar comparte su tranquila vivienda, ubicada en una provincia del Perú, con “la” Consuelo, “la” Milagros y “la” Tuna. En esta casa, donde se confunden los días unos con otros, son pequeñas las cosas que mueven la rutina de la familia. Pero este día no es como cualquier otro. El timbre del teléfono rompe con la quietud. Patricia, una de las hijas de la señora Pilar, le comunica que dentro de unas pocas horas llegará a la casa con su hija, el marido de su hija y su nieta. La señora Pilar asiente nerviosa y preocupada. La rutina tiene que cambiar y los miembros de la casa tienen que adecuarse a la gente “extraña” que ha invadido su hogar. En esta película conviven cuatro generaciones de mujeres que se ven obligadas a interactuar, a mirarse y a no mirarse, a pasar una noche en la misma casa. Se trata de una película que confía en que los verdaderos conflictos surgen en la vida cotidiana, detrás del día a día, detrás del desayuno.

Vean el primer tráiler de Casadentro:

Casadentro, escrita y dirigida por Joanna Lombardi, es una producción de El árbol azul y Tondero Films.

Visiten su sitio web oficial, y su página en Facebook.

Actualización [9 enero]: El director nos comunica que este avance NO es oficial, ni estaba pensado para hacerlo público, sino para ser presentado a festivales y concursos. Nos avisa además que estarán publicando el tráiler oficial a fines de mes.

En este extracto de más de 10 mins. podremos ver algunos de los músicos que Javier mencionó en la entrevista que le hiciéramos en noviembre pasado.

Camilo Ballumbrosio, Máximo Damián, Susana Baca, Félix Casaverde -fallecido recientemente-, Andrés ‘Chimango’ Lares, entre otros, realizan todos, cada uno a su manera, un viaje de retorno, un regreso al lugar de origen, donde la música dentro de cada uno de ellos, nació. Andina, criolla, negra, mestiza, como dice unos de los personajes del documental: “la música que es buena, es buena”. Vean el teaser de Los sonidos profundos:

Sinopsis

“Lima Bruja. Retratos de la música criolla” empieza con una singular celebración: un delicioso platillo a base de gato es compartido por los mejores amigos del finado músico “Papeo” Abán en memoria de su cumpleaños. Luego, vendrá una sesión de canto, guitarra y cajón donde se interpretan canciones que nadie en Lima conoce, sólo estos músicos y sus familias. Desde el inicio, este documental explora la paradoja de ser un limeño de nacimiento y al mismo tiempo ignorar una de las tradiciones más antiguas que encierran sus callejones: la real música criolla. Volteando la mirada de lo que los medios imponen como “el criollismo oficial”, la película retrata en profundidad a este puñado de músicos veteranos que nadie conoce para así no sólo preservar su legado sino mostrarnos con admiración esta otra Lima a punto de desaparecer. Vean el tráiler de Lima Bruja:

-Conversamos en extenso con el director Rafael Polar, quien espera estrenar su película en Lima el próximo año. Que así sea:

Rafael, leí que el documental nace a partir de un video promocional que hiciste para un sello discográfico. ¿En qué momento decides pasar del videoclip al largometraje documental?
Efectivamente, el documental nace a partir del registro de un disco de música criolla que estaba grabando mi amigo Fernando Urquiaga con su productora musical Sayariy Producciones. Esto fue en julio del 2007. Yo ya le había hecho un trabajo parecido, tipo video promocional o EPK, para el primer disco que editó, y ahora me volvió a llamar.

Como cuento en el documental, yo llego a registrarlos al estudio solamente con esa intención. De pronto me encuentro con este grupo de señores, todos peinando canas hace mucho, que eran cantores de barrio a los que obviamente no conocía. La conexión fue inmediata. Estaban cantando valses y polcas que nunca había escuchado y que eran muy lindas. La calidad de sus interpretaciones y la belleza de la música fue algo que realmente me sorprendió. Eran canciones que nunca había escuchado a pesar que guardo cierta afinidad con la música criolla tradicional.

Semanas después, viendo el material grabado es que decidimos, Fernando y yo, grabar más material de ellos, no solo en el estudio sino también en sus casas, entrevistarlos y, por supuesto, escucharlos cantar. En ese momento es que vimos que todo se ponía cada vez más interesante y decidimos que el registro apuntaría a un documental eventualmente.

¿Cómo esta estructurado tu documental? ¿Gira alrededor del día de la canción criolla?
El documental tiene una estructura narrativa de episodios, dividida en capítulos, no necesariamente contados de forma cronológica. Después de varias reescrituras vimos que la mejor manera de contar la historia era a través de mi experiencia al momento de registrarlos. Mi narración aparece en determinados momentos de la película, contextualizando un poco la situación y presentando a los personajes. De alguna forma lo que cuento en el documental es realmente lo que pasó y cómo me sentía en la medida que iba conociendo a los personajes y sus talentos.

Por otra parte, se estructura en forma de retratos contando un poco de la vida de los protagonistas, centrándonos en su relación con la música y con el criollismo más elemental. Esto se debe a la idea que tuvimos siempre, de no hacer una película que contara la historia de la música criolla sino la de retratar lo que más nos gusta de ella por medio de un grupo de viejos cantantes de barrio. Como cuento en el filme: “Decidimos hacer un documental que retratara a la música criolla. Al menos una parte. Esa parte que más nos gusta”. Y eso no es gratuito. Mantiene la misma filosofía que tiene la discografía criolla editada por Sayariy, coproductora de la película. Ellos tienen editados ya cinco discos de música criolla con esta misma línea de rescatar un criollismo puro, barrial, íntimo, tradicional.

¿Además de estos registros utilizaste imágenes de archivo?
El único video de archivo que utilicé fue una joya que encontró el editor de la película, Javier Becerra, casi por casualidad. Era un video de un programa de televisión que Rubén Blades grabó hace unos 25 años en donde canta “Todos vuelven” a dúo con uno de nuestros personajes, Lorenzo “Lencho” Pedraza. Es una de las escenas cumbres de la película que hasta ahora no deja de emocionarme. Quitando las fotos personales de cada personaje, no hay más material de archivo.

¿Qué músicos y personajes de la cultura criolla veremos en tu documental?
Para la película siempre tuvimos clara una cosa: Alejarla de lo que podríamos llamar la música criolla oficial o comercial, esa de las peñas turísticas, de Eva Ayllón y Lucía De La Cruz. La película te dice sutilmente que para el verdadero criollo el día de la canción criolla no interesa. Es un invento para llenar locales comerciales. El verdadero criollo tiene muchos pretextos para armar una jarana: cumpleaños, matrimonios, bautizos, etc. Es porque lo tienen en el ADN, es totalmente natural reunirse y cantar las viejas canciones que conocen desde siempre. Y lo más increíble es que la mayoría de ellos nunca quisieron ser cantantes profesionales o hacer de la música una carrera, sino que lo hacen porque es algo que heredaron de su entorno.

Así encontramos personajes increíbles, de gran talento y carisma, como Walter Goyburu, Carlos Curay, Lorenzo Pedraza, Cesar Oliva, Manolo Castillo, Genaro Falcón y Francisco “Chiquito” Rodríguez. En todo caso, los únicos personajes que sí tienen una trayectoria más comprometida en el medio musical criollo son Willy Terry, gran guitarrista e investigador musical, y Eduardo “Papeo” Abán, joven talento de la percusión criolla. Ellos me ayudaron mucho en el proceso de investigación y en llegar a cada uno de los personajes. Además está la participación especial de Lucy Avilés, excelente cantante e hija de don Oscar Avilés.

¿Dirías entonces que es una película musical, o es más de personajes o historias personales?
Diría que, en primer lugar, es una película musical pero matizada con historias de vida. Hay al menos 16 canciones, entre fragmentos y completas, que la hacen un documento importante sobre este tipo de música. Hay temas de Felipe Pinglo, La Guardia Vieja, Buenaventura Muñoz, Luis Dean, entre otros. La intención era capturar lo menos conocido del repertorio criollo y creo que se logró.

Pero también es importante contextualizar por medio de estos retratos porqué es que se cantaba, qué cosas cantaban y donde lo hacían. Cada personaje cuenta un poco de su infancia, su primer contacto con la música, como era su familia y además como era la ciudad de Lima en esa época. No olvidemos que las edades de los protagonistas están entre los 70 y 85 años, así que tienen muchas cosas para contar de cómo era Lima hace 50 años atrás.

¿En qué festivales se ha presentado hasta ahora la película? ¿Tienes planes de una presentación en Lima?
En el 2008, el proyecto que en ese momento se llamaba “La Gran Reunión”, haciendo referencia al disco de música criolla que le dio origen, ganó un premio de pitching en el Doc Buenos Aires de ese año. Ya con su título final, “Lima Bruja. Retratos de la música criolla” fue exhibida este año en el Doc Buenos Aires y en el Boston Latino International Film Festival. Ahora lo estoy enviando a más festivales para su selección.
El 2012 será el año de estreno en Lima, aunque aún no tenemos distribuidor para su exhibición comercial. Aprovechamos este medio para ofrecerla a cualquier interesado en distribuirla comercialmente.

¿En qué formato y con qué equipo se grabó la película?
El formato inicial fue SD capturado con la Panasonic DVX100 24p. Luego de decidir que se convertiría en un largo documental se cambió de formato por HD grabado con la Panasonic P2. Quisiera agradecer al equipo técnico por su apoyo y talento a lo largo de proceso.

