Coincidiendo con el quincuagésimo aniversario de Vértigo, esta semana el cine de Alfred Hitchcock se hace presente en el ciclo de TV Perú. Agente secreto es el filme escogido dentro de su amplia filmografía. No es una de sus grandes y representativas películas, pero es una buena muestra de su arte y estilo en expansión en su época británica. Realizada en 1936, es una cinta de espionaje inspirada en un relato de W. Somerset Maugham y protagonizada por John Gielgud, Madeleine Carroll (Los 39 escalones), Peter Lorre y Robert Young. En ella vemos al agente del título haciendo frente a una conspiración en la Europa central. Falsos culpables, extraño y delirante humor arrancado de los momentos de mayor suspenso. Un interesante laboratorio que se extendería brillantemente en La dama desaparece.

Hoy, 9 de mayo, se cumplen cincuenta años del estreno de una de las películas más extrañas, pasionales y oscuras que se hayan generado en la factoría hollywoodense. Vertigo, dirigida por Alfred Hitchcock al borde de los sesenta años, fue el salto definitivo de aquel cineasta nunca declarado como auteur. Una película tildada de thriller con fallos narrativos en el momento de su estreno, obtusa afirmación que fue la única reacción de aquellos “conocedores” de la época ante tan desconcertante y esquizofrénica obra.

Un torbellino que envuelve y apretuja a Scottie Ferguson (extraordinario James Stewart) hasta llevarlo hasta esas caídas lejos de la realidad, al abismo de las obsesiones desatadas sin control. A la idea de amar, sepultar, desenterrar y volver a amar a Madeleine o a Judy (Kim Novak). Las dos caras de aquella diosa que lo subyuga y transforma. Una de las películas que mejor ha retratado esos abismos de pasión que bien sentenciara el surrealista Buñuel, primo hermano de sensibilidad, a este otro frenético romántico disfrazado con flema y seriedad.

Extra: La única sobreviviente del grupo principal del clásico es Kim Novak, quien este año ha cumplido 75 años y no actúa desde 1991. Como también es una enfermiza historia de amor, Vértigo se comentó brevemente en el pasado Día de San Valentín.

El pasado 6 de abril se cumplieron cuatro décadas del estreno de uno de los filmes que mayores cultos, discusiones y desconciertos generales ha provocado en la historia del cine. 2001: Una odisea del espacio fue la creación obsesiva del cineasta Stanley Kubrick y el escritor inglés Arthur C. Clarke (fallecido en marzo de este año), una indagación extraña e inquietante dentro de las posibilidades de la ciencia ficción mayor, seria como la película toda.

Lo cierto es que los hallazgos estéticos de la película y su particular filosofía se han expandido como una gran sombra desde entonces. Los ambientes fríos y claustrofóbicos, la idea de la deshumanización del hombre, a la par que la sofisticación de su convivencia con la tecnología, y sobre todo su -todavía inquieta- naturaleza en busca de las respuestas hacia el siguiente largo paso que debe enfrentar, han hecho de éste uno de los paradigmas más rotundos que nos ha dejado el género (si es que aquí cabe el término) de los viajes y aventuras espaciales. Una indagación que se sale de sus bordes sin problemas y reclama su justo lugar como nunca antes se había hecho. Una creación tan misteriosa como sus propios autores.

El estupendo menú que viene ofreciendo TV Perú en su ciclo de Cine Mundial, nos trae este sábado uno de los films más entrañables y divertidos de Charles Chaplin. The Kid (El chico o El pibe) es la primera película de larga duración que el actor y director realizara en 1921. Chaplin extiende aquí sus conceptos de la comedia de situaciones dentro de un díficil contexto social, que fuera la marca desde sus cortometrajes más acabados.

Una órbita a lo Dickens transita dentro de ella con ese gusto agridulce, sentimental, que proviene de la relación entre Charlot y el chico que encuentra abandonado y se convierte en su compañero de aventuras. En ese papel encontramos al pequeño Jackie Coogan, quien no volvería a conocer la gran fama que le dio esta película hasta su participación en la serie de Los locos Adams como el tío Lucas. Sin duda una de las películas claves dentro de la filmografía del genial cineasta. Tierna, graciosa, formidable, la alternancia que tanto buscaba y por lo general encontraba.

Escojo no a buenos actores, sino a buenas “naturalezas”. Si veo entrar aquí, en mi despacho, un señor pequeño, seco, que habla muy de prisa, me digo que debe poder enfadarse fácilmente. Por el contrario, si es un poco descuidado, si se deja caer sobre el sillón, pienso que será él el que va a esperar en el despacho, ¿entiende? Esto supone, al principio, un enorme trabajo de búsqueda de los personajes.

Uno de los grandes de la comedia, el francés Jacques Tati, actor y director
de joyas como Las vacaciones de Monsieur Hulot y Playtime,
subrayando la importancia de la capacidad de observación en un cineasta.

