El miércoles último pude ver en “El placer de los ojos” el corto Los gigantes, Alcibiades y el bosque de piedras, que resultó ganador del concurso audiovisual “Así es mi Perú 2006″, organizado por la Municipalidad de Lima. De su joven director Miguel de la Barra Gómez sabemos que en febrero partirá a Cuba, a hacer efectivo su premio: realizar estudios especializados en la elaboración de documentales, en la Escuela Internacional de Cine. A la distancia mis sinceras felicitaciones (aunque me hubiera gustado ver los otros trabajos concursantes).

Los gigantes, Alcibiades y el bosque de piedras posee un inusual atractivo personal: su locación es un impoluto y encantador bosque de piedras ubicado en La Oroya a 4,200 m.s.n.m. que plasma, en sus caprichosas formas labradas por el paso del tiempo, simpáticas formas de animales (gallos, tortugas, etc.). Dicho bosque cuenta con un guardían-guía de nombre Alcibiades, quien habita ahí desde que nació, en el mismo lugar en que nacieron y murieron sus antepasados; y este solo hecho ya es romántico y enigmático por sí solo. Desde el punto de vista documental el trabajo de De la Barra Gómez es bastante interesante, pues rescata, con bastante naturalidad e inteligencia, uno de los últimos lugares adonde todavía (y espero que jamás lo haga) ha llegado la industrializada y contaminadora mano del hombre.

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(Foto vía ClimbingPerú)

Children of Men
Dir. Alfonso Cuarón | 109 min. | Inglaterra - EE.UU.

Intérpretes:
Clive Owen (Theo Faron), Julianne Moore (Julian Taylor), Michael Caine (Jasper Palmer), Chiwetel Ejiofor (Luke), Charlie Hunnam (Patric), Claire-Hope Ashitey (Kee)

Estreno en Perú: 18 de enero de 2007

Ambientada en 2027 en un Londres escindido por la indigencia y la modernidad, este film trae como telón de fondo, intrínsicamente, los recientes conflictos bélicos que hemos padecido y padecemos, el muy sonado calentamiento global y la creciente xenofobia que aún nos enajena. Con buenas actuaciones y con el agregado de veracidad que le otorga, especialmente en las situaciones de combate, el tratamiento testigo-documental, Niños del hombre es una de las buenas películas que estoy seguro entrará en la lista de las mejores de 2007.

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Andrecito Caicedo es otro de los escritores que se dejó fascinar por el cine (así como a su vez lo hicieran Cabrera Infante y Javier Marías). Hay quienes le reprochan una prosa descuidada y un abuso del lenguaje coloquial en su literatura (“uno se da cuenta queso lestá ocurriendo a uno no lo vastar creyendo porque únicamente lo ha visto en las películas, pero te digo que antes me pegaba un puño donde fuera y soltaba semejante berrido cuando me acordaba della”; fragmento del cuento Los dientes de caperucita); otros, y justamente por la prosa que algunos le reprochaban, además por su visión ensoñadora y juvenil del mundo, como por su atracción por las películas de horror, de vampiros y una marcada seducción por la antropofagia (“Hay varias maneras de comerse a una persona. Empezando porque debe ser diferente comerse a una mujer que a un hombre. Yo he visto comer hombres, pero no mujeres.” Así comienza un cuento suyo titulado Canibalismo) lo consideran como un escritor adelantado para su época, y para su edad; y muy leído en su Colombia natal luego de que se quitara la vida apenas cumplidos sus 25 años. A juzgar por las fechas de sus escritos, parece ser que 1969 fue el año en el que Andrés logró imponerse una disciplina de trabajo, la cual dio como resultado una gran cantidad de cuentos, dos borradores de novelas, algunos guiones para cine, y poemitas varios. Es en ese año cuando escribe siete versiones de Los Dientes de Caperucita, cuento con el que ganaría el segundo premio del Concurso Latinoamericano de la Revista Imagen de Caracas, a los diecinueve años. Luís Ospina (¿será el mismo que acaba de publicar un libro y viene a Trujillo a presentarlo en la Feria del Libro?) y Sandro Romero Rey, amigos de Andrecito, recopilaron y ordenaron sus textos y publicaron los libros de cuentos Destinitos Fatales, Angelitos Empantanados y la novela Noche sin fortuna, que con el correr de los años se convirtió en objeto de culto.

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Hablar del “nuevo” cine uruguayo (así, entre comillas), refiere más a una cuestión cronológica, generacional, a un cambio de propuesta o a una tendencia estética y argumental que a un cambio de rumbo o siquiera, de filosofía. Al menos desde 1985 con la reinstauración de la democracia, en que el realismo es el gran escenario. Por razones obvias, este artículo será insuficiente e incompleto y más bien, limitado. Pero limitado a tres películas (las tres últimas producciones uruguayas venidas a Perú) que reflejan la tendencia y el carácter que deseo resaltar; acaso lo último que el cine uruguayo nos ha dejado degustar, más todavía porque 25 Watts anduvo hace poco por El Cinematógrafo de Barranco, gracias a uno de sus directores.