Cuéntanos un poco sobre ti Rafael, ¿cuál es tu formación profesional, y tu experiencia previa en el audiovisual?
Mi formación es en las artes plásticas. Me gradué en 1998 como pintor en la Universidad Católica. Luego de cuatro años desarrollando mi pintura me fui a São Paulo para hacer una maestría en artes visuales en la USP. Allá fue donde realmente comencé a probar otros medios y soportes y donde terminé convenciéndome que lo que quería era hacer audiovisuales. En São Paulo hay un festival de documentales llamado É tudo verdade (Todo es verdad), que además es gratuito. Qué mejor pretexto para tener una sobredosis de cine documental.

Después de esos años me interesó mucho más el formato documental. Cuando volví a Lima, en el 2005, había visto mucho cine y leído bastante pero había tenido poca práctica. Así que entré de practicante a una casa realizadora de comerciales (Inca Films). Creo indudablemente que la mejor escuela es la práctica y entrar en el medio de realización de comerciales me enseñó y enseña muchísimo en el ámbito técnico por la frecuencia con la que se filma. Actualmente me muevo entre la publicidad –ahora como director de arte-, el documental y el videoarte.

“Lima Bruja” fue un proyecto que nació conversando con mi amigo y productor Fernando Urquiaga. Él ofreció ayudarme con la producción de la película y simplemente acepté porque me moría de ganas de hacer un largo. Para mí hacerla fue como un postgrado en cine documental. Nos divertimos mucho.

Finalmente, ¿qué nos puedes contar sobre tu equipo técnico y la experiencia de trabajar con ellos?
Un punto clave de la película es el sonido directo. Nos preocupamos de trabajarlo con sonidistas de primer nivel como Frank Cebreros, Omar Pareja y Javier Becerra. La post de audio estuvo a cargo de Bruno Canale que recientemente volvió al Perú y que tiene mucha experiencia mezclando películas. Otro puesto clave que me ayudó mucho fue tener a Javier Becerra como editor quien acompañó el proyecto desde el inicio y me apoyó muchísimo en la elaboración del guión final. Agradecer a la cámara de Carlos Sánchez Giraldo, Carlos De La Cadena y Cristopher Luna Victoria por su disposición y buena onda siempre.

Rafael Polar, director de 'Lima Bruja', con dos personajes de su documental

Ficha técnica

Dirección: Rafael Polar
Duración: 82 mins.
Formato: DV/HD. 16:9 Color/B&N
Productoras: Sayariy Producciones / Tamare Films
Producción Ejecutiva: Rafael Polar, Fernando Urquiaga Heineberg
Guión: Rafael Polar, Javier Becerra Heraud
Producción de campo: Daniela Rotalde, Mariana Olaechea
Sonido directo: Javier Becerra Heraud, Omar Pareja, Frank Cebreros
Dirección de fotografía: Carlos De La Cadena
Cámara: Carlos De La Cadena, Cristopher Luna Victoria, Carlos Sánchez Giraldo, Rafael Polar
Edición: Rafael Polar, Javier Becerra Heraud
Post Producción de video y Gráfica: Gabriel Acevedo Velarde
Post Producción de sonido: Bruno Canale
Foto Fija: Renzo Giraldo
Participantes: Willy Terry, Eduardo Abán, Lorenzo Pedraza, Walter Goyburu, Carlos Curay, Francisco Rodriguez, Cesar Oliva, Manolo Castillo, Lucy Avilés, Genaro Falcón.

En este nuevo avance de Los ilusionautas podemos conocer algo más de los personajes principales de la película, Profiterol, Petit Pan, Nicole, Aristóteles y el perro Houston, pequeños protagonistas de esta historia de aventuras.

Sinopsis: “Cuando un experimento secreto sale mal y las historias de un escritor de ciencia ficción se mezclan, el gobierno francés tiene que convocar a un grupo de cuatro niños acompañados de un perrito, para ingresar a la imaginación del escritor y resolver el desastre literario”. Vean el tráiler de Los ilusionautas, “una película con poca ciencia y mucha ficción”:

Trabajos anteriores de Eduardo Schuldt son “El delfín”, “Dragones: destino de fuego” y “Piratas en el Callao”. Esta nueva película es además la primera producción que cuenta con el certificado de licencia de uso de la Marca País Perú.

Para Los ilusionautas la productora Aronnax Films trabajó con más de 70 artistas digitales, estereógrafos, editores, compositores musicales y actores, utilizando tecnología 3D y de captura de movimiento. Anuncian un “roadshow mundial” para este 14 de diciembre, cuando la película será presentada a distribuidoras latinoamericanas. Visiten su sitio web oficial.

Extra: Vean esta entrevista de Semana Económica con Eduardo Schuldt y Abraham Vurnbrand, director gerente de Aronnax Films.

'Demo', de Miguel Vargas Valladares (Lima, 1981)

Sigue creciendo en Lima una generación de jóvenes cineastas, con cierta afinidad por temas urbanos, cotidianos, algunos marginales, con una mirada muy personal de la vida en la ciudad. Gente como uno, que hace películas con sus amigos, con cámaras de video o de fotos, en sus casas o en los parques de su barrio.

A los Eduardo Quispe, Rafael Arévalo, Fernando Montenegro, entre otros, se les suma ahora otro nombre: Miguel Vargas Valladares, quien presenta su primer largometraje, Demo, este viernes 2 de diciembre a las 7:30 p.m. en el CC CAFAE-SE.
A propósito de esta presentación conversamos con el director, lean la entrevista a continuación.

Sinopsis de “Demo”:
Un tipo cualquiera, con problemas como los de cualquiera; trabaja en un empleo aburrido y mal pagado de oficina, tiene muchos gastos, está separado, no tiene tiempo para criar a su hijo, su hermanastra menor siempre le pide ayuda para criar a su pequeña hija, entre otras cosas. La única peculiaridad en su historia es que para cumplir sus obligaciones, tiene que regresar a una vida anterior, de la que no ha dejado rastros visibles, en la que hacía trabajos casuales como asesino a sueldo. La película narra su cotidianeidad con una narración digresiva, documentando momentos de vida, con interpretaciones vívidas y naturalistas. Vean el tráiler:

Miguel, ¿de dónde nace “Demo”?
Mi película nace de una pregunta simple: por qué las películas de sicarios siempre tienen a un personaje sombrío, solitario y excesivamente dramático; por qué los sicarios no pueden ser como cualquier persona común y corriente que hace “cachuelos” extra para poder vivir tranquilamente y ayudar a los suyos; por qué no pueden ser personales con una vida normal y con responsabilidades, y no como los presentan en las películas sobre este tema: fríos, calculadores y con un haz de sobrehumanidad.

Entonces “Demo” se trata de eso: es la historia de una persona común y corriente entrada en sus treintas (burócrata con una vida estable y aburrida), que en sus veintes trabajaba esporádicamente como un sicario. Y ahora, que no poder cumplir con los compromisos que tiene (con su familia y su hijo), tiene que volver a aceptar un ‘trabajo’ como los que hacía en el pasado.

¿Por qué elegiste ese título? ¿Alguna referencia quizá a la figura del álbum o la obra artística que está aún en proceso?
El título lo elegí por la formación musical que tengo. Y es lo que tú dices exactamente: un demo normalmente, en la música, es una cinta de demostración de lo que una banda hace y quiere seguir haciendo. Casi siempre en un demo hay elementos que se repetirán a lo largo de la vida de la banda. “Demo” es eso, una demostración o una declaración de principios de lo que quiero seguir haciendo, mejorando lo que tenga que mejorar.

¿En qué locaciones se grabó la película? ¿Cuánto tiempo les tomó hacerla?
“Demo” se grabó en las casas de los amigos que participaron en la pela y en un par de lugares más. Grabamos en un restaurante de Lince, en un parque en Santa Anita, en el local del Cenfotur en Barranco, en el Supermercado Metro de Jesús María y en el cementerio donde está descansando mi mamá, Parque del Recuerdo, en Lurín. Empezamos a grabar a principios de este año y la terminamos en julio o agosto.

¿Con qué equipo trabajaste el registro?
Grabamos con una cámara de fotos, una Canon Powershot A480, y la edición la hice en casa. Recontra ‘warrior’ la cosa. Tanto así que la versión final tiene tres canciones como banda sonora, pero era una edición para mostrarla a mis amistades. La edición oficial no iba a tener música, pues no tengo para pagar los derechos. Pero antes de que hiciera ese corte final, el disco duro donde tenía la película se murió, así que ahora solo tengo la película con soundtrack.

¿El reparto con el que trabajaste, son actores de formación, o no-actores? ¿Cómo fue el trabajo con ellos?
Todas las personas que aparecen son amigos y no tienen ninguna formación actoral. Lo que hice fue tratar de encontrar entre mis amistades y familiares a las personas que pudieran encajar en el perfil de los personajes que iban apareciendo en la pela.

Así, en la primera escena se ve a dos amigas conversando de cosas que no tendrían mucho sentido en el contexto de la pela, pero esas dos amigas estaban contando cosas que realmente les había sucedido en ese instante. Otro ejemplo, en una escena estoy con mi expareja y estamos hablando de nuestro hijo, pero en realidad ella estaba hablando de un sobrino al que casi siempre cuida.
Es decir, traté de que los personajes no sean algo que no son, porque creo que se iba a notar medio forzado, y yo quería que todo se escuche y se vea como realmente es.

