En noviembre de 2006 publicamos el primer post sobre La teta asustada y desde entonces harta agua ha corrido bajo el puente, la película recibió todo tipo de opiniones: desde patadas a la canilla (¡habla Peruanista!), hasta elogios desmedidos. Lo cierto es que la segunda obra de Claudia Llosa ya es parte de ese espacio difuso y ampliamente discutido llamado “cine peruano” (con la venia del epidemiólogo Beteta).

Toda la intro para decir que La teta asustada será el tema de nuestra segunda mesa de cine en el Británico y por ello caen bien dos textos adicionales que llegan de distintas fuentes. Por un lado está la critica de Cahiers du cinéma España, firmada por Carlos Reviriego, que sostiene que la película lleva como lastre su excesiva alegoría, el personaje inverosímil de Fausta y en suma un carácter “exótico y literario”, pese a ello Reviriego si reconoce la sensibilidad de Llosa al retratar el entorno social donde se mueve Fausta.

Por otro lado tenemos un artículo publicado en el número once de Strategia, la revista de Centrum de la PUCP (también disponible en Punto Edu), donde José Antonio Espinoza se ocupa de un tema apenas tratado hasta ahora: las bases científicas y fisiológicas del fenómeno de transmisión de los traumas de madre a hijo, que es la premisa misma de La teta asustada, según Espinoza todo tiene que ver con “las moléculas de la emoción“. Es un texto más que interesante y recomendable.

Por aquí la crítica de Cahiers y el artículo de las moléculas »

Luego de recorrer varios países de nuestro continente, llega a Lima la muestra itinerante Visionarios - Audiovisual en Latinoamérica, que será inaugurada hoy en el Centro Fundación Telefónica. Esta muestra es parte de un proyecto impulsado por el brasileño Arlindo Machado, con el apoyo de Elías Levín, Jorge La Ferla, Marta Vélez y Roberto Moreira; y se compone de 73 obras inscritas en el género de cine y video experimental, abarcando la producción latinoamericana reciente así como una antología histórica de realizadores pioneros. La muestra irá desde el 6 al 22 de mayo, siempre en el local de la Fundación Telefónica (Av. Arequipa 1155).

Los Visionarios a los que se refiere el título de la muestra son los realizadores de cine y video experimental en Latinoamérica, que de acuerdo a Machado sufren la maldición de ser completamente desconocidos e ignorados y estar excluidos de los sistemas de distribución convencionales. Si ya el cine argumental tiene las puertas medio cerradas, el cine experimental es una rara avis, un bocado indigesto para el sistema.

La muestra está organizada en nueve programas, que muestran lo más destacado de la producción latinoamericana. Así encontraremos trabajos fundacionales como el primer corto del boliviano Jorge Sanjinés (Revolución, 1963), el cortometraje del cubano Enrique Pineda Barnet (Cosmorama, 1964); y otras obras recientes como la colaboración de los argentinos Andrés di Tella y Fabián Hofman (Reconstruyen crimen de la modelo, 1990), o el buen largo de Paz Encina (Hamaca paraguaya, 2006). Por el lado peruano está una obra de Patricia Bueno, el corto Tuyo es el reino, que nos representó en la Bienal de Arte de Venecia en 2007.
Algo más sobre la muestra Visionarios »

Ya se conocen los premios del 12° Festival de Cine de Málaga y la cosecha ha sido buena para el cine latinoamericano. Comencemos por La vergüenza, ópera prima de David Planell y ganadora de la Biznaga de Oro que en su argumento revela una conexión con nuestro país. Es una historia que toca temas de infertilidad y adopción. Pepe y Lucía (Alberto San Juan y Natalia Mateo) enfrentan la decisión de adoptar o no a un niño peruano de 8 años luego de haber convivido por 9 meses con él, la frase que resume la trama es ¿Serías capaz de devolver a tu hijo? Pero hay un personaje más, la mujer que se encarga del niño (interpretado por el ecuatoriano Brandon Lastra), rol asumido por la actriz peruana Norma Martínez. Este papel supone un referente de primer nivel en la carrera de Martínez, hace poco ella contó en una entrevista con La República detalles de su experiencia:

Es el primer largometraje de David (Planell) y mi primera cinta en España. Antes había rodado una película más independiente que se llamaba Cuídate de mí, pero La vergüenza es algo más formal … A David lo conozco desde hace mucho. Tenemos una amistad muy antigua que se remonta a la época en la que ambos estudiamos becados en Inglaterra. El rodaje de La vergüenza es consecuencia de ello, ha sido una cinta muy familiar … Por ejemplo, Natalia (Mateo) es esposa de David. Todos éramos muy cercanos.

