No fue hace mucho. La frase “grábalo, pues, para verlo luego” era utilizada a diestra y siniestra por irresponsables televidentes que cometían el crímen de no tener el tiempo suficiente para descansar frente a la caja boba y ver algún programa de su interés.

Ahora, marzo 2007, esa frase forma parte del pasado. “No importa, mañana lo veo en YouTube” es el lenguaje utilizado por cualquier persona que confía en que algunos cientos de fanáticos colgarán, en el maravilloso sitio de videos, algunos clips de aquello que te perdiste: un concierto, un reportaje e, inclusive, la ceremonia de los Oscar… bueno, hasta que la Academia empezó a molestar.

Sucede que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de los Estados Unidos, responsables de los premios Oscar, ha hecho un pedido formal para que YouTube retire de su sitio todos los videos que, sin autorización, habían sido colgados mostrando algunas de las más memorables secuencias de la premiación.

Muchos no lo entenderán, ya que la página oficial Oscar.com contiene, únicamente, un video de cinco minutos con lo mejor de una fiesta que duró alrededor de cuatro horas. Es más, esos pequeños extractos están destinados a desaparecer “para ir preparando las ganas del público para los Oscar del año que viene”, según Ric Robertson, administrador ejecutivo de la Academia.

Robertson también anotó que no están interesados en lanzar una edición DVD con imágenes de la premiación y que los contenidos fueron eliminados “para así administrar con mayor facilidad el valor de nuestras emisiones y de nuestra marca”.

Ya lo sabes, si eres como yo y no te gusta quedarte pegado cuatro horas a la tele para ver los Oscars, pues olvídate. La Academia no te dará la posibilidad legal ni ilegal de poder verlos, alguna vez, de nuevo. Eso sí, la buena noticia es que quedan muchos videos en YouTube por sacar del aire e, inclusive, hay usuarios que siguen subiendo extractos de la premiación.

(Vía Variety)

Como ya se informó antes, el músico convertido en cineasta Rob Zombie viene trabajando en el remake del clásico del terror Halloween (1978) de John Carpenter. Zombie, que debutó con la interesante La casa de los 1000 cuerpos (2003) y mejoró con la notable Los renegados del diablo (2005), siempre se ha valido de los medios para promocionar tanto sus discos como sus películas. En esta oportunidad ha dado a conocer la nueva imagen que presentará del mítico asesino Michael Myers. Como vemos, se mantiene el clásico estilo de la máscara, pero añadiéndole costuras y un toque más sucio que la acerca al terror contemporáneo.

En el reparto encontramos a Malcolm McDowell como el Dr. Loomis, legendario rival de Myers, a Scout Taylor-Compton como la niñera protagonista Laurie Strode, a William Forsythe, Brad Dourif, Sheri Moon, Udo Kier, Dee Wallace Stone y a la joven Danielle Harris. La incursión de esta última en el reparto es todo un guiño para los fanáticos de la saga pues Harris participó en la cuarta y quinta entregas de la serie interpretando a la pequeña sobrina del asesino. La cinta se estrenará el 31 de agosto en los Estados Unidos. Esperemos que aquí se estrene antes del 31 de octubre.

20 de agosto de 2005. Javier Corcuera ha solicitado la sala más grande de los Multicines Iquitos, con un aforo de 272 asistentes cómodamente sentados. Con el apoyo del Instituto Nacional de Cultura de Loreto y el financiamiento de la Organización Internacional del Trabajo, estrena este corto documental, que ya tiene venerable presencia de por lo menos un año de estrenado y forma parte de las cinco historias de la película “En el mundo, a cada rato”, que presenta vivencias de trabajo laboral de niños en diversos países del tercer mundo.

Corcuera se ha encontrado en medio de la realidad de una ciudad que le gusta, sobre todo su gente, con predilección por aquellos que en apariencia no han logrado el “éxito” y se encuentran confinados en condiciones de pobreza y miseria material en algunos casos verdaderamente aterradoras. Ha encontrado, además, una Municipalidad Distrital de Belén que se ha comportado como se podría esperar de ella: con una indiferencia patética.