¿Cómo financiaste la realización de esta película? ¿Radio Lado B es tu productora?
La película se hizo con mi dinero. Poco en realidad, todo lo que puse fue para invitarle alguna que otra cosa a mis amigos y familiares. Sin la ayuda de ellos no hubiera podido terminarla.

Radio Lado B es una radio online (radioladob.com) y se creó hace más de un año. En todo lo que participo trato de poner el nombre de la radio, ya que a través de ella conocí a algunos de los amigos que aparecen en la pela.
Entre los proyectos que trabajamos: el 4 de noviembre organizamos un mini festival por el 1er aniversario de la radio en el Koca Kinto, y ahora estamos metiéndonos de lleno en el Proyecto Lima-Z, la primera película de zombies hecha en Lima.

Cuéntanos un poco de ti, ¿cuál es tu formación profesional, y qué experiencia previa tienes en el audiovisual?
Trabajo en el Cenfotur, soy el jefe del Archivo -de ahí el trabajo aburrido al que hago referencia en la pela-. Soy historiador de la U. San Marcos -aunque creo que me equivoqué de carrera-, DJ súper amateur, amante de la música de los años 80, y mentiroso por naturaleza. Estoy en los gloriosos y exactos 30, y mi experiencia tiene que ver con las dos últimas películas de mi amigo Eduardo Quispe, “3″ y “4″. Más allá de eso, soy totalmente un neófito en estas lides.

Extra: Una trabajo previo de Miguel Vargas es el corto documental “Concreto”, (2010, 7 min.), presentado en el reciente Festival de Cine Lima Independiente.

Vean más fotos de Demo, en Facebook.

Ficha técnica
Género: Ficción/Documental
Duración: 61 min.
País: Perú
Año: 2011
Idioma: Español

Dirección: Miguel Vargas Valladares
Idea Original/Guión: Miguel Vargas Valladares
Cámara: Miguel Vargas Valladares, Jim Marcelo Santiago, Odalis Valladares, Lidia Janampa
Fotografía: Miguel Vargas Valladares, Jim Marcelo Santiago, Odalis Valladares, Lidia Janampa
Sonido: Radio Lado B
Edición: Miguel Vargas Valladares
Producción: Radio Lado B

Intérpretes: Dalia Siccha, Susan Salguedo, José Luis Ganoza, Lidia Janampa, Odalis Valladares, Mario Meza, Giuliana Castillo, Erika Barzola, Elena Tapia, Roxana Vargas, Juan Vargas, Miguel V. Ramírez, Angel Rojas.

Con el apoyo de: Jim Marcelo Santiago, Hugo Palomino, Nati Espino, Mery Ann Carhuas, Eduardo Quispe.

Sofía Bogani, Natalia Salas y Lizeth Campano, tres víctimas de 'El buen Pedro'

La nueva película de Sandro Ventura ya tiene tráiler. El buen Pedro es un filme de suspenso protagonizado por Miguel Torres-Böhl, quien hace de un violento serial killer que asesina prostitutas en las noches de Lima. Vean las primeras imágenes.

La película, producida entre julio y octubre del 2011, tiene en su reparto a conocidos rostros de la televisión y el teatro, como Roger del Águila, Adolfo Aguilar, Natalia Salas, Adriana Quevedo, Sofía Bogani, Laura Del Busto, incluyendo el debut en el cine del cómico televisivo Carlos Álvarez.

El buen Pedro es una producción de Big Bang Films, escrita y dirigida por Sandro Ventura Mantilla, producida por Jesús Álvarez, dirección de fotografía a cargo de Hugo Shinki. La película se estrenaría en el segundo semestre del 2012.

Chequeen su sitio en Facebook, y siganlos en Twitter: @elbuenpedro.

La ópera prima de Pablo Illanes es un filme de terror, de cine gore, que fue un relativo éxito de taquilla en Chile cuando se estrenó en enero pasado, llevando más de 70 mil espectadores a las salas de cine.

Si bien en el Perú no es usual que se estrenen comercialmente películas de la región, sí es común la presencia constante de filmes de terror en la cartelera, género que tiene mucha acogida con el público local, sean estas producciones de los grandes estudios estadounidenses, o de filmografías más remotas, como la japonesa, honkonesa o incluso la tailandesa. Las cintas peruanas de terror, del llamado “cine regional”, también han atraído la atención en sus respectivas ciudades de origen, e incluso han llegado a presentarse en la capital. Veremos cómo le va ahora a esta rareza del sur.

Sinopsis: “Baby Shower” es la historia de cuatro mujeres, ex compañeras de colegio, que años más tarde se reencuentran en un evento colectivo, el que da nombre al filme. Ahí se enterarán de una traición en el grupo, alimentando el celo entre ellas, lo que desencadenará una serie de brutales asesinatos. Vean el tráiler:

El director de la película, Pablo Illanes Tapia (@pillanes), es un realizador que ha escrito varias series de TV y telenovelas de mucho éxito en Chile. Su primer trabajo como director es Baby Shower, cinta que estuvo participando en una sección del prestigioso Festival de Sitges, a inicios de octubre.

El filme chileno se estrenará en Lima el mismo día que la película peruana Reshinn. Veremos pues si el reciente ‘patriotismo cinemero’ que vimos en las redes y en algunos medios fue cosa de un fin de semana, o si el terror se impone, como siempre suele hacerlo, en la cartelera peruana.

Extra: A propósito de la discusión sobre la taquilla de películas peruanas en los cines locales, vean cómo van las cosas por Chile:

[...] se pueden ver los cambios que han tenido en estos años: los que partieron antes ya han tenido éxito y fracasos rotundos, han recibido a nuevos colegas, han aprendido la importancia del marketing y han visto al público chileno esquivar sus películas. Una paradoja porque mientras el 2010 fue el año de peor taquilla de la década en el cine chileno (se estrenaron 10 películas y sólo un 3,9% del público fue a verlas), la filmografía local crece y crece en valoración en los festivales más importantes del mundo.

“Baby Shower”, mayores de 18 y todo, logró hacer unos más que decentes 73 mil espectadores, y “03:34″ lleva unos saludables 120 mil espectadores en dos semanas.

Yapa: Hubo a quienes no les agradó demasiado el estreno de este tipo de películas violentas, como a esta psicóloga chilena.

Gringa es una singular coproducción peruano-sueca realizada en Cusco, dirigida por César Galindo. Se trata de una película de bajo presupuesto que utiliza la figura del ‘brichero’, personaje usual en el paisaje cosmopolita del Cusco de nuestros días.

Sinopsis: Manuel es muy pobre y su única forma de salir del Perú es viajar en gringa. La ciudad del Cusco esta llena de gringas, pero no son tan fáciles de seducir. Cuando Manuel conoce a Lena, el piensa que su suerte ha llegado, pero ella tiene su propio plan.

La película está basada en el cuento “Cazador de gringas” de Mario Guevara, quien afirma ser el creador del término ‘brichero’. Los protagonistas de la película son la actriz sueca Gunilla Röör y el actor y músico cusqueño Nivardo Carillo. “Gringa” se estrenó el 4 de junio de 2010 en Estocolmo, y se presentó en marzo de este año en Cusco.

Vean el tráiler de Gringa, the movie:

El director de fotografía fue el experimentado Juan Durán, quien también aparece haciendo de un gánster en la película.

Luego de su presentación en Suecia, Gringa fue reseñada por sendos diarios locales: el Svenska Dagbladet, y el Dagens Nyheter. Y si te conectas desde Suecia, podrás ver la película completa en el sitio Voddler.com.

La película participó en el Concurso de Postproducción de Conacine del 2008 y del 2009, con el título de “Viajar en gringa”.

Ficha técnica
Duración: 75 mins.
Director: César Galindo
Guion: Mario Guevara y Cesar Galindo
Intérpretes: Gunilla Röör, Nivardo Carillo, Per Sandberg, Raúl Brosovich, Teresa Lastarria, Jhon Padovani
Fotografía: Juan Durán
Producción: Anna G. Magnúsdóttir
Edición: Edgar Lostaunau, Tomas Holewa
Postproducción: Edgar Lostaunau, Bernt Eklund, CinePost Studios AB
Es una producción de LittleBig Productions (Suecia), en coproducción con Runa Film (Perú)
Sitio web oficial: www.gringathemovie.com

(Nota: Llegamos a esta película gracias al dato enviado por el colega Héctor Turco. También apareció una nota en el diario “La Razón”).

Extra: Revisen las producciones anteriores de César Galindo y Runa Film, destacan el corto “Cholo soy” (1992), y el documental “Uratarimanta” (2005), entre otros trabajos. Ahora viene trabajando en un documental sobre Yma Sumac, ni más ni menos:

Yapa: César Galindo además participó en el BAL – Buenos Aires LAB del BAFICI, con el proyecto de largometraje “The Bird Girl”, otra producción sueca.

Pietro Sibille y Bruno Odar en 'Mono con gallinas'

Mono con gallinas, una coproducción ecuatoriano-argentina pronta a estrenarse, cuenta con la participación de los tres actores peruanos.

