En la mañana comentábamos el impacto en Venecia 2008 de The Wrestler, la cinta de Darren Aronofsky que protagoniza el veterano Mickey Rourke, y ahora acaba de anunciarse su triunfo, ganadora del León de Oro a la mejor película. El recordado actor de La ley de la calle y El año del dragón no tuvo la misma suerte, pues en su categoría Silvio Orlando recibió la Copa Volpi por Il Papà di Giovanna. Asimismo, este premio en su versión femenina reconoció a Dominique Blanc por L’Autre, y el León de Plata fue para el filme franco-germano-etiopíe Teza de Haile Gerima.

Además, hay dos nombres que recién empiezan: la actriz Jennifer Lawrence, de apenas 18 años, considerada intérprete revelación por su rol en The Burning Plain, la opera prima del ex guionista de González Iñárritu, Guillermo Arriaga; y el ganador de esta categoría de debutantes, el italiano Gianni Di Gregorio, director y protagonista de Pranzo di Ferragosto.

A propósito, le va bien a la joven Lawrence, pues en junio de este año recibió un galardón en Los Angeles Film Festival, por su actuación en The Poker House.

El palmarés de Venecia 2008 es el siguiente:

• León de Oro a la mejor película: The Wrestler, de Darren Aronofsky.
• León de Plata. Gran premio del jurado: Teza, del etíope Haile Gerima.
• Mejor director: al realizador ruso Aleksey German Jr., por Paper Soldier.
• Copa Volpi al mejor actor: al italiano Silvio Orlando, por Il Papà di Giovanna.
• Copa Volpi a la mejor actriz: a la francesa Dominique Blanc, por L’Autre.
• Mejor guión: Haile Gerima, por Teza.
• Mejor fotografía: Paper Soldier, filme ruso.
• León especial del jurado: al alemán Werner Schroeter, por su carrera de 40 años en el cine.
• Premio Luigi De Laurentiis a la mejor ópera prima: Pranzo di Ferragosto, de Gianni Di Gregorio.
• Premio Marcello Mastroianni al intérprete revelación: Jennifer Lawrence, por The Burning Plain.

Este año, el festival ha concedido el premio honorario a la carrera en conjunto de uno de los nombres más importantes del cine italiano de los últimos 40 años. Ermanno Olmi conformó aquella generación que sucedió a los grandes maestros durante los años 60, en ese conjunto figuraban también otros nombres de gran proyección como los de Bernardo Bertolucci, Marco Bellochio, Francesco Rossi, o los hermanos Paolo y Vittorio Taviani. Olmi siempre se mantuvo fiel a su estilo un tanto sereno pero radical, lo que le valió desarrollar una carrera coherente en comparación a los altibajos de varios contemporáneos. El realizador cuenta en su haber con una Palma de Oro, obtenida en 1978 por El árbol de los zuecos y un León de Oro de Venecia obtenido en 1988 por La Leggenda Del Santo Bevitore.

Durante la conferencia de prensa que siguió a la distinción, el veterano cineasta de 77 años recalcó la gran inspiración que fue para él todo el cine neorrelista con Roberto Rossellini y Vittorio De Sica a la cabeza. Incluso comentó la forma en que el público demostraba su incomodidad ante películas como Roma, ciudad abierta y Alemania, año cero. Evaluando aquellas épocas en las que se forjó su vocación, el maestro dice:

El cine de Rossellini o De Sica es el cine del hombre honesto del neorrealismo. Uno que tuvo el valor de permitir reconocerte a tí mismo en la pantalla. El cine está comenzando otra vez a estar atento a su labor como instrumento de la civilización.

(Vía Newser)

A pocas horas de conocerse a los ganadores de esta edición del festival, mucha de la crítica especilizada es implacable al señalar que el conjunto de películas participantes ha sido decepcionante en su mayoría, desde los nuevos realizadores hasta los grandes nombres consagrados en versiones anteriores. Pero precisamente uno de los realizadores más discutidos desde su última participación en la Mostra, se ha encargado de poner la nota interesante en la recta final.

Se trata del norteamericano Darren Aronofsky, quien consiguió una buena respuesta del público y la prensa con su anunciado drama deportivo The Wrestler. Se ha destacado el ingreso de Aronofsky a una narración más clásica que sus anteriores películas, pero en la cual demuestra sus afinidades al cine de género de manera solvente. En cuanto a su protagonista, el conflictivo pero talentoso Mickey Rourke, hay muchos que incluso avizoran para su actuación el máximo galardón.

Recordemos que hace dos años, Aronofsky bajó notoriamente sus créditos tras la presentación de The Fountain, película que terminó siendo abucheada por los espectadores de la Mostra y masacrada sin piedad por la crítica. La historia da la vuelta ahora con el apoyo que recibe su nueva obra acerca de un luchador en crisis, pero a punto de asumir un nuevo reto profesional y personal. De alguna manera, todo ello se convirtió en una proclama del actor y director, ambos no precisamente en sus mejores momentos al llegar al evento. Aquí los dejamos con unas imágenes sobre la presentación del film en la ciudad italiana.