Claro, el Alcalde de Belén, un personaje fácilmente olvidable, ha sido el primero en llenarse la boca sobre las bondades del filme y había comprometido todo el apoyo para los participantes y protagonistas. De eso han pasado más de 365 días y hasta el momento no se ha cumplido el compromiso de honor, según quienes han tenido a su cargo el tutelaje educativo de las niñas. El señor Alcalde prometió estar presente en un almuerzo de trabajo en el restaurante “Fitzcarraldo” el jueves 18 donde se iba a coordinar el plan de trabajo de esta visita. El señor Alcalde prometió pagar los gastos de transporte de la función especial para los habitantes del distrito, el sábado en la tarde. El señor Alcalde prometió dar un almuerzo en honor de los protagonistas del filme, ese mismo sábado, al cual por supuesto no llegó, y cuya cuenta tuvo que ser asumida por los fondos para la compra de útiles escolares y provisión de salud de los infantes. El señor Alcalde se apareció en la noche por los Multicines, olfateó un poco el lugar, estuvo menos de 15 minutos, se despidió de un puñado de personas y se marchó, aduciendo “reuniones más importantes”, por lo cual ni siquiera espectó el corto. Seguramente su agenda de “trabajo” era demasiado recargada, la cual seguramente rozaba, además, con los horarios de la indignidad.

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Más exactamente, el diálogo de aquella escena en donde Jules (Samuel L. Jackson) interroga a Brett (Frank Whalley).

Jules: What does Marcellus Wallace look like?
Brett: What?
Jules: What country you from?
Brett: What?
Jules: What ain’t no country I ever heard of! They speak English in What?
Brett: What?
Jules: ENGLISH, MOTHERFUCKER! DO-YOU-SPEAK-IT?
Brett: Yes!
Jules: Then you know what I’m saying!
Brett: Yes!
Jules: Describe what Marcellus Wallace looks like!
Brett: What, I-?
Jules: [pointing his gun] Say what again. SAY WHAT AGAIN. I dare you, I double dare you, motherfucker. Say what one more goddamn time.
Brett: He’s b-b-black…
Jules: Go on.
Brett: He’s bald…
Jules: Does he look like a bitch?
Brett: What?
[Jules shoots Brett in shoulder]
Jules: DOES HE LOOK LIKE A BITCH?
Brett: No!
Jules: Then why you try to fuck him like a bitch, Brett?
Brett: I didn’t.
Jules: Yes you did. Yes you did, Brett. You tried to fuck him. And Marcellus Wallace don’t like to be fucked by anybody, except Mrs. Wallace.

La animación es obra de Jarratt Moody. Realmente impresionante:

Gracias a Juanoide por el link.

Una nueva sesión del ciclo Cine expandido en la Fundación Telefónica nos ofreció, esta vez, el tema de la Vanguardia Soviética. Como todos los martes, Ricardo Bedoya nos ilustra sobre la experimentación y los aportes, en esta oportunidad, de los directores rusos como Eisenstein y Pudovkin; con la proyección de La Huelga (Stachka) y fragmentos de La Madre (Mat), lamentablemente esta última no se pudo proyectar por falta de tiempo.

El cine soviético tiene una etapa crucial en la década del 20, tras el asentamiento de la revolución de la década anterior, y pasada la primera guerra mundial, la paz permite un crecimiento cultural que los líderes en Moscú usarán para afianzar su mensaje mediante distintos medios. El cine se convierte de esta manera en una forma de propaganda y se crea el Instituto del Cine, que dirigió inicialmente Kuleshov, de donde emergieron importantes directores como Pudovkin.