La película, ópera prima del realizador Alfredo León León, narra la historia de Jorge, un joven ecuatoriano que inesperadamente se encontrará en el medio de la selva como un inexperto soldado, durante la Guerra de 1941 entre Perú y Ecuador.

Cautivo en un campamento enemigo, Jorge deberá descubrir en quién se ha convertido mientras se recupera de sus heridas y se debate entra la idea de escapar con su compañero prisionero o seguir bajo el cuidado de la enfermera peruana Dolores (Melania Urbina). Vean el teaser tráiler de Mono con gallinas:

Cómo verán, los actores peruanos tendrán una importante presencia en esta cinta, Bruno Odar hace del teniente Ponce, un oficial peruano; Pietro Sibille es otro soldado peruano, el suboficial Mario, y Melania Urbina hará de la enfermera Dolores, la contraparte sentimental del personaje protagónico, interpretado por el quiteño René Pástor.

Bruno Odar declaró lo siguiente a El Comercio de Lima: “El mío es un personaje respetuoso con los prisioneros, pero tiene un lado contradictorio: a veces es agresivo con las personas dentro de su campamento. Es muy diplomático, pero tiene otro lado flaco que se desata cuando toma. Es un personaje totalmente distinto al de ‘Octubre’. Es además de otro estilo de película”.

La película, una producción de Dominio Digital, se filmó entre julio y agosto del 2010 en Quito y Puyo, en Ecuador. Actualmente se encuentra en proceso de postproducción en Argentina a cargo de la empresa Trivial Media. Se espera estrenarla a inicios del 2012. Encontramos más datos en esta nota del diario El Comercio de Ecuador:

El filme está basado en hechos reales y es ambientado en 1941. La historia de la vida real es la que vivió el tío abuelo de Alfredo, Jorge León Chávez, quien en ese entonces tenía 18 años. Este último, sin haberlo planificado, terminó como soldado en el conflicto limítrofe contra Perú.

Este personaje vivió de primera mano la guerra. Durante el conflicto bélico estuvo detenido en Iquitos, Perú, por ocho o nueve meses. De esa detención nadie se enteró en las filas ecuatorianas y todos lo pensaron muerto.

Antes de continuar, una aclaración del realizador. León adelanta que la película no es de guerra, tampoco pretende tomar partido ante lo que sucedió en ese conflicto. “Por ahí no va. Esta historia es universal”. Lo es, explica, porque un niño se convierte en adolescente “y eso sucede aquí y en la China”. El añadido del filme es cómo cuenta ese crecimiento en un contexto como la guerra.

Visiten también la página en Facebook de “Mono con gallinas”.

Dato: Hace unos años escuchamos por primera vez sobre esta película, fue durante la pre producción. La empresa ecuatoriana a cargo buscaba una coproducción peruana, algo que finalmente no se dió. Fue otra oportunidad perdida.

Yapa: Por si fuera necesario indicarlo, para nuestros lectores de otros países: los amigos ecuatorianos son “los monos”, y nosotros los peruanos somos “las gallinas”. Fraternidad latinoamericana, que le dicen.

El documental se realizó el 2008, durante diez meses, y se estrenó en el Centro Cultural de la Universidad Católica el 2009. Manuel Siles, nos cuenta algo más sobre su trabajo:

“El interés de hacer esta pela aparece a propósito de la obra El último ensayo. Yo soy un devoto admirador de ellos [Yuyachkani]. La obra me impresionó sobremanera desde el primer día que la vi. Me impresionó porque no narra una historia en términos convencionales, hay una anécdota pero es muy tenue y no es lo principal. Yo vi en la obra una metáfora de la vida, con sus conflictos, con sus preguntas sobre el sentido de la misma, con su búsqueda y postura frente a la muerte, con el compromiso de un artista con su obra, con sus temores e inseguridades.

Al mes de estar pegadazo con la obra, Alejandro Siles, jefe técnico de los Yuyachkani, me propuso hacer el documental, fue su idea. El documental no quiere hacer un registro de la obra, absolutamente, ni siquiera se limita a ella. La usa como excusa para referirse a esos temas que he enumerado antes”.

Vean el tráiler de Divas y fantasmas:

Divas y fantamas se presenta este viernes 7 de octubre a las 5:00 pm en la Casa O’Higgins (Jr. De La Unión 554), en el marco de la celebración de los cuarenta años de Yuyachkani.

Manuel Siles continúa comentándonos sobre la película:

“El documental se ha pasado en Cuba y recientemente en Brasil. Yo soy el guionista y director de la película, tal como aparece en los créditos, pero, desde luego, en el equipo, que fue muy corto, se estableció una dialéctica muy rica que contribuyó decididamente a la estética y el discurso de la misma. Los dueños de los derechos (solo un formalismo) somos los tres que participamos en su factura: Manuel Siles, Ludovic Pigeon y Alejandro Siles.

En cuanto a la forma, el documental sí intenta, desde el lenguaje cinematográfico que es tan diferente al del teatro, repetir ese aire de confusión aparente que reina en la obra de teatro. En ese sentido yo hubiera querido que sea polifónica y calidoscópica, aunque sé que eso a veces es un poco exigente para el espectador acostumbrado a una narrativa más ordenada.

También había un interés personal, tal vez más prosaico, al hacer la pela, había allí una oportunidad de oro para referirme a propuestas singulares que se distinguen del discurso o narrativa convencional. Muchas de las preguntas que les hice yo a mis amigos ‘yuyas’ son preguntas válidas para el cine independiente y sus respuestas son alentadoras e iluminadoras.”

Pueden leer algo más sobre los tres autores en La cinefilia no es patriota.

Extra: En 1998 se realizó el documental Persistencia de la memoria, dirigido por Andrés Cotler. Se puede ver completo en el Hemispheric Institute Digital Video Library.

Esa es la singular historia, la impensable empresa, que se presenta en el documental Cumbres de cal (“Cal Summits” es su título en inglés), la ópera prima del realizador Wilfredo Ilizarbe Pizarro.

La idea de Eduardo Gold y su ONG “Glaciares Perú” es pintar de blanco las montañas que antes estuvieron cubiertas de nieve. De esta manera reflejarán la luz del sol, ayudarán a que la temperatura en los picos de las montañas disminuya, logrando finalmente que la nieve vuelva a aparecer en las cumbres. Vean este video donde Eduardo explica su idea.

La película de Ilizarbe, que está aun realizándose, ya ha logrado reconocimientos: en mayo pasado ganó el prestigioso Jan Vrijman Fund, disputado entre más de 400 proyectos. Además, ha ganado el premio Puma.Creative Catalyst.

Vean el primer tráiler que han preparado:

Emergencia Audiovisual, la productora que Willy Ilizarbe fundó junto a unos amigos y colegas Rómulo Franco, Carolina Denegri y Eloy Neira, será la encargada de la realización de Cumbres de cal.

Extra: Otro proyecto reciente de los Emergencia Audiovisual es “Tren de juguete” de Rómulo Franco, documental sobre el tren eléctrico de Lima.

Mi chacra cuenta la historia de Feliciano, un joven cusqueño que ha pasado casi toda su vida en su pequeña chacra, en la comunidad de Mullacas, Urubamba, en las alturas del Valle Sagrado. A lo largo de las cuatro estaciones, Burlage sigue a Feliciano en su trabajo con la tierra, desde la siembra hasta la cosecha, y también en su trabajo como cargador en el Camino Inca hacia Machu Picchu. A través de Feliciano, el director presenta el ciclo de vida de un campesino -quizás un arquetipo de los indígenas que habitan los andes-, el de su comunidad, y el conflicto entre el cariño que sienten por su tierra y las labores aprendidas por sus ancestros, y el deseo de una mejor vida para sus hijos en la ciudad.

Vean el tráiler de Mi chacra:

El documental fue grabado en Cusco entre setiembre y noviembre del 2007, y abril y junio del 2008. La voz en off y la mayoría de los diálogos son en quechua. La música incidental está compuesta por temas tradicionales de la zona.

Mi chacra, elegida como Mejor película del Inkafest – Festival de Cine de Montaña 2011, se presentará este martes 27 de setiembre a las 8:00 p.m. en el Centro Cultural de España.

Visiten el sitio web del documental, está muy completo. También pueden comprar la película, en DVD, a 22 dólares.

“Bolero de noche” ya es una producción singular para nuestro cine: una película coproducida entre Perú y EE.UU, que cuenta con una actriz mexicana, y otra peruana -Vanessa Terkes- que presenta todos los modismos y el dejo propios del país del norte. A primera vista parecería ser de aquellas películas “latinas” (según la acepción gringa) que se filman en nuestro país cada cierto tiempo. Y justamente es a ese tipo de películas a la que pertenece Snuff Dogs, cinta dirigida por Eduardo Mendoza el 2010, una producción estadounidense de bajo presupuesto, que usa recursos y elementos de producción de un país “latino” como el Perú.

La sinopsis oficial dice así: “Una mujer artera pone en marcha una enrevesada cadena de eventos que resultan en peleas, muertes accidentales y su propio destino”. Vean el tráiler de Snuff Dogs:

Esta es su página en el catálogo de Laguna Productions, la companía que produce esta cinta (y también “Bolero de noche”). Snuff Dogs se vende en DVD a 20 dólares, quien desee puede adquirirla a través de esa página web.