Todo apunta a que En la puta vida, de la directora Beatriz Flores Silva, basada en la novela “El huevo de la serpiente” de María Urruzola, recibiendo varios premios de la crítica nacional y extranjera en 2001, convocando a más de 140,000 espectadores (aquí una reseña), es hasta ahora, la película uruguaya más exitosa del siglo XXI. Ojo, “exitosa” en metálico. No obstante no califica para tomarla en cuenta en este artículo, debido a que es una adaptación y no una creación; pero más porque su planteamiento argumental es ajeno al resto, más participativo y de una dinámica antagonista a la que envuelve al trío que me interesa: 25 Watts (2001), Whisky (2004) y La perrera (2005). Este trío de películas también ha conseguido la atención de los medios extranjeros. Cosa curiosa, hablar de estas tres producciones plantea, inevitablemente, pensar en una “nueva” escuela de cine uruguayo. Una independiente. Una escuela de directores vouyers. Juan Pablo Rebella, Pablo Stoll y Manolo Nieto. Un signo inequívoco de rechazo a la sociedad, de problemas de adaptación al status quo. Un modus operandi apático, resignado, que en lugar de condenarlos, creo yo, los distingue del resto.

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Óscar Pita-Grandi

En el reciente Festival Latinoamericano de Cine de Lima tuve algo definido desde el inicio: brindarle bastante (o más) ojo a las óperas primas. No pude ver algunas pero sé que visioné las que en su momento supuse darían que hablar. Más bien que mal. De las tres premiadas en dicha categoría, la que se me escapó a última hora fue la chilena La sagrada familia (Mención honrosa). Sin embargo, la brasileña que se alzó con el Primer premio Cine, aspirinas y buitres (que para mí también ganó en la ficticia categoría a Mejor título) fue para mí justa ganadora sobre las demás (que pude apreciar). Más todavía sobre Madeinusa (de la peruana Claudia Llosa, sobrina lejana de Mario Vargas Llosa y por tanto, también, del director Luis Llosa). Sobre esta primera entrega tengo unas breves líneas.

Entiendo que Claudia Llosa es comunicadora y no antropóloga. Que ha estudiado guión en Nueva York y trabajado como publicista en Barcelona y me parece muy bien que se haya animado a incursionar en el cine, más todavía porque al cine peruano le hace falta “refrescarse”. Renovarse. Muy bien. Que Madeinusa es una ficción y no un documental. De acuerdo. No obstante, a pesar de saber que nada de lo plasmado en Madeinusa existe; o, dicho de otra manera: todo lo plasmado en aquel film es producto del imaginario de la directora y guionista, el entorno empleado tiene ya en nosotros respuestas que despiertan con tan solo ver las locaciones serranas, y esas respuestas friccionan con lo planteado por Claudia Llosa. Estoy de acuerdo en que una película es una visión particular sobre algo; quizá ésta haya sido planteada como plataforma o mecanismo de interacción de cuestiones y motivaciones y temores de su creadora, pero aún así me quedo con la sensación de que instalar aquellas “motivaciones” en el Ande, no fue tan novedoso como impostado.

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Crime delicado
Dir. Beto Brant | 87 min. | Brasil

Intérpretes:
Marco Ricca (Antonio Martins)
Felipe Ehrenberg (Jose Torres Campana)
Lilian Taublib (María Inês)
Maria Manoella
Matheus Nachtergaele

Estreno en Perú: 7 de agosto del 2006 (10º Festival ElCine)

A ritmo sosegado, el director brasileño Beto Brant nos plantea un extraño triángulo amoroso que tiene como vértice principal una atractiva, coqueta y liberal mujer, cuyo defecto la convierte en el objeto del deseo de su amado pintor y de un periodista cultural sin pasado, atormentado por unos ideales que se derrumban a sus pies ante la presencia de María Inés.

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Mi querido Cinematógrafo está de fiesta. Pensar que han trascurrido ya 18 años desde su primera proyección, es algo que no deja de bañarme de cierta nostalgia. Ese tipo de melancolía que uno logra tomarle a ciertos objetos y lugares que sin preguntas y mucha complicidad, lo acogieron a uno en silencio para llevarlo a otra realidad y así, escaparle por un momento a la vida. Una vida que dejamos tras de uno ni bien se ambula por ese estrecho corredor empapelado de anuncios de pasadas películas en ambos lados hasta el pequeño zaguán que entrega a la sala con sus alineadas butacas, enfrentándonos o invitándonos. El piso crujiente. La puerta posterior velada por una cortina. Su aroma a otra época. Los cinéfilos ansiosos que nos miramos y logramos a veces reconocernos aunque no sepamos ni nuestros nombres siquiera. Las luces menguan su esplendor y la oscuridad nos equipara en seres silentes de discretas reacciones, limitados al reino de nuestra butaca, hipnotizados durante la proyección que alimenta e ilumina nuestros rostros, nuestros ojos que no acaban de asimilar en que realidad quedarse y que famélicos van devorando imágenes y textos e incluso creen ser ellos los que también se embuten el sonido.

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Boccaccio ‘70 congregó a cuatro de los mejores directores italianos de entonces: Mario Monicelli, Federico Fellini, Luchino Visconti y Vittorio de Sica. No sé si estaban al tanto, pero la versión de Boccaccio ‘70 que circuló internacionalmente a comienzos de los sesenta, no incluía el aporte de Monicelli. Y esto no fue producto de ninguna censura sino que este film era considerado demasiado extenso –200 minutos– y se acordó recortar una parte. Así fue que, debido al enfoque comercial, se suprimió el mediometraje de Monicelli pues sus protagonistas no eran “productos consumibles”. La versión en DVD es la que reivindica el aporte de Mario Monicelli a este colectivo italiano, y quizás por eso es que abre la zaga. Si ahora nos fuera planteado un film tan extenso dudo que tuviera éxito, puesto que actualmente vivimos al vuelo.

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