El trabajo teórico de Kuleshov fue crucial, ya que estableció la base de la experimentación soviética, que luego se convirtió en materia de estudio obligada para todos los teóricos del cine. Basándose en la apreciación del cine americano, en boga por entonces, y especialmente en el cine de Griffith articula los espacios de tiempo para producir continuidad, dándole el mayor peso de la creación fílmica al montaje. Es conocido, por ejemplo, el famoso experimento en el que conseguía infundir diferente fuerza emocional a un único primer plano inexpresivo de un actor, según el contenido de los planos que le yuxtaponía: una cadáver, una mujer, un plato de sopa, un niño, etc.

La luminaria de este período fue, sin duda, Sergei Eisenstein: el director de La huelga tuvo una azarosa vida que lo llevaría después, por causa de una absurda visión errónea de su obra por parte de Stalin, a U.S.A. y México, en donde dejó huella con su inacabada pero formidable ¡Que viva México!. En la obra de Eisenstein destacan junto a La Huelga: El acorazado Potemkin, Octubre, Alexander Nevsky e Iván el Terrible, otra obra inacabada y censurada por el régimen.

En La Huelga además de los fundamentos teóricos característicos de la vanguardia soviética del 20 es posible observar una interpretación colectiva, mas acorde con las normativas del Prolekult, es decir, no existe un personaje principal, sino que es la masa en su conjunto quien asume ese papel. Otro aspecto importante es el uso de lo extradiegético en lo visual: imágenes fuera de la realidad de la película metaforizan alguna acción, el ejemplo mas patente está en la escena de la masacre, se suporponen imágenes de la multitud fusilada y de un camal que no tiene relación física con lo que ocurre, sino que sirve para ilustrar mejor la acción.

La vanguardia soviética es un referente importante en la teoría cinematográfica, y sus aportes invaluables forman parte de la base de la cinematografía misma.

Tres de los más reconocidos e influyentes directores de Hollywood ingresan al escenario del Kodak Teather la noche del 25 de febrero para anunciar al ganador a mejor director.

Francis Ford Copolla, Steven Spielberg y George Lucas, una generación de cineastas que aportó nuevas maneras de hacer cine y de romper la taquilla, nombran a Martin Scorsese como el mejor director del 2006. La ovación es enorme e interminable y sobre el escenario están ahora cuatro de los más grandes cineastas norteamericanos.

Siguiendo con la exploración de ese magnífico libro que es Mis placeres de cinéfilo encontramos que Marty habla de sus tres colegas y amigos que le entregaron la estatuilla dorada, veamos que dice:

Francis Ford Coppola

Copolla era, de alguna manera, el guía, el líder. Es algo mayor que nosotros. Y era un poco el padrino del grupo de cineastas de mi generación. Nos inspiró mucho, era una especie de modelo. Nos ayudó mucho. Jay Cocks me presentó a Coppola. Reuní mis documentales y mis películas de estudiante para el festival de Sorrento, en 1970, y fue allí donde conocí a Francis. En aquella época él escribía El Padrino (The Godfather, 1972) Nos entendimos muy bien. Con su mujer y sus hijos nos fuimos a Pompeya y nos paseamos un poco. Cuando hice Malas Calles (Main Streets, 1973) había que pagar cinco mil dólares a la San Gennaro Society (es un santo cuya efigie se ve en la escena de la procesión, rodada en la calle), y yo no los tenía. Le pedí a Francis si me podía prestar ese dinero y lo hizo. Fue la primera persona a la que se los devolví después de vender la película. Llevé una copia a San Francisco para mostrársela. Él me animó. Nos guió mucho. Ya había rodado El Padrino, y la noche que le mostré Malas Calles pensó en De Niro para El Padrino II (The Godfather Part II, 1974). Cuando hubo hecho El Padrino II, una de las películas más grandes de la historia del cine, empezó a ocuparse de su estudio. No dejaba de proponerme que trabajara con él. Pero nunca me ha apetecido trabajar bajo la responsabilidad de otro. Creo que es porque soy perezoso y no quiero trabajar para nadie. En realidad, no pienso que hubiera trabajado para él, pero la situación quizás no me habría permitido expresarme totalmente. Francis tiene sus sueños. Se concentra, trabaja y, algunas veces, sus sueños se concretan. En lo que a mi respecta, la cosa es diferente: ya es mucha suerte si llego a soñar una película a la vez y luego consigo realizarla. Pienso que en esa época, toda esta actividad – producir otras películas, supervisarlas – me habría impedido trabajar. Es cierto que hoy en día produzco películas de otros cineastas, pero esto no me desvía demasiado de mi trabajo. Pero en aquella época, ciertamente yo no habría podido concentrarme en mi carrera y producir al mismo tiempo. Cuando se trabaja en un estudio se depende de los responsables del estudio: esto me resulta imposible. Pero Francis me ayudó y animó de verdad durante todos esos años. Leyendo el libro de Julian Philips, “You’ll never eat lunch in this town again”, me enteré de que a él no le gustaba Taxi Driver. Nunca me lo había dicho. Fue hace más de veinte años. Hace unos seis años, el productor Irwin Winkler me dijo que Paul Schrader y Michael Chapman detestaban Toro Salvaje.