Extra: Y ya que estamos revisando ese catálogo, chequeen el tráiler de “La hacienda”, una película de terror grabada en El Carmen, en Chincha, y dirigida por el peruano Coco Castillo (el de “Peloteros”). Toda una delicia.

Se titula Quiero saber, ha sido dirigida por el chileno Patricio Olguín -de quien no tenemos mayores referencias, más que su nacionalidad-, y fue escrita por Julio Andrade Ríos, conocido por todos ustedes (no se hagan) por su trabajo como compositor y músico. Recientemente, además, tuvo cierta notoriedad por su actividad como vicepresidente de la APDAYC.

La historia que se cuenta en la película se habría basado en una canción homónima del propio Andrade. El guionista la resume así: “Es la historia de un albergue en Piura que ofrece servicios a turistas. En la misma se mezclan el drama, el crimen y el erotismo”.

Un ‘triángulo amoroso’ formado por la argentina Marisa Minetti, Andrade, y Sofía Bogani. Esta joven actriz es conocida por su participación en la serie “Así es la vida”, y ya tuvo un primer protagónico en el cine, en la película Ciudad de los reyes (2007), de Antonio Rugel-Herrera. Bogani también participará en la nueva comedia de Sandro Ventura, “El buen Pedro”. Actualmente la pueden ver en la serie “La bodeguita”.

Este es el tráiler de Quiero saber, que anuncia estreno para octubre (el mes preferido por los productores peruanos. Con esta ya serían 3 las películas programadas):

Si bien Sofía Bogani sería la protagonista de “Quiero saber”, la cinta se promociona en Facebook como “una película con Marisa Minetti”. Cosas del marketeo. El resto del reparto principal lo conforman Pold Gastello, Jean Paul Strauss y Fernando de Soria.

En este “Rapitest”, Julio Andrade adelanta algo sobre lo que veremos en “Quiero saber”:

–¿Es cierto que tienes varias escenas de cama con Marissa Minetti?
Sí, la historia tiene una fuerte carga de erotismo y con Marissa (sic) tenemos varias escenas fuertes. Tú sabes que inicialmente ese personaje lo iba a hacer Analí Cabrera, pero debido a su enfermedad ya no se pudo. Por eso el filme se lo dedicamos a la memoria de nuestra querida Analí.

También encontramos este otro tráiler, publicado a mediados del 2009:

Yapa: La película no se terminó sin complicaciones, en enero de este año el director sufrió un robo que retrasó el estreno.

En Siguiendo a Kina (Following Kina), tal como podemos ver en un tráiler que se ha publicado recientemente, iremos no solo tras la popular boxeadora limeña, sino siguiendo los pasos de otras deportistas que, como Kina hasta antes de su singular logro mundial, pasan totalmente desapercibidas por los medios y por la sociedad en general. Llama la atención por ejemplo esta boxeadora puneña, entrenando a todo pulmón en pleno altiplano:

Sonia Goldenberg ha dirigido anteriormente algunos largos documentales: “El país de los saxos” (2007), “Memoria del paraíso” (2003), entre otros. Además es coguionista de El olvido, de la destacadísima Heddy Honigmann.

Siguiendo a Kina, una realización de Tramas Producciones, tendrá 70 minutos de duración. El proyecto fue finalista en el concurso Conacine 2011, y ganó la ayuda Ibermedia 2009 para Desarrollo.

Mayella Lloclla es Reshinn

Hace unos días, Paco Bardales saludaba el estreno de “El último guerrero Chanka”, como el indicativo de un nuevo cine de género que se estaría abriendo paso en el Perú.

A los dos días recibimos información de esta película, a la cual veniamos siguiendo desde hace unos años pero le habíamos perdido el rastro. Hasta hoy, en que ya podemos verla terminada, en sendos tráilers. Se trata de Reshinn, sangre de anaconda, una singular película de acción cuya figura principal es una guerrera ashaninka.

La protagonista es interpretada por Mayella Lloclla, a quien probablemente reconozcan por sus trabajos en series de televisión. Ella participó en dos películas anteriormente, “Vidas paralelas” y “El premio”. En “Reshinn” Mayella interpretará a la mencionada guerrera, quien buscará vengar la muerte de su madre.

La película de 120 minutos de duración es dirigida por Rogger Asto de León, un peruano radicado en EE.UU. desde hace 20 años, quien regresó al país el 2008 para rodar su ópera prima. Las grabaciones se realizaron en el valle del Ene, con la participación de comunidades nativas ashaninkas, como podrán ver en los avances, en escenas de relativa espectacularidad. Atención además a la anaconda amaestrada. Ni Jennifer Lopez tuvo una así:

Como vemos, el cine peruano de género parece estar encontrando su momentum, falta confirmarlo con sucesivas producciones, y por supuesto con la esperada acogida del público. Reshinn, sangre de anaconda aun busca fecha de estreno.

Actualización [2 setiembre]: El director nos comunica que el estreno de “Reshinn” sería el 10 de noviembre.

Más de una nueva fanática del actor se estará preguntando entonces, cuál es lo nuevo de Édgar.
Pues se trata de una producción colombiana titulada Saluda al diablo de mi parte. Realizado por los hermanos Orozco -Juan Felipe dirige y Carlos Esteban escribe-, se presenta como un atractivo thriller de acción que apunta a ser un éxito de taquilla. Vean el tráiler:

Revisando el reparto encontramos al peruano Salvador del Solar, quien en los últimos años viene trabajando en teleseries en Colombia. Llama la atención que esta Saluda al diablo de mi parte no haya aparecido en Lima en el festival reciente, pudo haber sido de especial atractivo para el público local. La película ya se estrenó en Colombia el 12 de agosto, y se asegura su estreno en EE.UU., Francia, Reino Unido y algunos países de la región, Perú incluido.

Extra: Juan Felipe Orozco ha sido el director de populares series de TV como “Los caballeros las prefieren brutas” y “Tiempo final”. Junto a su hermano Carlos realizaron un primer largometraje titulado “Al final del espectro” (2006).

Ulises, la ópera prima del director chileno Óscar Godoy, cuenta los días del recién llegado Julio, un peruano inmigrante en Santiago. Viendo el tráiler me es imposible no recordar al buen Freddy, el melancólico y esforzado boliviano del filme de Caetano, en la cabina de teléfonos llamando apresurado a casa, pasando la noche robándole espacio a un cafetín, o trabajando en lo que venga. Otro referente inmediato es el Zapa de “El bonaerense” de Trapero, también interpretado por el argentino Jorge Román, que ahora intentará lograr su mejor dejo peruano.

El tráiler de la película muestra más de un elemento de interés, en lo estrictamente cinematográfico, y en lo que le toque a cada uno: la imagen poderosa de los peruanos desempleados, sentados junto a la Catedral en la Plaza de la Moneda, o el clásico “Regresa” de Lucha Reyes, aquí en versión cueca. Vean:

Para mayores referencias, el director de fotografía es el peruano Inti Briones, y entre los productores se encuentra Pablo Larraín, el director de “Post Mortem”. Ulises se estrena el 1 de setiembre en Chile, y estará compitiendo en la sección Horizontes del Festival de San Sebastián, desde el 16 de setiembre.

Si desean ahondar un poco más, recomiendo que lean esta entrevista con el director Oscar Godoy. Unos extractos:

-Puede ser un lugar común pero es bastante obvio y es que el chileno construye desde la superioridad. Nos vemos inferiores y con envidia a los argentinos, pero vemos con superioridad a los peruanos y, a los bolivianos, para qué decir. Vemos a los peruanos y a los bolivianos como unos cholos culiaos. Y uno, que ha podido estar afuera, ve que Chile se parece mucho más a Perú que a Estados Unidos. El referente de Chile es Estados Unidos, pero ni siquiera Estados Unidos, si no que Miami.

-La mirada parte desde la condición de Chile. Chile es el país más parecido a la India: una sociedad de castas. La clase alta mira a los peruanos y dice: “Éstos son mano de obra barata, son ignorantes, son rascas, pero cocinan súper rico”.

-Como si se salvaran por la cocina.

-Claro. Y son mirados un poquito como un mal necesario: “Ya que no tenemos nanas mapuche tengamos nanas peruanas”. Y bueno, desde clases más bajas se da la condición de tipo chauvinista que mira a estos peruanos que vienen a quitarnos la pega, la poca que hay. Pero otros, desde la misma condición económica están con bastante solidaridad y hermandad. porque al final son dos personas que están tratando de sobrevivir en una sociedad que es súper agresiva, los dos pueden estar trabajando de dependientes en una multitienda ganando quince mil pesos de sueldo base, tratando de llegar al sueldo mínimo por comisión, estando legales ambos.

Otro referente que se me viene a la cabeza, viendo el tráiler y leyendo esta entrevista es “Musica campesina”, de Fuguet. Lean:

- Por haber vivido en otros países, Óscar le interesó hacer una película que se tratara de un extranjero que se siente siempre extranjero, que nunca pertenece.

-Cuando estaba en Europa vivía mucho eso. Además que en un momento dado, Europa se veía a sí misma como una sociedad unicultural y, de repente, de un momento a otro, los tipos se vieron llenos de otras razas, otras culturas, otra gente. Aparte todas las obras que hablaban desde el cine y desde la literatura de eso lo hacían con un paternalismo súper grande. Y, cuando llego a Chile, veo ese mismo paternalismo de decir: “Ay, es que ella, la nana, en Perú era profesora universitaria pero está acá y trabajando”.