Muchos dicen que es un derecho, otros dicen que lo inventó Dios como castigo. Lo cierto es que como tantos otros ritos de la humanidad, el trabajo ha pasado por el cine más veces de lo que nos hemos dado cuenta, mientras le prestamos más atención a una intriga, un personaje, un estilo de narrar o demás artilugios que convierten a la ardua labor diaria en sólo un pretexto o un detalle del encuadre. En otros casos hay cineastas preocupados por explorar el sistema laboral y su absoluta influencia sobre la existencia moderna. Los motivos de las injusticias sociales, la alienación y la despersonalización como sus consecuencias, o el simple disfrute de la conquista del hombre sobre la naturaleza y dentro de la sociedad. De todo ello hemos sido testigos a veces con más lucidez frente a la pantalla, aquí tenemos algunos retratos de la diaria jornada:

La huelga: Acaso la versión más memorable de la eterna lucha de clases en el mundo laboral. El genial Eisenstein hizo de los dogmas socialistas la fuente de inspiración de sus barrocas y poderosas ficciones. Su largometraje debut es una obra maestra envolvente y sobrecogedora. Una historia de tantas historias de lucha y rebeldía ante las injusticias. ¿Cine panfletario? Bastante. Pero por encima de ello se imponen las presencias y rostros de esos trabajadores, una explosión de movimiento. La búsqueda de una utopía absoluta casi sin meditarlo, a trompicones.

Tiempos modernos y Recursos humanos »

Cary Grant fue uno de los actores más brillantes de la era dorada de Hollywood, y TV Perú nos permitirá presenciar otra vez su arte este sábado en su ciclo de Cine Mundial, una iniciativa que merece apreciarse en la televisión local. La película escogida es Luna nueva (His Girl Friday), una excelente sátira sobre el mundo de la prensa dirigida por Howard Hawks, uno de los realizadores capitales de la historia del cine. Grant y Hawks compartieron una versatilidad única que los llevó a lucirse en diferentes espacios y etapas del cine de género, por separado o juntos, en filmes de aventuras y comedias.

Estrenada en 1940, Luna nueva es un caso ejemplar del estilo clásico, rotunda, mordaz, de una velocidad endiablada sostenida en las brillantes actuaciones de Cary y la inigualable Rosalind Russell, quien consiguió perennizarse en la leyenda cinematográfica con el papel de Hildy Johnson, una reportera que no puede evitar que sus aprietos sentimentales se mezclen con los negocios a causa de la próxima ejecución de un acusado de homicidio, del cual dependen los resultados de unas próximas elecciones. Torbellino u hoguera interior azuzada por el incorregible Walter Burns (Grant), su ex marido y jefe.

Cabe resaltar que la película fue la segunda (y mejor) de las tres adaptaciones que se hicieron al cine de esta pieza de Ben Hecht (Caracortada), titulada originalmente The Front Page. La primera en 1931 tuvo como protagonistas a Adolphe Menjou y Pat O’Brien como Walter y Hildy, en la cual respetaba el dato de que ambos protagonistas eran hombres y tal vez sólo amigos, lo cual repitió el gran Billy Wilder en su versión de 1974 con el dúo Jack Lemmon y Walter Matthau. Pero los cambios y la maestría que impone Hawks en su versión son imborrables. Esperemos que la versión a transmitirse tenga un subtitulado eficiente, ya que las imparables réplicas no dejan lugar a errores.

Según IMDB, hoy 23 de abril se cumplen exactamente cincuenta años del estreno de Touch of Evil, una de las obras maestras de Orson Welles, con la que intentó reencontrarse con Hollywood en 1958. Como fue habitual en la trayectoria del realizador norteamericano, el filme, conocido en castellano como Sed de mal, tuvo una existencia azarosa y accidentada y recién alcanzó la plenitud mucho después de su primera proyección.

Welles llegó a dirigir el proyecto de manera casual, en gran parte por el afán de Charlton Heston de ser dirigido por él. En esa época, el actor estaba en ascenso luego de protagonizar Los diez mandamientos de Cecil B. De Mille, y su opinión pesó, pero no fue suficiente para evitar que la Universal Pictures manipulara el material filmado con otro editor, lo simplificara y cometiera la osadía de estorbar con enormes créditos el famoso plano secuencia inicial.

Afortunadamente, el crítico norteamericano Jonathan Rosenbaum, que anunció recientemente su retiro del semanario Chicago Reader, apuntaló, en extraña sintonía con la empresa productora, el proceso de restauración del clásico, que culminó en 1998 tras cuarenta años de una versión disminuida en su grandeza.

Los protagonistas fueron el recientemente fallecido Heston, Janet Leigh, Marlene Dietrich, Zsa Zsa Gabor, Akim Tamiroff y el propio Welles, en el rol del corrupto policía Hank Quinlan, que en las cercanías de la frontera con México impone un reino de corrupción y sordidez, súbitamente amenazado por la presencia de su némesis Mike Vargas, un oficial íntegro de ese país, encarnado por Heston.

La poderosa puesta en escena que, en la cumbre del film noir, dibuja texturas, distorsiona cuerpos y crea una atmósfera viciada y ominosa, como en la escena del crimen de Joe Grandi (Tamiroff), potencia un argumento en esencia sencillo, basado en una oscura novela de Whit Masterson, que en otras manos seguramente hubiera tenido un rutinario tratamiento.

Extra: El crítico Horacio Bernades explica con mayor detalle la restauración dirigida por Rosenbaum y el permanente riesgo de desaparecer que la obra de Welles ha corrido siempre, desde el intento de destrucción de Citizen Kane hasta la fecha, en que no se pueden ver aún algunos de sus trabajos.