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Mi papá estaba orgulloso de su Betamax, y yo también. Lo compró en Panamá por 400 dólares y lo trajo a casa en una época en la que los ciudadanos limeños aun no tenían acceso al hermoso reproductor de video.

A pesar de que era enorme (y quiero decir ENORME), corrían tiempos asombrosos en los que el nuevo sistema te permitía ver un programa de televisión mientras grababas otro o, más divertido aún, hacía posible que rellenarás un video completo solo con tu serie favorita de TV. Eso sí, estando atento a los comerciales para poner pausa y, así, ahorrar un poco de cinta.

Fue introducido al mercado por Sony en 1976, un año antes que la JVC y Matsushita crearán el VHS, formato que lo desterró debido a las “ventajas” que presentaba.

A pesar de ser más pequeño que su competencia, el Betamax tenía más líneas de definición, es decir, mejor calidad de imagen. Sin embargo, una cinta de VHS ofrecía una hora más de duración y, aún cuando el Betamax presentaba una mejor calidad de audio y video, éste sólo podía realmente aprovecharse con sistema de televisores de gama alta, equipo muy escaso para los estándares caseros de la época.

Pero el detalle que cambió radicalmente la situación fue el ansia de Sony por obtener regalías de su invento, mientras JVC prefirió sacrificar dichas ganancias y abrir su estándar, causando que, en 1984, doce compañías apoyaran a Sony de las 40 que fabricaban reproductores VHS.

Cuatro años después, Sony admite su derrota y anuncia la producción de una línea de grabadoras en VHS, formato que tenía ya el 95% del mercado y, como era natural, se convertiría en el video estándar por los próximos 20 años.

Ya en el 2002, y luego de 24 años de producción, el Betamax muere. Hay que agradecerle los buenos momentos registrados en sus cintas pero, sobretodo, haber sido los culpables de la primera cámara de video casera, la Betamovie, que mi papá también compró por aquellos tiempos.

Luego de impactar a medio mundo con su brillante cortometraje Batman: Dead End, el notable cineasta Sandy Collora volvió a visitar el mundo de los cómics intentando superarse a sí mismo… y parece haberlo logrado. World’s Finest (2004) nos trae nuevamente a Batman, pero esta vez acompañado nada más ni nada menos que por el mismísimo Superman. Así es, basándose nuevamente en un antiguo cómic que relataba las aventuras conjuntas de los dos más importantes superhéroes de la DC, Collora nos trae un nuevo film mucho más ambicioso que su predecesor. En él se relata el enfrentamiento entre los dos héroes y dos de sus peores enemigos: Lex Luthor y Dos Caras.

Es realmente notable como este director logra sacar adelante esta clase de proyectos sin los millones de los grandes estudios. Si Batman: Dead End no tenía nada que envidiarle a Batman Begins, este nuevo filme demuestra estar a la altura de la mismísima Superman Returns. El filme completo aún no está disponible en internet, pero aquí les dejo un adelanto. ¡Disfrútenlo!