(Vía The Hollywood Reporter)

En Venecia, este año, muy pocos títulos han obtenido el aprecio de los espectadores y la crítica. Uno de ellos, ha sido Ponyo on the Cliff by the Sea de Hayao Miyazaki, pero es la excepción. Estando así las cosas, la presencia del experimentado Jonathan Demme con Rachel Getting Married se convirtió en un momento expectante. Más aún contando con la participación protagónica de la bella Anne Hathaway, en un papel serio con el cual pretende por fin desligarse de la imagen de princesa infantil que la llevó a la fama.

Esta nueva película de corte agridulce, trae también la novedad de que se basa en un guión escrito por Jenny Lumet, la hija de Sidney, quien al parecer estaría muy interesada en seguir una carrera a lo Sofía Coppola. Se ha destacado en este trabajo, por sus momentos ácidos y convincentes dialogos, entregando una historia familiar y personal que tiene mucha claridad, pero que deja, a su vez, de lado muchas de las convenciones del género.

El trabajo de Demme por su parte, ha sido comparado en cierta medida con el de Un día de boda de Robert Altman e incluso con Five Easy Pieces de Bob Rafelson. Recordemos que la carrera de Demme ganó cierto prestigio con la comedia negra Something Wild, realizada aún antes que su célebre The Silence of the Lambs. En su nueva película, ha dejado ver nuevamente su capacidad para mantener atento al público, y a la vez poder deslizar una crítica a un mundo insatisfecho a pesar de su abundancia material y aparente felicidad.

(Vía The Hollywood Reporter y Variety)

Quiero explorarlo todo. Quiero probar cosas nuevas constantemente y no detenerme jamás. Quiero que el mundo continúe maravillándome. No quiero perder la curiosidad nunca.

Natalie Portman, en algún momento de su sorprendente carrera,
cuando quizás ya vislumbraba su ingreso a la dirección,
cristalizado en Venecia 2008 con el corto Eve.

Yo creo que la animación es algo que necesita del lápiz, necesita de la mano dibujante del hombre, y es por eso que he decidido hacer este trabajo de esta manera.

Miyazaki-Sama, en la conferencia de prensa tras presentar
Ponyo on the Cliff by the Sea en la Mostra de Venecia número 65.

(Vía Yahoo! News)

Nuevamente el incansable maestro lo hizo. Al menos eso es lo que todas las informaciones indican sobre Ponyo on the Cliff by the Sea, el más reciente trabajo de Hayao Miyazaki. Mientras la película va convirtiéndose en todo un suceso de público en su país, también se encuentra en la Mostra y todos han rendido a su deliciosa fantasía, un tanto más orientada a lo infantil que las anteriores pero no por ello menos encantadora. Han habido proyecciones que concluían con los espectadores aplaudiendo por varios minutos.

Uno de los pocos casos en los que la prensa ha sido unánime con una de las películas de esta edición del festival, ha sido precisamente con la historia de la pez Ponyo y sus afanes por convertirse en humana tal cual la heroína de La sirenita de Hans Christian Andersen.

David Gritten de The Telegraph escribe:

Es extraño que un animador que pueda producir un trabajo que regularmente ocupe un lugar en el mundo de los mejores directores en un festival de cine europeo. Pero el genio japonés de la animación, Hayao Miyazaki, una leyenda de por sí en su propio país, es ese hombre.

Si Miyazaki fuera a ganar el León de oro por este trabajo de animación clásica, podría ser considerada una sopresa…pero no una muy grande.

Por su parte, el propio cineasta aprovechó la oportunidad y gran cobertura para manifestar nuevamente su preferencia por la animación tradicional, con la cual se ha mantenido tercamente a pesar de que las nuevas técnicas parecen dejar constancia cada vez más de su predominancia.

Creo que la animación es algo que necesita del lápiz, necesita la mano dibujando, y ese es el por qué decido hacer este trabajo de esa manera. Actualmente las técnicas por computadora son, desde luego, de mucha ayuda, pero como he dicho antes, su uso puede ser a veces excesivo. Yo continuaré usando mi lápiz tanto como pueda.

Palabras de un sabio creador que ha transitado por los más variados y fundamentales momentos de su especialidad, sin temor alguno por ser considerado hasta anticuado por su contemporáneos. Y el éxito parece darle la razón.

(Vía The Telegraph y Twitch)

Otro de los nombres más esperados para esta edición del festival es el de Takeshi Kitano. El tragicómico cineasta japonés ha regresado con Achilles and the Tortoise, película de la cual les hemos hablado anteriormente. Se trata de una realización dedicada al mundo obsesivo de la creación artística. En esta obra, un personaje hace de su familia otro material más de sus búsquedas estéticas, que a cada momento rondan lo auténticamente peligroso.

Pero desde su primera proyección, las reseñas y críticas que han comenzado a esparcirse sobre este nuevo Kitano, no han sido muy halagadoras, a pesar de que se le venía considerando como una de las protagonistas en la pugna por el León de Oro.