Así como este año tuvimos a “Amador” en el Festival de Lima -y que hoy se estrenó en cartelera comercial-, el 2012 será un buen momento para que Julio/Ulises vuelva a Perú.

Para su ópera prima de ficción, Alejandro Rossi toma como referente su propio documental Lima ¡Wás! (2004), filme que se desarrolla alrededor de las competencias de huaylarsh de jóvenes migrantes en Lima. A partir de esa experiencia ficciona la siguiente historia, protagonizada por actores debutantes, acompañados por otros más experimentados en el reparto, como Delfina Paredes y Aristóteles Picho. Vean el tráiler:

Sinopsis: La carpa de música folklórica “Coliseo” va a ser desalojada del terreno que ocupa. Esto significará la desaparición de un grupo de artistas de diferentes generaciones, que habían encontrado en ese lugar una forma de vida y una identidad. Los jóvenes Marcial y Esperanza formarán un grupo de danza e intentarán salvar el “Coliseo” participando en una competencia de huaylarsh. Para lograrlo tendrán que ganar a los famosos “Tricampeones”.

Ficha técnica
Coliseo (2011)
País: Perú
Director: Alejandro Rossi Velasco
Formato: 35 mm – Color
Duración: 92 minutos
Guión: Alejandro Rossi, Augusto Cabada
Fotografía: Juan Durán
Productora general: Rosamaria Álvarez Gil
Edición: Edgar Lostaunau, Carlos Álvarez
Sonido: Edgar Lostaunau
Música: César Vega
Dirección de arte: Marta Mendez
Producción: Cineruna

Intérpretes: Luis Enrique Gastelu, Noelia Ramirez. Aristóteles Picho, Delfina Paredes, Jorge Rodríguez Paz. Damaris y William Luna (cantantes invitados).

Aquí pueden ver unas imágenes del rodaje de Coliseo, de mediados del 2008, en locaciones de Lima, Huancayo y Ticlio.

Funciones:
Centro Cultural de la PUCP – Sala Azul, Martes 9, 7:45 p.m.
Cineplanet Alcázar – Sala 5, miércoles 10, 9:45 p.m.
Centro Cultural de la PUCP – Sala Roja, jueves 11, 2:15 p.m.

Extra: En el Festival de Lima del año pasado, “Coliseo” se presentó al Concurso Cine Peruano en Construcción, de Conacine, ganando dicho premio.

A través de entrevistas inéditas y dramatizaciones, la película contará la historia de uno de los episodios más impactantes de nuestra historia reciente: la captura de líder máximo del partido comunista Sendero Luminoso, Abimael Guzmán Reynoso.

“1509 Operación Victoria”, una producción del año 2010, narra la historia de un puñado de jóvenes oficiales de la policía de investigaciones del Perú liderado por el comandante Benedicto Jiménez, quienes asumieron la difícil tarea de capturar al líder terrorista.

El Grupo Especial de Inteligencia, GEIN, logró en 29 meses, lo que no se logró en 10 años de guerra interna: conocer el modus operandi de esta organización clandestina, e identificar las casas en las que vivió Abimael Guzmán, ubicadas en los barrios más residenciales de la ciudad de Lima. Vean un avance de 1509 Operación Victoria:

Judith Vélez, quien debutó en la ficción con La prueba, ha dirigido anteriormente otros trabajos documentales, como ¡Libérenlos ya! y “Seis con ocho”.

1509 Operación Victoria se presenta este jueves 21 de julio a las 7:30 p.m. en el Club Empresarial. Reservas al teléfono 215-9000 anx. 1153. Cupo limitado.

Ficha técnica:

Producción: Bliss S.A.C.
Duración: 58 min.
Dirección y guión: Judith Vélez
Producción ejecutiva: Abraham Vurnbrand y Hugo Rose
Director de fotografía: Marco Arauco
Editor: Roberto Benavides
Diseño de sonido: Rosa Maria Oliart
Música original: Kevin Norris

Dato: Luego de su captura, al reo Abimael Guzmán se le asignó el número “1509″, en conmemoración del aniversario de la antigua PIP, el 15 de setiembre.

La película de 60 minutos, producida por la Asociación Ruhasun Perú, se presentará el sábado 9 de julio, a las 6:30 p.m. en el Centro de Convenciones Ollanta de la Universidad Nacional de Cajamarca (Av Atahualpa 1050).

Ruhasun Perú es una asociación sin fines de lucro que promueve la educación y la cultura como medios de desarrollo para las regiones y zonas campesinas del Perú. Ruhasun ha hecho el trabajo de investigación y producción de este documental, con un equipo proveniente de Lima.
Andrés Llanos es limeño y este año terminó la carrera de Comunicación Social en la Universidad Mayor de San Marcos.

Alegría, la fiesta de Cajamarca se presentará en el marco del evento denominado “Todos los caminos me llevan a Cajamarca”, una gran muestra de artes visuales, poesía, música y literatura relacionada con la cultura cajamarquina.

Sinopsis: Alegría, la fiesta de Cajamarca,  es  un documental  que engloba todos los sentimientos de una región, antes, durante y después de su festividad, a través de la vida de Juan Jave Huangal, un cajamarquino que respira carnavales hace 85 años. Vean el tráiler:

Ficha técnica:
Dirección: Andrés Llanos Silva.
Producción: Luz Isabel Guarniz Alcantara.
Asistencia de Producción, Cámara: Pamela Paucar Montalvo, Mariela Rivera Cano.
Fotografía: Anthony Quiroz Heredia.
Música: Oscar Pajares Ruiz.
Edición y Post Producción: Silvio Buendía Cayo.

Celos oscuros en la pareja protagonista

La ópera prima del director limeño Joel Calero anuncia su lanzamiento para el 2012. Se trata del drama Cielo oscuro, protagonizado por Lucho Cáceres y Sofía Humala, actores conocidos por sus trabajos en televisión y teatro. Ellos interpretan a la pareja principal del filme, en una historia marcada por los celos y la tensión de alcoba. Así la resumen los productores: “La inusual y hermosa relación entre un empresario textil de Gamarra y una joven actriz de teatro se convertirá en un “cielo oscuro” cuando él conozca a una antigua pareja de ella”.

La película estrenó hace poco su página en Facebook, y ahí publican las primeras imágenes de esta nueva producción peruana. Pueden ver más fotos en este sitio.

Sinopsis: Toño (42) es un comerciante divorciado que pasa los días detrás del mostrador de su pequeña tienda-taller de confección textil ubicada en el Emporio Comercial de Gamarra. Un día, llega a su negocio Natalia (23), una estudiante de teatro que le encarga la confección del vestuario para su obra de graduación como actriz.

Pese a las diferencias que los separan, el azar terminará entrelazando sus vidas. Natalia encuentra en él ese calor y protección que le estaban faltando a su vida. Toño descubre con ella un universo fresco y sensorial que lo revitaliza, pero cuando conozca a un joven actor -antigua pareja de Natalia- su felicidad empezará a resquebrajarse. El temor inicial deviene pronto en miedo, obsesión y paranoia que terminarán convirtiendo su relación e intimidad en un peligroso cielo oscuro.

Aquí se ha publicado un tráiler provisional, donde se puede avizorar el tono agridulce que tendría la película.

Por acá pueden ver algo un poco más revelador sobre la pareja y sus conflictos.

Este es el debut cinematográfico de Sofía Humala

Además, en el reparto destacan la aun más popular Mariella Zanetti, junto a Roberto Moll, Norka Ramírez, Pold Gastello, Sebastian Rubio, entre otros.

Cielo oscuro ganó varios premios durante estos años: el 2005 Joel Calero obtuvo una beca de la Fundación Carolina para el Curso de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos Iberoamericanos, el 2006 logró la ansiada ayuda de Ibermedia para coproducción, el 2007 ganó una ayuda del CNAC de Venezuela, y el 2008 ganó el concurso de su par en Perú, el Conacine.

Ficha artística
Lucho Cáceres: Toño
Sofia Humala: Natalia
Roberto Moll: Mauricio
Mariella Zanetti: Betty
Pold Gastello: Arturo
Norka Ramirez: Cecilia
Tania Ruiz: Lorena
Sebastián Rubio: Tato
Flor de María Andrade: Mamá

Lucho Cáceres y Mariella Zanetti. Antes ya estuvieron juntos en La Gran Sangre

Ficha técnica
Título: Cielo oscuro
Guión y dirección: Joel Calero
Duración 78 minutos
Formato de proyección 35 mm Dolby – Color
Producción: Factoria Sur e Imagyc (Perú), Rodando Films (Venezuela)
Productores ejecutivos: Joel Calero, Lucho Cáceres, Carlos Solano
Coproductor: Carlos Malavé
Director de fotografía: Mario Bassino
Directora de arte: Gisella Ramirez
Productora de arte: Gloria Quiñones
Sonido directo: Guillermo Palacios
Postproductor de sonido: Francisco Adrianzén
Edición: Roberto Benavides
Asistente de dirección: Nelson Aguilar
Jefe de producción: Rafael Cabellos
Casting: Basilio Soraluz y Jorge Tito
Vestuario: Elizabet Bernal
Maquillaje: Marleny Blancas

Extra: En abril del 2009 estuvimos en el rodaje de “Cielo oscuro”, esto fue lo que vimos.

