John Giavito es un documentalista estadounidense de izquierda que participa en la Selección Oficial Internacional con su película Profit Motive and the Whispering Wind. No es la primera vez que visita Buenos Aires, en el 2001 ganó el Premio del Jurado con The Mad Songs of Fernanda Hussein. Su nueva entrega busca revalidar la historia de Estados Unidos dándole el merecido reconocimiento a las “minorías problemáticas” entre las cuales están los nativos norteamericanos, los afroamericanos, las mujeres y los grupos relegados en general. Gianvito crea un poema visual, basándose en el libro A People’s History of the United States del historiador Howard Zinn, lleno de planos fijos de lápidas y monumentos históricos que hacen sentir la ausencia del movimiento, el tiempo y de las personas, que aparecerán recién en el emotivo final, pero no como individuos sino como una sola fuerza tratando de cambiar al mundo.

El viernes 11 me tocó ver el documental How Ohio Pulled It Off, dirigido a tres manos. Uno de los directores es Mariana Quiroga, nacida en Argentina, aunque pasó la mayor parte de su vida en Venezuela, donde desarrolló toda su carrera profesional antes de viajar a EE.UU. Este filme se adentra en el epicentro mismo del (supuesto) fraude en las elecciones presidenciales de ese país en el 2004. Fue en el estado de Ohio donde se decidió el triunfo de Walker Bush sobre el poco combativo John Kerry. Las máquinas de votación que se utilizaron entonces fueron escasas -sobre todo en los barrios pobres, de población predominantemente negra-, o fallaban miserablemente, haciendo que los votos demócratas “salten” hacia el rojo republicano. El documental de menos de un hora nos revela estos y otros vericuetos legales del sistema electoral gringo, manteniendo un formato sencillo y explicativo (casi televisivo), y por momentos sarcástico, muy al estilo Michael Moore. Vale como un remember, ad portas de una nuevas elecciones que decidirán, querrámoslo o no, el destino del planeta por los próximos 4 años.

El domingo 13 comenzamos al mediodía con la función de prensa de El cielo, la tierra y la lluvia, la premiada y muy esperada cinta del chileno José Luis Torres Leiva. La película parece fundir las sensaciones y sentimientos de sus cuatro personajes principales con los elementos naturales a los que remite el título. Soledad, frialdad, silencio, rutina, depresión, locura, son diferentes estados de la mente y del alma por los que transitan estos habitantes de la Región de los Ríos. La película ha sido bien recibida por la crítica, convirtiéndose en una de las favoritas en la Selección Oficial Internacional (Juan Daniel está preparando un video con la presentación del director en la función del lunes 14 por la tarde).

Charla con Guerín y Videominuto Talent Campus

Ya que no sólo los directores tienen algo que decir en el BAFICI, hablé un rato con Nahuel Viale. Me contó un poco acerca de la nueva película en la que actúa: Cómo estar muerto/Como estar muerto de Manuel Ferrari, que participa en la sección de Cine del Futuro. Luego que un guardia de seguridad nos cuadró por grabar a pesar de tener acreditaciones ambos, nos fuimos a dar una vuelta por el Meeting Point del Abasto, mientras él me hablaba de las películas que vio hasta el momento.

Nahuel ya participó antes en el BAFICI con la película Glue de Alexis Dos Santos, que terminó con el Premio a Mejor Película Argentina en la octava edición del festival. Hoy martes 15 es el estreno oficial de Cómo estar muerto / Como estar muerto, a las 18.30 en el Hoyts Abasto.