Más premios de Málaga 2009 »

¿Cómo se hacen las películas en nuestro país? ¿Qué dificultades enfrentan los realizadores? ¿Existen corrientes, géneros definidos? ¿De dónde sale la plata? Muchas preguntas para un cine incipiente y siempre en edad escolar. Varias de estas cuestiones deben haber rondado la cabeza de Pablo J. Ruiz para decidirse a realizar una serie de diez cortos que pusiera las cosas en perspectiva. Para ello contó con la colaboración de realizadores de distintas generaciones y procedencias, como Augusto Cabada, Aldo Salvini, Raúl Gallegos, Judith Vélez, Flaviano Quispe, Héctor Marreros, Miguel Barreda, Francisco Lombardi, Augusto Tamayo, Chicho Durant, Claudia Llosa, Josué Méndez, Eduardo Mendoza, Ricardo Velásquez, Luis Llosa, Álvaro Velarde, Ernesto Cabellos, Humberto Saco, Andrés Cotler y otros más.

La serie imaginada por Pablo se basó en entrevistas que sondearan la experiencia de los directores sobre los distintos procesos de la tarea cinematográfica, avanzando progresivamente desde la vocación de construir historias hasta la hamletiana pregunta de si el esfuerzo valía la pena. Vemos entonces que el documental tiene una abierta vocación pedagógica y busca ser un insumo para quienes se decidan a tomar la cámara y alumbrar obras audiovisuales. El orden de los diez capítulos es como sigue:

• I: La Vocación
• II: El Guión
• III: El Proyecto
• IV: El Financiamiento
• V: El Rodaje
• VI: Dirección de actores
• VII: Elementos cinematográficos
• VIII: El peor error de un director
• IX: Distribución y exhibición
• X: ¿Vale la pena hacer cine en el Perú?

¿Como se hizo el documental? »

Hace cinco años, en un aula de la Universidad Peruana Cayetano Heredia, César Guerra y David Sandoval proyectaron La noche americana, dando inicio -con este canto de amor al cine de Truffaut- a un nuevo cineclub. Con 18 ciclos y más de 150 películas presentadas, César y Mario Castro -actuales programadores- continúan trabajando en la difusión cinematográfica y para celebrar el quinto aniversario del cineclub presentarán hoy a las 6 pm 71 Fragmentos de una cronología del azar de Michael Haneke. Para unirnos a la celebración publicamos esta breve entrevista con César Guerra, donde nos explica la razones que lo llevaron a crear este espacio cinematográfico.

César, hace cinco años iniciaste el cineclub con David Sandoval, cuéntanos cómo fueron esos momentos iniciales
Yo había estado hablando desde fines del 2003 con David Sandoval sobre la idea de proyectar películas en algún lugar de manera permanente. Esta idea tenía sustento ya que desde la primera mitad del año 2003 yo había venido pasando películas en un pequeño auditorio de la Facultad de Psicología de la Pontificia Universidad Católica del Perú, lo cual me daba una cierta experiencia en la dirección y programación de películas. David que era alumno de psicología de la Universidad Peruana Cayetano Heredia me habló de la posibilidad de que nos fuera proporcionada un aula de esa facultad para poder proyectar películas, lo cual se dio y el 23 de marzo de 2004 empezamos con las funciones. Desde esa fecha el crítico de cine Mario Castro Cobos ha formado parte del Cineclub durante los primeros tres años como presentador y comentarista de las películas, y actualmente como programador del ciclo y comentarista de las cintas proyectadas. La primera película que se pasó fue La noche americana de Francois Truffaut. Esto no hubiera sido posible sin el valioso apoyo de la que en ese momento fue decana de la Facultad de Psicología de la UPCH la doctora Norma Reátegui, a quien pasados los años seguimos agradeciendo. Lamentablemente, desde que hubo el cambio de autoridades no obtuvimos el mismo apoyo. Por ello fue que el Cineclub dejó de funcionar por unos meses, específicamente desde abril a octubre de 2007. Hasta que en noviembre del mismo año el Dr. Jorge Berríos, director del Centro Cultural y Académico de la UPCH, nos brindó su apoyo y el Cineclub pasó de estar auspiciado por la Facultad de Psicología de la UPCH a estarlo por el Centro Cultural y Académico de la misma universidad. Un dato importante es que el ingreso siempre ha sido y será gratuito.
Sigue leyendo la entrevista a César Guerra »