El debutante Jeremy Irvine será el protagonista, lo acompañan en el reparto Emily Watson, Peter Mullan, Celine Bucken, David Thewlis, Toby Kebbell, Eddie Marsan, David Kross, Niels Arestrup, Benedict Cumberbatch, Tom Hiddleston y Patrick Kennedy. El director de fotografía es el polaco Janusz Kaminski, y la música original la compone otro compadre de Steven, John Williams.

War Horse se estrena el 28 de diciembre en EE.UU. y el 5 de enero del 2012 en Latinoamérica y España. Ojo, que en noviembre también se estrenará “Las aventuras de Tintín”, otra producción de la factoría de Spielberg. Llegarán una tras otra.

Sara, una de las últimas shipibo en usar los adornos completos de mediados del siglo XX.

En 1953 el antropólogo Harry Tschopik Jr. recorrió con su cámara los pueblos shipibo de la Amazonía peruana, y filmó la película “Shipibo, Men of the Montaña”. Cincuenta años más tarde, investigadores del Field Museum of Chicago encontraron algunas de estas imágenes en los archivos del Museo Americano de Historia Natural, y las compilaron en un video.

Después de varias generaciones, el pueblo shipibo pudo ver por fin aquella película, gracias a que un equipo del Field Museum visitó la cuenca del río Ucayali y proyectó la cinta de Tschopik y recoger los testimonios de los shipibo. “¿Qué tan exacta es la película del antropólogo estadounidense? ¿Qué piensan los shipibo de su identidad y sobre los cambios en su cultura?”.

Estas y otras interrogantes son abordadas en en el mediometraje documental Shipibo, la película de nuestra memoria, codirigido por el realizador peruano Fernando Valdivia Gómez y la estadounidense Claire Odland. El filme, de 52 minutos de duración, fue realizado en julio del 2010, cuando el equipo de documentalistas partió en búsqueda de los protagonistas del documental de Tschopik.

Conversamos con el director, y esto fue lo que nos contó sobre su nueva película, que podremos ver desde agosto próximo:

Fernando, ¿cómo se inició este proyecto?
El 2009 trabajé en el festival cultural Amo Amazonía. Como curador de la muestra “Cine Amazónico” compilé material audiovisual de diversos países. Una de las películas que llegó a nosotros fue Shipibo, Men of the Montaña (Los hombres de la montaña), una edición realizada por Claire Odland y Alaka Wali, investigadoras del Field Museum of Chicago, en base a una película sobre los shipibos muy antigua, quizás la más antigua sobre ellos, que encontraron casualmente en los archivos del American Museum of Natural History de New York.

Alaka y Claire tienen varios años de trabajo con los shipibo así que reconocieron rápidamente que este descubrimiento era un tesoro. Esta filmación fué realizada por Harry Tschopik Jr., un antropólogo nacido en Nueva Orleans y que vino al Perú en 1940 a realizar diversas investigaciones en costa, sierra y selva. El año 1953 Harry Tschopik filmó en comunidades ashaninka y shipibo, tanto escenas de bailes como de ceremonias y actividades cotidianas como la caza, pesca y confección de cerámica y textiles. En relación a su película solo sabemos que Tschopik fue entrevistado en la CBS y allí se difundieron algunos minutos de estas filmaciones. Las notas de campo sobre sus viajes de filmación se perdieron y el material audiovisual se archivó, solo el Smithsonian editó el disco Indian Music of the Upper Amazon que contiene la música grabada por él entre los pueblos Shipibo, Conibo, Ashaninka y Cocama.

Claire Odland no encontró las cintas originales filmadas por Tschopik, encontró cintas U matic, las antiguas cintas de 3/4″ donde se habían transferido un par de horas de la filmación, sin editar. Claire pidió los permisos para editar ese material y compiló una versión respetando el concepto original del realizador. Se le llamó con el mismo nombre de la investigación de Tschopik, “Shipibo, Men of the Montaña” y para la musicalización se emplearon algunos temas del disco editado por el Smithsonian. Esta versión es la que proyectamos en Amo Amazonía, y producto de este encuentro es que se decidió llevar la película a las comunidades shipibo, regresar este material a los lugares donde fue filmado.

¿Cómo se dió tu colaboración con el equipo de Museo Field?
En estas conversaciones es que me proponen trabajar con ellas un nuevo documental, registrar el impacto de esas viejas imágenes que reflejaban la vida de los shipibo hace casi 60 años, reflexionar sobre los cambios en la cultura, en las relaciones con el medio ambiente, en su visión de ellos mismos. Así nació un nuevo documental que contendría parte de las imágenes antiguas de Tschopik y las imágenes nuevas del actual modo de vida de los shipibo al que titulamos Shipibo, la película de nuestra memoria.

Es interesante lo que pasó durante el rodaje. Para las proyecciones preparé un speech motivándolos a encontrar sus parientes entre las antiguas imágenes del ’53. No cumplimos nuestro objetivo, sin embargo, los comentarios volaron de boca en boca y así aparecieron personas que tenían vagos recuerdos sobre una filmación a sus padres, tíos y suegros. Tuvimos que ir a buscar directamente a ciertas personas y al mostrarles la película reconocieron gente y comunidades. Toda esta gente ya había fallecido y algunas comunidades donde se filmó ya no existían, es el caso de Punchana, una antigua comunidad al pie de la laguna de Yarinacocha. Había dudas sobre las otras locaciones, pero por los diseños de las ropas (el kené) y el tipo físico nos aseguran que fue en la cuenca del rio Pisqui, en Loreto, al pie de la Cordillera Azul.

¿Piensan editar ambas películas en un dvd, o programar más proyecciones?
“Shipibo, Men of the Montaña” se ha difundido principalmente en espacios académicos en Lima y también en casi todas las comunidades shipibo. Justamente en estas proyecciones de campo es que algunos ancianos nos hicieron notar errores en el empleo de los temas musicales, básicamente en un par de temas que resultaron siendo ashaninkas. Cuando se presente el nuevo documental que hicimos, el dvd contendrá también la vieja película de Tschopik, completa y corregida.

Estamos terminando el diseño del dvd y los copiados. Shipibo, la película de nuestra memoria se estrenará en agosto en Chicago, en Lima, en Pucallpa y, por supuesto, en las comunidades shipibo de Ucayali y Loreto. Pensamos que este material es bastante fuerte en relación al tema de identidad y pensamos proponerlo al Ministerio de Educación para que lo puedan considerar dentro de las estrategias de educación bilingüe intercultural. Es una sugerencia surgida en las primeras proyecciones que hicimos con los shipibo en Pucallpa, que dicho sea de paso quedaron bastante emocionados al ver costumbres ya desaparecidas y de las que solo habían escuchado. Creo que va a ser emocionante para cualquier comunidad indígena peruana, sobre todo porque las reflexiones filmadas para este documental son básicamente de indígenas, una confrontación emocional con ellos mismos.

¿En qué formato se grabó el documental?
La película se grabó en formato de alta definición con la cámara Sony EX 1, que es una de las más populares actualmente. El documental ha sido financiado íntegramente por el Field Museum of Chicago.

Fernando Valdivia (Lima, 1966) es un experimentado documentalista y comunicador social.

¿Actualmente tienes algún otro proyecto documental en desarrollo?
Ya inicié la preproducción de un documental que filmaré en Perú y Brasil. Trata sobre el reencuentro de gente separada varias décadas en los bosques fronterizos y que creen estar solos en el mundo, que ya nadie habla su idioma. Es un tema delicado porque hay muchos intereses empeñados en hacer creer que esta gente no existe. Con el documental demostraremos lo contrario.

Extra: Fernando Valdivia es un comunicador social y documentalista, “sanmarquino hasta el hueso”. Tiene una maestría en Estudios Amazónicos. Actualmente dirige Teleandes Producciones y es consultor del Instituto del Bien Común en Pucallpa donde promueve el empleo de la comunicación para fortalecer federaciones indígenas Shipibo, Conibo, Ashaninka, Yanesha y Cacataibo. “El centro de mi atención es la diversidad cultural, la Amazonía y el medio ambiente”, dice el realizador. Ha filmado en varios países de América Latina, en África y Asia junto a National Geographic, Channel 4, Jean Michael Cousteau, WWF, Ethno Medicine Preservation Project, Promperu, entre otros. Sus documentales más conocidos son “Buscando el azule” (Gran Premio Anaconda 2004) y “La travesía de Chumpi” (Premio Gillo Pontecorvo al mejor filme en el Festival de Cine Documental de Medioambiente Latinoamericano – Roma, Italia 2010).

Shirley Arica y Guillermo Castañeda, en su primera vez, en la pantalla grande

“El cine peruano no es de lisuras ni de calatas”, decían los entendidos, al mismo tiempo que el director Gastón Vizcarra hacía su primera película, retomando aquella tradición negada de nuestra querida cinematografía.

El guachimán cuenta la historia de Alejandrino Ccanta Huarango, un vigilante como los miles que vemos a diario por la ciudad, quien en un momento de lucidez -o de locura, según quiera verse- decide fugarse con una cuantiosa suma de dinero. Gracias a este botín es que puede cumplir con creces sus más anhelados antojos. Y ya se imaginarán cuáles son estos.