Pablo Trapero y su Mundo Grúa, obra capital del nuevo cine argentino, fueron, allá por 1999, los primeros ganadores del BAFICI. A nueve años de aquella fecha, y con cuatro películas más bajo el brazo, se reunió junto con otros directores (entre ellos Piñeyro, Acuña, Lerman), a pedido de Clarín, para conversar sobre lo que es y ha significado el BAFICI para cada uno de ellos. Estas fueron las respuestas dadas por “el bonaerense”:

Cuando empezó el BAFICI, no sé si se llamaba así, era che, hay un festival, llevemos la película. Creo que comenzó, en parte, como consecuencia de la necesidad de mucha gente de poder mostrar su trabajo, no creo que haya sido un accidente. El BAFICI fue el primer espacio importante que tuvieron esas películas en la Argentina. De hecho, mi película, Mundo grúa empezó acá y después hizo el recorrido internacional.

Sobre los asistentes al festival opina:

Cada uno tiene su mirada sobre los espectadores, pero creo que más allá de un público más o menos cinéfilo, el festival ayudó a generar más interés en el cine. Si bien a nivel comercial pareciera que cada vez va menos gente al cine, por otro lado, hay una necesidad de mucho público que no encuentra lo que busca y acá parece encontrarlo, más allá de lo que representa para nosotros los realizadores. Hay como un estado de ánimo, una predisposición de la gente por acercarse que no tiene que ver sólo con estudiantes de cine.

Y sobre la tarea que tiene por delante el festival, no es modesto, ni se siente satisfecho:

Para que no sea un accidente durante abril y nada más, podría funcionar como un espacio permanente e itinerante.

Ya vemos que, aún con uno de los festivales más vastos e importantes en América del Sur, los directores argentinos (no sólo Trapero), piden más, y mejor.

Otros directores y sus opiniones en Clarín »

El Buenos Aires Lab (BAL) fue creado con el objetivo de apoyar el desarrollo y la producción de cine independiente en América Latina. Para ello se reúnen con ocasión del Bafici, productores, vendedores internacionales, distribuidores, cadenas de televisión y fondos de ayuda de distintos países. En años anteriores cineastas emergentes como Ana Katz, Lisandro Alonso, Paz Encina, Manolo Nieto o Rodrigo Moreno vieron beneficiados sus proyectos por el BAL. Recordemos también que nuestra compatriota Rosario García Montero ganó en esta misma instancia el año pasado con su proyecto Las malas intenciones.

La quinta edición del BAL contó con tres secciones donde se premiaron los siguientes proyectos:

Sección Produire au Sud

• La cadena cultural europea Arte otorgó un premio de 5000 euros al proyecto argentino Infancia clandestina de Benjamín Avila, producido por Gema Juárez Allen.

Sección Encuentros de Coproducción

• Cinecolor y Kodak otorgaron un primer premio en servicios de revelado y tránsfer a 1 luz de 15 latas de 35 mm y el correspondiente material virgen a Sentados frente al fuego del chileno Alejandro Fernández Almendras. También dieron un segundo premio en servicios de revelado y tránsfer a 1 luz de 10 latas de 35 mm y el correspondiente material virgen a La preceptora del Nacional del argentino Diego Lerman.
• La FIA (Fundación de Investigación del Audiovisual) otorgó dos becas de colaboración para viajar a España con una agenda de encuentros con productores a Eco del humo, del boliviano Juan Alvarez Durán y a El pasante, de la argentina Clara Picasso.
• El Estudio Ñandú otorgó un premio de 50 horas de post producción en estudio y operador de armado de bandas al proyecto chileno El verano de los peces voladores, de Marcela Said.

Sección Work in Progress

• Lahaye Digital Solutions otorgó un premio en servicios de producción o de postproducción a La hormiga argentina, de José Luis Cancio.
• Beta Plus entregó un premio en servicios de producción o de postproducción a Las voces, del argentino Francisco Pedemonte.
• Tauro Digital otorgó un premio de 40 horas de estudio para postproducción de sonido a El último verano de La Boyita, de la argentina Julia Solomonoff.

Los jurados que otorgaron los premios en esta edición fueron Vincenzo Bugno (World Cinema Fund, Festival de Berlin), Bruni Burres (Sundance Institute - EEUU) y Enrique Bellande (Fundación Proa - Argentina).