Por ejemplo, Dan Fainaru escribe en Screen Daily:

en un comienzo aparenta ser menos auto obsesiva que sus dos anteriores empeños, pero muy pronto termina siguiendo los repetitivos patrones de Takeshis’ y Kantoku · Banzai, concebidos solo para un pequeño grupo de fervientes admiradores… después de deliberar en torno a los conflictos del artista en la primera parte de esta pretendida trilogía, el cineasta se explora a sí mismo como un artista y sus relaciones con su obra. A pesar de la gloriosa sinfonía de colores que desata en pantalla y su perverso sentido del humor en cada personaje, sus teorías sobre lo que significa ser un creador artístico, lejos de ser exhaustivas, resultan demasiado auto indulgentes.

Por su lado, Geoffrey Macnab de The Guardian, al inicio de su reseña, sencillamente dice con nostalgia:

No parece haber sido hace mucho tiempo que Takeshi Kitano era una de las figuras más reverenciadas del mundo cinematográfico.

Parece que los monstruos sagrados siguen resultando decepcionantes o por lo menos nada fascinantes para mucha de la prensa especializada apostada en estos días por la ciudad de los canales. Ahí también están generando polémica los hermanos Coen y Guillermo Arriaga. Pero recordemos que no necesariamente la opinión de los jurados coincide con ella. En todo caso esperemos poder comprobarlo en un tiempo no muy lejano.

(Vía Green Cine Daily y The Guardian)

Una de las novedades de la edición 2008 de la Mostra de Venecia es el ingreso de Natalie Portman a la dirección con el cortometraje Eve, protagonizado por los ilustres Lauren Bacall y Ben Gazzara -nada menos-, el cual concitó mucho interés y ha dejado buena impresión.

El debut de Portman detrás de cámaras, que al parecer luce prometedora sensibilidad para la realización, muestra a un hombre y una mujer que, pese a la veteranía y la viudez, mantienen el interés por estrechar lazos y afrontan su segundo encuentro, con la compañía de la nieta de ella. El trabajo de 21 minutos, fuera de competencia, inauguró la sección Corto Cortissimo, dedicada al cine de pequeño formato y que tiene una parte oficial a concurso en la que participan doce obras. Otra incursión suya como autora tendrá lugar en el proyecto colectivo New York, I Love You, donde también dirigirá por primera vez Scarlett Johansson.

No es poco hacer un primer corto con Lauren Bacall, la diva que empezó a actuar al lado de Humphrey Bogart y Howard Hawks, y que, desde hace mucho, es una de las grandes actrices de carácter que le quedan a Hollywood (El espejo tiene dos caras, Dogville, Birth), y Ben Gazzara, actor habitual en la obra de John Cassavettes y que tuvo una importante aparición en una de las mejores historias de París, te amo.

Uno de los títulos que ha captado mayor atención en la Mostra es el debut como director del reconocido guionista mexicano Guillermo Arriaga, el brazo derecho de Alejandro Gonzáles Iñárritu en su triología compuesta por Amores perros, 21 gramos y Babel. En este caso The Burning Plain parece volver nuevamente por los motivos de la errancia y los espacios fronterizos del mundo actual. Ese ha sido uno de los tantos aspectos por los cuales la prensa especializada ha divido sus opiniones. Por un lado se celebra la película como un drama fuerte y bien conseguido, rapidamente llamado a ser candidato al máximo galardón del festival. Otros en cambio ven solamante una repetición forzada del imaginario y las tesis planteadas en los guiones anteriores.

Por ejemplo David Gritten de The Telegraph escribe:

“Seriamente planificada y dramática, con temas universales y sujetada por un puñado de estupendas actuaciones. The Burning Plain es una firme candidata al Leon de oro. A pesar de que han pasado unos días, no creo que sea temprano para afirmarlo.”

Mientras que Andrew Pulver de The Guardian réplica:

“…pero Arriaga, de lejos, apela con frecuencia a los trucos de telenovelas para hacer avanzar las cosas: miradas y estallidos de violencia estudiadas, inverosímiles tics de comportamiento. Y si la historia fuera contada de manera lineal, podría ser una sucesión de eventos melodramáticos apenas remarcables.”

Al menos por su premisa, todo parece darle un poco la razón a quienes ven en esta película solo una mera continuación de las películas con Gonzáles Iñárritu. The Burning Plain, nos presenta nuevamente una narración alternada. Desventurados personajes en la periferia norteamericana en buscar de algún significado para sus vidas y sus cuentas pendientes con el tiempo. El centro de atención en este caso son Gina y Sylvia, madre e hija a la cuales iremos conociendo en diversas épocas. Ambas se encuentra interpretadas por Kim Basinger y Charlize Theron, actrices bellas y que también conocen las mieles de los podios con prestigio. Recordemos también la tendencia de que tales acrobacias dramáticas suelen conquistar a los jurados internacionales. Así que esta pugna a favor y en contra, probablemente se extienda más allá del festival. Con o sin premios esta película se presenta como una competidora de “peso” para los premios Oscar y demás.

(Rope of Silicon y The Guardian)