Guillermo Castañeda tendrá el rol protagónico, y por sus manos pasarán, además de los billetes, su enamorada, interpretada por Stephanie Orúe, una seductora Anahí de Cárdenas, y una desinhibida Shirley Arica. Es decir, todo lo que le gusta al Perú. Vean el entretenido tráiler a continuación:

Como habrán visto, el reparto se completa con los nombres de varios rostros conocidos: César Ritter, Diego Lombardi, Emilram Cossio, Paul Ramírez y Sergio Paris. El soundtrack, de La Sarita, faltaba más. El estreno sería el 25 de agosto. Esta película es una producción de Star Films, La Soga y Laguna Productions.

Extra: A Anahí de Cárdenas la hemos visto anteriormente en “Dioses” y “Máncora”, resta verla en “The City of Gardens”. Stephanie Orúe protagonizó “La vigilia”, y tendrá un rol en “Casa dentro”, filme aun no terminado. Shirley Arica sí es una debutante absoluta, en el cine.

Yapa: Star Films es una empresa de Arun Kumar Kapur, también gerente de UVK Multicines. Otra película de La Soga, empresa productora de Gustavo Sánchez, es Bolero de noche, también de pronto estreno. Laguna Productions es una empresa estadounidense especializada en producciones latinas, del tipo “directo a dvd”.

En los próximos meses se estrenará un documental sobre el ex dictador chileno que gobernó ese país durante diecisiete años. Se trata de La muerte de Pinochet, largometraje de 67 minutos de Iván Osnovikoff y Bettina Perut. El estreno comercial en Chile está programado para el 1 de setiembre.

La película gira en torno de las convulsiones sociales que reavivó el fallecimiento de Pinochet ocurrido el 10 de diciembre de 2006, en un grado de intolerancia y tensión muy alto al que ojalá nunca lleguemos en el Perú. Los realizadores del documental utilizan el registro original de las ceremonias fúnebres, intercalándolo con testimonios de cuatro personajes que celebran y lamentan con la misma intensidad la muerte del dictador.

La muerte de Pinochet fue exhibida en el reciente BAFICI 2011, y ganó el premio a mejor película “Cine en movimiento” en el Festival Cine//B 2010. Vean el tráiler a continuación:

El Festival de Lima debería considerar la inclusión de este valioso trabajo en su próxima edición.

Extra: La pareja de directores, quienes trabajan juntos desde fines de los años 90, ya le habían dedicado anteriormente una obra al ex dictador: El astuto mono Pinochet contra La Moneda de los cerdos (2004), exploración del golpe de Estado de 1973 desde las nuevas generaciones.

El director Josué Méndez (izq.) y Carlos, el protagonista de su historia

Un documental realizado en 7 países iberoamericanos por igual número de directores, entre ellos el peruano Josué Méndez, se estrenará comercialmente esta semana en Buenos Aires.

¿Qué culpa tiene el tomate? plantea seguir el recorrido que realizan los alimentos que recibimos todos los días, a través de los mercadillos que encontramos en nuestros barrios: “Cuando la comida va de la planta a tu mesa sin el supermercado en el medio. Siete países, siete mercados populares, siete culturas diferentes, siete directores, siete miradas distintas”.

El documental es dirigido por Alejo Hoijman (Argentina), Marcos Loayza (Bolivia), Josué Mendez (Perú), Carolina Navas (Colombia), Paola Vieira (Brasil), Alejandra Szeplaki (Venezuela) y Jorge Coira (España). Se rodó a fines del 2007. Josué Méndez grabó su segmento en el Mercado Mayorista de frutas de La Victoria, en Lima. La producción se completó a inicios del 2008. Entonces fue elegida para la Selección Oficial del MoMA, de New York. El título internacional del documental es “From the Land to Your Table”.

Vean el tráiler de ¿Qué culpa tiene el tomate?:

Sinopsis: “Cada director aborda desde su país de origen el proceso de la comida cuando no pasa por el supermercado. Cada uno a través de sus mercados populares nos envuelven en sus diferentes culturas y formas de vida. Mercados que ya en las ciudades medievales existían, primero con el sistema de trueque y donde los campesinos, agricultores y artesanos concurrían a vender sus productos, tal como ahora.

Nutrida del ríquisimo despliegue visual y del folklore de estos “mercados” o ferias, a través de ellos y sus gentes la película ahonda en cada idiosincracia. En un resultado de documental de observación, el filme recoge desde le proceso de recolección hasta la venta en el “mercado” , de la mano del pequeño productor directo al consumidor, en definitiva: cómo los alimentos pueden pasar de la tierra a la mesa. A través de esta documentación deja al descubierto un cuestionamiento acerca de cómo las grandes cadenas de venta y distribución van en detrimento del trabajo del productor y encarecen el mismo producto simplemente por estar en una góndola de supermercado”.

¿Qué culpa tiene el tomate? se estrena el jueves 2 de junio en salas comerciales de Buenos Aires. Pueden encontrar más información sobre la película en su página web. Lean esta entrevista con uno de los directores, Alejo Hoijman, en Página/12.

Ficha técnica:
Directores: Alejo Hoijman (Argentina), Marcos Loayza (Bolivia), Josué Mendez (Perú), Carolina Navas (Colombia), Paola Vieira (Brasil), Alejandra Szeplaki (Venezuela) y Jorge Coira (España).
Edición general: Alejo Hoijman (Argentina).
Duración: 107 minutos
Idiomas versión original: Español – Portugués – Gallego – Aymará.

Producción General y Ejecutiva: Hugo Castro Fau (Lagarto Cine- Argentina), Fernanda del Nido (Tic Tac Producciones – España).

En coproducción con: Marcos Loayza (Pucara Films y Alma Films- Bolivia) Enid Campos (Chullachaki Producciones – Perú), Carolina Barrera (Pato Feo Films- Colombia), Rodrigo Letier (TvZERO- Brasil), Daniel Jerozolimski (Coop. Estrella Films- Venezuela).

Hace unos días comentábamos sobre esta coproducción estadounidense-peruana de bajo presupuesto, filmada en Lima el 2010, que se está presentando por estos días en el Marché de Film de Cannes.

La historia de The City of Gardens (“Ciudad jardín”), dirigida por el cubano Camilo Vila, se desarrolla en Lima en los inicios de los años 80, durante los años de la violencia terrorista. El protagonista de la historia es un gringo surfer, profesor de inglés que, para su mala fortuna, termina en prisión acusado de tráfico de drogas. Según cuenta el guionista Monty Fisher, en cuya historia real se basa la película: “me encerraron en El Sexto, un lugar francamente tenebroso. Me metieron en el pabellón de los presos comunistas, y aunque [el grupo subversivo] Sendero Luminoso aún no había empezado sus actividades armadas, todas las semillas ya estaban plantadas”.

En este tráiler podemos ver al actor principal John Robinson, junto a los limeños Anahí de Cárdenas y Oscar Carrillo. También aparece la conocida actriz Deborah Kara Unger. Noten el uso de imágenes de archivo de la época, y el dejo caribeño en varios de los personajes “latinos”. La película es hablada en inglés durante la mayor parte de sus 100 minutos de duración:

(Via Twitter)

El reparto de esta ‘comedia romántica’ bien a lo Dardenne, incluye a la guapa Cécile De France (a quien vimos no hace mucho en “Hereafter”), al pequeño protagonista Thomas Doret, y al actor fetiche de los belga, Jérémie Renier. También veremos a otro sospechoso común en los filmes de estos hermanos, al actor Olivier Gourmet. Los Dardenne ya van por su quinta participación en el Festival de Cannes, y buscarán su tercera Palma de Oro, la que antes se llevaron con Rosetta (1999) y El niño (2005).

La sinopsis oficial nos presenta así su nueva cinta: Cyril, de casi 12 años, tiene un único plan: encontrar a su padre, un hombre que abandonó temporalmente a su hijo en una casa de acogida para niños huérfanos. Casualmente, conoce a Samantha, una mujer que regenta una peluquería y que acoge al chico durante algunos fines de semana. Cyril no reconoce el amor que Samantha siente por él. Un amor que necesita desesperadamente para calmar su ira.

La imagen del pequeño rubio en bicicleta, Cyril (Doret), me recuerda al personaje de La promesa (1996), interpretado entonces por el propio Jérémie Renier, recorriendo apuradamente las calles en su motoneta.

Vean el tráiler en francés de Le gamin au vélo:

Luego de ganar en el 2010 el premio Un Certain Regard del Festival de Cannes con la cinta Hahaha, el surcoreano Hong Sang–soo participará nuevamente en la misma sección con su undécimo largometraje, The Day He Arrives, la nueva exploración cinéfila del director de Tale of Cinema.

Protagonizada por un reparto mayoritariamente familiar al realizador, Yu Jun–sang (Hahaha), Song Seon–mi (Woman on the Beach), Baek Jong–hak (The Power of Kangwon Province) y Kim Sang–jungg, la película narra la historia de Sungjoon, un director de cine que busca en vano a un viejo amigo en Seúl, por lo que empieza a deambular por la ciudad y se reencuentra con su ex novia y un actor que abandonó su vocación histriónica para dedicarse a sus negocios en Vietnam. Posteriormente intercambiará opiniones con aspirantes a estrellas de la pantalla grande, la dueña de un local que tiene cierto parecido a su antigua pareja y una simpática profesora de cine.

Vean el tráiler, en el que vemos la bella presentación de los personajes, rodada en una calle cubierta de nieve y editada de modo inverso.