Lee Kang-Sheng no trata de ocultar las inevitables influencias de Tsai Ming-Liang en su obra ni tampoco intenta forzar una diferenciación, y eso es lo que se ve en Help Me Eros. Por un lado, podemos notar el sello de único plano profundo fijo por escena que se justifica ante la intervención del mismo director de fotografía que trabaja con Tsai. También podríamos reconocer la misma crítica que en La nube errante, aquella que concierne la carencia de amor y combustible vital que en ésta se sugiere por la falta de agua y sobreabundancia de sandías, mientras que en Help Me Eros se ubica en la escasez de naturaleza, de plantas, de oxígeno y la demasía de luces de neón, asfalto y bellas chicas vestidas como strippers. Pero eso sí, en tan sólo una escena de esta película, Lee dice más que en toda la filmografía compartida con Tsai (Lee es actor habitual de las películas de Ming-Liang).

Lee Kan-Sheng interpreta en Help Me Eros a un solitario accionista en quiebra, cuya única confidente es una robusta operadora social en una línea de ayuda para posibles suicidas que no es tan buena en su trabajo. Lo único verde en su hábitat son las plantas de marihuana que cultiva en su guardarropas, les dedica obsesivamente todo su tiempo y dióxido de carbono para que ellas le den a cambio un poco de anestesia vital.

Luego de la proyección, Lee y su traductor nos ofrecieron un breve diálogo donde todos pudimos apreciar su gran carisma, y lo vimos aún más en una pequeña conversa que tuvimos unos cuantos con él en medio del Meeting Point del Bafici. Acá el video del primer encuentro:

The Old, Weird America, dirigido por Rani Singh, es un documental sin mayores ambiciones, tal vez muy pocas si se las compara con la delicada empresa del personaje que retrata, Harry Smith, quien se dedicó a recopilar el legado musical de la Norteamérica rural de los años 20 y 30. Muchos podrán identificarse con su búsqueda de aquellos sonidos que salieran de lo común, de su incansable recorrido por tiendas de antigüedades. Sin embargo, ¿cuántos de nuestros recopilatorios transcenderán décadas e influenciarán músicos tan diversos como Sonic Youth o Van Dyke Parks?

La diferencia no está en esa aura académica que rodea su trabajo (Smith fue musicólogo), ni tampoco la artística (a pesar de que sus cortos experimentales sólo nos confirman su talento), es probablemente todo ese conjunto, además de un elemento que el documental deja ver con una sutileza tal vez no pensada: el carisma del personaje. Porque la directora de The Old, Weird America se salva de caricaturizar a Harry Smith por la brevedad de sus hilarantes apariciones, y le deja la palabra a amigos, conocidos y admiradores suyos y de su “Anthology of American Folk Music”. El documental mezcla, a veces de manera un poco torpe, registros de los años 20, versiones originales de los músicos de la época, testimonios y grabaciones de los conciertos-tributo donde destacan (vamos, dejan sin palabras) las apariciones de Elvis Costello y Beth Orton. Tal vez no se trate de la joya de documental que pensé que vería, pero sí es, en todo caso, una amable introducción a un proyecto loable.

Luego de recibir el Premio Fipresci a Mejor Película Latinoamericana del año, Carlos Reygadas dialogó con el crítico Diego Lerer y el público en la sala donde se proyectó Luz silenciosa (Stellet Licht). Mientras la crítica no se cansa de repetir “bressoniano”, “remake de Dreyer” o “esculpe en el tiempo” cuando hablan de sus películas, Reygadas confesó haberse inspirado en el protector de pantalla de su Mac mientras escuchaba a Sigur Rós para las famosas secuencias del amanecer y el atardecer de su tercer largometraje, demostrando que la inspiración también puede devenir de lo banal y del mundo real.

(La luz silenciosa de la sala no permitió una mejor resolución del video, pero felizmente sí se escuchan muy claras las palabras de Reygadas).