Renzo Aroni Sulca -historiador y profesor de la Universidad de San Marcos- estuvo presente en la proyección de La teta asustada en Manchay y a partir de esa experiencia escribió un interesante artículo que es un acercamiento al tema de la violencia y sus secuelas. Entre otros puntos el artículo lanza algunas inquietantes preguntas:

¿Por qué la “teta asustada” y qué significado tiene para nosotros esta frase acuñada por la antropóloga médica Kimberly Theidon? ¿En qué medida esta película nos vuelve a repensar el pasado de la violencia política en el Perú? ¿Qué sentido tiene para nosotros los peruanos las narrativas de las mujeres víctimas de violación de derechos humanos producidas durante la guerra?

En la historia de Claudia Llosa son en efecto las mujeres las que cargan con el peso que la violencia ha dejado, en particular el personaje de Magaly Solier (Fausta) sobre la que se concentra la narración. Renzo realiza una lectura de las características de este personaje y por extensión de las mujeres que ella representa:

El drama subjetivo que vive la madre de Fausta y la propia Fausta es el drama que hoy viven muchas mujeres en las comunidades arrasadas por la violencia. Esta narrativa ficcional (…) son los recuerdos “enmarañados” que no están resueltos, recuerdos inconclusos, sueltos, soterrados, que motivan a pensar, desde el lado más sensible del ser humano.

La historia de Fausta representa el drama de una “memoria tóxica” o “experiencia fallida” (Del Pino 2003:57), es decir el recuerdo “sedimentado” o “encapsulado”, que no le permite al sujeto liberarse de su padecimiento, una imagen cautivada en la mente humana por los defectos de la experiencia del pasado, pero que al fin al cabo busca un camino en un mundo complejo y ahogante, abriendo grietas, desechando lo tóxico, todo lo que atormenta.

¿Cómo funciona la memoria en el personaje de Fausta? »

Acabo de ver la película de Claudia Llosa y debo decir que me ha gustado mucho, disfruté la narración austera, apagada, con varias revoluciones menos que Madeinusa. Admiré el magnetismo de una Magaly Solier hecha un nudo de dolor y miedo en su personaje de Fausta y el desempeño de un elenco donde casi todos son novatos pero intensamente creíbles en sus personajes. Aprecié el excelente trabajo fotográfico de Natasha Braier y el diseño de arte a tono con el carácter de la historia, lo mismo que la música de Selma Mutal. Pero entre todo quiero destacar el uso de las canciones, dulces y duras canciones en quechua y castellano que funcionan como detonantes dramáticos, empezando con una tonada a capella que la madre moribunda de Fausta recita y que es una confesión y una denuncia.

Contado así parecería que estamos ante un intenso drama sin tregua, pero felizmente la cinta tiene momentos distendidos, guiños de humor negro que son vías de escape para exhalar el aliento. Y ya que el guión manda que la familia de Fausta -habitantes de un polvoriento barrio marginal- se ganen la vida organizando matrimonios, entonces la música que debía acompañar ciertas escenas tendría que ser bailable ¿Y qué acompañamiento musical escogió Claudia Llosa para esos momentos? Pues nada menos que los sonidos de Los Destellos, grupo que de la mano de Enrique Delgado fundó la llamada cumbia peruana a finales de los años sesenta.

Los Destellos aportaron los temas: Horizonte, La muerte del preso que se fugó por ir a bailar, el clásico Elsa que en la voz de Félix Martínez suena en medio de la película y en los créditos finales, y el instrumental Caminito serrano. Y es justamente este último tema el que más me conmovió, cosa personal por supuesto, pues es un verdadero himno que con la guitarra del maestro Enrique Delgado y el bajo de Tito Caycho hizo bailar a generaciones de peruanos (entre los que se cuenta este servidor), casi como en la película, en pueblos del interior, en matrimonios celebrados al aire libre, al borde de zanjas abiertas listas para recibir las primeras tuberías de agua, luego otra vez en salones alquilados para celebrar la graduación del hijo mayor o en polladas de beneficencia, animando cumpleaños, navidades, acompañando a los migrantes en sus primeras invasiones, décadas de cambios y sueños.

Más música de Los Destellos luego del click »

Dice un cable de Andina: “De un infarto al corazón falleció esta madrugada el escritor y periodista Guillermo Thorndike, autor de numerosas novelas y director a lo largo de su vida de diversos medios de comunicación.” RPP añade: “El destacado hombre de letras nació en Lima en 1940. Fundador de varios diarios peruanos, como La República, como escritor publicó el “Año de la barbarie”, “El caso Banchero”, “No mi general”, “Abisa a los compañeros”, “Las rayas del tigre”, “El caballero de los mares”, entre otros.

Queda claro que se trata de una sensible pérdida, pues Thorndike era un periodista de raza, que puso su pluma al servicio de causas justas y otras no tanto (tuvo un periodo oscuro con el gobierno de Fujimori), sin embargo de lo que no se habla mucho es de su breve incursión en el cine, a través de por lo menos dos guiones que escribió a finales de los 70s. Se trata de Muerte al amanecer, el primer largometraje de Francisco Lombardi y Abisa a los compañeros, la ópera prima de Felipe Degregori.

En el caso de Muerte al amanecer -la historia del fusilamiento de Jorge Villanueva Torres, el llamado “Monstruo de Armendariz”- su involucramiento en el proyecto fue crucial, pues Thorndike fue testigo del hecho y a propósito de ello publicó una crónica. En una entrevista con Jorge Coaguila, Thorndike dice lo siguiente:

Más tarde escribió con Francisco Lombardi el guión del filme Muerte al amanecer (1977).
Él hizo el guión técnico y yo, el guión literario. Se basa en un texto que publiqué en el suplemento «Estampa», de Expreso, en 1973. Se inspira en una experiencia personal. Mi padre era ministro de Justicia de Manuel Prado Ugarteche y firmó la orden de ejecución de Jorge Villanueva Torres. Entonces yo iba a practicar esgrima militar con el director de la Penitenciaría, el comandante Salvador Mariátegui, campeón de esta disciplina durante muchos años. Recuerdo que me afeitaba Mamoru Shimizu, natural de Hiroshima, a quien acusaron de matar a los siete miembros de su familia. En esas circunstancias conocí a Villanueva Torres, a quien decían El Monstruo de Armendáriz. Conversé mucho con él, lo vi cultivar legumbres en un pedacito de su celda aislada, y llegué a la convicción de que este hombre era inocente. Se lo dije a mi padre, pero sólo el presidente podía dar el perdón. Vi la ejecución, que ocurrió el 12 de diciembre de 1957. Lo que pasó es lo que está en la película de Lombardi.

Abisa a los compañeros se basó en un libro del mismo Thorndike (Abisa a los compañeros, pronto), que recreaba un hecho real ocurrido en 1963, cuando dos guerrilleros argentinos y uno español realizaron el asalto al Banco de Crédito del Perú para reunir fondos para apoyar la sublevación campesina del valle de la Concepción en Cusco. El crítico Ricardo Bedoya valora los “consistentes logros en los campos de la eficacia narrativa, ambientación, dirección de actores (destacaban Orlando Sacha y Gustavo Mc Lennan) y en la creación de tensiones dramáticas y momentos de suspenso.” En enero de este año se pudo ver la cinta en un ciclo organizado por el CAFAE.

Extra: Jorge Luis Valdez Morgan se extiende sobre el tema en su Bitácora de Hobsbawm, muy recomendable.